Mais do que comemorar o centenário deste artista curitibano, que é um dos principais nomes das artes do Estado e do País, a mostra “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), passa a ser um local de referência a Poty Lazzarotto.

A partir de agora, certamente, os visitantes do MON, em especial as centenas de estudantes das redes pública e particular que diariamente frequentam o Museu, poderão saber mais e conhecer melhor esse gênio das artes.

Também é uma oportunidade para o espectador se aprofundar na vida e obra de Poty. Ao proporcionar uma imersão em tão vasto conteúdo, reunido aqui, o MON instiga o público a aumentar repertório ao lançar um novo olhar sobre este artista ímpar. 

Recentemente, o Museu incorporou ao seu acervo a maior coleção já doada à instituição: aproximadamente 4 mil obras de arte assinadas por ele. Um recorte disso pode agora ser visto nesta exposição. Assim, o eixo central deste prédio se transforma em palco para as maiores coleções recebidas pelo MON, ao lado das mostras de arte asiática e africana.

A doação da obra de Poty, generosamente feita pela família do artista, trouxe ao Museu, em 2022, mais de 3 mil desenhos e 366 gravuras, além de tapeçarias, entalhes, serigrafias e esculturas. São obras que enriquecem ainda mais o acervo do MON, que nos últimos anos quintuplicou de tamanho, consolidando o Museu como um dos mais importantes da América Latina. 

Ser a instituição que guarda o legado de Poty é motivo de orgulho, alegria e responsabilidade. Nesta mostra, compartilhamos com o visitante um pouco desses sentimentos, traduzidos pelos traços inconfundíveis do artista. Pertencimento aqui tem nome e sobrenome: Poty Lazzarotto.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika 
Diretora-presidente
Museu Oscar Niemeyer

“A alma se expressa com mais claridade através do rosto (Simmel).” Essa profundidade encontramos nos retratos de Poty. São imagens expressivas e agitadas: têm existência real, não há espaço para impessoalidade. Ícones que surpreendem a realidade natural e social, vão do realismo à caricatura. São traços certeiros, linhas econômicas que sintetizam em pequenos detalhes a personalidade do retratado. O macambúzio Bakun contrasta com os enérgicos autorretratos do artista. Poty, ao olhar para si mesmo, revela a individualidade de um homem firme, direto, dado a poucos devaneios – e humano, demasiadamente humano.

Nascido em modesta casa de madeira no Capanema, criado nos trilhos da ferrovia que passava em frente à sua casa, com um pai ferroviário, mãe cozinheira e avô marceneiro, Poty desenvolveu uma paixão pelos trabalhadores humildes acalentada em toda a sua vida, mesmo depois de viver em metrópoles como o Rio de Janeiro e Paris. Seus desenhos e gravuras traduzem a paixão pelo trabalhador, tanto pelo operário no dia a dia do trabalho árduo, em especial o ferroviário, pelas carrocinhas de polaca, pelas vendedoras ambulantes, pelos motoristas dos bondes abertos e pelos donos de botecos, como pelo homem simples no cotidiano: nas festas de igreja, nas sociedades operárias, no Cine Morgenau, no jogo de truco, todos celebrando a vida. O trabalho é visto por Poty muito mais como realização do que penúria e alienação. Encontramos nessa poética do trabalho a energia de São Francisco, os traços corajosos de Goya e a ternura de Käthe Kollwitz. Delicadeza e cunho social, dignidade e humanidade.

Poty celebra a sabedoria indígena que cultua a natureza e os mitos. Colhe, no meio das inúmeras línguas e dos ricos rituais, o artista nato, seja nas cestarias, nos bancos, nos arcos e nas flechas, na pintura corporal, nas máscaras e até nos simples nós e na arquitetura das ocas. Os desenhos de Poty realizados no Alto Xingu, na ainda extensa Floresta Amazônica dos anos 1960 (1967/68), são um elogio à natureza, ao bom selvagem de Rousseau. Fazem jus a essa imaginação intelectual e instintiva transbordante dos nativos.

“O mundo profano é o universo das interdições, enquanto o mundo sagrado corresponde ao das transgressões (Bataille).” Os santos de Poty são muito conhecidos, em especial São Francisco, por ele desenhado, talhado e gravado inúmeras vezes. Os vestígios do sagrado, a comunicação com o transcendental presente na alma de Poty, o conduzem a uma religião no sentido de religar, do latim religare, que celebra o entendimento humano. Desse modo, não precisa necessariamente estar vinculado a uma religião louvando aos deuses para ser religioso. A aura, se existe, é aquela que envolve a ligação ao outro, a prática do humanismo. Inspirado em São Francisco, Poty celebra a natureza e a pessoa humana.

Mergulhar nos desenhos e gravuras de Poty é viajar no cotidiano da provinciana Curitiba. Desde as cenas das carrocinhas das polacas, trabalhadores indo ao ofício de bicicleta, desastres na ferrovia, brigas nos botecos, as enchentes no centro da cidade, os meninos soltando pipas, o Circo dos Irmãos Queirolo e o glorioso regresso de Didi Caillet até a procissão dos meninos correndo atrás do trolley do padre Maurício, que distribuía balas para atrair os pequenos para o Santo Ofício. Também estendeu seu olhar a outras paragens: seus traços escorregam por cenas marítimas da Bahia, pelas igrejas e santos de Ouro Preto, pelas esculturas das catedrais de Chartres e de Paris. Eterno viajante, Poty une a Curitiba nostálgica à descoberta do mundo.

Desde o início da sua atividade artística, Poty sempre foi um narrador, criando imagens para contar histórias. Ainda criança, fez histórias em quadrinhos inspiradas nos modelos norte-americanos; já adolescente, criou imagens de violência e fantasia, inspiradas em autores como Edgar Allan Poe e William Shakespeare. O cinema, também uma forma de narração através de imagens, foi outra influência decisiva na sua obra: ainda criança, frequentava o antigo cinema do Clube Morgenau e depois desenhava as cenas que ficavam marcadas na sua memória. Poty tornou-se ilustrador de livros ainda jovem: desde 1943 e até o fim da vida, ilustrou mais de 170 títulos de autores brasileiros e estrangeiros. Com seu amor pelo cinema, também realizou uma magistral série de desenhos à maneira de cartazes de clássicos do cinema – o desenho como extensão da sétima arte.

“Na galeria dos nossos grandes (mas muito poucos) ilustradores de nossos livros (numerosos, mas ainda muito poucos), nunca a fusão verbo-ícone atinge tão intrínseca adequação: nunca um ilustrador, entre nós, foi tão ilustrador, tão capaz de dizer o que as palavras não sabiam ou não podiam.” (Antônio Houaiss)

O primeiro mural público de Poty foi o da Praça 19 de Dezembro, por ocasião do Centenário da Emancipação do Paraná, em 1953, em estilo mais realista. Desde então, realizou um grande número de obras públicas, que estão presentes em várias cidades brasileiras, tendo chegado também à Europa, com trabalhos no Algarve, em Portugal, e em Paris. Para o artista, os murais públicos eram uma extensão da gravura, pela sua capacidade de levar a sua arte a um público mais amplo. Na sua obra pública, Poty emprega sofisticadas técnicas de montagem e articulação dos elementos figurativos para representar a história humana, o desenvolvimento das cidades, das artes, dos saberes e das tecnologias. Para quem passeia por Curitiba, fica o convite para encontrar, na cidade, os murais de Poty: como a chuva e os pinheiros, eles são parte da paisagem curitibana.

“Cabe a cada menino guardar, para todo o sempre, um instante daquele voo de silêncio e fúria, de ruído e paz...” (Valêncio Xavier)

A exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

Na mostra, as obras foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na trajetória artística de Poty, representativos das suas diferentes facetas: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista.  

Poty, artista curitibano? Não: Poty, artista do mundo. Esta é a premissa desta exposição: mostrar um dos mais importantes artistas de Curitiba em sua dimensão universal. Comemoramos o centenário de nascimento de Poty Lazzarotto trazendo ao público uma ampla seleção das suas obras recentemente doadas ao MON pelo Sr. João Geraldo Lazzarotto, irmão do artista. Nesta mostra, as peças foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na sua obra, representativos das diferentes facetas do artista: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista. Mas Poty, o piá do Capanema que amava o cinema e as histórias em quadrinhos, é ainda mais que tudo isso. Através do desenho, seu principal meio de expressão, abordou os mais variados temas, passou por diferentes estilos, sempre buscando levar a arte ao seu mais importante destino: o povo. Na sua atividade artística incessante e obstinada, deu a ver o mundo real do trabalho e a realidade social; recriou, em imagens, o universo criativo da literatura; em seus murais, plasmou a grande aventura da história universal. Sempre buscando a divulgação popular da arte, foi da gravura à ilustração, do desenho minúsculo ao mural monumental. Na simplicidade do desenho, com a sua visão humana e pungente da experiência humana em todas as suas dimensões, Poty criou um vasto imaginário coletivo: em seus trilhos e traços, viajamos ao mundo.

MON realiza grandiosa exposição dos cem anos de Poty Lazzarotto

O Museu Oscar Niemeyer (MON) realiza a grandiosa exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, para comemorar o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998). Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, a mostra reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022, e estará disponível ao público a partir do dia 12/4, na Sala 6.

"Poty, em seu centenário, segue atual, incomparável, e essa nova exposição reforça a importância do artista para a identidade cultural paranaense. Tenho certeza de que a mostra no Museu Oscar Niemeyer introduzirá seu trabalho singular para milhares de pessoas e também para as novas gerações", afirma Luciana Casagrande Pereira, secretária de estado da Cultura do Paraná.

“Mais do que comemorar o centenário desse artista curitibano, que é um dos principais nomes das artes do Estado e do País, a exposição passa a ser um local de referência a Poty Lazzarotto”, diz a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika.

“A partir de agora, certamente, os visitantes do MON, em especial as centenas de estudantes das redes pública e particular que diariamente frequentam o Museu, poderão saber mais e conhecer melhor esse gênio das artes”, comenta.

A exposição também é uma oportunidade para o espectador se aprofundar na vida e obra de Poty. “Ao proporcionar uma imersão em tão vasto conteúdo, reunido aqui, o MON instiga o público a aumentar o repertório ao lançar um novo olhar sobre esse artista ímpar”, afirma Juliana.

A premissa da exposição, segundo os curadores, além de destacar a importância de sua obra no cenário paranaense, é extrapolar as fronteiras regionais e apresentar Poty em sua dimensão universal. “Na sua atividade artística incessante e obstinada, recriou, em imagens, o universo criativo da literatura; em seus murais, plasmou a grande aventura da história universal”, informam. “Sempre buscando a divulgação popular da arte, foi da gravura à ilustração, do desenho minúsculo ao mural monumental”.

Na mostra, as obras foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na trajetória artística de Poty, representativos das suas diferentes facetas: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista.  “Mas Poty, o piá do Capanema que amava o cinema e as histórias em quadrinhos, é ainda mais que tudo isso”, dizem os curadores.

Em 29 de março, dia do aniversário de Curitiba – e coincidentemente, data de nascimento do artista Poty Lazzarotto – o MON recebeu a maior coleção já doada à instituição: aproximadamente 4,5 mil peças. Era o ano de 2022.

Tal coleção conta com mais de 3 mil desenhos e 366 gravuras, além de tapeçarias, entalhes, serigrafias e esculturas, entre outros. A doação foi feita diretamente pelo irmão do artista, João Lazzarotto.

São obras que enriquecem ainda mais o acervo do MON, que nos últimos anos quintuplicou de tamanho, consolidando o Museu como um dos mais importantes da América Latina. 

Um recorte dessa vasta coleção de Poty poderá ser visto nessa exposição.

Assim, o eixo central do prédio do Museu se transforma em palco para as maiores coleções recebidas pelo MON, ao lado das mostras de arte asiática e africana.

Poty Lazzarotto (Curitiba, 1924-1998) trilhou seu caminho a partir do desenho, aprofundando-se, em seguida, na gravura, da qual se tornou um mestre, sendo o criador do primeiro curso de gravura do Museu de Arte de São Paulo (Masp). Muito de sua produção é biográfica, indo de lembranças de menino em torno de trilhos e vagões de trem a registros de tipos curitibanos e dos cenários que eles habitam.

Poty é direto e sem rodeios em seus desenhos e gravuras. Foi com essa característica espontânea que ilustrou diversas obras da literatura brasileira, como Os sertões, de Euclides da Cunha, e Grande Sertão: Veredas, de Guimarães Rosa. Não poderia, também, ter deixado de dar a vida aos curitibanos controversos retratados nos contos de outro ícone paranaense, Dalton Trevisan. 

Não bastasse sua presença na literatura, Poty deixou sua marca em toda Curitiba por meio de seus monumentos ou painéis de azulejo e de concreto aparente, prática que se iniciou com o painel “Desenvolvimento histórico do Paraná”, de 1953, na Praça 19 de Dezembro. Outros exemplos dessa produção são os painéis da travessa Nestor de Castro, nos quais ele mostra, de um lado, a cena de uma Curitiba que já não existe, e, do outro, a evolução da cidade, surgida em meio ao pinheiral, habitada por imigrantes, e que se destaca no campo do urbanismo. 

Doada ao Museu Oscar Niemeyer, a coleção diz respeito a toda essa produção. Nela podemos encontrar originais tantas vezes reproduzidos em livros e outras publicações sobre o artista, tomamos contato com os desenhos realizados por ele em sua expedição ao Xingu, em 1967, e adentramos a intimidade de um Poty quase desconhecido. Ademais, ainda encontramos esboços, projetos e estudos, e podemos perceber a evolução do traço, desde a sua juventude até a maturidade. Dessa forma, a coleção constitui um verdadeiro material etnográfico sobre o artista. 

A coleção também é formada, é claro, por obras consumadas, desenhos, xilogravuras, litogravuras, gravuras em metal, entalhes em madeira e blocos de concreto: milhares de peças que dão um testemunho claro da polivalência do artista. 
Por meio de Poty, tomamos conhecimento da arte que se fez e se faz no Paraná. 

Preservar não apenas o legado desse artista, mas sua memória, é antes de tudo um dever – tarefa assumida e adequadamente realizada, agora, pelo Museu Oscar Niemeyer.

Poty Texto 1  Áudio 1._Texto Institucional_mp3.mp3

Poty Texto 2_Áudio 2._Texto Curatorial.mp3

Trilhos e Traços Áudio 3_O Narrador.mp3

Trilhos e Traços Áudio 4_O Trabalho.mp3

Versão em áudio - O Cotidiano e o Viajante

Trilhos e Traços Áudio 8_O Cotidiano e o Viajante.mp3

Trilhos e Traços Áudio 9_O Muralista.mp3

Trilhos e Traços Áudio 5_Retratos.mp3

O Xingu.mp3

O Sagrado.mp3

A exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

Na mostra, as obras foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na trajetória artística de Poty, representativos das suas diferentes facetas: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista.  

Trilhos e Traços – Poty 100 anos

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Mais do que nunca, a arte no espaço público se destaca como uma das melhores maneiras de levar arte ao público. Convidar artistas para criar obras, instalações e esculturas utilizando os espaços dos jardins, parques e praças também permite uma variedade de atividades interativas que nem sempre uma exposição museológica possibilita. O MON sempre quis trabalhar para ampliar seu público e oferecer muitas propostas que possam fazer com que os curitibanos e paranaenses se apropriem do “seu” Museu. Por isso, foi criado o importante projeto MON sem Paredes. 

Em 2022, na primeira versão do projeto, o MON apresentou, nos jardins do Museu, obras dos artistas Gustavo Utrabo (a obra fica no sítio até hoje) e Mariana Palma. 

Para esta segunda versão do MON sem Paredes, o Museu convidou “O Pequeno Colecionador”, um grupo formado por Artur Lescher, Mariane Klettenhofer e Paula Azevedo que se propõe a pensar sobre a arte e a experiência do brincar em suas diversas formas, histórias e culturas.  

Também foram convidados os artistas Alexandre Vogler (nasceu, vive e trabalha no Rio de Janeiro) e Narcélio Grud (nasceu em Teresina e vive e trabalha em Fortaleza).  

Alexandre Vogler apresenta um conjunto de quatro esculturas-mobiliário interativas: “Maca de Força I”, “Maca Cidreira”, “Maca Alecrim” e “Maca de Guarda”, instaladas no espaço público e ativadas por elementos de seu entorno. 

O artista e designer Narcelio Grud transita entre distintos caminhos em sua pesquisa, onde objetos ganham movimento e formas de existir, seja pela interação direta do público ou mesmo por forças motrizes naturais. Para o MON sem Paredes, Narcelio trouxe as esculturas da série “Sempre em Pé” e “Trepa-Trepa”.

Ao criar ligações entre os espaços exteriores e as salas expositivas do Museu, este novo projeto permite mostrar muitas outras formas de expressão da criatividade artística, bem como apresentar projetos para todos os públicos, incluindo todas as gerações de famílias. Trabalhar ao ar livre também permite dimensões “ilimitadas de obras”, percursos, jogos onde todos serão bem-vindos sem restrições de tempo. 

Alexandre Vogler                                                                                                                                                                                                              Maca Alecrim, 2019                                                                                                                                                                                    Cedro-rosa e alecrim                                                                                                                                                                                     Coleção do artista

Tal como as macas de massagem, esta é planejada para que a pessoa se deite de bruços, com os braços pendendo e o rosto acomodado pela cavidade da prancha integrado a um arbusto de alecrim. Essa erva é reconhecida como uma das mais poderosas acionadoras de estados de relaxamento entre os inúmeros benefícios confiados a ela.

- Acesso livre.                                                                                                                                                                                                         - Número máximo de pessoas: 1 pessoa por vez.                                                                                                                                               - Não sentar na extremidade da peça.

Alexandre Vogler
Maca Cidreira, 2019-2021
Angelim e cidreira-de-arbusto
Coleção do artista

Composta por quatro tábuas reunidas sob a angulação de 30° no comprimento e na largura, está situada embaixo de uma grande moita de cidreira-de-arbusto, erva medicinal de cheiro bastante agradável. Foi projetada para que a pessoa se deite, sendo “abraçada” pela estrutura angulada e coberta (como uma onda) pelo arbusto.

- Acesso livre.
- Número máximo de pessoas: 1 pessoa por vez.

Alexandre Vogler
Maca de Força (para Iara), 2021
Angelim e ervas de força
Coleção do artista

Esta Maca, desenhada com o formato de uma joaninha (inseto associado à sorte e à bem-aventurança), traz ao seu redor um conjunto de sete espécies de força comumente utilizadas em práticas ecumênicas de religiões afro-brasileiras-colônia, arruda, comigo-ninguém-pode, espada-de-são-jorge, mirra, guiné e pitanga. Nesse contexto, o “paciente” se deita e relaxa sobre sua forma côncava.

- Acesso livre.        
- Número máximo de pessoas: 2 pessoas por vez.

Alexandre Vogler
Maca de Guarda/Maleme, 2023
Maçaranduba
Acervo Museu Oscar Niemeyer

A “Maca de Guarda” prevê que o usuário/paciente se deite sobre sua superfície, a 40°, voltando seu corpo para o céu. Esta Maca reproduz parcialmente a prática lúdica de criação de imagens de anjo. A pessoa deita-se sobre a neve, abrindo braços e pernas – o que justifica o complemento de seu título. Esta escultura traz ainda em sua nomenclatura a expressão Maleme, palavra do vocabulário afro-brasileiro que designa súplica, misericórdia ou ajuda, dirigida aos orixás, especialmente ao orixá Xangô. A posição em que o usuário se encontra, de plexo aberto e pernas abertas, com o corpo voltado aos céus, encaminha a orientação ecumênica e divina desta Maca.

ARTUR LESCHER
Caleidoscópico, 2022
Aço inoxidável e aço-carbono
1 / 5 + 2 PA
Acervo Museu Oscar Niemeyer
Obra desenvolvida pelo projeto “O Pequeno Colecionador”

Um gira-gira “caleidoscópico”, onde o espectador experimenta girar sobre seu próprio eixo, movimentando o entorno em uma experiência meditativa e divertida. Podemos falar da obra como recipiente para o corpo, uma metacasa para observar o mundo. Girar sobre nosso próprio eixo evoca a dança e os rituais espirituais de acesso a outras dimensões e estados mentais. Algo que nos é familiar, algo de nossos tempos de criança.

- Crianças abaixo de 8 anos devem estar acompanhadas de um adulto.
- Número máximo de pessoas: 2 adultos ou 3 crianças por vez.
- Carga máxima: 200 kg.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Em dias quentes, a estrutura absorve o calor. Use com cautela.

ARTUR LESCHER
Giroscópico, 2022
Aço inoxidável e aço-carbono
1 / 5 + 2 PA
Acervo Museu Oscar Niemeyer
Obra desenvolvida pelo projeto “O Pequeno Colecionador”

Um gira-gira onde o espectador experimenta girar sobre seu próprio eixo, movimentando o entorno em uma experiência meditativa e divertida. Podemos falar da obra como recipiente para o corpo, uma metacasa para observar o mundo. Girar sobre nosso próprio eixo evoca a dança e os rituais espirituais de acesso a outras dimensões e estados mentais. Algo que nos é familiar, algo de nossos tempos de criança.

NARCÉLIO GRUD
Sempre em Pé 01 e 02, 2023
Esculturas sonoras em fibra de vidro com pintura PU 
Acervo Museu Oscar Niemeyer

As obras da série “Sempre em Pé” são mixers de diversos conceitos, utilizando como base estética principal o brinquedo João Teimoso/Sempre em Pé. Têm por objetivo promover interações por meio dos movimentos e vivências sonoras, ressignificando o objeto e ampliando sua usabilidade para criar um ambiente onde a descoberta e o brincar andam juntos.

- Crianças abaixo de 8 anos devem estar acompanhadas de um adulto.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Cuidado ao manusear as obras, evitando atingir pessoas ao redor.

NARCÉLIO GRUD
Trepa-Trepa, 2023
Escultura em fibra de vidro com pintura em PU e arcos em aço inox
Acervo Museu Oscar Niemeyer

Esta escultura traz uma composição formal circular onde o raio, o diâmetro e o centro se expandem de um globo para aros entrelaçados, formando uma espécie de cosmos das rotas orbitais planetárias. Em seu conceito de interatividade, propõe ser uma escultura/ mobiliário de escalada, similar aos equipamentos de lazer encontrados em áreas de recreação infantil de praças e parques públicos.

- Crianças abaixo de 8 anos devem ser supervisionadas por um adulto.
- O uso por pessoas maiores de 14 anos não é permitido.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Em dias quentes, a estrutura absorve o calor. Use com cautela.

ROMMULO CONCEIÇÃO                                                                                                                                                                                     Estruturas Dissipativas/Trepa-Trepa, 2023
Metal, vidro, concreto e pintura automotiva policromada
3° trabalho da série ‘’Estruturas Dissipativas”                                                                                                                                           Acervo Museu Oscar Niemeyer
Obra desenvolvida pelo projeto “O Pequeno Colecionador”

Obra composta por dois trepa-trepas simetricamente dispostos a partir de um eixo perpendicular a uma plataforma que os separa e cujo acesso se dá pelos trepa-trepas ou por escadas. Uma chapa de vidro com altura de 3,5 metros corta a plataforma e configura um plano falso de simetria. Compõem também o trabalho 3 bancos giratórios, uma mesa e um muro no qual está acoplada uma grade de 4 metros de altura. Todo o trabalho é feito em ferro e concreto e montado de forma a dar acesso ao seu uso pelo público, que poderá utilizá-lo a partir de suas próprias referências.

- Crianças abaixo de 8 anos devem estar acompanhadas de um adulto.
- Número máximo de pessoas: 2 adultos ou 3 crianças na parte aérea.
- Carga máxima: 200 kg.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Em dias quentes, a estrutura absorve o calor. Use com cautela.

Estruturas Dissipativas/Trepa-Trepa, 2023

GUSTAVO UTRABO
Semeador e Ao Redor de uma Árvore, 2023
Acervo Museu Oscar Niemeyer

As obras “Semeador” e “Ao Redor de uma Árvore” são do arquiteto paranaense Gustavo Utrabo. O “Semeador” é uma declaração sobre a vida a partir da passagem do tempo. Um percurso elevado do solo conecta o Museu ao jardim. Construído pela repetição modular do piso projetado por Niemeyer para o MON, põe-se a borrar os limites entre o construído e o natural, misturando ao piso de cimento uma combinação de sementes típicas do Paraná. O caminho leva o visitante à obra “Ao Redor de uma Árvore”, criação que se materializa como um gesto de cuidado, no qual uma armação metálica envolve o caule e nos aproxima da copa em um aceno de respeito. O toque no chão é feito por meio de quatro finos pilares e, assim como proferido por Ailton Krenak, pisar suavemente sobre a terra é o que se busca.

- Acesso livre.
- Número máximo de pessoas: 20.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Não é permitido subir na árvore.

Ferro forjado, plantas de jasmim
Série de 5 versões únicas + 5 PA

Uma enorme estrutura em ferro forjado, no formato de um bule de chá, coberta e decorada com vegetação (jasmins), impõe a sua presença monumental, captando a atenção do público. Nas grades de ferro que dão forma ao bule, reconhecem-se os padrões característicos das cercas e balaustradas que podem ser observadas em diferentes paisagens urbanas e rurais. O objeto assume forma de uma verdadeira escultura-árvore; manifestação de um princípio idealizado de complementaridade e simbiose entre o natural e o industrial. 

- Acesso livre.
- Número máximo de pessoas: 6.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Em dias quentes, a estrutura absorve o calor. Use com cautela.
- Não é permitido subir na estrutura.

Artur Lescher, Rômmulo Conceição, Alexandre Vogler, Narcélio Grud, Joana Vasconcelos e Gustavo Utrabo.

Nova edição do “MON sem Paredes – Artistas Conquistam os Jardins do MON”, realizado pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), revela outras formas de expressões artísticas. A área externa do Museu torna-se um parque de esculturas interativas, disponíveis para os visitantes explorarem. Com curadoria de Marc Pottier, apresenta instalações permanentes e temporárias.

As obras de Artur Lescher, Rômmulo Conceição, Alexandre Vogler, Narcélio Grud e Joana Vasconcelos, entre outros artistas, utilizam diferentes materiais como ferro, madeira, tecido e concreto. Além de democratizar a arte, discutem as relações entre a natureza e o meio industrial, o corpo e vivências sonoras.

 “MON sem Paredes – Artistas conquistam os jardins do MON”

Esta inédita mostra é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer.

Cada vez mais democrático e inclusivo, com o “MON sem Paredes – Artistas Conquistam os Jardins do MON” o Museu rompe o limite físico de suas paredes e abraça a população, tornando-se acessível a todos. A iniciativa é um convite para que o público externo perceba a arte, inspire-se e sinta-se instigado a entrar.

No espaço interno do MON, os visitantes podem conferir desenhos e maquetes feitas pelo artista-arquiteto paranaense Gustavo Utrabo, durante o processo de concepção das obras “Semeador” e “Ao Redor de uma Árvore”, que estão expostas na área externa do Museu, chamada Parcão. 

O projeto ganhou agora, numa nova edição renovada, um parque de esculturas interativas, com obras de artistas como Artur Lescher e Rômmulo Conceição. Com curadoria de Marc Pottier, o local abrigará várias outras instalações permanentes e temporárias, num calendário de convites frequentes feitos pelo MON.

Entendemos que a arte no espaço público permite uma variedade de atividades interativas que nem sempre uma exposição museológica possibilita. Ao criar ligações entre os exteriores e as salas expositivas do Museu, o “MON sem Paredes” permite mostrar muitas outras formas de expressão da criatividade artística.

Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

Projeto inédito criado pelo MON para romper o limite físico de suas paredes e abraçar o público, chegando ao espaço externo do Museu e tornando-se acessível a todos. Esta é a primeira edição do projeto e apresenta obras dos artistas Gustavo Utrabo e Mariana Palma, que ocupam o icônico espaço de área verde ao lado do MON, chamado de Parcão.

Nova edição do “MON sem Paredes” é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer

O projeto “MON sem Paredes – Artistas Conquistam os Jardins do MON” irá inaugurar no dia 13 de março uma nova edição, renovada. Na área externa do Museu Oscar Niemeyer, o visitante encontrará um parque de esculturas interativas, com obras de artistas como Artur Lescher, Rômmulo Conceição, Alexandre Vogler, Narcélio Grud e Joana Vasconcelos. 

Com curadoria de Marc Pottier, o local abriga diversas instalações permanentes e temporárias, num calendário de convites frequentes feitos pelo MON.

"O Museu Oscar Niemeyer vive um inédito momento de expansão não somente da sua área expositiva mas também de ampliação do próprio conceito de exposições, por meio dessa nova e significativa aproximação do público com a arte no projeto MON Sem Paredes", afirma a secretária da Cultura do Estado do Paraná, Luciana Casagrande Pereira.

“Cada vez mais democrático e inclusivo, com o ‘MON sem Paredes’ o Museu rompe o limite físico de suas paredes e abraça a população, tornando-se acessível a todos”, explica a diretora-presidente da instituição, Juliana Vosnika. “A iniciativa é um convite para que o público externo perceba a arte, inspire-se e sinta-se instigado a entrar.”

“Entendemos que a arte no espaço público permite uma variedade de atividades interativas que nem sempre uma exposição museológica possibilita”, diz Juliana. “Ao criar ligações entre os exteriores e as salas expositivas do Museu, o ‘MON sem Paredes’ permite mostrar muitas outras formas de expressão da criatividade artística”, comenta.

O curador Marc Pottier também fala sobre os objetivos do projeto. “O MON trabalha para ampliar seu público e oferecer muitas propostas que possam fazer com que os curitibanos e paranaenses se apropriem do ‘seu’ museu. Por isso, o ‘MON sem Paredes’ é tão importante.”

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MON sem Paredes

A sensibilidade da artista francesa Eva Jospin fica evidente na nova realização do Museu Oscar Niemeyer: a exposição “Re-Selvagem”. Ao abordar a natureza e o tempo em poéticas obras de arte, evoca nossa memória afetiva.

Num mundo acelerado, o espaço presencial dos museus se apresenta como equilíbrio perfeito para nossa saturação digital. O encontro físico com a arte faz a pessoa se reconhecer e reconhecer sua história por meio das obras. Este é e deve ser sempre um dos papéis do museu: despertar sentimentos profundos de nosso inconsciente. 

No caso do privilegiado espaço expositivo do Olho, tal encontro é potencializado. Muito além de uma convencional sala expositiva branca, com quatro paredes, este é um local único. 

Assim como as pessoas têm poder de adaptação, o Olho se transforma, de maneira criativa e inusitada, a cada nova exposição. E provavelmente esta, assinada por Eva Jospin, é uma das mais surpreendentes que já passou por aqui.

Sua obra coloca o espectador dentro dela, ressignifica e desperta a curiosidade. Num contraste instigante e inteligente, fala da impermanência da matéria e da permanência da arte. Ao criar instalações gigantes a partir de matérias-primas aparentemente frágeis, como a seda e o papelão, a artista nos faz refletir. 

O que parece descartável se transforma em obra de arte duradoura. 

Desta maneira, Eva Jospin aborda nossa relação com a natureza e, consequentemente, com nossa essência. O olhar do visitante será desafiado o tempo todo a perceber algo mais. E, certamente, perceberá.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

A exposição “Re-Selvagem”, da artista francesa Eva Jospin, apresenta uma espécie de selva reinventada, no Olho e Espaço Araucária do Museu Oscar Niemeyer (MON). Com curadoria de Marcello Dantas, a nova mostra internacional reúne nove obras de grandes dimensões, entre elas instalações e desenhos, além de dois vídeos. A matéria-prima das instalações são o bordado de seda, papelão, madeira, bronze, tecido e outros materiais, a artista transforma essas matérias primas cotidianas e cria uma paisagem viva.

Eva Jospin é conhecida por seu meticuloso trabalho de criar, com as próprias mãos, ilusões de um mundo imaginário — arquiteturas silenciosas e espaços naturais abundantes, que nascem do gesto paciente e obsessivo de devolver à matéria um sentido de origem.

A partir do papelão corrugado — um material comum, industrializado, feito da celulose da floresta —, Jospin inventa selvas. Em “Re-Selvagem”, essa alquimia se intensifica: camadas de papelão são cortadas e sobrepostas, formando troncos, raízes e galhos de uma floresta densa e labiríntica. Cada escultura é como uma escavação na memória da matéria — o banal se transmuta em sublime, e o que era resíduo cotidiano se transforma em paisagem viva.

A floresta, para Jospin, é mais que uma representação da natureza. É um lugar simbólico, onde o mistério, o inesperado e a transformação acontecem. Como nos contos antigos, suas florestas são territórios onde nos perdemos para nos reencontrar. Em “Re-Selvagem”, o visitante atravessa trilhas de papel e sombra, entra em universos de folhagens esculpidas, experimentando uma espécie de rito íntimo. As formas evocam memórias esquecidas, despertam imagens do inconsciente coletivo, provocam silêncio.

Essa dimensão contemplativa se expande em outra obra central da artista: “Chambre de Soie” (Quarto de Seda), uma peça bordada com mais de 400 tons de fios de seda, algodão e juta, produzida em colaboração com as artesãs do ateliê Chanakya e da Chanakya School of Craft, em Mumbai, na Índia. Inspirada no salão de tapeçarias do Palazzo Colonna, em Roma, e no ensaio “Um Teto Todo Seu”, de Virginia Woolf, a instalação cobre mais de 350 metros quadrados de paisagens bordadas a partir dos desenhos de Jospin. Apresentada pela primeira vez no desfile de alta-costura da Dior, “Chambre de Soie” reinventa a tradição dos panoramas do século XIX e propõe uma imersão silenciosa no tempo do gesto artesanal. Os fios e as figuras compõem um outro jardim, quase tão detalhado quanto as próprias paisagens domesticadas de Versalhes, porém, feito de tempo e memória.

Essa experiência, entre floresta e bordado, o artificial e o natural, a matéria e símbolo, é resultado de uma linguagem que Eva Jospin desenvolveu ao longo de anos e que vem apresentando em instituições de destaque: do Palais de Tokyo ao Louvre, da Villa Medici à Bienal de Veneza, da Dior à Orangerie de Versalhes. Sua obra não se impõe pelo tamanho, mas pela densidade com que resgata o silêncio da contemplação.

“Re-Selvagem” é um chamado ao retorno da matéria à floresta, da técnica à mão, do olhar à imaginação. Jospin nos lembra que, mesmo aquilo que foi domesticado, cortado e transformado pode, pela arte, reencontrar sua força e vitalidade selvagem — e nos conduzir de volta à imensidão misteriosa que carregamos por dentro.

“Re-Selvagem”, que ocupará o Olho do Museu Oscar Niemeyer, em Curitiba, e o segundo andar da Casa Bradesco, na Cidade Matarazzo, em São Paulo, chega ao Brasil como parte do Ano da França e antecipa sua monumental intervenção no Grand Palais, em Paris, no final de 2025.

Madeira e papel cartão,180 x 170 x 30 cm

Madeira, papel cartão, latão, tecido e materiais diversos, 177 x 335 x 290 cm

MON realiza nova exposição internacional no Olho

“Re-Selvagem”, da artista francesa Eva Jospin, é a próxima exposição internacional do Museu Oscar Niemeyer (MON). A mostra será inaugurada no dia 05/06, no Olho e Espaço Araucária. A curadoria é de Marcello Dantas.

A exposição reunirá nove obras de grandes dimensões, entre elas instalações e desenhos, além de dois vídeos. A matéria-prima das instalações é o bordado de seda e o papelão, mas a artista também usa madeira, bronze, tecido e outros materiais.

“A chegada de Eva Jospin ao Museu Oscar Niemeyer reforça nossa missão de conectar o público paranaense com o que há de mais relevante na arte contemporânea mundial”, afirma a secretária de Estado da Cultura, Luciana Casagrande Pereira. “Esta exposição ainda reafirma a diretriz de diplomacia cultural que o Paraná estabelece com a França, em um ano especialmente significativo, marcado pelas celebrações do Ano do Brasil na França e da França no Brasil”.

A diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika, afirma que a sensibilidade da artista francesa Eva Jospin fica evidente nesta exposição. “Ao abordar a natureza e o tempo em poéticas obras de arte, ela evoca nossa memória afetiva”, diz.

Juliana comenta que o encontro físico com a arte faz a pessoa se reconhecer e reconhecer sua história por meio das obras. “Num mundo acelerado, o espaço presencial dos museus se apresenta como equilíbrio perfeito para nossa saturação digital”, destaca. “Este é e deve ser sempre um dos papéis do museu: despertar sentimentos profundos de nosso inconsciente”. 

O curador Marcello Dantas conta que Eva Jospin é conhecida por seu meticuloso trabalho de criar, com as próprias mãos, ilusões de um mundo imaginário — arquiteturas silenciosas e espaços naturais abundantes, que nascem do gesto paciente e obsessivo de devolver à matéria um sentido de origem.

“A floresta, para Jospin, é mais que uma representação da natureza. É um lugar simbólico, onde o mistério, o inesperado e a transformação acontecem”, diz Dantas. “Como nos contos antigos, suas florestas são territórios onde nos perdemos para nos reencontrar”. Em “Re-Selvagem”, o visitante atravessa trilhas de papel e sombra, entra em universos de folhagens esculpidas, experimentando uma espécie de rito íntimo. As formas evocam memórias esquecidas, despertam imagens do inconsciente coletivo e provocam silêncio.

Eva Jospin nasceu em Paris (1975), onde formou-se na École Nationale Supérieure des Beaux-Arts. Nos últimos 15 anos, vem criando florestas meticulosas e paisagens arquitetônicas, que explora por meio de diversas mídias. Desenhadas a tinta ou bordadas, esculpidas em papelão ou em bronze, suas obras evocam jardins barrocos italianos, decorações rocaille do século XVIII e grutas artificiais. Foi residente na Villa Medici, em Roma, em 2017, e eleita para a seção de Escultura da Academia de Belas Artes em 2024.

Entre suas exposições internacionais, destacam-se: “Inside”, no Palais de Tokyo, em Paris (2014); “Sous-Bois”, no Palazzo deiDiamanti, em Ferrara (2018); “Eva Jospin - Wald(t)räume”, no MuseumPfalzgalerie, em Kaiserslautern (2019); “Among the Trees”, na Hayward Gallery, em Londres (2020); “Paper Tales”, no Het Noordbrabants Museum, em Den Bosch (2021); “Galleria”, no Musée de la Chasse and Nature, em Paris (2021); “Panorama”, na Fondation Thalie, em Bruxelas (2023); e “Palazzo”, no Palais des Papes, em Avignon (2023).

Em 2024, apresentou duas novas exposições individuais: “Selva”, no Museo Fortuny, em Veneza, durante a 60ª Bienal de Veneza, e “Eva Jospin - Versailles” na Orangerie do Castelo de Versalhes. Também desenvolveu diversas instalações de grande porte como parte de encomendas especiais, incluindo “Panorama” (2016), no centro do Cour Carrée do Louvre, e “Cénotaphe” (2020), na Abadia de Montmajour. Além disso, criou uma série de painéis bordados para o desfile Dior Haute Couture 2021-2022 (Chambre de Soie, 2021).

Marcello Dantas é um renomado curador, diretor artístico e produtor brasileiro, reconhecido por sua abordagem interdisciplinar que integra arte, tecnologia e experiências sensoriais imersivas. Nascido no Rio de Janeiro em 1968, Dantas possui uma formação acadêmica diversificada: estudou Relações Internacionais e Diplomacia em Brasília, História da Arte e Teoria do Cinema em Florença, e graduou-se em Cinema e Televisão pela New York University, onde também realizou pós-graduação em Telecomunicações Interativas.   

Ao longo de sua carreira, Marcello Dantas foi responsável pela concepção e direção artística de diversos museus e pavilhões, tanto no Brasil quanto no exterior. Também é conhecido por curar exposições de grande impacto, que atraem vasto público e crítica especializada. Entre elas “Ai Weiwei: Raiz”, do artista chinês Ai WeiWei, e “Invisível e Indizível”, do artista espanhol Jaume Plensa, ambas no Museu Oscar Niemeyer.

ÁUDIO 1 - Texto Institucional Eva Jospin.mp3

ÁUDIO 2 - Texto Curatorial_Eva Jospin.mp3

Re-selvagem - Eva Jospin

A cada nova exposição realizada, o Museu Oscar Niemeyer convida o seu público a se surpreender. Desta vez, o artista mexicano Gabriel de la Mora desafia nosso olhar e percepção com suas pinturas, instalações e esculturas feitas a partir de itens inusitados, descartados. 

Nada em seu intenso e extenso trabalho é óbvio. Isso inclui desde os peculiares materiais que utiliza até os processos de execução, passando pela inspiração. Tudo é resultante de um perspicaz olhar sobre a natureza humana, seus sentimentos e sensações. 

No processo de criação, ele transforma objetos encontrados em matéria-prima para singulares obras de arte, evocando o conceito ready-made. Há sempre uma mensagem abordando a sustentabilidade, a passagem do tempo e o ciclo da vida, traduzida em trabalhos repletos de beleza e movimento.

Ao entrar na sala expositiva, o público se depara não apenas com obras de arte, mas com uma proposta de criar novos sentidos. Ao discutir questões ambientais, universais, ele nos faz perceber as muitas possibilidades que a arte pode assumir. 

O resultado, embora fruto de um processo de pesquisa e estudos, com grande complexidade técnica, não deixa espaço para a previsibilidade e soa como intuitivo. Somos desafiados a perceber algo mais além das obras. E é esse o convite feito por esta exposição.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

A exposição “Veemente”, do artista mexicano Gabriel de la Mora, é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer (MON). A mostra, em cartaz na Sala 1 a partir do dia 8 de maio, tem curadoria de Marcello Dantas. São 70 obras, entre instalações, telas com técnicas mistas e esculturas, a maioria produzida entre 2000 e 2025. 

O conjunto apresenta não só a estética do artista e sua evolução, mas também a diversidade e peculiaridade dos materiais utilizados, que vão além dos suportes e pigmentos tradicionais. No processo de criação, ele transforma objetos encontrados em matéria-prima para singulares obras de arte, evocando o conceito ready-made.

A prática de Gabriel de la Mora envolve uma investigação sobre materiais, explorando os limites físicos e conceituais de um processo de coleta e reconstrução. À primeira vista, suas obras podem parecer abstratas, com caráter escultórico ou até minimalista. No entanto, um olhar mais atento revela que nada é o que parece ser. De la Mora cria superfícies novas e extraordinárias, que desconstroem as fronteiras entre diferentes linguagens artísticas.

Suas obras são compostas por elementos inesperados: fios de cabelo, fragmentos de espelhos, cascas de ovos, solas de sapato, asas de borboleta e outros vestígios da vida cotidiana. Sua técnica denota um processo quase obsessivo, que transforma a matéria-prima em novas formas, padrões e texturas. A repetição contínua do gesto artesanal – ora restaurador, ora destrutivo – revela um método que desafia a experiência visual e sensorial do espectador.

Gabriel de la Mora nasceu no México, em 1968, e surpreendeu o meio artístico ao tratar qualquer material como objeto de interesse e potência criativa. Seu trabalho visa atribuir novos valores simbólicos e estéticos ao banal. Como um colecionador de fragmentos do cotidiano, ele demonstra um fascínio ilimitado pelos resquícios da existência, compondo um quebra-cabeça que nunca existiu.

Essa obsessão com a repetição e a reconstrução é o que define a veemência de sua prática. Em um processo exaustivo, busca uma expressão visual que só pode emergir da persistência infinita do gesto. 

A expografia da mostra reflete a obsessividade material do artista ao propor uma experiência sensorial expandida. No Museu Oscar Niemeyer, em Curitiba, uma sala de 400 m² é tomada por suas obras, enquanto uma grande mesa central permite que os visitantes explorem os materiais de suas criações.

O papel da arte é transformar o valor das coisas – simbólico, material ou imagético. “Veemente” é uma equação de percepções visuais e táteis. Ao permitir que o público interaja com os materiais e experimente os limites da repetição e da obsessão, a mostra convida cada visitante a vivenciar, de forma íntima e sensorial, a lógica de um artista que transforma resíduos em poesia visual.

820 Fragmentos de asas de borboleta Hypolimnas pandarus sobre cartolina de museu
30 x 30 x 2 cm
Galeria Simões de Assis

Palitos de madeira
28,6 x 22,3 x 15 cm
Coleção particular

Painéis eletrônicos sobre papel museológico
41 x 35 x 4 cm
Coleção particular

Acrílico sobre penas de pavão sobre cartolina de museu
30 x 30 x 4 cm
Coleção particular

Poeira coletada no estúdio do artista
10 x 10 x 10 cm
Coleção particular

MON realiza nova exposição internacional

A exposição “Veemente”, do artista mexicano Gabriel de la Mora, é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer (MON). A mostra será inaugurada no dia 8 de maio, na Sala 1, com curadoria de Marcello Dantas.

São 70 obras, entre instalações, telas com técnicas mistas e esculturas, a maioria produzida entre 2000 e 2025. O conjunto apresenta não só a estética do artista e sua evolução, mas também a diversidade e peculiaridade dos materiais utilizados, que vão além dos suportes e pigmentos tradicionais. 

 “A arte de Gabriel de la Mora provoca uma reflexão fundamental sobre o nosso tempo e nos convida a ressignificar o ordinário, olhar com mais atenção para o que descartamos ou esquecemos”, afirma a secretária de Estado da Cultura, Luciana Casagrande Pereira. “É uma exposição que dialoga com temas contemporâneos e reforça o compromisso do MON em trazer ao público experiências potentes e conectadas com as discussões da arte global.”

A diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika, comenta que o artista desafia nosso olhar e percepção com suas pinturas, instalações e esculturas feitas a partir de itens inusitados, descartados. “Nada em seu intenso e extenso trabalho é óbvio. Tudo é resultante de um perspicaz olhar sobre a natureza humana, seus sentimentos e sensações”, diz. 

No processo de criação, o artista transforma objetos encontrados em matéria-prima para singulares obras de arte, evocando o conceito ready-made. “Há sempre uma mensagem, abordando a sustentabilidade, a passagem do tempo e o ciclo da vida, traduzida em trabalhos repletos de beleza e movimento”, afirma Juliana.

O curador Marcello Dantas explica que a prática de Gabriel de la Mora envolve uma investigação sobre materiais, explorando os limites físicos e conceituais de um processo de coleta e reconstrução. “À primeira vista, suas obras podem parecer abstratas, com caráter escultórico ou até minimalista. No entanto, um olhar mais atento revela que nada é o que parece ser”, diz Dantas. 

“Suas obras são compostas por elementos inesperados: fios de cabelo, fragmentos de espelhos, cascas de ovos, solas de sapato, asas de borboleta e outros vestígios da vida cotidiana”, informa o curador. “Sua técnica denota um processo quase obsessivo, que transforma a matéria-prima em novas formas, padrões e texturas. A repetição contínua do gesto artesanal – ora restaurador, ora destrutivo – revela um método que desafia a experiência visual e sensorial do espectador”, comenta.

Marcello Dantas é um premiado curador com ampla atividade no Brasil e no exterior. Trabalha na fronteira entre a arte e a tecnologia, produzindo exposições e múltiplos projetos que proporcionam experiências de imersão por meio dos sentidos e da percepção. Nos últimos anos, atuou na concepção de diversos museus, como o Museu da Língua Portuguesa, Japan House (SP), Museu da Natureza (PI), Museu da Cidade de Manaus, Museu da Gente Sergipana (Aracaju, SE), Museu do Caribe e o Museu do Carnaval (Barranquilla, Colômbia). Realizou exposições individuais de alguns dos mais importantes nomes da arte contemporânea mundial como Ai Weiwei, Anish Kapoor, Laurie Anderson, Michelangelo Pistoletto, Rebecca Horn e Tunga. Foi também diretor artístico do Pavilhão do Brasil na Expo Shanghai 2010, do Pavilhão do Brasil na Rio+20, da Estação Pelé, em Berlim, na Copa do Mundo de 2006.

Nascido em 1968, na Cidade do México, onde vive e trabalha, Gabriel de La Mora é formado em Arquitetura pela Universidade Anáhuac del Norte e possui mestrado em Pintura pelo Pratt Institute, de Nova York. Concentra sua prática artística no uso e reaproveitamento de objetos descartados ou obsoletos, que parecem ter completado sua vida útil. Mais interessado na desconstrução e fragmentação de um objeto ou material ao longo do tempo, ele aposta na reconstrução a partir de práticas baseadas na passagem do tempo e dos processos, ecoando o conceito ready-made.

GABRIEL DE LA MORA_EXPOSIÇÃO VEEMENTE_1º áudio_Texto Institucional_narração Rogele Caldeira (1).mp3

GABRIEL DE LA MORA_EXPOSIÇÃO VEEMENTE_2º áudio_Texto Curatorial_narração Rogele Caldeira (1).mp3

Veemente - Gabriel de la Mora

Miguel Bakun via o mundo de maneira singular. Paranaense descendente de eslavos, viveu na Curitiba do século passado. Considerado um dos mais significativos artistas por sua inserção nacional e internacional, ganhou a alcunha de Van Gogh brasileiro não apenas pela similaridade de traços e cores, mas por características pessoais em comum, como timidez e introspecção.

As obras de Bakun que fazem parte do acervo do Museu Oscar Niemeyer têm incalculável valor artístico e histórico. Nesta exposição, parte delas pode ser vista num interessante diálogo com dezenas de desenhos e pinturas de sua autoria, boa parte inédita ao grande público, que pertencem à coleção particular de Walter Gonçalves.

Uma mostra individual que dá ainda mais visibilidade à irretocável produção deste que é um dos representantes mais originais da arte moderna brasileira. Durante 30 anos, Bakun registrou o simples de maneira sofisticada. Tornou grandiosas cenas de mar, vegetação, flores ou meros locais cotidianos, como quintais de casa. Com traços magníficos, executou também diversos retratos. 

Tal conjunto, além de ser visto nesta exposição, também se transformou num livro sobre o artista, com textos que abordam a sua produção pictórica e gráfica, de autoria de Adolfo Montejo Navas e Ronaldo Brito. 

Incompreendido em seu tempo, Bakun cada vez mais é aclamado por críticos e pelos espectadores. É um artista que evoca em nós, paranaenses, profunda sensação de orgulho e pertencimento.

Bakun não era só um artista autodidata, isolado ou semisselvagem, senão um eu que procurava a verdade da natureza (a verdade na natureza).

Uma concepção e um modus operandi que reporta outro imaginário não só visual, quanto cognitivo, pois a natureza-paisagem e as referências iconográficas que maneja (quintais, cercas, lagoas, margens) não são nada delimitadas ou seguras como tais, se metamorfoseiam. Dir-se-ia que Bakun aporta um ponto cego que desnorteia a observação tradicional das coisas, e que já no século XXI, pode ser melhor observado, quando até os fatos brigam com a imaginação pelo domínio do estatuto do real. 

A que destino caberia inscrever a leitura da obra de Bakun, quando a órbita de seu trabalho se pauta tanto pela emoção pictórica, alimentando a visão? Aliás, o grau de vida interior ou de poder interno em sua natureza divisada parece evocar até uma “sobrenaturalidade” como sentimento vital, também estético.

Há uma matéria informe de massas pictóricas, como uma pintura em combustão, latejante, pulsando as imagens que oferece, porque, no fundo, há um certo magma telúrico, palpitante, trazido à superfície. Pintura sempre vibrante, não estacionada, excitante. 

Uma microfísica pictórica onde os traços são evidentes, numerosos, rasgos solistas sobressaindo do conjunto tonal geral, harmonizado em sua evidente trama, mas participando de uma devoção agreste, abrupta, áspera.

Miguel Bakun parece ter chegado a sua maturidade como artista a uma pintura que ainda se está fazendo diante de nossos olhos, que não se terminou completamente. Ela presenteia até hoje uma instabilidade, um olhar oblíquo, mais tangencial. 

Uma pintura microfísica, desaforada (Bakun)

A tinta voraz de Miguel Bakun impregna a tela e vem a torná-la veículo do Eu expressivo do artista. Já os traços agitados de seus grafites e carvões, a irradiar pelo papel, mobilizam as cenas e as transformam em autênticos flagrantes existenciais. Despretensiosos, casuais, é justo seu caráter disperso e fugidio o que lhes garante consistência estética. Os esboços podem até começar como estudos preparatórios para um futuro óleo, mas logo se emancipam como acontecimentos autônomos. E se, na qualidade de estudos, revelam certo domínio do escorço acadêmico (igrejas e navios o comprovam) é evidente que, para Bakun, o mundo é sobretudo um lugar incerto e palpitante: daí os rabiscos quase aleatórios, espécies de vírgulas e semicírculos, mais ou menos arabescos, diria eu, que atravessam a cena como uma ventania. E nada escapa a ela, inexiste espaço neutro para esse artista que vive seu estar-no-mundo como um incessante embate perceptivo.

Mas ele trata seu território de maneira livre e antiacadêmica, nada mimética, em constante mutação, fiel a seu expressionismo instintivo e inculto. É uma natureza modesta, avessa ao grandioso, que atrai sua sensibilidade exacerbada. E mesmo aí, vai buscá-la pelas costas, em trechos anônimos de mundo, que elege como totens de sua passagem pela vida.

Há mais de uma década, penso, a obra de Miguel Bakun deixou de ser um fenômeno local paranaense para se tornar parte intrínseca do rarefeito modernismo visual brasileiro. 
E toma lugar entre seus pares, Pancetti e Guignard principalmente, pintores que em um ambiente indiferente, senão hostil, abriam caminho no país para uma visibilidade moderna pós-impressionista. 

Com obras inéditas para o grande público, a exposição "Miguel Bakun: O Olhar de uma Coleção", realizada pelo Museu Oscar Niemeyer, apresenta a produção pictórica e gráfica do artista paranaense.

São aproximadamente 60 obras, entre pinturas e desenhos, nas quais Bakun expressa as particularidades de uma percepção de mundo curiosa e gentil diante da natureza. A exposição inclui 5 obras do artista que fazem parte do acervo do MON. A curadoria é de Eliane Prolik.

O entendimento e habitat da obra de Miguel Bakun (1909-1963) são objetivos desta mostra, originária da publicação de um livro correspondente, organizada a partir da coleção particular de Walter Gonçalves e da dedicação de Eliane Prolik à produção do artista.

Através de sua pintura e desenho, Bakun expressa as particularidades de uma percepção de mundo curiosa e gentil diante da natureza e, ao mesmo tempo, evidencia uma potência criativa inusitada por meio de impetuosas e ritmadas pinceladas ou grafismos presentes na fatura de seus trabalhos. Um sujeito expressivo a capturar o mundo em sua arte com tamanha escuta e abertura, capaz de construir uma obra de força poética e um riquíssimo pensamento visual.

Seu recente reconhecimento, tanto no Brasil como internacionalmente, deriva de novas pesquisas, leituras críticas, publicações, exposições, presença em feiras de arte e acervos públicos. Após sua inserção num cenário cultural mais ampliado e, especialmente no modernismo brasileiro, nos parece necessário revisitar sua obra aqui, em Curitiba, local onde ele a produziu, principalmente, nos anos 1940 e 1950. Precisamos aprender mais sobre ela, seu pertencimento ao nosso contexto e sobre nós mesmos. Contamos com um texto sobre a pintura de Bakun, de autoria de Adolfo Montejo Navas, e pela primeira vez, a produção gráfica do artista recebe uma leitura crítica específica de Ronaldo Brito.

Nesta mostra estão presentes 25 pinturas e 24 desenhos de Bakun que se somam a 5 pinturas do acervo do Museu Oscar Niemeyer. É importante que coleções particulares sejam oferecidas ao público e participem no processo de tornar a arte mais visível e significativa.

Eliane Prolik - Curadora
Walter Gonçalves - Colecionador

Óleo sobre tela
47 x 54 cm
(PMB/WG – Pintura 004) 

Coleção Walter Gonçalves

Óleo sobre tela
45 x 55 cm
(PMB/WG – Pintura 006) 

“Miguel Bakun: O Olhar de uma Coleção” é a nova realização do Museu Oscar Niemeyer. A exposição, com curadoria de Eliane Prolik, será inaugurada no dia 20 de março, na Sala 11.
Obras de Bakun que fazem parte do acervo do Museu Oscar Niemeyer poderão ser vistas num interessante diálogo com dezenas de desenhos e pinturas, boa parte inédita ao grande público, que pertencem à coleção particular de Walter Gonçalves. No total, a mostra reúne aproximadamente 60 pinturas e desenhos.

Exposições em cartaz

Trilhos e Traços

MON sem Paredes

Re-selvagem

Veemente

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