O Museu Oscar Niemeyer (MON) traz aqui a você, visitante, a obra de um dos grandes nomes da arte contemporânea brasileira. A exposição inédita “Teia à toa”, realizada pelo MON, reúne 70 esculturas e pinturas produzidas nas últimas décadas pelo artista carioca Barrão.

Desenhista, pintor, escultor e artista multimídia, ele reaproveita objetos do cotidiano e sucatas, conferindo-lhes novos significados. Intuitivo, reconfigura objetos utilitários quebrados ou danificados, tornando-os obras surpreendentes e criativas.

O resultado é quase uma alusão à vida, ao imponderável que muitas vezes destrói previsões e nos deixa apenas a possibilidade de adaptação. Barrão instiga ao inverter o sentido original dos objetos com humor, ironia e poesia. 

Museus são espaços de encontro e de troca, de significativas experiências pessoais e presenciais, cada vez mais necessárias num mundo instantâneo e efêmero. No caso da obra de Barrão, é a chance de confundir a lógica e buscar novos pontos de vista.

Seu trabalho deixa um convite a desafiarmos o óbvio e estendermos um olhar mais atento. Então surge a pergunta: e se a bricolagem extrapolasse os limites da arte e fosse aplicada em situações do dia a dia? Com “Teia à toa”, o espectador será surpreendido e provavelmente, de alguma maneira, modificado. 

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

Realizada pelo MON, a exposição “Teia à Toa” apresenta um recorte da produção do artista carioca Barrão dos últimos 20 anos, na Sala 3. Com curadoria de Luiza Mello, reúne aproximadamente 70 obras em cerâmicas multicoloridas, esculturas monocromáticas em resina e bronze, aquarelas e instalações. 

Desenhista, pintor, escultor e artista multimídia, Barrão reaproveita objetos do cotidiano e sucatas, conferindo-lhes novos significados. Intuitivo, reconfigura objetos utilitários quebrados ou danificados, tornando-os obras surpreendentes e criativas.

Teia à toa apresenta um recorte da produção de Barrão dos últimos 20 anos, reunindo obras em cerâmicas multicoloridas, esculturas monocromáticas em resina e bronze, aquarelas e instalações. É a primeira vez que esse conjunto de obras é mostrado em Curitiba, revelando a complexidade e as sutilezas de sua prática artística. 

Ao longo de mais de quatro décadas, Barrão desenvolveu uma linguagem marcada pela intuição e pela transformação na combinação de elementos do cotidiano – objetos reconhecíveis, extraídos do nosso universo doméstico e urbano. Em seu ateliê, prateleiras abrigam peças de origens diversas – acumuladas e organizadas por critérios tão intuitivos quanto enigmáticos. Desses fragmentos surgem esculturas híbridas que desafiam funções e estilos, sempre atravessadas por humor e ironia. 

O título da exposição é também um convite: a caminhada por uma floresta de formas e cores onde tudo está conectado por fios invisíveis. Como aranhas que tecem suas tramas no ar, Barrão trabalha combinando objetos e pedaços de objetos preexistentes – cerâmicas quebradas e coladas, objetos moldados e fundidos em outros materiais, pedaços de objetos organizados em composições improváveis. Resina, bronze, louça: cada elemento carrega a memória do que foi e agora se apresenta como parte de algo maior.

Essas conexões não seguem uma lógica utilitária ou racional. Como as teias que variam de acordo com a espécie e o ambiente – circulares, irregulares, densas ou esparsas –, as obras se organizam segundo um sistema próprio. As esculturas, instalações e aquarelas não se apresentam como peças isoladas, mas se articulam no espaço em uma rede de relações formais, cromáticas e simbólicas, ativando o percurso do visitante como uma deriva sensorial.

Há também uma dimensão lúdica e imprevisível que atravessa toda a exposição. “À toa”, aqui, não é falta de direção, mas liberdade criativa. Cada obra parece surgir de um jogo – entre materiais, entre sentidos, entre títulos e formas. Os nomes das peças, sempre precisos e irônicos, funcionam como poemas: ora revelam, ora embaralham as possíveis interpretações. 

Em Teia à toa, Barrão propõe uma experiência de encantamento e estranhamento, em que sentido se constrói no acaso, na surpresa, no olhar de quem vê.

Eduardo Ortega 
Cortesia do artista e Fortes D'Aloia & Gabriel, São Paulo/Rio de Janeiro

Louça e resina epoxi
159 x 37,5 x 35 cm
Coleção do artista

Bronze
254 x 80 x 85 cm
Coleção do artista

Louça e resina epoxi
37 x 31 x 35 cm
Coleção do artista

Resina epoxi e tinta automotiva
86,5 x 44 x 29 cm
Coleção do artista

Resina epoxi e tinta automotiva
Dimensões variadas
Coleção do artista

Resina epoxi e tinta automotiva
17 x 15,5 x 8 cm
Coleção do artista

MON realiza exposição do artista contemporâneo Barrão

A exposição “Teia à Toa” apresenta um recorte da produção do artista carioca Barrão dos últimos 20 anos. Realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), a mostra será inaugurada no dia 10/7, às 19h, na Sala 3. 

Com curadoria de Luiza Mello, reúne aproximadamente 70 obras em cerâmicas multicoloridas, esculturas monocromáticas em resina e bronze, aquarelas e instalações. É a primeira exposição individual do artista em Curitiba.

“Ao trazer ao público exposições como a de Barrão, o MON se destaca como um dos mais relevantes espaços para a arte contemporânea no Brasil”, afirma a secretária de estado da Cultura, Luciana Casagrande Pereira. Para ela, a exposição de Barrão convida a enxergar beleza, sentido e poesia onde antes havia apenas descarte. “É esse poder transformador da arte que desejamos estimular cada vez mais, aproximando o público de experiências instigantes e significativas”, pontua.

“Desenhista, pintor, escultor e artista multimídia, Barrão reaproveita objetos do cotidiano e sucatas, conferindo-lhes novos significados. Intuitivo, reconfigura objetos utilitários quebrados ou danificados, tornando-os obras surpreendentes e criativas”, explica a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika.

“O resultado é quase uma alusão à vida, ao imponderável que muitas vezes destrói previsões e nos deixa apenas a possibilidade de adaptação”, diz. “Barrão instiga ao inverter o sentido original dos objetos com humor, ironia e poesia”, comenta Juliana. 

A curadora informa que, ao longo de mais de quatro décadas, Barrão desenvolveu uma linguagem marcada pela intuição e pela transformação na combinação de elementos do cotidiano – objetos reconhecíveis, extraídos do nosso universo doméstico e urbano. “Em seu ateliê, prateleiras abrigam peças de origens diversas – acumuladas e organizadas por critérios tão intuitivos quanto enigmáticos. Desses fragmentos surgem esculturas híbridas que desafiam funções e estilos, sempre atravessadas por humor e ironia”, diz.

Ela explica que o título da exposição funciona como um convite à caminhada por uma floresta de formas e cores onde tudo está conectado por fios invisíveis. “Como aranhas que tecem suas tramas no ar, Barrão trabalha combinando objetos e pedaços de objetos preexistentes – cerâmicas quebradas e coladas, objetos moldados e fundidos em outros materiais, pedaços de objetos organizados em composições improváveis”, afirma Luiza. “Resina, bronze, louça: cada elemento carrega a memória do que foi e agora se apresenta como parte de algo maior”.

Barrão destaca as aquarelas presentes na mostra que, apesar de serem bidimensionais, sugerem o escultórico. “Elas têm muito a ver com o trabalho que eu desenvolvo, com a busca de relação entre os objetos”, diz.

Segundo o artista, todo o seu trabalho é construído a partir de um mundo que já existe. “São objetos que tinham outras funções e que já estavam aqui quando eu cheguei, mas que agora se associam a outros e ganham novo significado”, resume. “Eles se transformam”.

O artista 
Barrão (Rio de Janeiro, 1959). Vive e trabalha no Rio de Janeiro.
Desenhista, pintor, escultor, artista multimídia. Autodidata, inicia sua carreira artística com o Grupo Seis Mãos, 1983–1991, formado com Ricardo Basbaum e Alexandre Dacosta. O grupo desenvolve atividades com vídeo, pinturas ao vivo, shows musicais e performances, e promove o projeto Improviso de Pintura e Música em ruas, praças públicas, faculdades etc. A primeira exposição dos três artistas teve lugar em 1983, no Circo Voador, no Rio de Janeiro. Nesse ano, Barrão participa das mostras “Arte na Rua I” e “Pintura! Pintura!”, ambas na mesma cidade. Em 1984, realiza a primeira individual, “Televisões”, na Galeria Contemporânea, e participa da coletiva “Como Vai Você, Geração 80?”, realizada na Escola de Artes Visuais do Parque Lage – EAV/Parque Lage, no Jardim Botânico, Rio de Janeiro. Recebeu o Prêmio Brasília de Artes Plásticas, no Museu de Arte de Brasília, em 1990. Produz, com Sandra Kogut, os vídeos “7 Horas de Sono” e “A Geladeira”. Faz ainda vinhetas eletrônicas para televisão, trabalhos de cenografia e capas de discos. Cria, em parceria com o artista Luiz Zerbini, o editor de vídeo e cinema Sérgio Mekler e o produtor musical Chico Neves, o grupo Chelpa Ferro, em 1995, que trabalha com escultura, instalações tecnológicas e música eletrônica.

Áudio 2 - Barrão_Texto Curatorial.mp3

Áudio 1 - Barrão_Texto Institucional.mp3

Realizada pelo MON, a exposição “Teia à Toa” apresenta um recorte da produção do artista carioca Barrão dos últimos 20 anos, na Sala 3. Com curadoria de Luiza Mello, reúne aproximadamente 70 obras em cerâmicas multicoloridas, esculturas monocromáticas em resina e bronze, aquarelas e instalações. 
Desenhista, pintor, escultor e artista multimídia, Barrão reaproveita objetos do cotidiano e sucatas, conferindo-lhes novos significados. Intuitivo, reconfigura objetos utilitários quebrados ou danificados, tornando-os obras surpreendentes e criativas.

Teia à Toa - Barrão

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A cada nova exposição realizada, o Museu Oscar Niemeyer convida o seu público a se surpreender. Desta vez, o artista mexicano Gabriel de la Mora desafia nosso olhar e percepção com suas pinturas, instalações e esculturas feitas a partir de itens inusitados, descartados. 

Nada em seu intenso e extenso trabalho é óbvio. Isso inclui desde os peculiares materiais que utiliza até os processos de execução, passando pela inspiração. Tudo é resultante de um perspicaz olhar sobre a natureza humana, seus sentimentos e sensações. 

No processo de criação, ele transforma objetos encontrados em matéria-prima para singulares obras de arte, evocando o conceito ready-made. Há sempre uma mensagem abordando a sustentabilidade, a passagem do tempo e o ciclo da vida, traduzida em trabalhos repletos de beleza e movimento.

Ao entrar na sala expositiva, o público se depara não apenas com obras de arte, mas com uma proposta de criar novos sentidos. Ao discutir questões ambientais, universais, ele nos faz perceber as muitas possibilidades que a arte pode assumir. 

O resultado, embora fruto de um processo de pesquisa e estudos, com grande complexidade técnica, não deixa espaço para a previsibilidade e soa como intuitivo. Somos desafiados a perceber algo mais além das obras. E é esse o convite feito por esta exposição.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

A exposição “Veemente”, do artista mexicano Gabriel de la Mora, é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer (MON). A mostra, em cartaz na Sala 1 a partir do dia 8 de maio, tem curadoria de Marcello Dantas. São 70 obras, entre instalações, telas com técnicas mistas e esculturas, a maioria produzida entre 2000 e 2025. 

O conjunto apresenta não só a estética do artista e sua evolução, mas também a diversidade e peculiaridade dos materiais utilizados, que vão além dos suportes e pigmentos tradicionais. No processo de criação, ele transforma objetos encontrados em matéria-prima para singulares obras de arte, evocando o conceito ready-made.

A prática de Gabriel de la Mora envolve uma investigação sobre materiais, explorando os limites físicos e conceituais de um processo de coleta e reconstrução. À primeira vista, suas obras podem parecer abstratas, com caráter escultórico ou até minimalista. No entanto, um olhar mais atento revela que nada é o que parece ser. De la Mora cria superfícies novas e extraordinárias, que desconstroem as fronteiras entre diferentes linguagens artísticas.

Suas obras são compostas por elementos inesperados: fios de cabelo, fragmentos de espelhos, cascas de ovos, solas de sapato, asas de borboleta e outros vestígios da vida cotidiana. Sua técnica denota um processo quase obsessivo, que transforma a matéria-prima em novas formas, padrões e texturas. A repetição contínua do gesto artesanal – ora restaurador, ora destrutivo – revela um método que desafia a experiência visual e sensorial do espectador.

Gabriel de la Mora nasceu no México, em 1968, e surpreendeu o meio artístico ao tratar qualquer material como objeto de interesse e potência criativa. Seu trabalho visa atribuir novos valores simbólicos e estéticos ao banal. Como um colecionador de fragmentos do cotidiano, ele demonstra um fascínio ilimitado pelos resquícios da existência, compondo um quebra-cabeça que nunca existiu.

Essa obsessão com a repetição e a reconstrução é o que define a veemência de sua prática. Em um processo exaustivo, busca uma expressão visual que só pode emergir da persistência infinita do gesto. 

A expografia da mostra reflete a obsessividade material do artista ao propor uma experiência sensorial expandida. No Museu Oscar Niemeyer, em Curitiba, uma sala de 400 m² é tomada por suas obras, enquanto uma grande mesa central permite que os visitantes explorem os materiais de suas criações.

O papel da arte é transformar o valor das coisas – simbólico, material ou imagético. “Veemente” é uma equação de percepções visuais e táteis. Ao permitir que o público interaja com os materiais e experimente os limites da repetição e da obsessão, a mostra convida cada visitante a vivenciar, de forma íntima e sensorial, a lógica de um artista que transforma resíduos em poesia visual.

820 Fragmentos de asas de borboleta Hypolimnas pandarus sobre cartolina de museu
30 x 30 x 2 cm
Galeria Simões de Assis

Palitos de madeira
28,6 x 22,3 x 15 cm
Coleção particular

Painéis eletrônicos sobre papel museológico
41 x 35 x 4 cm
Coleção particular

Acrílico sobre penas de pavão sobre cartolina de museu
30 x 30 x 4 cm
Coleção particular

Poeira coletada no estúdio do artista
10 x 10 x 10 cm
Coleção particular

MON realiza nova exposição internacional

A exposição “Veemente”, do artista mexicano Gabriel de la Mora, é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer (MON). A mostra será inaugurada no dia 8 de maio, na Sala 1, com curadoria de Marcello Dantas.

São 70 obras, entre instalações, telas com técnicas mistas e esculturas, a maioria produzida entre 2000 e 2025. O conjunto apresenta não só a estética do artista e sua evolução, mas também a diversidade e peculiaridade dos materiais utilizados, que vão além dos suportes e pigmentos tradicionais. 

 “A arte de Gabriel de la Mora provoca uma reflexão fundamental sobre o nosso tempo e nos convida a ressignificar o ordinário, olhar com mais atenção para o que descartamos ou esquecemos”, afirma a secretária de Estado da Cultura, Luciana Casagrande Pereira. “É uma exposição que dialoga com temas contemporâneos e reforça o compromisso do MON em trazer ao público experiências potentes e conectadas com as discussões da arte global.”

A diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika, comenta que o artista desafia nosso olhar e percepção com suas pinturas, instalações e esculturas feitas a partir de itens inusitados, descartados. “Nada em seu intenso e extenso trabalho é óbvio. Tudo é resultante de um perspicaz olhar sobre a natureza humana, seus sentimentos e sensações”, diz. 

No processo de criação, o artista transforma objetos encontrados em matéria-prima para singulares obras de arte, evocando o conceito ready-made. “Há sempre uma mensagem, abordando a sustentabilidade, a passagem do tempo e o ciclo da vida, traduzida em trabalhos repletos de beleza e movimento”, afirma Juliana.

O curador Marcello Dantas explica que a prática de Gabriel de la Mora envolve uma investigação sobre materiais, explorando os limites físicos e conceituais de um processo de coleta e reconstrução. “À primeira vista, suas obras podem parecer abstratas, com caráter escultórico ou até minimalista. No entanto, um olhar mais atento revela que nada é o que parece ser”, diz Dantas. 

“Suas obras são compostas por elementos inesperados: fios de cabelo, fragmentos de espelhos, cascas de ovos, solas de sapato, asas de borboleta e outros vestígios da vida cotidiana”, informa o curador. “Sua técnica denota um processo quase obsessivo, que transforma a matéria-prima em novas formas, padrões e texturas. A repetição contínua do gesto artesanal – ora restaurador, ora destrutivo – revela um método que desafia a experiência visual e sensorial do espectador”, comenta.

Marcello Dantas é um premiado curador com ampla atividade no Brasil e no exterior. Trabalha na fronteira entre a arte e a tecnologia, produzindo exposições e múltiplos projetos que proporcionam experiências de imersão por meio dos sentidos e da percepção. Nos últimos anos, atuou na concepção de diversos museus, como o Museu da Língua Portuguesa, Japan House (SP), Museu da Natureza (PI), Museu da Cidade de Manaus, Museu da Gente Sergipana (Aracaju, SE), Museu do Caribe e o Museu do Carnaval (Barranquilla, Colômbia). Realizou exposições individuais de alguns dos mais importantes nomes da arte contemporânea mundial como Ai Weiwei, Anish Kapoor, Laurie Anderson, Michelangelo Pistoletto, Rebecca Horn e Tunga. Foi também diretor artístico do Pavilhão do Brasil na Expo Shanghai 2010, do Pavilhão do Brasil na Rio+20, da Estação Pelé, em Berlim, na Copa do Mundo de 2006.

Nascido em 1968, na Cidade do México, onde vive e trabalha, Gabriel de La Mora é formado em Arquitetura pela Universidade Anáhuac del Norte e possui mestrado em Pintura pelo Pratt Institute, de Nova York. Concentra sua prática artística no uso e reaproveitamento de objetos descartados ou obsoletos, que parecem ter completado sua vida útil. Mais interessado na desconstrução e fragmentação de um objeto ou material ao longo do tempo, ele aposta na reconstrução a partir de práticas baseadas na passagem do tempo e dos processos, ecoando o conceito ready-made.

GABRIEL DE LA MORA_EXPOSIÇÃO VEEMENTE_1º áudio_Texto Institucional_narração Rogele Caldeira (1).mp3

GABRIEL DE LA MORA_EXPOSIÇÃO VEEMENTE_2º áudio_Texto Curatorial_narração Rogele Caldeira (1).mp3

Veemente - Gabriel de la Mora

Para o Museu Oscar Niemeyer, arte e artistas paranaenses têm importante papel e estão sempre presentes em exposições e na coleção permanente da instituição.

Aqui, o visitante poderá apreciar um recorte da produção da artista curitibana Teca Sandrini, desde a década de 1960 até a atualidade. Sua mostra “Eterno Feminino”, realizada pelo MON, reúne mais de 100 pinturas, desenhos, gravuras e esculturas. 

Com muita sensibilidade, mulheres são retratadas por ela de maneiras diversas, em diferentes contextos e épocas, bem como seus sentimentos, sensações e emoções.

Muitas vezes artistas dão pistas, por meio de suas obras, sobre a maneira como veem a vida. Teca sempre foi uma atenta observadora do mundo ao seu redor, o que fica claro, implícita e explicitamente, em seu trabalho. 

O resultado é uma vasta produção, já apresentada em cidades do Brasil e do mundo, que integra diversos acervos e coleções. 

Museus são espaços vivos e de conhecimento, que têm como missão promover um diálogo constante entre artistas e público. Ao trazer a seus conterrâneos e a todos os visitantes a exposição dessa artista, o MON proporciona pertencimento e valorização da cultura local.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

- Nasce Teca Sandrini no dia 9 de abril, em Curitiba. Filha de Stella Braga e José Ernesto Erichsen Pereira.

- Ingressa no Colégio Nossa Senhora de Sion.

- Ingressa no Colégio São José, onde conclui o curso colegial (ensino médio).

- Começa a frequentar o curso livre de pintura de Guido Viaro, que mantinha seu ateliê no sótão da Escola de Música e Belas Artes do Paraná (EMBAP), em Curitiba. 

- Ingressa no curso superior de Pintura da EMBAP.

- É premiada no 9º Salão de Artes Plásticas para Novos, da Secretaria de Educação e Cultura do Paraná, em Curitiba. 

- Começa a trabalhar como auxiliar de bibliotecário na Biblioteca Pública do Paraná.

- É premiada no 10º Salão de Artes Plásticas para Novos, da Secretaria de Educação e Cultura do Paraná; e no Salão Arte Primavera, do Clube Concórdia, em Curitiba.

- É premiada no 1º Salão do Diretório Acadêmico da EMBAP. 

- Participa da exposição coletiva Arte Decorativa, na EMBAP.

- Forma-se no curso de licenciatura em Didática de Desenho, na Faculdade de Filosofia da Universidade Católica do Paraná.

- Nasce sua filha, Giovanna Sandrini Berberi.

- Inicia carreira docente, lecionando desenho no Colégio Estadual Maria Aguiar Teixeira, em Curitiba.

- Frequenta o ateliê do escultor Juan Carlos Labourdette, em Buenos Aires. 

-Tem aulas de cerâmica com Gladys C. de Migliorini, também em Buenos Aires.

- Nasce seu filho, Juliano Pereira Sandrini.

- Participa da exposição coletiva Resina e Metal, no Centro de Criatividade de Curitiba. 

- Integra o primeiro grupo de artesãos a se instalar na Feirinha do Largo da Ordem, em Curitiba.

- Inicia como professora de cerâmica e escultura no Centro de Criatividade de Curitiba, onde permanece até 1978.

- Participa do curso Arte e Criatividade, ministrado por Tom Hudson, no Centro de Criatividade de Curitiba. 

- Ministra o Workshop de Resina, no Salão de Exposições do Banco de Desenvolvimento do Paraná (BADEP), em Curitiba.

- Participa dos cursos Iniciação às Artes Plásticas, com o crítico Roberto Pontual, no Museu Guido Viaro; e Escultura em Bronze com o escultor Francisco Stockinger, no Centro de Criatividade de Curitiba. 

- Organiza e participa da exposição Tapeçarias, com desenhos dos artistas do Centro de Criatividade de Curitiba e tecelagens das internas da Penitenciária Feminina de Piraquara, na sede da Fundação Cultural de Curitiba. 

- Em Curitiba, participa das exposições coletivas Artes Técnicas, no BADEP; e Orientadores do Centro de Criatividade, na sede da Fundação Cultural.

- Participa do curso de cerâmica com o ceramista Marek Cecula, no Centro de Criatividade de Curitiba. 

Realiza sua primeira exposição individual na sede da Fundação Cultural de Curitiba, apresentando esculturas em resina poliéster.

- Participa das exposições coletivas Esculturas em Bronze, na sede da Fundação Cultural de Curitiba; e Coletiva do Centro de Criatividade de Curitiba, no Museu de Arte de Joinville (SC).

- Inicia trabalho voluntário como professora de arte na Penitenciária Feminina do Paraná, onde atua até 1983. 

- Organiza a 3ª Mostra de Tapeçaria, das internas da Penitenciária Feminina de Piraquara, na Fundação Cultural de Curitiba. 

- Participa da exposição coletiva Orientadores do Centro de Criatividade de Curitiba, na Casa da Cultura de Joinville (SC); e, em Curitiba, das coletivas Arte e Pensamento Ecológico, no Centro de Criatividade, e 2ª Mostra de Arte e Técnicas Artísticas, no BADEP. 

- Participa das exposições coletivas Novas Tendências, no Museu de Arte de Joinville (SC); e Panorama da Arte no Paraná - IV Artistas Contemporâneos, no BADEP, em Curitiba.

- Começa a trabalhar como técnica em assuntos culturais na Secretaria da Cultura e do Esporte do Paraná, onde se dedicou, entre outras coisas, à produção de exposições, certames e salões.

- É premiada no 7º Salão de Artes Plásticas de Jacarezinho, da Secretaria da Cultura e Esporte do Paraná, em Jacarezinho (PR).

- É premiada no 4º Salão de Arte do Iguaçu, da Secretaria da Cultura e do Esporte do Paraná, em Foz do Iguaçu (PR); e no 1º Salão de Artes Plásticas de Assis, do SESC e da Prefeitura Municipal de Assis (SP).

- Inicia como auxiliar de ensino no curso de Desenho Industrial da Pontifícia Universidade Católica do Paraná (PUC-PR).

- Participa da exposição coletiva Artists from Ohio's Brazilian Sister States Paraná, na Hiestand Gallery, da Miami University, em Oxford; e na N.O.V.A. Gallery, em Cleveland, Ohio (EUA).

- É premiada no 34º Salão de Artes Plásticas de Pernambuco, da Secretaria de Turismo, Cultura e Esportes de Recife. 

- É premiada na 1ª Mostra de Miniquadro, do Clube Sírio Libanês do Paraná, em Curitiba. 

- Participa, como convidada especial, do 3º Salão de Artes Plásticas de Assis, em Assis (SP).

- Organiza, na Sala Bandeirante de Cultura, em Curitiba, as exposições Arte é Liberdade e Manufatura de Tapeçaria da Penitenciária Feminina de Piraquara, com obras das internas.

- Organiza, junto com Ennio Marques Ferreira, a exposição Miniquadros das Internas da Penitenciária Feminina de Piraquara, no Clube Sírio Libanês do Paraná, em Curitiba.

- Participa das exposições coletivas Coletiva de Desenho, na Galeria Rodrigo Mello Franco de Andrade (FUNARTE/INAP), no Rio de Janeiro; Free Art Box Partners of the Americas, em Ohio (EUA); e, na Sala Miguel Bakun da Biblioteca Pública do Paraná, das coletivas Registro da Escultura Paranaense de Hoje e Caixa Arte Livre.

- Realiza a exposição Dois Artistas Paranaenses, na Galeria do Banco Itaú, em São Paulo e em Campo Grande. 

- Participa das exposições coletivas Oito Artistas Paranaenses, no Museu de Arte Moderna da Bahia, em Salvador; e Paranaenser Kuenstler Stellen in der Schweiz Aus, no Museu de Arte de Aarau (Suíça). 

- É premiada na 2ª Mostra do Miniquadro, do Clube Sírio Libanês do Paraná; e no 40º Salão Paranaense, da Secretaria da Cultura e do Esporte do Paraná, em Curitiba. 

- Inicia a especialização em Antropologia Filosófica na Universidade Federal do Paraná (UFPR). 

- Participa do curso de extensão universitária Existencialismo e Marxismo, também na UFPR. 

- Realiza a exposição Estela Sandrini, na Caixa de Criação Galeria de Arte, em Curitiba. 

- Participa das exposições coletivas Artistas do Paraná, na Fundação Armando Álvares Penteado (FAAP), em São Paulo; e Valores Atuais do Paraná, na Galeria Macunaíma, da FUNARTE, no Rio de Janeiro. 

- É premiada na 6ª Mostra do Desenho Brasileiro, da Secretaria da Cultura e do Esporte do Paraná, em Curitiba. 

- Participa das exposições coletivas Velha Mania, na Escola de Artes Visuais do Parque Lage, no Rio de Janeiro; e Traço e Volume, no Museu de Arte Brasileira (FAAP), em São Paulo, e no Museu de Arte de Santa Catarina, em Florianópolis. 

- É premiada no Salão Nacional de Belas Artes, do Museu de Arte de Goiânia. 

- Realiza a exposição Estela Sandrini, na Galeria de Arte Poupança Banestado, em Londrina (PR). 

- Participa da exposição coletiva Tradição/Contradição, com curadoria de Maria José Justino, no Museu de Arte Contemporânea do Paraná (MAC-PR), como artista e pesquisadora.

- Integra as exposições coletivas Arte e Paz, na sala de exposições do Teatro Guaíra, em Curitiba; Paraná Cor e Forma, no Museu Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro; Caminhos do Desenho Brasileiro, no Museu de Artes do Rio Grande do Sul, em Porto Alegre; e Arte 13 de Curitiba, na FAAP, em São Paulo.

- É premiada no 43º Salão Paranaense, da Secretaria da Cultura e do Esporte do Paraná; e na 7ª Mostra de Gravura, do Museu da Gravura Cidade de Curitiba. 

- Realiza as exposições Estela Sandrini e Guita Soifer, no Museu de Arte de Santa Catarina, em Florianópolis; e Pequenas e Grandes Imagens de Estela Sandrini, na Imagem 3 Escritório de Arte, em Curitiba. 

- Participa das exposições coletivas Homenagem à Gravura - Exposições dos Premiados da Bienal de Gravura, na Galeria Arte Correa, em Curitiba; Arte Sobre Papel, no Museu de Arte de Goiânia; e Mostra de Jovens Gravadores de Curitiba, na FAAP, (São Paulo), na Fundação Cultural do Distrito Federal (Brasília) e no Museu de Arte de Santa Catarina (Florianópolis).

- Integra a equipe de orientação técnica liderada por Maria José Justino para a criação e formação do acervo do Museu de Arte do Paraná (MAP). 

- Muda-se para Baltimore, Maryland (EUA).

- Participa dos cursos de pintura com Dan Dudrow e de monotipia com Sam Peters, no Maryland Institute College of Art, em Baltimore.

- Realiza a exposição From Brazil: Estela Sandrini, na Katzenstein Gallery, em Baltimore.

- Realiza a exposição Estela Sandrini: Paintings and Drawings, na Art Gallery of Brazilian American Cultural Institute, Washington, D.C. (EUA).

- Participa, em Maryland, das exposições coletivas Les Femmes des Arts, no Eubie Blake Cultural Center, em Baltimore; Maryland Printmakers, na University of Maryland Eastern Shore, em Princess Anne; e Maryland Printmakers, na Galeria Daedal Fine Arts, em Fallston Mall.

“Eterno Feminino” é um recorte da produção da artista curitibana Teca Sandrini, desde a década de 1960 até a atualidade, com curadoria de Maria José Justino, em cartaz na Sala 7. São pinturas, desenhos, gravuras e esculturas que apresentam três fases de sua trajetória: “Polacas”, “Fragmentos” e “Manchas”. 

A primeira aborda signos do cotidiano doméstico ao apresentar mulheres em afazeres de rotina. Na fase “Fragmentos”, num flerte com o surrealismo e a abstração, o destaque são gavetas e cadeiras. Na fase mais recente, a das “Manchas”, a artista brinca com as formas.

Esta exposição consolida a preferência de Teca Sandrini pela pintura como linguagem oblíqua sobre a realidade, um saber que fala por meio do silêncio das mulheres, seus anseios e devaneios. Nas várias técnicas e linguagens que experimentou, sempre esteve presente a estrutura diagonal, que os barrocos viam como a melhor forma de expressar o movimento, a vida. 

Fora as zonas de transição, Sandrini tem ao menos três grandes fases. Na das POLACAS, a gorda e jovem senhora reclusa no interior de um quadrado e cercada de tralhas por todos os lados, signos do cotidiano doméstico, oscila entre o ingênuo e o mordaz. São mulheres mergulhadas nas tarefas, nas tralhas – potes, panelas, gavetas –, numa loucura organizada. Nem heroínas nem vítimas, apenas donas de casa atoladas nos afazeres de rotina. 

Mais tarde, num flerte com o surrealismo, bichos se entrelaçam aos seres humanos, que vão se esvaindo e cedendo lugar ao objeto até que, por fim, se entregam. Na saturação de objetos, Teca sente necessidade de se esvaziar... Eis a fase dos FRAGMENTOS. A mulher se esconde e dá lugar às gavetas e cadeiras – lugar dos segredos, dos guardados e da espera. 

Surge um flerte com a abstração. Mas não uma abstração pura – o lado emocional da expressionista não desaparece. Troca a forma feminina e os bichos pela violência das cores e a concentração no fragmento. 

A dificuldade galopante da visão inaugura a fase das MANCHAS, em que a artista consente brincar com as formas. A matéria concreta e o geométrico se mesclam às emoções da vida, travestidos em manchas, espontaneidade e expressividade, se aproximando do all over. Cores fortes cedem lugar às grandes manchas e, nas luzes que se apagam, brota o branco como luz. Surge uma nova pintura, não narrativa. 

A Teca de hoje se delineia em manchas. Salvo a viagem pelas Marias, que parecem um concerto com todas as mulheres do passado, suas pinturas são reminiscências da vida. É preciso perder o paraíso terrestre para vivê-lo verdadeiramente, dizia Bachelard. A perda de parte da visão aguça o olhar e intensifica a vontade de ver o mundo. Sua pintura continua a ser o exercício de uma religião profana, porque imergida no mundo; ontológica, porque mergulhada na imensidão da linguagem da arte; intimista – por isso mesmo, verdadeira. Metáfora da resistência, poética do olhar, elogio da mão. 

Óleo sobre tela
300 x 300 cm (cada 150 x  150) quadríptico
Acervo Teca Sandrini

Giz de cera, nanquim e tinta a óleo sobre papel
Dimensões variáveis
Acervo Teca Sandrini

Óleo sobre tela
130 x 160 cm
Acervo Teca Sandrini

Nanquim e pastel oleoso sobre papel
73 x 105 cm
Acervo Teca Sandrini

Museu Oscar Niemeyer inaugura exposição da artista Teca Sandrini

Um recorte da produção da artista curitibana Teca Sandrini, desde a década de 1960 até a atualidade, está reunida na mostra “Eterno Feminino”, inaugurada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON). São 126 pinturas, desenhos, gravuras e esculturas, com curadoria de Maria José Justino, que estarão na Sala 7, a partir do dia 3/7, às 19h.

“Valorizar a produção de artistas paranaenses, especialmente de mulheres com trajetórias tão potentes como a de Teca Sandrini, é reafirmar nosso compromisso com a memória, a diversidade e a força da arte feita no Paraná”, afirma a secretária de estado da cultura, Luciana Casagrande Pereira.

“Arte e artistas paranaenses têm importante papel e estão sempre presentes em exposições e na coleção permanente do MON”, comenta a diretora-presidente da instituição, Juliana Vosnika. “Ao realizar a exposição dessa artista, o Museu Oscar Niemeyer proporciona pertencimento e valorização da cultura local”, diz Juliana.

A curadora explica que a exposição consolida a preferência de Teca Sandrini pela pintura “como linguagem oblíqua sobre a realidade, um saber que fala por meio do silêncio das mulheres, seus anseios e devaneios”. Segundo informa Maria José Justino, “nas várias técnicas e linguagens que experimentou, sempre esteve presente a estrutura diagonal, que os barrocos viam como a melhor forma de expressar o movimento, a vida”.

A mostra reúne obras de três grandes fases distintas da trajetória da artista: “Polacas”, “Fragmentos” e “Manchas”. A primeira aborda signos do cotidiano doméstico ao apresentar mulheres donas de casa em afazeres de rotina. “Mais tarde, num flerte com o surrealismo e a abstração, a mulher se esconde e dá lugar às gavetas e cadeiras – lugar dos segredos, dos guardados e da espera, eis a fase ‘Fragmentos’”, explica a curadora.

As limitações e dificuldades de visão da artista inauguram a fase mais recente de sua obra, a das “Manchas”, em que brinca com as formas. “A matéria concreta e o geométrico se mesclam às emoções da vida, travestidos em manchas, espontaneidade e expressividade”, diz Maria José Justino. “Cores fortes cedem lugar às grandes manchas e, nas luzes que se apagam, brota o branco como luz. Surge uma nova pintura, não narrativa”, informa. 

Com uma trajetória artística de mais de seis décadas, Teca Sandrini afirma que a arte a tornou cidadã do mundo. “Da vida e da arte trago amores, cores e perfumes”, conta. “Eu sinto a arte como a natureza, onde o visível e o invisível se confundem e narram a realidade e a memória”, diz.

A curadora 
Maria José Justino é professora, ensaísta, curadora e crítica de arte. Tem mestrado em Filosofia pela Pontifícia Universidade Católica de São Paulo,  doutorado em Estética e Ciências das Artes pela Universidade de Paris VIII  e pós-doutorado pela École des Hautes Études en Sciences Sociales. Integra o Conselho de Cultura do Estado do Paraná, no Museu Oscar Niemeyer (MON) e no Museu de Arte Contemporânea (MAC). Professora aposentada da Universidade Federal do Paraná e da Escola de Música e Belas Artes, é autora de mais de 70 artigos e livros, entre eles: “Mulheres na Arte: Que Diferença Isso Faz?”, “Frans Krajcberg: A Tragicidade da Natureza pelo Olhar da Arte”, e “Modernidade e Pós-modernidade em Hélio Oiticica”.

A artista
Teca Sandrini é uma premiada artista brasileira, com obras em diversos acervos e coleções nacionais e internacionais. Tem formação em Pintura pela Escola de Música e Belas Artes do Paraná (Embap), Didática de Desenho pela Faculdade de Filosofia da Pontifícia Universidade Católica do Paraná (PUCPR) e especialização em Antropologia Filosófica pela Universidade Federal do Paraná (UFPR). Realizou exposições individuais em diversas cidades brasileiras e em outros países, como Estados Unidos e Alemanha. Foi professora na Embap e na PUCPR.

Suas obras pertencem a importantes acervos, como: Museu Oscar Niemeyer, Curitiba; Brazilian-American Cultural Institute, Washington D.C. (EUA); Museu de Arte Brasileira - Fundação Armando Alvares Penteado, São Paulo; Museu de Arte Contemporânea de Pernambuco, Olinda; Museu de Arte Contemporânea do Paraná, Curitiba; Museu de Arte Moderna de Santa Catarina, Florianópolis; Museu de Arte de Goiânia; Museu Nacional de Belas Artes, Rio de Janeiro; e vários outros.

Áudio 2 - Texto Curatorial Eterno Feminino.mp3

Áudio 1 - Texto Institucional Eterno Feminino.mp3

Áudio 3 - Linha do Tempo_Teca.mp3

“Eterno Feminino” é um recorte da produção da artista curitibana Teca Sandrini, desde a década de 1960 até a atualidade, com curadoria de Maria José Justino, em cartaz na Sala 7. São pinturas, desenhos, gravuras e esculturas que apresentam três fases de sua trajetória: “Polacas”, “Fragmentos” e “Manchas”. 
A primeira aborda signos do cotidiano doméstico ao apresentar mulheres em afazeres de rotina. Na fase “Fragmentos”, num flerte com o surrealismo e a abstração, o destaque são gavetas e cadeiras. Na fase mais recente, a das “Manchas”, a artista brinca com as formas.

Eterno Feminino - Teca Sandrini

Mais do que comemorar o centenário deste artista curitibano, que é um dos principais nomes das artes do Estado e do País, a mostra “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), passa a ser um local de referência a Poty Lazzarotto.

A partir de agora, certamente, os visitantes do MON, em especial as centenas de estudantes das redes pública e particular que diariamente frequentam o Museu, poderão saber mais e conhecer melhor esse gênio das artes.

Também é uma oportunidade para o espectador se aprofundar na vida e obra de Poty. Ao proporcionar uma imersão em tão vasto conteúdo, reunido aqui, o MON instiga o público a aumentar repertório ao lançar um novo olhar sobre este artista ímpar. 

Recentemente, o Museu incorporou ao seu acervo a maior coleção já doada à instituição: aproximadamente 4 mil obras de arte assinadas por ele. Um recorte disso pode agora ser visto nesta exposição. Assim, o eixo central deste prédio se transforma em palco para as maiores coleções recebidas pelo MON, ao lado das mostras de arte asiática e africana.

A doação da obra de Poty, generosamente feita pela família do artista, trouxe ao Museu, em 2022, mais de 3 mil desenhos e 366 gravuras, além de tapeçarias, entalhes, serigrafias e esculturas. São obras que enriquecem ainda mais o acervo do MON, que nos últimos anos quintuplicou de tamanho, consolidando o Museu como um dos mais importantes da América Latina. 

Ser a instituição que guarda o legado de Poty é motivo de orgulho, alegria e responsabilidade. Nesta mostra, compartilhamos com o visitante um pouco desses sentimentos, traduzidos pelos traços inconfundíveis do artista. Pertencimento aqui tem nome e sobrenome: Poty Lazzarotto.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika 
Diretora-presidente
Museu Oscar Niemeyer

“A alma se expressa com mais claridade através do rosto (Simmel).” Essa profundidade encontramos nos retratos de Poty. São imagens expressivas e agitadas: têm existência real, não há espaço para impessoalidade. Ícones que surpreendem a realidade natural e social, vão do realismo à caricatura. São traços certeiros, linhas econômicas que sintetizam em pequenos detalhes a personalidade do retratado. O macambúzio Bakun contrasta com os enérgicos autorretratos do artista. Poty, ao olhar para si mesmo, revela a individualidade de um homem firme, direto, dado a poucos devaneios – e humano, demasiadamente humano.

Nascido em modesta casa de madeira no Capanema, criado nos trilhos da ferrovia que passava em frente à sua casa, com um pai ferroviário, mãe cozinheira e avô marceneiro, Poty desenvolveu uma paixão pelos trabalhadores humildes acalentada em toda a sua vida, mesmo depois de viver em metrópoles como o Rio de Janeiro e Paris. Seus desenhos e gravuras traduzem a paixão pelo trabalhador, tanto pelo operário no dia a dia do trabalho árduo, em especial o ferroviário, pelas carrocinhas de polaca, pelas vendedoras ambulantes, pelos motoristas dos bondes abertos e pelos donos de botecos, como pelo homem simples no cotidiano: nas festas de igreja, nas sociedades operárias, no Cine Morgenau, no jogo de truco, todos celebrando a vida. O trabalho é visto por Poty muito mais como realização do que penúria e alienação. Encontramos nessa poética do trabalho a energia de São Francisco, os traços corajosos de Goya e a ternura de Käthe Kollwitz. Delicadeza e cunho social, dignidade e humanidade.

Poty celebra a sabedoria indígena que cultua a natureza e os mitos. Colhe, no meio das inúmeras línguas e dos ricos rituais, o artista nato, seja nas cestarias, nos bancos, nos arcos e nas flechas, na pintura corporal, nas máscaras e até nos simples nós e na arquitetura das ocas. Os desenhos de Poty realizados no Alto Xingu, na ainda extensa Floresta Amazônica dos anos 1960 (1967/68), são um elogio à natureza, ao bom selvagem de Rousseau. Fazem jus a essa imaginação intelectual e instintiva transbordante dos nativos.

“O mundo profano é o universo das interdições, enquanto o mundo sagrado corresponde ao das transgressões (Bataille).” Os santos de Poty são muito conhecidos, em especial São Francisco, por ele desenhado, talhado e gravado inúmeras vezes. Os vestígios do sagrado, a comunicação com o transcendental presente na alma de Poty, o conduzem a uma religião no sentido de religar, do latim religare, que celebra o entendimento humano. Desse modo, não precisa necessariamente estar vinculado a uma religião louvando aos deuses para ser religioso. A aura, se existe, é aquela que envolve a ligação ao outro, a prática do humanismo. Inspirado em São Francisco, Poty celebra a natureza e a pessoa humana.

Mergulhar nos desenhos e gravuras de Poty é viajar no cotidiano da provinciana Curitiba. Desde as cenas das carrocinhas das polacas, trabalhadores indo ao ofício de bicicleta, desastres na ferrovia, brigas nos botecos, as enchentes no centro da cidade, os meninos soltando pipas, o Circo dos Irmãos Queirolo e o glorioso regresso de Didi Caillet até a procissão dos meninos correndo atrás do trolley do padre Maurício, que distribuía balas para atrair os pequenos para o Santo Ofício. Também estendeu seu olhar a outras paragens: seus traços escorregam por cenas marítimas da Bahia, pelas igrejas e santos de Ouro Preto, pelas esculturas das catedrais de Chartres e de Paris. Eterno viajante, Poty une a Curitiba nostálgica à descoberta do mundo.

Desde o início da sua atividade artística, Poty sempre foi um narrador, criando imagens para contar histórias. Ainda criança, fez histórias em quadrinhos inspiradas nos modelos norte-americanos; já adolescente, criou imagens de violência e fantasia, inspiradas em autores como Edgar Allan Poe e William Shakespeare. O cinema, também uma forma de narração através de imagens, foi outra influência decisiva na sua obra: ainda criança, frequentava o antigo cinema do Clube Morgenau e depois desenhava as cenas que ficavam marcadas na sua memória. Poty tornou-se ilustrador de livros ainda jovem: desde 1943 e até o fim da vida, ilustrou mais de 170 títulos de autores brasileiros e estrangeiros. Com seu amor pelo cinema, também realizou uma magistral série de desenhos à maneira de cartazes de clássicos do cinema – o desenho como extensão da sétima arte.

“Na galeria dos nossos grandes (mas muito poucos) ilustradores de nossos livros (numerosos, mas ainda muito poucos), nunca a fusão verbo-ícone atinge tão intrínseca adequação: nunca um ilustrador, entre nós, foi tão ilustrador, tão capaz de dizer o que as palavras não sabiam ou não podiam.” (Antônio Houaiss)

O primeiro mural público de Poty foi o da Praça 19 de Dezembro, por ocasião do Centenário da Emancipação do Paraná, em 1953, em estilo mais realista. Desde então, realizou um grande número de obras públicas, que estão presentes em várias cidades brasileiras, tendo chegado também à Europa, com trabalhos no Algarve, em Portugal, e em Paris. Para o artista, os murais públicos eram uma extensão da gravura, pela sua capacidade de levar a sua arte a um público mais amplo. Na sua obra pública, Poty emprega sofisticadas técnicas de montagem e articulação dos elementos figurativos para representar a história humana, o desenvolvimento das cidades, das artes, dos saberes e das tecnologias. Para quem passeia por Curitiba, fica o convite para encontrar, na cidade, os murais de Poty: como a chuva e os pinheiros, eles são parte da paisagem curitibana.

“Cabe a cada menino guardar, para todo o sempre, um instante daquele voo de silêncio e fúria, de ruído e paz...” (Valêncio Xavier)

A exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

Na mostra, as obras foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na trajetória artística de Poty, representativos das suas diferentes facetas: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista.  

Poty, artista curitibano? Não: Poty, artista do mundo. Esta é a premissa desta exposição: mostrar um dos mais importantes artistas de Curitiba em sua dimensão universal. Comemoramos o centenário de nascimento de Poty Lazzarotto trazendo ao público uma ampla seleção das suas obras recentemente doadas ao MON pelo Sr. João Geraldo Lazzarotto, irmão do artista. Nesta mostra, as peças foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na sua obra, representativos das diferentes facetas do artista: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista. Mas Poty, o piá do Capanema que amava o cinema e as histórias em quadrinhos, é ainda mais que tudo isso. Através do desenho, seu principal meio de expressão, abordou os mais variados temas, passou por diferentes estilos, sempre buscando levar a arte ao seu mais importante destino: o povo. Na sua atividade artística incessante e obstinada, deu a ver o mundo real do trabalho e a realidade social; recriou, em imagens, o universo criativo da literatura; em seus murais, plasmou a grande aventura da história universal. Sempre buscando a divulgação popular da arte, foi da gravura à ilustração, do desenho minúsculo ao mural monumental. Na simplicidade do desenho, com a sua visão humana e pungente da experiência humana em todas as suas dimensões, Poty criou um vasto imaginário coletivo: em seus trilhos e traços, viajamos ao mundo.

MON realiza grandiosa exposição dos cem anos de Poty Lazzarotto

O Museu Oscar Niemeyer (MON) realiza a grandiosa exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, para comemorar o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998). Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, a mostra reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022, e estará disponível ao público a partir do dia 12/4, na Sala 6.

"Poty, em seu centenário, segue atual, incomparável, e essa nova exposição reforça a importância do artista para a identidade cultural paranaense. Tenho certeza de que a mostra no Museu Oscar Niemeyer introduzirá seu trabalho singular para milhares de pessoas e também para as novas gerações", afirma Luciana Casagrande Pereira, secretária de estado da Cultura do Paraná.

“Mais do que comemorar o centenário desse artista curitibano, que é um dos principais nomes das artes do Estado e do País, a exposição passa a ser um local de referência a Poty Lazzarotto”, diz a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika.

“A partir de agora, certamente, os visitantes do MON, em especial as centenas de estudantes das redes pública e particular que diariamente frequentam o Museu, poderão saber mais e conhecer melhor esse gênio das artes”, comenta.

A exposição também é uma oportunidade para o espectador se aprofundar na vida e obra de Poty. “Ao proporcionar uma imersão em tão vasto conteúdo, reunido aqui, o MON instiga o público a aumentar o repertório ao lançar um novo olhar sobre esse artista ímpar”, afirma Juliana.

A premissa da exposição, segundo os curadores, além de destacar a importância de sua obra no cenário paranaense, é extrapolar as fronteiras regionais e apresentar Poty em sua dimensão universal. “Na sua atividade artística incessante e obstinada, recriou, em imagens, o universo criativo da literatura; em seus murais, plasmou a grande aventura da história universal”, informam. “Sempre buscando a divulgação popular da arte, foi da gravura à ilustração, do desenho minúsculo ao mural monumental”.

Na mostra, as obras foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na trajetória artística de Poty, representativos das suas diferentes facetas: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista.  “Mas Poty, o piá do Capanema que amava o cinema e as histórias em quadrinhos, é ainda mais que tudo isso”, dizem os curadores.

Em 29 de março, dia do aniversário de Curitiba – e coincidentemente, data de nascimento do artista Poty Lazzarotto – o MON recebeu a maior coleção já doada à instituição: aproximadamente 4,5 mil peças. Era o ano de 2022.

Tal coleção conta com mais de 3 mil desenhos e 366 gravuras, além de tapeçarias, entalhes, serigrafias e esculturas, entre outros. A doação foi feita diretamente pelo irmão do artista, João Lazzarotto.

São obras que enriquecem ainda mais o acervo do MON, que nos últimos anos quintuplicou de tamanho, consolidando o Museu como um dos mais importantes da América Latina. 

Um recorte dessa vasta coleção de Poty poderá ser visto nessa exposição.

Assim, o eixo central do prédio do Museu se transforma em palco para as maiores coleções recebidas pelo MON, ao lado das mostras de arte asiática e africana.

A exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

Na mostra, as obras foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na trajetória artística de Poty, representativos das suas diferentes facetas: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista.  

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