Não é exagero chamá-lo de mestre. Com esta mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer, German Lorca, Mestre da Fotografia, o MON confirma sua vocação de, entre outras vertentes artísticas, colecionar e expor fotos, levando-as até o nosso imenso e interessado público espectador.

O premiado fotógrafo brasileiro German Lorca dedicou a maior parte dos seus quase 100 anos de vida (1922-2021) a registrar com suas câmeras cenas, flagrantes e personagens que só poderiam ter sido descobertos por ele. 

Imprimiu marca própria em tudo que fez, revelando imagens inovadoras, o que tornou sua obra inconfundível. Rompeu os limites da fotografia utilizando com maestria técnicas de sombra e luz, buscando sempre novos e diferentes enquadramentos. 

Esta exposição é um testemunho de décadas eternizadas graças ao seu olhar sensível. Sua singular percepção para revelar cenas do cotidiano, de maneira incomum, o alçou à categoria de fotógrafo-artista. 

Sua obra foi incluída nos mais importantes acervos do mundo, como o do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA), entre muitos outros. Aqui no MON, sete fotografias suas fazem parte da coleção permanente do Museu, enriquecendo o nosso acervo.

A mostra “German Lorca, Mestre da Fotografia” nos faz viajar no tempo e no espaço. São imagens geniais que têm poesia, que tocam e inspiram, que permitem um diálogo silencioso com cada visitante. Refletir e admirar é a proposta.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer 

O Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA) é considerado um dos museus mais importantes do mundo. Possui obras da década de 1940 e 1950 de German Lorca e duas da icônica série Aeroporto, da década de 1960. Participar da coleção de fotógrafos notáveis do MoMA marca o reconhecimento de German Lorca no contexto da arte mundial. 

Em março de 2021, o museu fez uma grande exposição com foco no Foto Cine Clube Bandeirante, importante formador de fotógrafos brasileiros, frequentado por German Lorca no final dos anos 1940 e início dos anos 1950. As obras de Lorca foram um grande destaque na exposição. 

O Foto Cine Clube Bandeirante, criado em São Paulo no ano de 1939, foi de extrema importância para a disseminação da informação sobre a técnica e a formação de fotógrafos amadores e profissionais. Entre 1949 e 1952, German Lorca participou do Clube. Lá, quebrou as normas da fotografia tradicional, ganhando destaque entre os participantes. Tanto nas excursões fotográficas promovidas pelo grupo, quanto nos salões que participava, as imagens irreverentes e inovadoras de Lorca se destacavam. Eram um contraponto à construção pictórica vigente.

Primeiros tempos: Foto Cine Clube Bandeirante

German Lorca foi pioneiro em instaurar uma nova visualidade à fotografia brasileira. Explorava planos inusitados e ângulos diferenciados. Experimentava.

Além das imagens figurativas, que buscavam a personalidade do retratado – ou as criava – muitas vezes dava um caráter Expressionista à fotografia. Outras vezes, procurava o Abstracionismo em suas imagens. Flertou com o Concretismo informal, em voga na década de 1950 e 1960. Cortes e enquadramentos, tanto na captura da foto quanto no ato da revelação, mostravam que, em seu laboratório próprio, utilizava técnicas artesanais inovadoras e de difícil manejo.

Lorca encanta-se com o computador e, junto a um assistente, testava as infinitas possibilidades de recriar as imagens, alterando corte, textura e destacando principalmente as cores. Houve uma imagem em especial que o impressionou. Em uma piscina, deparou-se com um colchão inflável em uma manhã de sol. Seus olhos atentos perceberam que a falta total de vento e movimento criou um instante perfeito: parecia que o colchão flutuava no ar e a água não existia. Fez a imagem, mas achou que as cores não correspondiam à magia do momento. Posteriormente, com o assistente do estúdio, foi alterando a imagem até chegar à famosa versão final: “Levitação na Piscina”. Foi assim que resolveu resgatar suas antigas imagens coloridas e produzir novas. 

German Lorca amava Nova Iorque. Esteve lá várias vezes, e em três delas (1967, 1978 e 1984), retratou em preto e branco, de forma fiel, com seu olhar arguto, as figuras que representavam a cidade, algumas vezes tendo como pano de fundo seus principais símbolos. Conseguiu criar um painel muito significativo dos diversos tipos de nova-iorquinos: crianças, jovens, muitos idosos e até turistas. Um grande mosaico social de personagens de uma das principais cidades dos Estados Unidos.

Era o ano de 2014. German Lorca, aos 92 anos, precisou ficar recluso em sua casa devido a uma pequena questão de saúde. Criativo e irrequieto como sempre foi, achou um modo de, sentado próximo à janela da sala, registrar a luz do sol e as formas e sombras que ela causava ao entrar pelas frestas e pelas cortinas. O resultado é um ensaio belíssimo, feito com sua Leica Digital. Um verdadeiro estudo sobre luz e ambiente que ele mesmo denominou, poeticamente, de A Geometria das Sombras.

German Lorca nos impressiona e sobrepõe passado e presente. Convidado em 2018, após completar 70 anos de carreira, a documentar novamente alguns locais de suas fotos icônicas da cidade de São Paulo, surpreende-nos  com a mesma maestria. Aos 96 anos, encara o desafio, sobe a ladeira, procura os mesmos ângulos. Na imagem que fez no Quarto Centenário do aniversário de São Paulo, na inauguração do Parque Ibirapuera, com sua avó e seu filho andando em direção ao prédio da OCA como abduzidos por uma nave espacial, ele reencontra a mesma magia. Fotografa, mais de 60 anos depois, sua sobrinha e o filho pequeno, resgatando a mesma emoção.

Nos anos 1950, com a chegada das montadoras automobilísticas ao Brasil, um grande mercado de publicidade começou a surgir. Os grandes magazines de bens de consumo também estavam investindo. Lorca aliou sua liberdade experimental à curiosidade sobre as técnicas para pesquisar novidades e gerar imagens de impacto para os anúncios. Ao congelar cenas em movimento através dos novos flashes eletrônicos, Lorca gerou imagens publicitárias inovadoras e diferenciadas. Assim como nas imagens autorais, na fotografia comercial o artista sempre fazia a percepção da magia estar presente. Por isso era tão procurado pelas agências, também novas no Brasil, e cresceu com elas. 

A exposição “German Lorca, Mestre da Fotografia” resgata a trajetória artística do fotógrafo, reconhecida nacional e internacionalmente. Exibindo desde os seus primeiros trabalhos como fotógrafo amador, em 1947, a mostra conta com cerca de 160 fotografias, além de câmeras e outros itens pessoais.

Com curadoria de Adriana Rede e José Henrique Lorca, filho do fotógrafo, a exposição é organizada em oito núcleos que evidenciam o olhar afetivo do fotógrafo para o mundo. Ao longo de sua carreira, Lorca experimentou diversas modalidades de fotografia, desde o analógico ao digital, sempre mantendo sua linguagem única nas cenas que registrou.

GERMAN LORCA, MESTRE DA FOTOGRAFIA
German Lorca foi um dos poucos fotógrafos a vivenciar a fotografia de modo pleno em suas mais diversas modalidades: de amador a profissional, do analógico ao digital, das câmeras aos smartphones. Com uma visão peculiar sobre os mais diversos temas, estabeleceu de maneira única sua linguagem.

No final dos anos 1940, Lorca acompanhou um novo movimento, o alvorecer de uma estética moderna na fotografia brasileira. Afiliou-se ao Foto Cine Clube Bandeirante, na capital de São Paulo, hoje objeto de estudo internacional por seu vanguardismo. Com um olhar único, capaz de conjugar fotografia e arte – diferentemente da fotografia convencional pictórica – em sua longa trajetória artística, por mais de 70 anos, German Lorca sempre foi livre ao fotografar. Sem receio das críticas, manteve-se fiel a si próprio. 

Quando a fotografia moderna tomou impulso e veio revolucionar a cena brasileira, Lorca se destacou com seus cortes e enquadramentos, tanto na captura da foto quanto no processo de revelação. Passou por uma fase chamada "concreta", quando do movimento concretista nos anos 1950. Explorou planos inusitados, ângulos diferenciados, mas o “concretismo" de Lorca não foi exatamente intencional, foi livre e gerou obras belíssimas. 

Na fotografia publicitária, foi pioneiro. Incessantemente atrás de novidades, com audácia nas buscas cromáticas, nos ângulos ousados e temas irreverentes e provocativos, conquistou o mercado publicitário, que iniciava no Brasil. 

Com o olhar inquieto, aproveitou seus raros momentos de intervalo para realizar registros autorais, sempre conseguindo o melhor ângulo da cena que seu olhar escolhia. Com trajetória reconhecida, nacional e internacionalmente, nunca parou; seguiu com seu olhar atento, formando gerações de fotógrafos que se inspiraram, não só em sua técnica, mas em seu jeito afetivo de olhar o mundo. Chamavam-no de mestre. Sempre atemporal, seguiu fotografando até os últimos dias de sua vida extraordinária. Vemos, ao observar o seu trabalho, nosso olhar pousar entre o real e o imaginário. Cada instante como um momento cúmplice. 

Adriana Rede e José Henrique F. Lorca
Curadoria

German Lorca, Mestre da Fotografia é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer (MON), em cartaz na Sala 1. A exposição tem curadoria de Adriana Rede e José Henrique Lorca, filho do fotógrafo.

Pigmento mineral sobre base de celulose
61 x 46,5 cm

Pigmento mineral sobre base de celulose
50 x 41,6 cm

Pigmento mineral sobre base de celulose
36 x 34,7 cm

Crianças com travesseiro - Anúncio Extra 1972

Pigmento mineral sobre base de celulose
35 x 31,6 cm

Pigmento mineral sobre base de celulose
34,4 x 35 cm

Pigmento mineral sobre base de celulose
43,9 x 61 cm

MON realiza exposição inédita de German Lorca

A exposição “German Lorca, Mestre da Fotografia” é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer (MON). Com curadoria de Adriana Rede e José Henrique Lorca, filho do fotógrafo, a mostra poderá ser vista pelo público a partir do dia 5 de julho, na Sala 1.

"German Lorca é simplesmente um dos maiores nomes da fotografia brasileira", afirma a secretária de estado da Cultura do Paraná, Luciana Casagrande Pereira. "Nossa expectativa para esta exposição de Lorca no MON é de que ela será um marco para o Museu por conta da grandeza de sua trajetória, que merece ser vista, revista e conhecida pelo grande público aqui no Paraná".

Segundo a diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer, Juliana Vosnika, a mostra nos faz viajar no tempo e no espaço. “São imagens geniais que têm poesia, que tocam e inspiram, que permitem um diálogo silencioso com cada visitante”.

Ela comenta que, “com essa exposição, o MON confirma sua vocação de, entre outras vertentes artísticas, colecionar e expor fotografias, levando-as até o imenso e interessado público espectador”.

O brasileiro German Lorca (1922-2021) foi um dos poucos a vivenciar de modo pleno a fotografia, em suas mais diversas modalidades: de amador a profissional, do analógico ao digital, das câmeras aos smartphones. Com uma visão peculiar sobre os mais variados temas, estabeleceu sua linguagem de maneira única.

Sua obra faz parte dos mais importantes acervos do mundo, como o do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA), entre muitos outros. Sete de suas fotografias fazem parte da coleção permanente do Museu Oscar Niemeyer.

Dividida em núcleos, a exposição compreende a retrospectiva de sua obra, incluindo desde seus primeiros trabalhos como fotógrafo amador, em 1947. São cerca de 160 fotografias, além de câmeras e outros itens pessoais. A mostra percorre a trajetória de Lorca como artista e profissional na fotografia, por mais de 70 anos, com excepcional dedicação, conquistando diversas premiações e reconhecimento, no Brasil e no exterior. 

“Sua obra compõe um grande recorte da história da fotografia brasileira, acompanhando um novo movimento, uma nova forma de expressão fotográfica e o alvorecer de uma estética moderna na nossa fotografia brasileira”, informam os curadores.

No final dos anos 1940, Lorca afiliou-se ao Foto Cine Clube Bandeirante, em São Paulo, hoje objeto de estudo internacional por seu vanguardismo. “Quando a fotografia moderna toma impulso e vem revolucionar a cena brasileira, ele se destaca com seus cortes e enquadramentos, tanto na captura da foto quanto no ato da revelação”, esclarecem Adriana e José Henrique. 

Lorca passou por uma fase chamada "concreta", em que explorou planos inusitados e ângulos diferenciados. Na fotografia publicitária, foi pioneiro. Incessantemente atrás de novidades, com audácia nas buscas cromáticas, nos ângulos ousados e nos temas irreverentes e provocativos, conquistou o mercado publicitário, que se iniciava no Brasil. 

Com trajetória reconhecida, nacional e mundialmente, nunca parou. Seguiu com seu olhar atento, formando gerações de fotógrafos que se inspiraram, não só em sua técnica, mas em seu jeito afetivo de olhar o mundo. “Sempre atemporal, seguiu fotografando até os últimos dias de sua vida extraordinária”, explica a curadoria.  

Os oito núcleos que compõem a exposição são: “Lorca na coleção do MoMA”, “Primeiros tempos: Foto Cine Clube Bandeirante”, “Um olhar livre”, “E fez-se a cor”, “New York e seus personagens”, “A geometria das sombras”, “Sobreposição do tempo” e “O Mago dos Anúncios”.

Audio 1 MON FINAL.mp3

Audio 2 MON CURATORIAL.mp3

Versão em áudio - Lorca na Coleção do MoMA

Audio 3 MON MOMA.mp3

Versão em áudio - Primeiros tempos: Foto Cine Clube Bandeirante

Audio 4 MON BANDEIRANTE.mp3

Audio 5 MON POS FOTO.mp3

Audio 6 MON COR.mp3

Versão em áudio - New York e seus personagens

Audio 7 MON NY.mp3

Versão em áudio - A geometria das sombras

Audio 8 MON SOMBRAS.mp3

Versão em áudio - Sobreposição do tempo

Audio 9 MON DIPTICO.mp3

Audio 10 MON PUBLICIDADE.mp3

German Lorca, Mestre da Fotografia é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer (MON), em cartaz na Sala 1. A exposição tem curadoria de Adriana Rede e José Henrique Lorca, filho do fotógrafo.
Dividida em núcleos, apresenta uma retrospectiva de sua obra, incluindo desde seus primeiros trabalhos como fotógrafo amador, em 1947. São cerca de 160 fotografias, além de câmeras e outros itens pessoais. 
A mostra percorre a trajetória de Lorca como artista e profissional na fotografia, por mais de 70 anos, com excepcional dedicação, conquistando diversas premiações e reconhecimento, no Brasil e no exterior. 

German Lorca, mestre da fotografia

O MON está ao lado de grandes museus do Brasil e do mundo na plataforma Google Arts & Culture. Visite nossas exposições em formato virtual.

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Mais do que comemorar o centenário deste artista curitibano, que é um dos principais nomes das artes do Estado e do País, a mostra “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), passa a ser um local de referência a Poty Lazzarotto.

A partir de agora, certamente, os visitantes do MON, em especial as centenas de estudantes das redes pública e particular que diariamente frequentam o Museu, poderão saber mais e conhecer melhor esse gênio das artes.

Também é uma oportunidade para o espectador se aprofundar na vida e obra de Poty. Ao proporcionar uma imersão em tão vasto conteúdo, reunido aqui, o MON instiga o público a aumentar repertório ao lançar um novo olhar sobre este artista ímpar. 

Recentemente, o Museu incorporou ao seu acervo a maior coleção já doada à instituição: aproximadamente 4 mil obras de arte assinadas por ele. Um recorte disso pode agora ser visto nesta exposição. Assim, o eixo central deste prédio se transforma em palco para as maiores coleções recebidas pelo MON, ao lado das mostras de arte asiática e africana.

A doação da obra de Poty, generosamente feita pela família do artista, trouxe ao Museu, em 2022, mais de 3 mil desenhos e 366 gravuras, além de tapeçarias, entalhes, serigrafias e esculturas. São obras que enriquecem ainda mais o acervo do MON, que nos últimos anos quintuplicou de tamanho, consolidando o Museu como um dos mais importantes da América Latina. 

Ser a instituição que guarda o legado de Poty é motivo de orgulho, alegria e responsabilidade. Nesta mostra, compartilhamos com o visitante um pouco desses sentimentos, traduzidos pelos traços inconfundíveis do artista. Pertencimento aqui tem nome e sobrenome: Poty Lazzarotto.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika 
Diretora-presidente
Museu Oscar Niemeyer

“A alma se expressa com mais claridade através do rosto (Simmel).” Essa profundidade encontramos nos retratos de Poty. São imagens expressivas e agitadas: têm existência real, não há espaço para impessoalidade. Ícones que surpreendem a realidade natural e social, vão do realismo à caricatura. São traços certeiros, linhas econômicas que sintetizam em pequenos detalhes a personalidade do retratado. O macambúzio Bakun contrasta com os enérgicos autorretratos do artista. Poty, ao olhar para si mesmo, revela a individualidade de um homem firme, direto, dado a poucos devaneios – e humano, demasiadamente humano.

Nascido em modesta casa de madeira no Capanema, criado nos trilhos da ferrovia que passava em frente à sua casa, com um pai ferroviário, mãe cozinheira e avô marceneiro, Poty desenvolveu uma paixão pelos trabalhadores humildes acalentada em toda a sua vida, mesmo depois de viver em metrópoles como o Rio de Janeiro e Paris. Seus desenhos e gravuras traduzem a paixão pelo trabalhador, tanto pelo operário no dia a dia do trabalho árduo, em especial o ferroviário, pelas carrocinhas de polaca, pelas vendedoras ambulantes, pelos motoristas dos bondes abertos e pelos donos de botecos, como pelo homem simples no cotidiano: nas festas de igreja, nas sociedades operárias, no Cine Morgenau, no jogo de truco, todos celebrando a vida. O trabalho é visto por Poty muito mais como realização do que penúria e alienação. Encontramos nessa poética do trabalho a energia de São Francisco, os traços corajosos de Goya e a ternura de Käthe Kollwitz. Delicadeza e cunho social, dignidade e humanidade.

Poty celebra a sabedoria indígena que cultua a natureza e os mitos. Colhe, no meio das inúmeras línguas e dos ricos rituais, o artista nato, seja nas cestarias, nos bancos, nos arcos e nas flechas, na pintura corporal, nas máscaras e até nos simples nós e na arquitetura das ocas. Os desenhos de Poty realizados no Alto Xingu, na ainda extensa Floresta Amazônica dos anos 1960 (1967/68), são um elogio à natureza, ao bom selvagem de Rousseau. Fazem jus a essa imaginação intelectual e instintiva transbordante dos nativos.

“O mundo profano é o universo das interdições, enquanto o mundo sagrado corresponde ao das transgressões (Bataille).” Os santos de Poty são muito conhecidos, em especial São Francisco, por ele desenhado, talhado e gravado inúmeras vezes. Os vestígios do sagrado, a comunicação com o transcendental presente na alma de Poty, o conduzem a uma religião no sentido de religar, do latim religare, que celebra o entendimento humano. Desse modo, não precisa necessariamente estar vinculado a uma religião louvando aos deuses para ser religioso. A aura, se existe, é aquela que envolve a ligação ao outro, a prática do humanismo. Inspirado em São Francisco, Poty celebra a natureza e a pessoa humana.

Mergulhar nos desenhos e gravuras de Poty é viajar no cotidiano da provinciana Curitiba. Desde as cenas das carrocinhas das polacas, trabalhadores indo ao ofício de bicicleta, desastres na ferrovia, brigas nos botecos, as enchentes no centro da cidade, os meninos soltando pipas, o Circo dos Irmãos Queirolo e o glorioso regresso de Didi Caillet até a procissão dos meninos correndo atrás do trolley do padre Maurício, que distribuía balas para atrair os pequenos para o Santo Ofício. Também estendeu seu olhar a outras paragens: seus traços escorregam por cenas marítimas da Bahia, pelas igrejas e santos de Ouro Preto, pelas esculturas das catedrais de Chartres e de Paris. Eterno viajante, Poty une a Curitiba nostálgica à descoberta do mundo.

Desde o início da sua atividade artística, Poty sempre foi um narrador, criando imagens para contar histórias. Ainda criança, fez histórias em quadrinhos inspiradas nos modelos norte-americanos; já adolescente, criou imagens de violência e fantasia, inspiradas em autores como Edgar Allan Poe e William Shakespeare. O cinema, também uma forma de narração através de imagens, foi outra influência decisiva na sua obra: ainda criança, frequentava o antigo cinema do Clube Morgenau e depois desenhava as cenas que ficavam marcadas na sua memória. Poty tornou-se ilustrador de livros ainda jovem: desde 1943 e até o fim da vida, ilustrou mais de 170 títulos de autores brasileiros e estrangeiros. Com seu amor pelo cinema, também realizou uma magistral série de desenhos à maneira de cartazes de clássicos do cinema – o desenho como extensão da sétima arte.

“Na galeria dos nossos grandes (mas muito poucos) ilustradores de nossos livros (numerosos, mas ainda muito poucos), nunca a fusão verbo-ícone atinge tão intrínseca adequação: nunca um ilustrador, entre nós, foi tão ilustrador, tão capaz de dizer o que as palavras não sabiam ou não podiam.” (Antônio Houaiss)

O primeiro mural público de Poty foi o da Praça 19 de Dezembro, por ocasião do Centenário da Emancipação do Paraná, em 1953, em estilo mais realista. Desde então, realizou um grande número de obras públicas, que estão presentes em várias cidades brasileiras, tendo chegado também à Europa, com trabalhos no Algarve, em Portugal, e em Paris. Para o artista, os murais públicos eram uma extensão da gravura, pela sua capacidade de levar a sua arte a um público mais amplo. Na sua obra pública, Poty emprega sofisticadas técnicas de montagem e articulação dos elementos figurativos para representar a história humana, o desenvolvimento das cidades, das artes, dos saberes e das tecnologias. Para quem passeia por Curitiba, fica o convite para encontrar, na cidade, os murais de Poty: como a chuva e os pinheiros, eles são parte da paisagem curitibana.

“Cabe a cada menino guardar, para todo o sempre, um instante daquele voo de silêncio e fúria, de ruído e paz...” (Valêncio Xavier)

A exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

Na mostra, as obras foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na trajetória artística de Poty, representativos das suas diferentes facetas: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista.  

Poty, artista curitibano? Não: Poty, artista do mundo. Esta é a premissa desta exposição: mostrar um dos mais importantes artistas de Curitiba em sua dimensão universal. Comemoramos o centenário de nascimento de Poty Lazzarotto trazendo ao público uma ampla seleção das suas obras recentemente doadas ao MON pelo Sr. João Geraldo Lazzarotto, irmão do artista. Nesta mostra, as peças foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na sua obra, representativos das diferentes facetas do artista: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista. Mas Poty, o piá do Capanema que amava o cinema e as histórias em quadrinhos, é ainda mais que tudo isso. Através do desenho, seu principal meio de expressão, abordou os mais variados temas, passou por diferentes estilos, sempre buscando levar a arte ao seu mais importante destino: o povo. Na sua atividade artística incessante e obstinada, deu a ver o mundo real do trabalho e a realidade social; recriou, em imagens, o universo criativo da literatura; em seus murais, plasmou a grande aventura da história universal. Sempre buscando a divulgação popular da arte, foi da gravura à ilustração, do desenho minúsculo ao mural monumental. Na simplicidade do desenho, com a sua visão humana e pungente da experiência humana em todas as suas dimensões, Poty criou um vasto imaginário coletivo: em seus trilhos e traços, viajamos ao mundo.

MON realiza grandiosa exposição dos cem anos de Poty Lazzarotto

O Museu Oscar Niemeyer (MON) realiza a grandiosa exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, para comemorar o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998). Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, a mostra reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022, e estará disponível ao público a partir do dia 12/4, na Sala 6.

"Poty, em seu centenário, segue atual, incomparável, e essa nova exposição reforça a importância do artista para a identidade cultural paranaense. Tenho certeza de que a mostra no Museu Oscar Niemeyer introduzirá seu trabalho singular para milhares de pessoas e também para as novas gerações", afirma Luciana Casagrande Pereira, secretária de estado da Cultura do Paraná.

“Mais do que comemorar o centenário desse artista curitibano, que é um dos principais nomes das artes do Estado e do País, a exposição passa a ser um local de referência a Poty Lazzarotto”, diz a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika.

“A partir de agora, certamente, os visitantes do MON, em especial as centenas de estudantes das redes pública e particular que diariamente frequentam o Museu, poderão saber mais e conhecer melhor esse gênio das artes”, comenta.

A exposição também é uma oportunidade para o espectador se aprofundar na vida e obra de Poty. “Ao proporcionar uma imersão em tão vasto conteúdo, reunido aqui, o MON instiga o público a aumentar o repertório ao lançar um novo olhar sobre esse artista ímpar”, afirma Juliana.

A premissa da exposição, segundo os curadores, além de destacar a importância de sua obra no cenário paranaense, é extrapolar as fronteiras regionais e apresentar Poty em sua dimensão universal. “Na sua atividade artística incessante e obstinada, recriou, em imagens, o universo criativo da literatura; em seus murais, plasmou a grande aventura da história universal”, informam. “Sempre buscando a divulgação popular da arte, foi da gravura à ilustração, do desenho minúsculo ao mural monumental”.

Na mostra, as obras foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na trajetória artística de Poty, representativos das suas diferentes facetas: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista.  “Mas Poty, o piá do Capanema que amava o cinema e as histórias em quadrinhos, é ainda mais que tudo isso”, dizem os curadores.

Em 29 de março, dia do aniversário de Curitiba – e coincidentemente, data de nascimento do artista Poty Lazzarotto – o MON recebeu a maior coleção já doada à instituição: aproximadamente 4,5 mil peças. Era o ano de 2022.

Tal coleção conta com mais de 3 mil desenhos e 366 gravuras, além de tapeçarias, entalhes, serigrafias e esculturas, entre outros. A doação foi feita diretamente pelo irmão do artista, João Lazzarotto.

São obras que enriquecem ainda mais o acervo do MON, que nos últimos anos quintuplicou de tamanho, consolidando o Museu como um dos mais importantes da América Latina. 

Um recorte dessa vasta coleção de Poty poderá ser visto nessa exposição.

Assim, o eixo central do prédio do Museu se transforma em palco para as maiores coleções recebidas pelo MON, ao lado das mostras de arte asiática e africana.

Poty Lazzarotto (Curitiba, 1924-1998) trilhou seu caminho a partir do desenho, aprofundando-se, em seguida, na gravura, da qual se tornou um mestre, sendo o criador do primeiro curso de gravura do Museu de Arte de São Paulo (Masp). Muito de sua produção é biográfica, indo de lembranças de menino em torno de trilhos e vagões de trem a registros de tipos curitibanos e dos cenários que eles habitam.

Poty é direto e sem rodeios em seus desenhos e gravuras. Foi com essa característica espontânea que ilustrou diversas obras da literatura brasileira, como Os sertões, de Euclides da Cunha, e Grande Sertão: Veredas, de Guimarães Rosa. Não poderia, também, ter deixado de dar a vida aos curitibanos controversos retratados nos contos de outro ícone paranaense, Dalton Trevisan. 

Não bastasse sua presença na literatura, Poty deixou sua marca em toda Curitiba por meio de seus monumentos ou painéis de azulejo e de concreto aparente, prática que se iniciou com o painel “Desenvolvimento histórico do Paraná”, de 1953, na Praça 19 de Dezembro. Outros exemplos dessa produção são os painéis da travessa Nestor de Castro, nos quais ele mostra, de um lado, a cena de uma Curitiba que já não existe, e, do outro, a evolução da cidade, surgida em meio ao pinheiral, habitada por imigrantes, e que se destaca no campo do urbanismo. 

Doada ao Museu Oscar Niemeyer, a coleção diz respeito a toda essa produção. Nela podemos encontrar originais tantas vezes reproduzidos em livros e outras publicações sobre o artista, tomamos contato com os desenhos realizados por ele em sua expedição ao Xingu, em 1967, e adentramos a intimidade de um Poty quase desconhecido. Ademais, ainda encontramos esboços, projetos e estudos, e podemos perceber a evolução do traço, desde a sua juventude até a maturidade. Dessa forma, a coleção constitui um verdadeiro material etnográfico sobre o artista. 

A coleção também é formada, é claro, por obras consumadas, desenhos, xilogravuras, litogravuras, gravuras em metal, entalhes em madeira e blocos de concreto: milhares de peças que dão um testemunho claro da polivalência do artista. 
Por meio de Poty, tomamos conhecimento da arte que se fez e se faz no Paraná. 

Preservar não apenas o legado desse artista, mas sua memória, é antes de tudo um dever – tarefa assumida e adequadamente realizada, agora, pelo Museu Oscar Niemeyer.

Poty Texto 1  Áudio 1._Texto Institucional_mp3.mp3

Poty Texto 2_Áudio 2._Texto Curatorial.mp3

Trilhos e Traços Áudio 3_O Narrador.mp3

Trilhos e Traços Áudio 4_O Trabalho.mp3

Versão em áudio - O Cotidiano e o Viajante

Trilhos e Traços Áudio 8_O Cotidiano e o Viajante.mp3

Trilhos e Traços Áudio 9_O Muralista.mp3

Trilhos e Traços Áudio 5_Retratos.mp3

O Xingu.mp3

O Sagrado.mp3

A exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

Na mostra, as obras foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na trajetória artística de Poty, representativos das suas diferentes facetas: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista.  

Trilhos e Traços – Poty 100 anos

Mais do que nunca, a arte no espaço público se destaca como uma das melhores maneiras de levar arte ao público. Convidar artistas para criar obras, instalações e esculturas utilizando os espaços dos jardins, parques e praças também permite uma variedade de atividades interativas que nem sempre uma exposição museológica possibilita. O MON sempre quis trabalhar para ampliar seu público e oferecer muitas propostas que possam fazer com que os curitibanos e paranaenses se apropriem do “seu” Museu. Por isso, foi criado o importante projeto MON sem Paredes. 

Em 2022, na primeira versão do projeto, o MON apresentou, nos jardins do Museu, obras dos artistas Gustavo Utrabo (a obra fica no sítio até hoje) e Mariana Palma. 

Para esta segunda versão do MON sem Paredes, o Museu convidou “O Pequeno Colecionador”, um grupo formado por Artur Lescher, Mariane Klettenhofer e Paula Azevedo que se propõe a pensar sobre a arte e a experiência do brincar em suas diversas formas, histórias e culturas.  

Também foram convidados os artistas Alexandre Vogler (nasceu, vive e trabalha no Rio de Janeiro) e Narcélio Grud (nasceu em Teresina e vive e trabalha em Fortaleza).  

Alexandre Vogler apresenta um conjunto de quatro esculturas-mobiliário interativas: “Maca de Força I”, “Maca Cidreira”, “Maca Alecrim” e “Maca de Guarda”, instaladas no espaço público e ativadas por elementos de seu entorno. 

O artista e designer Narcelio Grud transita entre distintos caminhos em sua pesquisa, onde objetos ganham movimento e formas de existir, seja pela interação direta do público ou mesmo por forças motrizes naturais. Para o MON sem Paredes, Narcelio trouxe as esculturas da série “Sempre em Pé” e “Trepa-Trepa”.

Ao criar ligações entre os espaços exteriores e as salas expositivas do Museu, este novo projeto permite mostrar muitas outras formas de expressão da criatividade artística, bem como apresentar projetos para todos os públicos, incluindo todas as gerações de famílias. Trabalhar ao ar livre também permite dimensões “ilimitadas de obras”, percursos, jogos onde todos serão bem-vindos sem restrições de tempo. 

Alexandre Vogler                                                                                                                                                                                                              Maca Alecrim, 2019                                                                                                                                                                                    Cedro-rosa e alecrim                                                                                                                                                                                     Coleção do artista

Tal como as macas de massagem, esta é planejada para que a pessoa se deite de bruços, com os braços pendendo e o rosto acomodado pela cavidade da prancha integrado a um arbusto de alecrim. Essa erva é reconhecida como uma das mais poderosas acionadoras de estados de relaxamento entre os inúmeros benefícios confiados a ela.

- Acesso livre.                                                                                                                                                                                                         - Número máximo de pessoas: 1 pessoa por vez.                                                                                                                                               - Não sentar na extremidade da peça.

Alexandre Vogler
Maca Cidreira, 2019-2021
Angelim e cidreira-de-arbusto
Coleção do artista

Composta por quatro tábuas reunidas sob a angulação de 30° no comprimento e na largura, está situada embaixo de uma grande moita de cidreira-de-arbusto, erva medicinal de cheiro bastante agradável. Foi projetada para que a pessoa se deite, sendo “abraçada” pela estrutura angulada e coberta (como uma onda) pelo arbusto.

- Acesso livre.
- Número máximo de pessoas: 1 pessoa por vez.

Alexandre Vogler
Maca de Força (para Iara), 2021
Angelim e ervas de força
Coleção do artista

Esta Maca, desenhada com o formato de uma joaninha (inseto associado à sorte e à bem-aventurança), traz ao seu redor um conjunto de sete espécies de força comumente utilizadas em práticas ecumênicas de religiões afro-brasileiras-colônia, arruda, comigo-ninguém-pode, espada-de-são-jorge, mirra, guiné e pitanga. Nesse contexto, o “paciente” se deita e relaxa sobre sua forma côncava.

- Acesso livre.        
- Número máximo de pessoas: 2 pessoas por vez.

Alexandre Vogler
Maca de Guarda/Maleme, 2023
Maçaranduba
Acervo Museu Oscar Niemeyer

A “Maca de Guarda” prevê que o usuário/paciente se deite sobre sua superfície, a 40°, voltando seu corpo para o céu. Esta Maca reproduz parcialmente a prática lúdica de criação de imagens de anjo. A pessoa deita-se sobre a neve, abrindo braços e pernas – o que justifica o complemento de seu título. Esta escultura traz ainda em sua nomenclatura a expressão Maleme, palavra do vocabulário afro-brasileiro que designa súplica, misericórdia ou ajuda, dirigida aos orixás, especialmente ao orixá Xangô. A posição em que o usuário se encontra, de plexo aberto e pernas abertas, com o corpo voltado aos céus, encaminha a orientação ecumênica e divina desta Maca.

ARTUR LESCHER
Caleidoscópico, 2022
Aço inoxidável e aço-carbono
1 / 5 + 2 PA
Acervo Museu Oscar Niemeyer
Obra desenvolvida pelo projeto “O Pequeno Colecionador”

Um gira-gira “caleidoscópico”, onde o espectador experimenta girar sobre seu próprio eixo, movimentando o entorno em uma experiência meditativa e divertida. Podemos falar da obra como recipiente para o corpo, uma metacasa para observar o mundo. Girar sobre nosso próprio eixo evoca a dança e os rituais espirituais de acesso a outras dimensões e estados mentais. Algo que nos é familiar, algo de nossos tempos de criança.

- Crianças abaixo de 8 anos devem estar acompanhadas de um adulto.
- Número máximo de pessoas: 2 adultos ou 3 crianças por vez.
- Carga máxima: 200 kg.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Em dias quentes, a estrutura absorve o calor. Use com cautela.

ARTUR LESCHER
Giroscópico, 2022
Aço inoxidável e aço-carbono
1 / 5 + 2 PA
Acervo Museu Oscar Niemeyer
Obra desenvolvida pelo projeto “O Pequeno Colecionador”

Um gira-gira onde o espectador experimenta girar sobre seu próprio eixo, movimentando o entorno em uma experiência meditativa e divertida. Podemos falar da obra como recipiente para o corpo, uma metacasa para observar o mundo. Girar sobre nosso próprio eixo evoca a dança e os rituais espirituais de acesso a outras dimensões e estados mentais. Algo que nos é familiar, algo de nossos tempos de criança.

NARCÉLIO GRUD
Sempre em Pé 01 e 02, 2023
Esculturas sonoras em fibra de vidro com pintura PU 
Acervo Museu Oscar Niemeyer

As obras da série “Sempre em Pé” são mixers de diversos conceitos, utilizando como base estética principal o brinquedo João Teimoso/Sempre em Pé. Têm por objetivo promover interações por meio dos movimentos e vivências sonoras, ressignificando o objeto e ampliando sua usabilidade para criar um ambiente onde a descoberta e o brincar andam juntos.

- Crianças abaixo de 8 anos devem estar acompanhadas de um adulto.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Cuidado ao manusear as obras, evitando atingir pessoas ao redor.

NARCÉLIO GRUD
Trepa-Trepa, 2023
Escultura em fibra de vidro com pintura em PU e arcos em aço inox
Acervo Museu Oscar Niemeyer

Esta escultura traz uma composição formal circular onde o raio, o diâmetro e o centro se expandem de um globo para aros entrelaçados, formando uma espécie de cosmos das rotas orbitais planetárias. Em seu conceito de interatividade, propõe ser uma escultura/ mobiliário de escalada, similar aos equipamentos de lazer encontrados em áreas de recreação infantil de praças e parques públicos.

- Crianças abaixo de 8 anos devem ser supervisionadas por um adulto.
- O uso por pessoas maiores de 14 anos não é permitido.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Em dias quentes, a estrutura absorve o calor. Use com cautela.

ROMMULO CONCEIÇÃO                                                                                                                                                                                     Estruturas Dissipativas/Trepa-Trepa, 2023
Metal, vidro, concreto e pintura automotiva policromada
3° trabalho da série ‘’Estruturas Dissipativas”                                                                                                                                           Acervo Museu Oscar Niemeyer
Obra desenvolvida pelo projeto “O Pequeno Colecionador”

Obra composta por dois trepa-trepas simetricamente dispostos a partir de um eixo perpendicular a uma plataforma que os separa e cujo acesso se dá pelos trepa-trepas ou por escadas. Uma chapa de vidro com altura de 3,5 metros corta a plataforma e configura um plano falso de simetria. Compõem também o trabalho 3 bancos giratórios, uma mesa e um muro no qual está acoplada uma grade de 4 metros de altura. Todo o trabalho é feito em ferro e concreto e montado de forma a dar acesso ao seu uso pelo público, que poderá utilizá-lo a partir de suas próprias referências.

- Crianças abaixo de 8 anos devem estar acompanhadas de um adulto.
- Número máximo de pessoas: 2 adultos ou 3 crianças na parte aérea.
- Carga máxima: 200 kg.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Em dias quentes, a estrutura absorve o calor. Use com cautela.

Estruturas Dissipativas/Trepa-Trepa, 2023

GUSTAVO UTRABO
Semeador e Ao Redor de uma Árvore, 2023
Acervo Museu Oscar Niemeyer

As obras “Semeador” e “Ao Redor de uma Árvore” são do arquiteto paranaense Gustavo Utrabo. O “Semeador” é uma declaração sobre a vida a partir da passagem do tempo. Um percurso elevado do solo conecta o Museu ao jardim. Construído pela repetição modular do piso projetado por Niemeyer para o MON, põe-se a borrar os limites entre o construído e o natural, misturando ao piso de cimento uma combinação de sementes típicas do Paraná. O caminho leva o visitante à obra “Ao Redor de uma Árvore”, criação que se materializa como um gesto de cuidado, no qual uma armação metálica envolve o caule e nos aproxima da copa em um aceno de respeito. O toque no chão é feito por meio de quatro finos pilares e, assim como proferido por Ailton Krenak, pisar suavemente sobre a terra é o que se busca.

- Acesso livre.
- Número máximo de pessoas: 20.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Não é permitido subir na árvore.

Ferro forjado, plantas de jasmim
Série de 5 versões únicas + 5 PA

Uma enorme estrutura em ferro forjado, no formato de um bule de chá, coberta e decorada com vegetação (jasmins), impõe a sua presença monumental, captando a atenção do público. Nas grades de ferro que dão forma ao bule, reconhecem-se os padrões característicos das cercas e balaustradas que podem ser observadas em diferentes paisagens urbanas e rurais. O objeto assume forma de uma verdadeira escultura-árvore; manifestação de um princípio idealizado de complementaridade e simbiose entre o natural e o industrial. 

- Acesso livre.
- Número máximo de pessoas: 6.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Em dias quentes, a estrutura absorve o calor. Use com cautela.
- Não é permitido subir na estrutura.

Artur Lescher, Rômmulo Conceição, Alexandre Vogler, Narcélio Grud, Joana Vasconcelos e Gustavo Utrabo.

Nova edição do “MON sem Paredes – Artistas Conquistam os Jardins do MON”, realizado pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), revela outras formas de expressões artísticas. A área externa do Museu torna-se um parque de esculturas interativas, disponíveis para os visitantes explorarem. Com curadoria de Marc Pottier, apresenta instalações permanentes e temporárias.

As obras de Artur Lescher, Rômmulo Conceição, Alexandre Vogler, Narcélio Grud e Joana Vasconcelos, entre outros artistas, utilizam diferentes materiais como ferro, madeira, tecido e concreto. Além de democratizar a arte, discutem as relações entre a natureza e o meio industrial, o corpo e vivências sonoras.

 “MON sem Paredes – Artistas conquistam os jardins do MON”

Esta inédita mostra é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer.

Cada vez mais democrático e inclusivo, com o “MON sem Paredes – Artistas Conquistam os Jardins do MON” o Museu rompe o limite físico de suas paredes e abraça a população, tornando-se acessível a todos. A iniciativa é um convite para que o público externo perceba a arte, inspire-se e sinta-se instigado a entrar.

No espaço interno do MON, os visitantes podem conferir desenhos e maquetes feitas pelo artista-arquiteto paranaense Gustavo Utrabo, durante o processo de concepção das obras “Semeador” e “Ao Redor de uma Árvore”, que estão expostas na área externa do Museu, chamada Parcão. 

O projeto ganhou agora, numa nova edição renovada, um parque de esculturas interativas, com obras de artistas como Artur Lescher e Rômmulo Conceição. Com curadoria de Marc Pottier, o local abrigará várias outras instalações permanentes e temporárias, num calendário de convites frequentes feitos pelo MON.

Entendemos que a arte no espaço público permite uma variedade de atividades interativas que nem sempre uma exposição museológica possibilita. Ao criar ligações entre os exteriores e as salas expositivas do Museu, o “MON sem Paredes” permite mostrar muitas outras formas de expressão da criatividade artística.

Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

Projeto inédito criado pelo MON para romper o limite físico de suas paredes e abraçar o público, chegando ao espaço externo do Museu e tornando-se acessível a todos. Esta é a primeira edição do projeto e apresenta obras dos artistas Gustavo Utrabo e Mariana Palma, que ocupam o icônico espaço de área verde ao lado do MON, chamado de Parcão.

Nova edição do “MON sem Paredes” é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer

O projeto “MON sem Paredes – Artistas Conquistam os Jardins do MON” irá inaugurar no dia 13 de março uma nova edição, renovada. Na área externa do Museu Oscar Niemeyer, o visitante encontrará um parque de esculturas interativas, com obras de artistas como Artur Lescher, Rômmulo Conceição, Alexandre Vogler, Narcélio Grud e Joana Vasconcelos. 

Com curadoria de Marc Pottier, o local abriga diversas instalações permanentes e temporárias, num calendário de convites frequentes feitos pelo MON.

"O Museu Oscar Niemeyer vive um inédito momento de expansão não somente da sua área expositiva mas também de ampliação do próprio conceito de exposições, por meio dessa nova e significativa aproximação do público com a arte no projeto MON Sem Paredes", afirma a secretária da Cultura do Estado do Paraná, Luciana Casagrande Pereira.

“Cada vez mais democrático e inclusivo, com o ‘MON sem Paredes’ o Museu rompe o limite físico de suas paredes e abraça a população, tornando-se acessível a todos”, explica a diretora-presidente da instituição, Juliana Vosnika. “A iniciativa é um convite para que o público externo perceba a arte, inspire-se e sinta-se instigado a entrar.”

“Entendemos que a arte no espaço público permite uma variedade de atividades interativas que nem sempre uma exposição museológica possibilita”, diz Juliana. “Ao criar ligações entre os exteriores e as salas expositivas do Museu, o ‘MON sem Paredes’ permite mostrar muitas outras formas de expressão da criatividade artística”, comenta.

O curador Marc Pottier também fala sobre os objetivos do projeto. “O MON trabalha para ampliar seu público e oferecer muitas propostas que possam fazer com que os curitibanos e paranaenses se apropriem do ‘seu’ museu. Por isso, o ‘MON sem Paredes’ é tão importante.”

AP_FOLDER_DIGITAL_PT-BR_MON SEM PAREDES.pdf

MON sem Paredes

Ao realizar esta inédita exposição do brasileiro Efrain Almeida, o Museu Oscar Niemeyer traz um jardim para o interior da sala expositiva. Aqui certamente haverá uma troca silenciosa entre artista e visitante.

Com seus pássaros, casas, ninhos, árvores e diversos outros animais, Efrain nos conecta a uma natureza íntima, o que pode ser um antídoto ao esquecimento e às efemeridades contemporâneas. Esculturas, instalações, pinturas e bordados evocam cenas simples que nos fazem entrar em contato com a nossa essência.

Cada obra ganha significado próprio a partir do olhar singular do espectador, confirmando a vocação mais genuína do fazer artístico: a de provocar reflexão.

 Seu trabalho intimista e simbólico é sempre sensível. Atento, transforma imagens banais em inquietante arte. De maneira inusitada, demonstra nas obras o que muitas vezes escapa aos nossos apressados olhares. 

O MON tem o propósito de sensibilizar as pessoas pela arte. Ao oferecer experiências múltiplas, como a apresentação do interessante trabalho desse artista, propicia ao espectador uma leitura mais plural sobre si mesmo e sobre o mundo. 

Numa feliz coincidência, a exposição “O Jardim” acontece simultaneamente à instalação do projeto “MON sem Paredes”, em que o Museu rompe o seu limite físico. Com um parque de esculturas interativas na área externa, o MON abraça o público e o convida a entrar.

Maior museu de arte da América Latina, com 35 mil metros quadrados de área construída, o prédio do MON é resultado de uma ousada proposta desenhada pelo mestre Niemeyer. 

Transformado em museu, o que seria apenas um edifício, é um espaço vivo, habitado pela arte. E, para que seu conteúdo jamais esteja aquém da beleza do prédio, que é imensa, é preciso sempre encantar o público. Esse é o papel de exposições como esta. 

Eu tive muitos conflitos com meu pai por questões de crenças. Não crenças religiosas, mas crenças nas coisas da vida. Fiquei muitos anos sem falar com ele, e o meu trabalho me reconectou ao meu pai. Na época em que ele voltou a morar no sertão (Sítio Olho d’Água, em Boa Viagem – CE), comecei a viajar frequentemente para lá e passei a trabalhar em projetos que eu tinha disposição e interesse. O convívio no ambiente da sua oficina foi determinante para o trabalho que eu desenvolvo, principalmente em escultura. Lembro-me muito do cheiro das madeiras, de reconhecer a madeira pelo cheiro, e as ferramentas específicas para cada tipo de trabalho.

Então, ele começou a me ajudar com as partes possíveis do trabalho. Eu desenhava e fazia a silhueta, ele cortava na serra de fita. Depois eu fazia a escultura propriamente dita. Essa manufatura traz o conhecimento da mão – até mesmo o modo de pegar na peça, o calor que a mão transfere para as matérias que você trabalha. Essa mão tem a capacidade de trazer uma espécie de memória ancestral. Tudo isso, para mim, tem uma relação de ancestralidade e de transmissão de conhecimento através dessa espécie de ritual lento e silencioso que é o trabalho manual. Muito da comunicação que eu começo a estabelecer com meu pai é um tipo de troca silenciosa.

Eu lembro também de um momento em que, por causa do meu trabalho, as pessoas começaram a encomendar ex-votos para o meu pai. E aí eu perguntei para ele: “E como é que você conseguiu fazer os ex-votos?” Ele respondeu: “Eu aprendi a fazer os ex-votos olhando você fazendo suas esculturas.” É muito interessante como essa história cria uma espécie de circularidade – o ex-voto que o meu pai faz depois de me ver trabalhando.

Efrain Almeida em entrevista para Bitu Cassundé, abril de 2023.

Eu trabalho numa escala pequena – as esculturas têm essa dimensão da mão. É como se esses trabalhos fossem confessionais, um sussurro. O trabalho seria muito mais sobre algo silencioso do que propriamente um grito, no sentido de ser espetacular. É um pequeno acontecimento que vai te revelar coisas grandiosas.

Existe uma ideia simplificada de falar que é um trabalho sobre o sertão. Não é um trabalho que fala do sertão: é um trabalho que fala da minha experiência no sertão, da minha experiência na infância, das minhas experiências como artista no mundo. Então, é muito mais sobre esse lugar que eu pertenço – e sobre as complexidades dele – do que propriamente no sentido de representação.

Por exemplo, a presença do beija-flor, pássaro que eu uso com muita recorrência, tem a ver com a experiência de estar no jardim da casa dos meus pais e de ter a presença desses pássaros. Tem a ver também com saber que os beija-flores têm uma relação espiritual com a representação do arco-íris, da água e do espírito da floresta. Não é sobre a imagem, o pássaro ou a natureza, mas sobre todos os sentidos que estão em torno disso.

Então, eu penso sempre nessas conexões possíveis com o lugar, com a natureza, com a ideia de pertencimento, o corpo como abrigo ou o lugar que recebe essas informações e que me colocam em contato com esses momentos, que, para mim, são muito caros e importantes, no sentido de perceber que é algo maior, que é uma vibração, que é uma conexão com a minha própria história.

Eu acredito, cada vez mais, nas ideias que alguns estudiosos defendem do conhecimento ancestral através do sonho, que é por meio do sonho que você se conecta com a ancestralidade. Acredito também que a ancestralidade e os conhecimentos se dão pelo trabalho, pelo ofício. O trabalho manual, artesanal, traz muito esse caráter da ancestralidade. Ele traz em si saberes que vão passando de mão em mão. E essa mão tem a capacidade de trazer uma espécie de memória ancestral, e ela vai passando de geração para geração. É isso que me reconecta com a minha história, com o meu lugar de pertencimento.

Eu só tomo conhecimento desse tipo de produção através das casas de milagres, nas festas religiosas, principalmente no Canindé, que era onde minha família ia na festa de São Francisco. Então eu entendo a sala de milagres como esse lugar de uma espécie de transe religioso, mas o transe também que o próprio trabalho de arte provoca. Quando você está diante de uma obra e nem sabe direito o que está acontecendo ali, mas existe algo nessa troca, na presença daquele objeto, que te transforma de algum modo.

É esse sentido de arte mais puro, de transformação, de te tirar de um lugar e te colocar no outro, de uma espécie de deslocamento. É chave que vai te tirar de um lugar e botar no outro; vai te colocar numa outra sintonia. Então, comigo aconteceu na sala de milagres, e eu acho bonito pensar nessas ideias porque é milagre, é religião, é transformação, mas me transformou como pessoa, talvez como artista.

A mostra “O Jardim - Efrain Almeida” tem como temática central a natureza, explorando as dimensões do sagrado, do cotidiano e da vida. O território repleto de fauna e flora transporta memórias e afetividades oriundas da casa dos pais do artista, localizada no sertão do Ceará. 

Com curadoria de Bitu Cassundé, a mostra apresenta esculturas, instalações, pinturas e bordados e convida o público a um diálogo com a essência e o contato com o jardim metafórico, lugar em que tudo se renova, reinventa e regenera.

A exposição monográfica O Jardim apresenta um recorte de diferentes períodos da produção do artista cearense Efrain Almeida. Desenvolvida especialmente para o Museu Oscar Niemeyer (MON), a exposição traz a natureza como centro e evidencia núcleos que acionam as dimensões do sagrado, do cotidiano e da vida, recorrendo à metáfora do jardim — um território de memórias e afetividades oriundas da casa dos pais do artista, no Sítio Olho d'Água dos Facundos, na cidade de Boa Viagem, no sertão do Ceará. O conjunto apresentado compreende também a transição que se estabelece nos projetos escultóricos do artista, da produção em madeira ao bronze, além de contemplar outras técnicas trabalhadas por ele, como pintura, bordado e desenho.

A exposição dá prosseguimento à pesquisa que se inicia em 2020 e se desdobra no documentário “Ensaio para outros Instantes” (2021) e na exposição Encarnado (2023), apresentada no Centro Cultural do Cariri, no Crato (CE). Ambos os trabalhos discutem o corpo, o sagrado e o território a partir de Canindé e Juazeiro do Norte, importantes centros religiosos daquele estado.

Nesse novo momento, O Jardim se debruça sobre o gesto biográfico que se anuncia por meio de uma fauna e de uma flora íntimas de um corpo-natureza — em que diferentes ciclos compõem as relações que se estabelecem entre a sobrevivência e a existência, entre a vida e a morte, entre a camuflagem e o mimetismo. Cardeais, beija-flores, mariposas e corrupiões materializam deslocamentos, trânsitos, fluxos e o desejo de sobrevivência em outras paisagens, processos de um corpo-pássaro que se relacionam à vida de tantos corpos migratórios Brasil adentro. São ações e processos naturais que se organizam com o objetivo único de estabelecer um modo de existir e de coexistir.

Lugar de articulação de uma intrincada trama biológica — onde o sistema de hábitos e repetições coexistem num jogo de trocas, acordos e diálogos —, o jardim de Efrain Almeida alia a dimensão biográfica às relações entre vida e arte tão fecundas no território poético do artista. Aqui os lugares mais simples são potenciais espaços para as grandes transformações que o tempo inteiro vemos presentes na natureza, onde tudo se renova, reinventa, reproduz e regenera.

Bronze e óleo
8 x 11 x 9 cm
Edição de 3 + 2 AP, 3/3
Coleção do artista

A exposição “O Jardim – Efrain Almeida”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne cerca de 40 obras que incluem esculturas, instalações, pinturas e bordados, em um recorte de diferentes períodos da produção do artista. A curadoria é de Bitu Cassundé.

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