Com uma trajetória artística de mais de 40 anos, o artista catalão Jaume Plensa é reconhecido mundialmente por suas obras de grande escala e instalações no espaço público. “Invisível e Indizível” apresenta 17 obras que gritam, mesmo sem falar, e extrapolam a função de objeto, desenvolvendo sensações e relações com o público.

A exposição reúne, pela primeira vez, dois trabalhos de grande volumetria e construções distintas: “Silent Hortense” (com mais de sete metros de altura) e “Invisible Rui Rui”. 

Jaume Plensa é um artista cujas obras permanecem em nossa memória por anos a fio. Sua trajetória artística de mais de 40 anos dedicados à criação de arte pública, esculturas e instalações apresentadas ao redor do mundo o consolidou como o mais importante artista catalão de sua geração. Sua busca pela sutileza da forma o destaca entre os grandes escultores do nosso tempo. 

Como um escultor de sonhos, Plensa incorpora imagens silenciosas de rostos, mãos e palavras disseminadas na memória, em trabalhos que produzem uma experiência onírica em certos contextos. Sua produção resulta da equação escultura-contexto, gerando um impacto reflexivo no espectador.

Esta exposição reúne pela primeira vez duas obras de grande escala e construções distintas: “Silent Hortense” e “Invisible Rui Rui”. A primeira dá corpo à impossibilidade de expressar o que não há como ser dito, enquanto a segunda retira o corpo de uma expressão sublime que pede silêncio. Esse confronto simétrico entre as duas esculturas no espaço é uma composição inédita em sua obra. 

Jaume Plensa busca em suas obras – às vezes, sutis; outras, monumentais – expressar aquilo que não se consegue ser dito, o indizível. Ele dá corpo a uma manifestação da alma, torna permanente um gesto efêmero e sinaliza caminhos que revelam uma condição da nossa impossibilidade de tornar verbo aquilo que é sonho.

Esta exposição aborda o limite da incomunicabilidade associada à ideia da nossa incapacidade de ouvir, de escutar o silêncio, de permanecer permeável e de expressar o que se manifesta em nosso inconsciente. De forma silenciosa e contundente, as obras perguntam: pode me ouvir?

“Invisível e Indizível”, do artista espanhol Jaume Plensa, um dos principais nomes de sua geração. A inauguração da mostra, com curadoria de Marcello Dantas, será no dia 7 de dezembro.

O Museu Oscar Niemeyer (MON) realiza, no espaço do Olho, a exposição “Invisível e Indizível”, do artista espanhol Jaume Plensa, um dos principais nomes de sua geração. A inauguração da mostra, com curadoria de Marcello Dantas, será no dia 7 de dezembro.

A exposição provoca com imagens uma profunda reflexão ao visitante. “São 17 obras que gritam, mesmo sem falar; que extrapolam a função de objeto e desenvolvem sensações e relações entre espectadores e obras”, afirma a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika.

Na comemoração de 20 anos, o Museu Oscar Niemeyer realiza esta que talvez seja uma das mais surpreendentes mostras feitas pelo MON naquele espaço. “Projetado pelo mestre Oscar Niemeyer, o Olho é uma sala expositiva única e deslumbrante, que ajudou a tornar o MON conhecido nacional e internacionalmente”, diz.

A superintendente-geral da Cultura, Luciana Casagrande Pereira, comenta que o MON tem sido, ao longo dos seus 20 anos, um museu de superlativos. “A exposição do espanhol Jaume Plensa coroa as comemorações de aniversário deste museu que tanto orgulha os paranaenses. São obras de grande impacto, que vão surpreender e encantar os espectadores”, afirma.

Com uma trajetória artística de mais de 40 anos, Plensa é um artista reconhecido mundialmente por suas obras de grande escala e instalações no espaço público que o consolidaram como o mais importante artista catalão de sua geração. “Sua busca pela sutileza da forma o destaca entre os grandes escultores do nosso tempo”, comenta o curador Marcello Dantas.

Em suas criações, Plensa faz o uso de diferentes materiais, do vidro ao aço e ao bronze, até elementos menos tangíveis, como água, luz e som. Essa contraposição entre a materialidade e imaterialidade é uma característica marcante em sua obra. 

A exposição reúne, pela primeira vez, dois trabalhos de grande volumetria e construções distintas: “Silent Hortense” (com mais de sete metros de altura) e “Invisible Rui Rui”. A primeira dá corpo à impossibilidade de expressar o que não há como ser dito, enquanto a segunda retira o corpo de uma expressão sublime que pede silêncio. “O confronto simétrico entre as duas esculturas no espaço é uma composição inédita em suas exposições”, comenta Dantas. 

Essas expressões e gestos sutis representadas em suas obras provocam uma compreensão ampla sobre a consciência e existência humana. Segundo a curadoria, “as pequenas distorções e imperfeições presentes em suas esculturas instigam no espectador uma conexão mais intuitiva, em que as semelhanças se sobrepõem às divergências.” 

Jaume Plensa nasceu em 1955, em Barcelona, na Espanha, e reside e trabalha em Barcelona. Com uma trajetória artística de mais de 40 anos, sua prática é marcada por obras de grande escala em espaços públicos e por esculturas e instalações que exploram diferentes materiais, como resina, poliéster, aço, ferro, água, vidro e náilon. Seus trabalhos já foram expostos na Espanha, França, Japão, Inglaterra, Coreia, Alemanha, Canadá, Estados Unidos, Brasil, entre outros.

A busca pela sutileza da forma o destaca entre os grandes escultores do nosso tempo, que abordam a dimensão humana e sua relação com o meio ambiente. Plensa incorpora imagens silenciosas de rostos, mãos e palavras disseminadas na memória. Sua vasta produção é resultado da equação escultura-contexto, de forma a gerar um impacto reflexivo no público.

O artista recebeu diversos prêmios nacionais e internacionais: Medaille des Chevaliers des Arts et Lettres, Ministério da Cultura da França, em Paris (1993); prêmio da Fundação Atelier Calder, Saché, na França (1996); prêmio Nacional de Belas Artes do Governo da Catalunha (1997); Doutor Honoris Causa pelo Art Institute of Chicago, EUA (2005). Na Espanha foi agraciado com o Prêmio Nacional de Belas Artes (2012), o prestigioso Prêmio Velázquez de Artes (2013) e o Doutorado Honorário da Universitat Autònoma de Barcelona (2018). 

Marcello Dantas é um premiado curador interdisciplinar com ampla atividade no Brasil e no exterior. Trabalha na fronteira entre a arte e a tecnologia, produzindo exposições, museus e múltiplos projetos que buscam proporcionar experiências de imersão por meio dos sentidos e da percepção. Nos últimos anos esteve por trás da concepção de diversos museus, como o Museu da Língua Portuguesa e a Japan House, em São Paulo; Museu da Natureza, na Serra da Capivara, Piauí; Museu da Cidade de Manaus; Museu da Gente Sergipana, em Aracaju; Museu do Caribe e Museu do Carnaval, em Barranquilla, na Colômbia. Realizou exposições individuais de alguns dos mais importantes e influentes nomes da arte contemporânea como Ai Weiwei, Anish Kapoor, Bill Viola, Christian Boltanski, Jenny Holzer, Laurie Anderson, Michelangelo Pistoletto, Rebecca Horn e Tunga. Foi também diretor artístico do Pavilhão do Brasil na Expo Shanghai 2010, do Pavilhão do Brasil na Rio+20, da Estação Pelé, em Berlim, na Copa do Mundo de 2006. Atualmente, é responsável pela curadoria da Bienal do Mercosul, inaugurada em setembro, em Porto Alegre, e é curador do SFER IK Museo em Tulum, no México. Formado pela New York University, Marcello Dantas é membro do conselho de várias instituições internacionais e mentor de artes visuais do Art Institute of Chicago.

jamume_plensa_pt-br.pdf

Jaume Plensa - Invisível e Indizível

O MON está ao lado de grandes museus do Brasil e do mundo na plataforma Google Arts & Culture. Visite nossas exposições em formato virtual.

Conheça mais sobre esta exposição na plataforma Google Arts & Culture.

Carina Weidle, Debora Santiago, Juliana Notari, Juliana Stein, Laura Vinci, Leila Pugnaloni, Maria Macêdo, Mariana Palma, Regina Silveira e Vilma Slomp

MON realiza exposição “Afinidades II – Elas!”

O Museu Oscar Niemeyer (MON) inaugura no dia 27 de outubro a exposição “Afinidades II – Elas!”, na Sala 3. A mostra faz parte do projeto “Afinidades”, que teve início em 2021. 

Nesta segunda edição, um grupo de artistas mulheres, de diversas regiões do Brasil, foi convidado a participar, a partir de uma imersão na coleção permanente de obras do Museu Oscar Niemeyer. Com curadoria de Marc Pottier, a mostra reúne dez artistas brasileiras, com a intenção de ser uma celebração da arte feita por mulheres.

“O olhar feminino das artistas convidadas conferiu à exposição uma grande diversidade de obras, passando por épocas e temáticas distintas, que certamente irá instigar e sensibilizar o espectador”, comenta a diretora-presidente do MON e idealizadora do projeto, Juliana Vosnika.

Afinidades 
Antes de mais nada, vamos relembrar a origem do projeto “Afinidades”. Ao expor suas coleções, o MON inova e também oferece entretenimento, convidando os artistas e o público a se apropriarem do “seu” Museu e de suas coleções. “Afinidades” insere-se em 2021 neste desejo ao convidar cerca de 20 artistas paranaenses a selecionarem algumas obras da coleção do acervo do Museu e tentar partilhar com o público as razões das suas escolhas.

Para a primeira “Afinidades”, estas duplas criadas para a exposição formam uma composição onde cada artista justifica o porquê do face a face escolhido, complementando-o com textos, citações, vídeos ou encenações com ou sem suas obras, que permitam ao público entender suas escolhas.

Cada uma das composições dos artistas selecionados permitiu revisitar as coleções do MON com uma grande variedade de épocas e suportes, possibilitando, assim, percorrer a história da arte desde o século XIX até os dias de hoje, passando por objetos das coleções asiática e africana, tudo isso através dos “recados” que mandaram e das histórias que nos contaram os artistas que participam do projeto.

Também chamadas de “sinestesia” (do grego syn, “com” (união) e aesthesis, “sensação”), as “Correspondências”, outro ângulo para falar sobre “Afinidades”, designam a relação entre o mundo material e o mundo espiritual. Segundo Charles Baudelaire, só os artistas sabem decifrar o sentido das analogias que nos permitem passar do mundo das percepções ao das ideias. Nesta exposição, tratou-se de celebrar relações com uma surrealidade entre obras de arte escolhidas propositadamente. Esse jogo leva a órgãos de sensação oferecidos pelos artistas aos visitantes.

Nesse exercício, os artistas assumem o lugar do curador que, após a seleção dos artistas participantes de “Afinidades”, entra nas sombras para se tornar apenas um conselheiro com quem dialogar sobre as possibilidades e a forma de apresentar os casamentos entre as obras.

Afinidades II – Elas!
Esta segunda versão do projeto “Afinidades” quer ser uma celebração da arte feita por mulheres. Em 2013, a exposição “Elas: Mulheres Artistas da Coleção do Centro Pompidou” – que Cécile Debray, Emma Lavigne e o curador Marc Pottier organizaram no CCBB do Rio de Janeiro e Belo Horizonte – foi uma estratégia para “des-alinhar o gênero”, desmontar o preconceito contra uma “arte feminina” e mostrar, através da multiplicação dos pontos de vista e das técnicas, que as mulheres artistas fizeram a história da arte do século XX tanto quanto os homens. Abstratas, funcionais, objetivas, realistas, conceituais, minimalistas, informais, políticas... as mulheres artistas brasileiras foram pioneiras e estiveram atuantes desde os primeiros tempos. Sempre contemporâneas, nenhuma revolução das artes lhes foi estranha: fotógrafas e videastas de primeira hora, fazendo performances e sendo pioneiras da era digital. Pensamos de imediato em Anita Malfatti, Maria Martins, Tarsila do Amaral, Mira Schendel, Tomie Ohtake, além dos ícones da arte contemporânea Lygia Clark e Lygia Pape. O Brasil sempre foi um país muito “avant-guarde”, com uma presença única de artistas mulheres celebradas no mundo.

Queremos dar a palavra para alguns dos talentos de artistas brasileiras nesta segunda edição de “Afinidades”, convidando artistas mulheres brasileiras de gerações diferentes, cinco do Paraná e seis de outros estados, para nos falarem das suas afinidades. 

É interessante notar a grande diversidade das obras selecionadas pelas 10 mulheres artistas do “Afinidades II”. Muitas acharam difícil se restringir e selecionaram um grande número de trabalhos. Todas as épocas estão representadas, assim como todas as coleções do MON, com objetos africanos e asiáticos, revistas, até autores desconhecidos. A doação de Poty Lazzarotto aparece muito bem – Juliana Stein e Vilma Slomp o selecionaram e mostraram muitos desenhos dele. Às vezes, um artista participante também foi selecionado por outro. Assim, Vilma Slomp também aparece nas escolhas do jogo “Afinidades” de Laura Vinci. Vários artistas que participaram da primeira exposição “Afinidades” foram selecionados, como é o caso de Alfredo Volpi, Eliane Prolik, Hugo Mendes, Maria Bonomi, Miguel Bakun e Washington Silvera. As artistas do “Afinidades II” não optaram necessariamente por apresentar obras de artistas mulheres. Todas eram livres para escolher sem orientação. Duas obras da primeira exposição “Afinidades” voltam aos trilhos – é o caso de Masao Yamamoto e Martin Chambi, selecionados por Laura Vinci, dando assim um ângulo diferente de uma mesma afinidade de dois artistas convidados de duas versões do projeto “Afinidades”. 

O feminismo parece ausente das composições imaginadas por essas 10 artistas. O corpo está presente, mas sem pretensão política. É o caso de Juliana Notari. Com uma relação direta e intensa entre arte e vida, ela cria um campo de observação do humano enquanto animal a partir da sua própria experiência capilar para dialogar com várias obras da série “Fauna e Flora”, da artista Violeta Franco (Curitiba, 1926-2006). Se, para Violeta, a pintura significa liberdade e a gravura, disciplina, é com a liberdade das transformações incontidas das suas pinturas que os desenhos de Juliana encontram as suas raízes. 

Escolhendo imagens (quase todas, fotografias em preto e branco – Martín Chambi, Francisco Faria, Antanas Sutkus, Masao Yamamoto, Leonardo Régnier, Leopold Plentz, Valdir Cruz e Vilma Slomp), Laura Vinci se posiciona com as figuras postadas selecionadas por ela, numa atitude de observação, contemplação ou espera: homens e mulheres, em tempos históricos diferentes, alguns diante da natureza; outros, da paisagem da cidade. A partir delas e do olhar dos artistas que registraram esses outros olhares, Laura percebeu que estava criando uma rede de afinidades, uma visão de um mundo do futuro, perguntando para o público o que está invisível e em risco – o desaparecido? O que não se vê? Um estado de urgência? As obras da Laura aqui funcionam só como um sinal, como aquelas bandeiras vermelhas hasteadas na praia em dias de mar revolto, apontando o perigo diante da tempestade. Alvo misterioso dos mapas, sinal de que, se não atentarmos energicamente para o que está nos acontecendo, iremos sofrer como o navio do temporal do Guilherme Michaud, que ela incluiu também na sua seleção de “Afinidades”. 

Algumas falam de memória, da criação artística em geral. Então, por exemplo, Leila Pugnaloni fala de pintura, da memória visual e afetiva composta de muitas camadas. As suas são do Rio de Janeiro, onde nasceu, da Brasília nascente em que passou parte da infância e da Curitiba para onde foi adolescente e criou raízes. Trabalhar com a geometria e extrair dela a possibilidade de uma pintura aquecida pela cor, pela luz, pelo acaso – e relacionada com o espaço onde está inserida – está a essência da sua pintura, como ela acredita que transparece das obras de Daniel Senise, Geraldo Leão e Arcângelo Ianelli, que escolheu para esse diálogo.

Debora Santiago quer falar de desenho, que tem sido uma prática frequente na sua produção artística. O seu longo desenho da série “Entre os Rios”, com cinco módulos, se casa com a sua escolha de muitas obras do acervo do MON, desenhos e estudos de Dulce Osinski, Heliane Grudzien, Ida Hannemann de Campos, Jefferson Cesar, Violeta Franco, Miguel Bakun e Didonet Thomaz, dando uma grande variedade sobre esse médium artístico. Apresentar esses desenhos, com temáticas diversas, tem como intuito nos aproximar e conhecer os diversos processos que envolvem a criação artística.

“Aparelho de Ginástica com Estruturas Invisíveis”, como o nome que Carina Weidle deu à sua instalação, propõe uma reflexão sobre a realidade visual, o invisível e não visível, a dúvida sobre o que vemos e percebemos. A ideia do trabalho pressente um conflito de estruturas, aqui entre o hexágono e o quadrado, a abstração e a figuração. A reflexão sobre a importância das artes visuais para a cultura de forma abrangente foi a tônica, para ela, para a seleção de trabalhos dentro do acervo do MON: Volpi traz a repartição do espaço, de uma forma singela e articulada, plana, colorida e quase sem corpo; Rodrigo Andrade confronta o público com o poder da cor e da massa, de maneira dual e direta, com um corpo realidade mais contemporânea que todos os outros. O autorretrato de Leonor Botteri, que foi a sua professora de pintura, exibe uma melancolia de cores frias que comunga com uma intenção deste com o trabalho da Carina; o trabalho de Stockinger não é cor, mas a matéria, a maleabilidade e dúvidas sobre a matéria que expressa e confunde o que nós vemos e o que é real.

Mariana Palma, como muitas outras artistas, tem lutado para se conter nas suas escolhas e oferece uma vasta gama de obras que podem ser encontradas em coleções de artes plásticas, africanas e asiáticas. Outra artista preocupada com pintura e materiais, ela vai bem, além de eleger obras bidimensionais, baseadas na pintura de natureza e paisagens e de uma simples similaridade estética:  Ianelli, com obra que cria uma atmosfera de pouca visibilidade para uma paisagem de cores clássicas para brincar com essa questão e da veladura da imagem; Tomie Ohtake escolhida, com sua icônica obra amarela em formato de olho, remetendo ao formato arquitetônico do Museu, com camadas de tinta translúcidas cujo resultado é uma vibração na cor única, relacionando-se da mesma forma à construção da pintura do díptico e da pintura menor coberta com foto impressa em véu da própria Mariana; Maria Bonomi e sua expendida gravura realizada através da soma de impressões da mesma matriz.

“Obras duras, para dizer de tempos duros”, é o que Regina Silveira quer mostrar. Em primeiro lugar, as escolhas dela são artistas no terreno da linguagem: signos ou objetos, apropriados do mundo industrial na direção de transformar radicalmente o significado desses signos: “Cupim”, os parafusos agigantados de Washington Silvera e os “Tapumes” metálicos de Eliane Prolik. Mas Regina vai rapidamente no terreno de catástrofes: “Dormência”, de Hugo Mendes, e nas 16 placas de espelho do Sem Título de Carlos Fajardo em frente de “Duelo”, as pistolas fantasmáticas confrontadas de Regina e “Fábula”, o seu ovo negro com sombra de mosquito e sonoridade desses insetos misturada com a de helicópteros. 

A questão da cultura afro-brasileira é presente com o trabalho de duas artistas. Maria Macêdo inicia o seu texto de apresentação com “Em nome da pele que sangra, olhai por nós!”, dando o espírito do seu projeto, no qual apresenta uma instalação intitulada “Rito de Corte e Cura”; nela, sua ideia é criar um ambiente de instalação de descanso e reverência a três mulheres pretas que hoje são consideradas santas, após sofrerem violências em vida. O seu intuito é conectar a santidade de Maria Bueno, do artista Emerson Persona, do acervo do MON, referenciada nessa mulher que, após ser assassinada, foi considerada santa popular. Ela chama também na sua instalação a beata Maria de Araújo e Maria Caboré, santas do Cariri Cearense. Esta última até é nomeada como santa marginal, por ser uma santa do povo pobre. “Rito de Corte e Cura” se propõe a ser um ambiente de culto à memória, um local de descanso contra os males que assombram a nossa existência racializada, construída pela história que é devedora ao povo negro e indígena deste país. Uma evocação da memória e do direito ao descanso devido a essas mulheres que em matéria não tiveram respiros, a quem foi negado o direito à humanidade. Nesta homenagem na presença da cultura afro-brasileira, Rosana Paulino confronta os seus autorretratos com máscaras com uma série de máscaras da doação Yunes. 

A questão indígena, os guardiões da Floresta Amazônica, é abordada por Vilma Slomp com a sua obra “A Realidade em Função da Eternidade”, uma série de fotografias que captou recentemente durante a cerimônia do Kuarup na aldeia Yaipiuku, da etnia Mehinako. Elas refletem às avessas o Manifesto Antropofágico de Oswald de Andrade, de 1928, à nossa dependência da arte em globalização como um abismo. Através de diferentes ritos, os indígenas, em sua ancestralidade de forte expressão cultural, registram a memória através das lutas e danças nas pinturas de seus corpos com desenhos geométricos, explorando a potência de sua identidade em paralelo à busca na conexão com o mundo exterior. Em diálogo com o acervo do Museu Oscar Niemeyer vêm à tona os questionamentos da importância atávica na série de desenhos das ocas no Xingu de Poty Lazzarotto e a escultura Guairacá, de João Turin.

A doação de Poty Lazzarotto ganhou muitos outros votos e está bem representada nesta exposição. “Poty desenhava letras, Poty escrevia desenhos”, escreve Juliana Stein, que se deparou com este trabalho de frente e mergulhou nele com temas desenvolvidos que fazem parte da história da cidade de Curitiba e fazendo essas obras parecerem autobiográficas para ela. Nasce um jogo entre palavras e imagens compartilhadas com Poty. O desenho dessas letras está presente nesta mostra ao lado de outra obra que a artista nomeou como “A Medida das Coisas”. Juliana completa as suas afinidades com máscaras africanas funcionando como lembretes da história, acontecimentos que nos dão um espectro de pertencimento e produção de sentido, ou da sua falta, lembrando que há sentidos que não estão onde os procuramos e sim onde os encontramos. Há também uma pintura do artista surrealista Eduardo Berliner. 

“Afinidades” tornou-se um projeto anual do MON que, assim, dá vida, pelo olhar das e dos artistas, à variedade das suas coleções. Melhor do que ninguém, elas e eles sabem fazer a ligação entre o público e as obras através de uma narrativa nutritiva que também lhes permite compreender melhor o que é a criatividade artística. 

A mostra faz parte do projeto “Afinidades”, que teve início em 2021. Nesta segunda edição, um grupo de artistas mulheres, de diversas regiões do Brasil, foi convidado a participar, a partir de uma imersão na coleção permanente de obras do Museu Oscar Niemeyer. Com curadoria de Marc Pottier, a mostra reúne dez artistas brasileiras, com a intenção de ser uma celebração da arte feita por mulheres.

“As artistas participantes selecionaram obras no acervo do MON com as quais têm maior afinidade e que mais as inspiram e, a partir delas, construíram uma nova narrativa. A intenção com isso é promover a coleção a partir de diferentes abordagens”, explica Juliana.

Como resultado, artes asiática e africana estão representadas nesta exposição, assim como o trabalho do artista curitibano Poty Lazzarotto, trazendo ao público um pouco das três grandiosas doações recebidas pelo MON, além de várias outras obras de renomados artistas contemporâneos, sob o olhar das artistas. 

“É fundamental que o Museu abra espaço para a representatividade feminina nas artes. E fazer isso por meio de ações curatoriais é formidável. O olhar sensível dessas artistas convidadas leva o expectador a uma diferente leitura do acervo do MON”, afirma Luciana Casagrande Pereira, superintendente-geral da Cultura.

Olhar feminino 
A exposição “Afinidades II – Elas!”, com cerca de 130 obras, conta com a participação das artistas convidadas: Carina Weidle, Debora Santiago, Juliana Notari, Juliana Stein, Laura Vinci, Leila Pugnaloni, Maria Macêdo, Mariana Palma, Regina Silveira e Vilma Slomp. 

Após uma imersão no acervo do MON, elas escolheram obras dos artistas: Alfredo Volpi, Antanas Sutkus, Arcangelo Ianelli, Carlos Fajardo, Daniel Senise, Didonet Thomaz, Dulce Osinski, Eduardo Berliner, Eliane Prolik, Emerson Persona, Flavio Cerqueira, Francisco Faria, Francisco Stockinger, Geraldo Leão, Heliana Grudzien, Hugo Mendes,  Ida Hannemann de Campos, Jefferson Cesar, João Turin, Leonardo Régnier, Leonor Botteri, Leopoldo Plentz, Maria Bonomi, Martín Chambi, Masao Yamamoto, Miguel Bakun, Poty Lazzarotto, Rodrigo Andrade, Tomie Ohtake, Valdir Cruz, Violeta Franco, Washington Silvera e Wayna Picchu.

Segundo a curadoria, a partir dessas obras foram criadas novas composições, que permitem revisitar as coleções do MON com uma grande variedade de épocas e suportes, permitindo assim percorrer a história da arte desde o século XIX até os dias de hoje.

“Na exposição, tratou-se de celebrar relações com uma surrealidade entre obras de arte escolhidas propositadamente. Esse jogo leva a sensações oferecidas pelos artistas aos visitantes”, comenta Marc Pottier. “Nesse exercício, as artistas assumem o lugar do curador, que passa a atuar apenas como conselheiro, para dialogar sobre as possibilidades e a forma de apresentar os casamentos entre as obras”, diz o curador.

Ele explica que “Afinidades” tornou-se um projeto anual do MON que dá vida, pelo olhar de artistas, à variedade das coleções do Museu. “Melhor do que ninguém, artistas sabem fazer a ligação entre o público e as obras através de uma narrativa nutritiva que também lhes permite compreender melhor o que é a criatividade artística.” 

Nos últimos anos, o acervo do Museu Oscar Niemeyer teve seu tamanho quintuplicado, passando de 3 mil para 14 mil obras. Mais do que um simples aumento quantitativo, nesse período o Museu alterou e expandiu o marco referencial, demonstrando amadurecimento como instituição museológica. Além das áreas de artes visuais, arquitetura e design, com ênfase em arte paranaense e brasileira, o MON ampliou sua vocação e hoje também se dedica à formação de acervo de arte africana contemporânea, latino-americana e asiática. 

afinidades2-pt-br.pdf

Afinidades II - Elas!

Afinidades II - Elas! Vilma Slomp

Afinidades II - Elas! Regina Silveira

Afinidades II - Elas! Mariana Palma

Afinidades II - Elas! Maria Macedo

Afinidades II - Elas! Leila Pugnaloni

Afinidades II - Elas! Laura Vinci

Afinidades II - Elas! Juliana Stein

Afinidades II - Elas! Carina Weidle

Afinidades II - Elas! Debora Santiago

MON realiza exposição de arte africana com peças recém-incorporadas ao seu acervo

A exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer, apresentada pela Copel, poderá ser vista pelo público a partir de 26 de agosto, na Sala 4. É um recorte da grandiosa doação feita pela Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY) ao MON. 

No total, são aproximadamente 1.700 obras de uma das mais importantes e significativas coleções de objetos de arte africana do século XX, que passam a pertencer ao acervo do Museu Oscar Niemeyer e, consequentemente, ao Estado do Paraná. 

África, Expressões Artísticas de um Continente

Transforme uma árvore em lenha que ela arderá; mas nunca mais lhe dará flores e frutos.

Rabindranath Tagore (1861-1941), poeta bengali

A antiga metáfora da fertilidade relacionada à força vital e à potência das árvores, com as suas raízes profundas, o seu caule como alicerce, as suas ramificações como desdobramentos de si, seu legado como flores e frutos simbólicos, nunca foi tão adequada quanto ao ser aplicada às permanentes ligações com a nossa Mãe África. Se pensarmos então nas metáforas da gigantesca árvore baobá, desde as referências históricas mais severas associadas à escravidão pela chamada “árvore do esquecimento” até as mais suaves, como a da famosa árvore do livro O Pequeno Príncipe, os aprendizados daí decorrentes seriam análogos: “Tu te tornas eternamente responsável por aquilo que cativas”, como disse Saint-Exupéry.

Se as expressões artísticas surgem dos sentidos, o legado das civilizações surge das mãos. E como são belas as manifestações dos povos; como são belas as artes da África! O amor e a ânsia pelo belo, o amor e o temor à natureza e aos deuses e o destemido apreço à civilização foram tão caros às nações africanas que indistintamente distribuíram e reputaram a todos os aspectos da existência, contraditórios ou não, alguma forma de manifestação artística.

As artes demarcam as formas de um tempo. A exposição de longa duração “África, Expressões Artísticas de um Continente” apresenta, assim, um dos pontos essenciais da transição do desenvolvimento das artes africanas mais antigas, desde a sua retirada do continente e a posterior descontextualização de seus significados intrínsecos, vistos no mundo moderno e contemporâneo a partir de uma ênfase em suas formas artísticas. Antes restrita aos museus europeus enquanto objetos de culturas milenares ditas tradicionais, hoje as obras legadas da África puderam se conformar ao fazer artístico da atualidade, oferecendo ao mundo todo a chamada “arte tradicional africana contemporânea”, como é conhecida pelos especialistas. Essas obras são instrumentos de modernização recentes e autênticos das artes populares africanas ou ainda reproduções modernas das antigas peças destinadas sobretudo aos mercados emergentes nos trópicos.

Estreitando os laços institucionais, o Museu Oscar Niemeyer (MON) recebeu esta importante doação de obras africanas da Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY). Ao longo de mais de cinquenta anos, o casal adquiriu obras que abrangem cinco continentes. Essa doação engloba cerca de 1700 objetos advindos da África: são máscaras, estatuetas, bustos, miniaturas, objetos do cotidiano, instrumentos musicais e um grande número de outras peças. De maneira positiva, eles integram hoje o acervo do Museu Oscar Niemeyer, o qual parabenizamos por ter dado esse passo oportuno, enriquecendo a sua coleção e ao mesmo tempo todo o legado africano no Paraná e no Brasil. Convidamos a todos, então, a fazerem parte ativa nessa imersão pela arte da África, observando as suas formas naquilo que elas mesmas possam surpreender e permitir uma fruição equivalente a outras no universo artístico, sem determinações estanques, dando um passo a mais nesse diálogo. 

Da grande árvore da África geraram-se múltiplos frutos e novos legados. Não foi por acaso que, assim como a maioria dos povos subsaarianos, os assírios, os egípcios, gregos e romanos, os maias, os incas, os astecas e basicamente todas as grandes civilizações desenvolveram uma cultura do uso de máscaras e fizeram representações em esculturas. Com a exposição de objetos de heranças culturais tão distintas, encontramos aqui um importante ponto em comum: dentro do museu, essas artes são elevadas a uma mesma plataforma artística, igualando a arte africana ao patamar da arte mundial. Eis uma maneira de honrar a ancestralidade visual do passado e de abrir os novos plantios, rotas e perspectivas dessa arte no futuro.

“A vinda da coleção de arte africana é parte de um processo de consolidação do marco referencial do MON, que estabelece como diferencial da instituição prioritariamente colecionar arte paranaense e brasileira e expandir seu olhar não eurocêntrico para a arte latino-americana, asiática e africana”, explica a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika. “Buscamos incessantemente incrementar o acervo, pois aí está a alma de um museu, a sua essência”, comenta.

Juliana lembra que, em 2018, o MON foi o museu escolhido por suas condições técnicas, capacidade de gestão e credibilidade da instituição a receber uma doação de quase 3 mil obras de arte asiática. Doadas pelo diplomata e professor Fausto Godoy e oriundas de vários países daquele continente, parte das obras pode ser vista pelo visitante do MON na mostra “Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses”, na Sala 5.

Maior museu de arte da América Latina em área construída, com 35 mil metros quadrados, o MON triplicou o seu acervo nos últimos anos. Desde que foi inaugurado, em 2002, e até 2015, o MON contava com cerca de 3 mil obras. Atualmente, possui mais de 9.300 obras em seu acervo. 

Segundo o curador da exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente”, Renato Araújo da Silva, as obras doadas ao MON foram adquiridas ao longo de mais de 50 anos pelo casal Ivani e Jorge Yunes, detentores de uma das maiores coleções de arte do Brasil. 

“Com a exposição de objetos de heranças culturais tão distintas, encontramos aqui um importante ponto em comum: dentro do Museu, essas artes são elevadas a uma mesma plataforma artística, igualando a arte africana ao patamar da arte mundial”, diz. “Eis uma maneira de honrar a ancestralidade visual do passado e de abrir os novos plantios, rotas e perspectivas dessa arte no futuro”, comenta Renato.

Fazem parte da exposição: máscaras, esculturas, bustos e cabeças de bronze, miniaturas metálicas, objetos do cotidiano e instrumentos musicais. 

As obras têm origem em países como Costa do Marfim, Mali, Nigéria, Camarões, Gabão, Angola, República Democrática do Congo e Moçambique, entre outros. 

Renato Araújo da Silva é historiador em Filosofia pela Universidade de São Paulo e coautor, entre outros trabalhos publicados, do livro “África em Artes”. Curador e pesquisador, atuou no Museu Afro e realizou outras exposições em museus, como o de Arte Sacra de São Paulo.

“África, Expressões Artísticas de um Continente”

africa-pt-br.pdf

A exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer, apresentada pela Copel, poderá ser vista pelo público a partir de 26 de agosto, na Sala 4. É um recorte da grandiosa doação feita pela Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY) ao MON.

ÁFRICA - EXPRESSÕES ARTÍSTICAS DE UM CONTINENTE

A mostra “África, Expressões Artísticas de um Continente” é um recorte da doação de aproximadamente 1.700 peças de arte africana contemporânea, a partir da parceria do MON e da Coleção Ivani e Jorge Yunes. Assista ao recado do curador da exposição, Renato Araújo, e visite a Sala 4 do MON.  ⠀⠀⠀⠀⠀ Exposição apresentada pela COPEL @copel_energia. #ArteAfricana#MuseuOscarNiemeyer

África, Expressões Artísticas de um Continente no MON!

África, Expressões Artísticas de Um Continente. O nascer de um novo legado para a arte, para você.  ⠀⠀⠀⠀⠀  Em cartaz na Sala 4 do Museu Oscar Niemeyer.  ⠀⠀⠀⠀⠀  Exposição apresentada pela COPEL @copel_energia. #MuseuOscarNiemeyer#ÁfricaNoMON

#emcartaz | África, Expressões Artísticas de Um Continente

#emcartaz | África, Expressões Artísticas de Um Continente

Projeto inédito criado pelo MON para romper o limite físico de suas paredes e abraçar o público, chegando ao espaço externo do Museu e tornando-se acessível a todos. Esta é a primeira edição do projeto e apresenta obras dos artistas Gustavo Utrabo e Mariana Palma, que ocupam o icônico espaço de área verde ao lado do MON, chamado de Parcão.

Na área interna do Museu, no hall do Pátio das Esculturas, também é possível conferir maquetes e desenhos feitos pelo paranaense Gustavo Utrabo, durante o processo de concepção de suas obras, que estão do lado de fora.

Museu Oscar Niemeyer leva arte para a área externa, num projeto inédito

O inédito projeto “MON sem Paredes – Artistas Conquistam os Jardins do MON” é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer e faz parte das comemorações de 20 anos da instituição. A abertura será no dia 8 de fevereiro.

Obras dos artistas Gustavo Utrabo e Mariana Palma ocupam pela primeira vez o icônico espaço de área verde ao lado do MON, chamado de Parcão. A proposta e a curadoria do projeto são de Marc Pottier. 

Na área interna do Museu, no hall do Pátio das Esculturas, o público pode conferir, simultaneamente, maquetes e desenhos feitos pelo paranaense Gustavo Utrabo durante o processo de concepção de suas obras que estão do lado de fora.

“Cada vez mais democrático e inclusivo, com esta iniciativa, o Museu Oscar Niemeyer rompe definitivamente o limite físico de suas paredes e abraça a população, chegando ao espaço externo da instituição e tornando-se acessível a todos”, explica a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika.

“MON sem Paredes” também é um convite para que o público externo e que, eventualmente, não tenha o hábito de frequentar o Museu perceba e se inspire com a arte e sinta-se instigado a visitar as outras exposições. Segundo Juliana, o projeto deverá ser de longa duração, com novas versões previstas.

O curador Marc Pottier explica que esta é a primeira versão de um projeto em que o MON passará a, regularmente, convidar artistas para ocuparem os espaços públicos do Museu. 

Ele comenta ainda que “a arte no espaço público também permite uma variedade de atividades interativas que nem sempre uma exposição museológica permite”. Segundo o curador, ao criar ligações entre os exteriores e as salas expositivas do Museu, este novo projeto permite mostrar muitas outras formas de expressão da criatividade artística.

“Semeador” e “Ao Redor de uma Árvore”, do artista-arquiteto paranaense Gustavo Utrabo

Com este trabalho, o artista cria paredes virtuais para este novo projeto do MON, uma nova sala sem paredes onde muitos outros artistas serão convidados no futuro.

O “Semeador” passa por uma declaração sobre a vida a partir da passagem do tempo e surge de um percurso elevado do solo que conecta o Museu ao jardim adjacente a ele. Esse trajeto é construído pela repetição de uma modulação de piso projetada por Niemeyer para o MON. Porém, em vez de uma simples repetição do existente, a proposta se põe a borrar os limites entre o construído e o natural, produzindo o piso a partir de uma mistura de sementes típicas da flora paranaense ao convencional cimento, areia, brita e água. Partindo-se do entendimento de que nascemos por onde caminhamos, é olhando para o chão que aprendemos a caminhar.

O caminho leva o visitante à obra “Ao Redor de uma Árvore”, uma criação de tamanho excepcional e que poderia ser considerada uma nova sala – sem paredes – do MON. É a partir de uma árvore que cresce levemente inclinada, buscando a luz do sol, que a instalação se encontra. Materializa-se como um gesto de cuidado, no qual uma amarração de peças metálicas, que sustentam a obra, envolve o caule e nos aproxima da copa. Buscam, em uma relação intrinsecamente ambígua, cuidar e ser protegido. A intervenção quer ser leve como a copa das árvores e, em um aceno de respeito, olha para cima e a circunda – um movimento que balança entre o zelo e a reverência. Um percurso ascendente em espiral materializa a proposta, estruturando-se num fino jogo de forças entre balanço e contrapeso. O toque no chão é feito por meio de quatro finos pilares e, assim como proferido por Ailton Krenak, pisar suavemente sobre a terra é o que se busca.

“Transparências”, da artista Mariana Palma

Com forte referência a Vanitas, um estilo de pintura produzido entre os séculos XVI e XVII no qual as composições procuravam provar a transitoriedade da vida, misturando símbolos de efemeridade e morte, as fotografias de Mariana Palma exploram esse espaço de memória presente e póstuma. Ao imprimir fotos em voil, a série “Transparências”, de Mariana Palma, comunica a sensação que a artista cria em suas telas. Nesta instalação apresentada num grupo de árvores em frente à entrada do MON, o espectador é convidado a participar e se ver em meio às cenas produzidas. Para além das justaposições conseguidas através da composição e da distância entre os tecidos, o público torna-se mais um elemento da obra. O caminho criado por e entre os tecidos abre caminhos e convites para acessar novas percepções e visões de uma mesma obra que se mistura com quem a observa e com o espaço.

Mariana Palma cria espaços pictóricos únicos, construídos pela justaposição de elementos de famílias distantes. Nas grandes telas de cores saturadas, azulejos convivem com folhagens, ralos com anêmonas, cortinas de teatro com flores, tecidos estampados, drapeados e desfiados. Nas aquarelas e fotografias, elementos naturais e artificiais geram híbridos improváveis.

O resultado são composições inesperadamente harmônicas e enigmáticas que, ao causar certo estranhamento, convidam o espectador a tomar tempo para observação. A contemplação revela indícios genéticos. O “grandeur”, a dramaticidade, a exuberância emocional, a vitalidade, a construção do movimento e o uso de texturas contrastantes e materiais luxuosos revelam o diálogo com a pintura barroca dos séculos XVI e XVII, evocando reflexões sobre a sensualidade, a efemeridade da beleza, o bombardeio de imagens da atualidade. O uso de cores puras remete aos pintores flamengos, enquanto os sutis efeitos perspectivos sugerem o domínio da lição renascentista (e sua subversão).

A artista parte dos pressupostos da tradição pictórica para abordar suas inquietações. As referências filtram o repertório emocional e geram um trabalho em que o aparente transbordamento de elementos segue, no fundo, uma organização precisa.

AP_FOLDER_DIGITAL_PT-BR_MON SEM PAREDES.pdf

MON sem Paredes

Washington Silvera, Hugo Mendes, Eliane Prolik, C. L. Salvaro, Cleverson Oliveira, Cíntia Ribas e Carina Weidle

A exposição reúne o trabalho de quatro gerações de artistas: Washington Silvera, Hugo Mendes, Eliane Prolik, Cleverson Salvaro, Cleverson Oliveira, Cíntia Ribas e Carina Weidle. Em vez de classificar as obras mediante suas propriedades formais, a mostra descreve sensibilizações e reflexões possíveis, mas que escapam às determinações corriqueiras. A proposta é aproximar o público e demonstrar na prática a potência estética e política de cada discurso, que pode ser sutil ou mais explícita, mas está presente em cada uma das 55 obras e nos textos poéticos de Arthur do Carmo.

Hoje em dia, a expressão “natureza da arte” é alvo de desconfiança. Talvez a palavra “natureza” seja o seu componente mais problemático, pois ela pode significar um conjunto de propriedades formais específicas e necessárias, definidoras dos trabalhos de arte, elencadas a partir de um lugar fora da história.

Entretanto, a exposição “Carne Viva – Ambiguidade da Forma” nos oferece a oportunidade de revisitar essa expressão e retomar sua pertinência.  A partir das poéticas de Washington Silvera, Hugo Mendes, Eliane Prolik, Cleverson Salvaro, Cleverson Oliveira, Cíntia Ribas e Carina Weidle, a referida expressão só pode funcionar para marcar a fuga de definições unívocas e perversas da arte e da vida. Em vez de classificar os trabalhos mediante suas propriedades formais, ela descreve sensibilizações e reflexões possíveis, mas que escapam às determinações corriqueiras. Talvez seja esse o efeito da forma ambígua, cujo ânimo também percorre as palavras de Arthur do Carmo.

Além disso, os trabalhos e textos aqui reunidos partilham de uma ambivalência mais profunda que ressoa no título da exposição. Pois se a alusão à vida evoca a alma – aquilo que anima, o termo “carne” indica o fim e refere-se inclusive ao laço entre morte e cultura. Carne pode descrever o destino da presa como refeição dentro de um ciclo sustentável, mas a cultura também pode ser excessivamente predatória com relação à vida em sentido amplo. Por isso, no campo desta exposição, os trabalhos são objetos para o olhar, mas que se revelam armadilhas: nos capturam na intrincada teia de um dilema maior.

A exposição reúne o trabalho de quatro gerações de artistas: Washington Silvera, Hugo Mendes, Eliane Prolik, Cleverson Salvaro, Cleverson Oliveira, Cíntia Ribas e Carina Weidle.

Remo Infinito, 1997 | Escultura (cobre, tela perfurada), 0,25 x 4,20 x 0,13 m 

Sem título, 2020 | Madeira (imbuia), musgo, resina, tinta a óleo e cera sobre gravetos, 70 x 23 x 16 cm

Colônia #01, 2017 |  Impressão em papel Hahnemuhle - Photo Rag 308g, 25 x 25 cm

Sem título, 2020 | Madeira (angico), resina, laca nitrocelulose e verniz poliuretano, 65 x 15 x 11 cm

Sem título (Boia de Sobrevivência), 1996 | Escultura (cobre), 1,30 x 0,40 x 0,22 m

A exposição “Carne Viva – Ambiguidade da Forma”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reunirá o trabalho de sete artistas: Washington Silvera, Hugo Mendes, Eliane Prolik, Cleverson Salvaro, Cleverson Oliveira, Cíntia Ribas e Carina Weidle. 

Com curadoria de Bruno Marcelino e Jhon Voese, a mostra conta com 55 obras, além de textos poéticos de Arthur do Carmo, e poderá ser vista a partir do dia 16 de dezembro, na Sala 7 do MON. 

“Temos aqui um feliz encontro de gerações de artistas paranaenses que têm forte ligação com o MON”, diz a diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer, Juliana Vosnika. “Cada um a seu modo, estes artistas transformam a matéria e produzem uma realidade diferente do que vemos no cotidiano. Usando os mais diversos materiais – desde os mais brutos como o concreto até os mais refinados como a laca polida, ou da cerâmica vitrificada até a imbuia esculpida –, fazem com que a forma, em seu sentido mais amplo, seja seu discurso”, comenta. 

Segundo os curadores, a exposição oferece a oportunidade de revisitar a expressão “natureza da arte” e retomar sua pertinência. “Em vez de classificar os trabalhos mediante suas propriedades formais, ela descreve sensibilizações e reflexões possíveis, mas que escapam às determinações corriqueiras”, dizem. “Talvez seja esse o efeito da forma ambígua, cujo ânimo também percorre as palavras de Arthur do Carmo.”

Quatro gerações de artistas estão reunidas na mostra. A proposta é aproximar o público e demonstrar na prática a potência estética e política de cada discurso, que pode ser sutil ou mais explícita, mas está presente em cada obra.

O visitante irá perceber que a maioria dos trabalhos é tridimensional, o que evidencia a intenção de permitir um diálogo da exposição com o espaço físico do Museu. A mostra ocupa quatro ambientes, além da “antessala”, onde é apresentada uma instalação sonora assinada pelos artistas Eliane Prolik e Cleverson Salvaro.

carne-viva_pt-br.pdf

CARNE VIVA | AMBIGUIDADE DA FORMA

Será inaugurada no dia 26 de outubro, na Torre do Olho do Museu Oscar Niemeyer (MON), a exposição do artista Poty Lazzarotto (1924 – 1998): “Poty, Entre Dois Mundos”, com obras inéditas. A curadoria é de Maria José Justino e a assistência de curadoria é de Juliane Fuganti.

A mostra é um recorte da maior coleção já doada à instituição, com aproximadamente 4,5 mil obras, e inicia no MON um espaço contínuo de exposições deste importante artista.

A doação, generosamente feita pelo irmão de Poty, João Lazzarotto, trouxe ao Museu mais de 3 mil desenhos e 366 gravuras, além de tapeçarias, entalhes, serigrafias e esculturas. 

Na ocasião da doação, o irmão comentou que o gesto atendia ao desejo do artista. “Poty dizia que obra de arte é para o público olhar e queria que as suas ficassem aqui. Ele recusou pedidos de levar para Paris e para outros lugares. Curitiba era tudo para ele.” O irmão explicou que a família escolheu fazer a doação ao MON por ser um museu com as condições necessárias para abrigar, preservar e expor as obras.

Doação extraordinária que a família de Poty Lazzarotto generosamente entrega ao público, alojada no MON. São mais de 4.500 obras em diversas linguagens: desenho, gravura em metal – água-forte, água-tinta, ponta-seca –, xilogravura, litografia, serigrafia, entalhe e escultura, além de matrizes de gravuras. Dono de um desenho primoroso e um gravador excepcional, Poty foi grande em muitos temas: o trabalhador (em especial, os ferroviários), a guerra, a cidade, a história (narrada sobretudo nos imensos murais a céu aberto), os indígenas (em 1967, Poty albergou-se no Parque Indígena do Xingu), os santos (em especial, São Francisco), as mulheres da família, as prostitutas e as cenas do cotidiano. Em todos, ele é ímpar. O MON passa a ser uma espécie de repositório da coleção, com o compromisso de divulgá-la.

Neste primeiro momento em que se revela esse acervo ao público, optamos por uma pequena entrada no conjunto da coleção, dando uma ideia geral desse tesouro, no que tange tanto às técnicas quanto às temáticas. Apresentamos na sala do 1º andar uma introdução que busca dar conta do vultoso legado, com uma amostra das técnicas e dos temas. Em seguida, em outra sala (térreo), fizemos dois recortes que vagueiam entre o sagrado e o profano, instâncias que muitas vezes se cruzam. Nessa sala, no que concerne ao profano, o público terá uma entrada, por meio sobretudo de desenhos, em boa parte das obras ainda inéditas. Trata-se de uma profícua produção de Potynos anos 1960, mas que também aparece, em produção menor, em outros tempos e em outras técnicas.

Nas duas salas, temos tempos diferentes. Tempo “dividido em tempo profano e tempo sagrado, sendo o primeiro o tempo ordinário, o do trabalho e do respeito aos interditos, e o segundo, o tempo da festa, isto é, essencialmente o da transgressão aos interditos” (Caillois. In Bataille:166).

Poty é um nome fundamental na arte brasileira. Quem teve essa perspicaz percepção, muito antes dos historiadores da arte e dos críticos, foi o antropólogo Darcy Ribeiro ao afirmar: “Se o Paraná não produzir daqui pra frente nenhum artista mais, só com o Poty estará à frente de todas as outras províncias brasileiras”. Acertou em cheio. Criador de uma poética, ele inscreve uma assinatura singular na arte brasileira. Seus traços são inconfundíveis. Potyé único.

Sua obra deixa entrever a admiração pela alemã Käthe Kollwitz, além do cinema expressionista alemão e do seu confessado amor por Daumier e Goya (“A Revolta” e “Desastres da Guerra”). Mas há um deslumbramento por Paolo Ucello, em especial pela obra “Batalha de São Romano”, que ensina a Poty a desordem criativa. De resto, Poty é um artista de estirpe, raro, sensível, culto e de seu tempo, surpreendente tanto na arte como na teoria. Seu amor por Goya e Kollwitz guarda o encanto pelo povo. Não era filiado ao Partido Comunista, mas tinha com os socialistas uma identidade na temática popular e no interesse de que a arte se estendesse a todos. “Fui seguindo desenhando meus operários sem me comprometer… não tenho temperamento para me submeter a disciplinas” (Poty). É a tendenciosidade autêntica no artista que só aumenta a qualidade da obra.

Poty era religioso? Como filho de italianos católicos, tem lá a sua parcela de religiosidade, mas não no sentido de um homem de Igreja. Mesmo porque Potyfaz parte de uma geração herdeira da industrialização que contribuiu para a dessacralização do cosmos. Mas permanecem em Poty vestígios do sagrado, atração pelo mistério do homem, uma vontade de comunicação com o transcendental. Creio que ele se aproxima da religião muito mais no entendimento de religare. A ligação ao outro, à natureza e, no caso de Poty, a sua sensibilidade pelos trabalhadores atestam essa empatia – ou religare. 

O sagrado se faz presente em todo universo espiritual, em todo lugar em que a realidade transcende o mundo. O tempo moderno é o da dessacralização. “O homem moderno a-religioso assume uma existência trágica” (Eliade:165): viver sem Deus ou deuses, sem mitos, sem verdades eternas. O ser humano, crente ou não, está eivado do sagrado. Permanece em nós a presença do sagrado manifesto no inconsciente.

No plano erótico, Poty volta-se para a matéria bruta, o erotismo dos corpos. Inclina-se para o erotismo carnal de Courbet e Dalton Trevisan (“A Polaquinha”). A sexualidade é por ele tratada com rudeza, a realidade nua e crua. Nesses desenhos, Poty é direto, sem subterfúgios. Vemos as mulheres de Poty como objetos do desejo, sempre apresentadas com delicadeza; quanto ao homem, o tratamento é mordaz, mais violência do que força. Os nus de Poty revelam uma objetividade seca, sem romantismo, muitas vezes o sexo como mercadoria. Poty é um instaurador de carnes. Não há galhardia, ele é direto. É muito mais o sexo sem beleza ou o fascínio do sexo como verdade. Mas há em todos esses desenhos um tratamento formal, construtivo, a afirmação do erótico sobre o biológico. Poty não bane a natureza, do mesmo modo que abriga o espiritual. O corpo humano é templo e casa, habitação. Há uma sacralidade no ser humano.

O público tem nesta exposição a oportunidade de perscrutar um Poty ambivalente: a experiência mística e a transgressiva, a contemplação e os sentidos, o amor divino e o carnal narrados por belas imagens.

A mostra reúne aproximadamente 130 obras. Segundo a curadoria, o público tem nesta exposição a oportunidade de perscrutar um Poty ambivalente: a experiência mística e a transgressiva, a contemplação e os sentidos, o amor divino e o carnal narrados por belas imagens.

déc. 1960 | Nanquim sobre papel | 21,9 x 27,9 cm

1997 | Serigrafia sobre papel, P.A 10/20 | 35 x 50,4 cm

1974 | Nanquim sobre papel | 31,8 x 19,8 cm

1943 | Nanquim sobre papel | 32 x 23,1 cm

1944 | Nanquim e aquarela sobre papel | 22,9 x 30,9 cm

1997 | Serigrafia sobre papel, P.A XIX/ XX | 51,2 x 36,5 cm

déc. 1970 | Nanquim sobre papel | 32,3 x 44,4 cm

1996 | Nanquim e aquarela sobre papel | 21,5 x 31,4 cm

sem data | Nanquim e aquarela sobre papel | 22 x 30,5 cm

1944 | Nanquim e aquarela sobre papel | 21,4 x 29,7 cm

“A partir de agora, um significativo recorte da Coleção Poty pode ser vista pelo público nesta mostra, que inicia no MON um espaço contínuo de exposições deste importante artista”, afirma a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika. Parte de suas obras também deverá ser levada ao interior do Estado, em mostras itinerantes, permitindo assim à instituição exercer sua importante função de democratizar a arte.

Para Luciana Casagrande Pereira, superintendente-geral da Cultura, “a incorporação da coleção de Poty ao acervo do MON é um marco porque é a garantia de que a grande e expressiva obra do artista torna-se definitivamente patrimônio dos paranaenses”.

A temática do sagrado é apresentada com uma diversidade de técnicas: desenho, gravura ponta-seca, água-forte, água-tinta, litografia, xilogravura, escultura e mural. A exposição também traz ao público muitos desenhos, em boa parte inéditos, feitos pelo artista. 

“Dono de um desenho primoroso e um gravador excepcional, Poty foi grande em muitos temas: o trabalhador (em especial, os ferroviários), a guerra, a cidade, a história (narrada, sobretudo, nos imensos murais a céu aberto), os indígenas (em 1967, Poty albergou-se no Parque Indígena do Xingu), os santos (em especial, São Francisco), as mulheres da família, as prostitutas e as cenas do cotidiano”, comenta Maria José. “Em todos, ele é ímpar”, diz a curadora.

poty_pt-br.pdf

POTY, ENTRE DOIS MUNDOS

MON realiza nova edição da exposição asiática, com tema “Colonialismo”

Uma nova edição da exposição “Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), será inaugurada na terça-feira, dia 11/10. Com curadoria do professor e diplomata Fausto Godoy, doador da coleção asiática ao Museu, a mostra traz obras nunca antes expostas, com o objetivo de alcançar públicos ainda maiores e democratizar cada vez mais o acesso ao acervo.

“Ao completar 20 anos, o Museu Oscar Niemeyer integra o rol dos grandes museus internacionais. O tamanho e a relevância do seu acervo, que quintuplicou e se tornou mais abrangente, foram fundamentais nesta trajetória, na qual é imensa a importância da coleção de arte asiática”, afirma a diretora-presidente da instituição, Juliana Vosnika.

A aventura humana e a convivência com o estrangeiro, o diferente, assume formas diversas, seja um acercamento generoso e solidário, seja o afastamento xenófobo e preconceituoso. O tal equilíbrio do “caminho do meio”, que o Budismo prega, requer grande capacidade de compreensão com relação aos que não compartilham as nossas raízes, os nossos valores e a nossa história. 

O impulso hegemônico de um grupo sobre outro tem sido a tônica da curva das civilizações. Porém, essa curva é mutante. Só no século passado o planeta assistiu ao fim melancólico do império britânico, que reinara soberano sobre grande parte do mundo no século XIX; à divisão do planeta entre as duas superpotências nucleares – Estados Unidos e União Soviética; à dissolução desta última, em 1991, e à cristalização do poder dos Estados Unidos e dos valores do Ocidente planeta afora. Agora, a China emerge e disputa a liderança da geoeconomia. Quem será o próximo?

A luta pela descolonização ganhou força em escala mundial a partir da segunda metade do século passado. Se olharmos para o mapa-múndi ao final da Primeira Guerra Mundial, vamos verificar que os únicos países asiáticos que mantinham total independência eram o Império do Japão e o Reino do Sião, hoje Tailândia; os demais eram colônias ou vassalos das potências europeias e, no caso das Filipinas, dos Estados Unidos. Porém, antes de emergirem como elemento maior nas relações internacionais, essas ex-colônias tiveram que absorver o impacto e administrar o desafio da liberdade que tão traumaticamente alcançaram, sobretudo no que toca às fronteiras forjadas de forma artificial e arbitrária pelos colonizadores.

Já neste início de século, a emergência da Ásia nos obriga a conhecer as suas civilizações, a sua história e os seus valores, a fim de melhor convivermos com o planeta indissoluvelmente interconectado. Fica a pergunta: será, em última instância, que os valores ancestrais perdurarão numa Ásia cada vez mais imbricada com o Ocidente... e vice-versa? Quão “inegociáveis” são esses valores? A resposta é certamente difícil e nunca deixará de ser incompleta. Não obstante, essa equação precisa ser resolvida se quisermos encontrar um padrão razoável de convivência entre os indivíduos e os povos. 

Neste processo, talvez a melhor solução seja buscar entender o fenômeno sem parti pris, sem verdades absolutas, hierarquia de conceitos civilizatórios ou imposição de valores, abrindo-se espaço para o diálogo construtivo. Não é um projeto fácil, contaminado que está pela intransigência e pelo fanatismo dogmático. Daí a necessidade cada vez maior de buscarmos encontrar as raízes do problema, que, para mim, estão na impermeabilidade dos espíritos à convivência com a alteridade. É este, em suma, o objetivo da ala asiática do MON, renovada e voltada para as diversas interpretações do colonialismo no continente. 

FAUSTO GODOY // Curador da exposição e doador da coleção

Com o tema “Colonialismo”, a terceira edição da exposição “Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses” aborda o impulso hegemônico e mutante de um grupo sobre outro, que tem sido a tônica da curva das civilizações. A mostra traz ao público um recorte das cerca de 3 mil obras de arte asiáticas pertencentes ao acervo do MON e promove a reflexão sobre as diversas interpretações do colonialismo na Ásia.

Guerra Sino Japonesa: Capitão Asakawa Migita Toshihide (1862 – 1925)

Recipiente com inscrições do Alcorão 

Disputada por outras instituições do Brasil e por colecionadores do exterior, a coleção asiática, com aproximadamente 3 mil obras de arte, pertence ao MON – e aos paranaenses. Nesta nova edição, a proposta é abordar o “Colonialismo” naquele continente.

“A coleção asiática representa um marco para o acervo MON e também para o Paraná enquanto depositário dessa coleção tão importante. Tenho certeza que essa nova edição das obras irá mais uma vez tocar sobremaneira o público”, comenta a superintendente-geral da Cultura, Luciana Casagrande Pereira. 

Para o secretário da Comunicação Social e da Cultura, João Debiasi, as comemorações dos 20 anos do MON estão ganhando eventos à altura. “A coleção da Ásia é um tesouro que o Estado do Paraná guarda com muito orgulho. Essa mostra é uma forma do MON continuar surpreendendo os paranaenses e os turistas”, complementa.

O principal objetivo do MON, com a releitura, é facilitar os diálogos entre culturas e territórios, por meio da arte, segundo comenta Juliana. “O tema Colonialismo é atual, de extrema relevância, e nos permite, ao analisar a história, fazer uma reflexão sobre o processo de descolonização, que cada vez mais surge com nova compreensão social e política”, diz. 

Não por acaso, o Museu apresenta, lado a lado, culturas diversas que, ao mesmo tempo em que conversam, demonstram sua singularidade e nos permitem uma interessante visão de mundo. “O mundo mudou e os museus, como instrumentos de leitura e interpretação, também mudaram. Se já prevaleceu a cultura eurocêntrica, se colonizados já foram tratados como povos sem história e sem passado, o movimento atual é oposto.” 

Juliana lembra ainda que a coleção asiática dialoga com a arte contemporânea, já inspirou artistas e esteve presente em outras exposições recentes do MON, como “Travessia do Desastre”, do artista francês François Andes, e “Afinidades”.

Esta é a terceira edição da exposição “Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses”, que foi inicialmente inaugurada em março de 2018 e renovada em fevereiro de 2020. 

Com o tema “Colonialismo”, o curador Fausto Godoy aborda “o impulso hegemônico – e mutante – de um grupo sobre outro, que tem sido a tônica da curva das civilizações”. Esta nova edição da exposição traz ao público a reflexão sobre as diversas interpretações do colonialismo naquele continente. 

“A aventura humana e a convivência com o estrangeiro, o diferente, assume formas diversas, seja um acercamento generoso e solidário, seja o afastamento xenófobo e preconceituoso. O tal equilíbrio do ‘caminho do meio’, que o Budismo prega, requer grande capacidade de compreensão com relação aos que não compartilham as nossas raízes, os nossos valores e a nossa história”, comenta o curador.

asia3_pt-br-low.pdf

ÁSIA: 3ª EDIÇÃO

Obras adquiridas pelo programa “Sou Patrono” são apresentadas em exposição no MON

Obras de arte que fazem parte do acervo do Museu Oscar Niemeyer (MON) podem ser vistas pelo público na exposição “Sou Patrono”. A mostra, em cartaz na Sala 2 a partir do dia 6 de setembro, apresenta um recorte das 78 obras de arte adquiridas nos últimos anos com recursos do patronato.

A exposição “Sou Patrono” traz ao público do Museu Oscar Niemeyer um recorte das obras adquiridas graças ao programa homônimo criado pelo MON.

 É um movimento pela valorização da arte abraçado por pessoas singulares que entendem sua importância, apoiam seu desenvolvimento e que, engajadas e comprometidas com a cultura, contribuem anualmente com o objetivo exclusivo de ampliar o acervo do Museu pela compra de novas obras.

 Com recursos viabilizados pelo programa Sou Patrono, nos últimos anos foram adquiridas 78 importantes obras de arte, que passaram a pertencer ao acervo do MON e, consequentemente, aos paranaenses.

 Mais do que o apoio financeiro, os patronos prestam um tributo à arte e fazem parte ativamente do dia a dia do Museu, participando de diversas atividades exclusivas que valorizam e fazem crescer ainda mais o sentido de pertencimento a esse equipamento cultural de suma importância para a arte e a cultura do país.

 Com esta iniciativa, o MON amplia a sua coleção – que conta atualmente com 14 mil obras de arte – e continua a se qualificar como um dos melhores museus do Brasil e da América Latina.

Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

“Sou Patrono” é um movimento pela valorização da arte abraçado por pessoas engajadas e comprometidas com a cultura e que contribuem anualmente com o objetivo exclusivo de ampliar o acervo do Museu pela compra de novas obras.

Livia Fontana | Sem data | Impressão colorida sobre papel

Edu Simões | 2011 | Fotografia - Pigmento mineral sobre papel de algodão Hahnemühle Museum Etching 350g

“Sou Patrono” é um movimento pela valorização da arte abraçado por pessoas engajadas e comprometidas com a cultura e que contribuem anualmente com o objetivo exclusivo de ampliar o acervo do Museu pela compra de novas obras.

Mais do que o apoio financeiro, os patronos prestam um tributo à arte e participam de diversas atividades que valorizam o pertencimento ao equipamento cultural.

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