O Museu Oscar Niemeyer (MON) traz aqui a você, visitante, a obra de um dos grandes nomes da arte contemporânea brasileira. A exposição inédita “Teia à toa”, realizada pelo MON, reúne 70 esculturas e pinturas produzidas nas últimas décadas pelo artista carioca Barrão.

Desenhista, pintor, escultor e artista multimídia, ele reaproveita objetos do cotidiano e sucatas, conferindo-lhes novos significados. Intuitivo, reconfigura objetos utilitários quebrados ou danificados, tornando-os obras surpreendentes e criativas.

O resultado é quase uma alusão à vida, ao imponderável que muitas vezes destrói previsões e nos deixa apenas a possibilidade de adaptação. Barrão instiga ao inverter o sentido original dos objetos com humor, ironia e poesia. 

Museus são espaços de encontro e de troca, de significativas experiências pessoais e presenciais, cada vez mais necessárias num mundo instantâneo e efêmero. No caso da obra de Barrão, é a chance de confundir a lógica e buscar novos pontos de vista.

Seu trabalho deixa um convite a desafiarmos o óbvio e estendermos um olhar mais atento. Então surge a pergunta: e se a bricolagem extrapolasse os limites da arte e fosse aplicada em situações do dia a dia? Com “Teia à toa”, o espectador será surpreendido e provavelmente, de alguma maneira, modificado. 

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

Realizada pelo MON, a exposição “Teia à Toa” apresenta um recorte da produção do artista carioca Barrão dos últimos 20 anos, na Sala 3. Com curadoria de Luiza Mello, reúne aproximadamente 70 obras em cerâmicas multicoloridas, esculturas monocromáticas em resina e bronze, aquarelas e instalações. 

Desenhista, pintor, escultor e artista multimídia, Barrão reaproveita objetos do cotidiano e sucatas, conferindo-lhes novos significados. Intuitivo, reconfigura objetos utilitários quebrados ou danificados, tornando-os obras surpreendentes e criativas.

Teia à toa apresenta um recorte da produção de Barrão dos últimos 20 anos, reunindo obras em cerâmicas multicoloridas, esculturas monocromáticas em resina e bronze, aquarelas e instalações. É a primeira vez que esse conjunto de obras é mostrado em Curitiba, revelando a complexidade e as sutilezas de sua prática artística. 

Ao longo de mais de quatro décadas, Barrão desenvolveu uma linguagem marcada pela intuição e pela transformação na combinação de elementos do cotidiano – objetos reconhecíveis, extraídos do nosso universo doméstico e urbano. Em seu ateliê, prateleiras abrigam peças de origens diversas – acumuladas e organizadas por critérios tão intuitivos quanto enigmáticos. Desses fragmentos surgem esculturas híbridas que desafiam funções e estilos, sempre atravessadas por humor e ironia. 

O título da exposição é também um convite: a caminhada por uma floresta de formas e cores onde tudo está conectado por fios invisíveis. Como aranhas que tecem suas tramas no ar, Barrão trabalha combinando objetos e pedaços de objetos preexistentes – cerâmicas quebradas e coladas, objetos moldados e fundidos em outros materiais, pedaços de objetos organizados em composições improváveis. Resina, bronze, louça: cada elemento carrega a memória do que foi e agora se apresenta como parte de algo maior.

Essas conexões não seguem uma lógica utilitária ou racional. Como as teias que variam de acordo com a espécie e o ambiente – circulares, irregulares, densas ou esparsas –, as obras se organizam segundo um sistema próprio. As esculturas, instalações e aquarelas não se apresentam como peças isoladas, mas se articulam no espaço em uma rede de relações formais, cromáticas e simbólicas, ativando o percurso do visitante como uma deriva sensorial.

Há também uma dimensão lúdica e imprevisível que atravessa toda a exposição. “À toa”, aqui, não é falta de direção, mas liberdade criativa. Cada obra parece surgir de um jogo – entre materiais, entre sentidos, entre títulos e formas. Os nomes das peças, sempre precisos e irônicos, funcionam como poemas: ora revelam, ora embaralham as possíveis interpretações. 

Em Teia à toa, Barrão propõe uma experiência de encantamento e estranhamento, em que sentido se constrói no acaso, na surpresa, no olhar de quem vê.

Eduardo Ortega 
Cortesia do artista e Fortes D'Aloia & Gabriel, São Paulo/Rio de Janeiro

Louça e resina epoxi
159 x 37,5 x 35 cm
Coleção do artista

Bronze
254 x 80 x 85 cm
Coleção do artista

Louça e resina epoxi
37 x 31 x 35 cm
Coleção do artista

Resina epoxi e tinta automotiva
86,5 x 44 x 29 cm
Coleção do artista

Resina epoxi e tinta automotiva
Dimensões variadas
Coleção do artista

Resina epoxi e tinta automotiva
17 x 15,5 x 8 cm
Coleção do artista

MON realiza exposição do artista contemporâneo Barrão

A exposição “Teia à Toa” apresenta um recorte da produção do artista carioca Barrão dos últimos 20 anos. Realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), a mostra será inaugurada no dia 10/7, às 19h, na Sala 3. 

Com curadoria de Luiza Mello, reúne aproximadamente 70 obras em cerâmicas multicoloridas, esculturas monocromáticas em resina e bronze, aquarelas e instalações. É a primeira exposição individual do artista em Curitiba.

“Ao trazer ao público exposições como a de Barrão, o MON se destaca como um dos mais relevantes espaços para a arte contemporânea no Brasil”, afirma a secretária de estado da Cultura, Luciana Casagrande Pereira. Para ela, a exposição de Barrão convida a enxergar beleza, sentido e poesia onde antes havia apenas descarte. “É esse poder transformador da arte que desejamos estimular cada vez mais, aproximando o público de experiências instigantes e significativas”, pontua.

“Desenhista, pintor, escultor e artista multimídia, Barrão reaproveita objetos do cotidiano e sucatas, conferindo-lhes novos significados. Intuitivo, reconfigura objetos utilitários quebrados ou danificados, tornando-os obras surpreendentes e criativas”, explica a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika.

“O resultado é quase uma alusão à vida, ao imponderável que muitas vezes destrói previsões e nos deixa apenas a possibilidade de adaptação”, diz. “Barrão instiga ao inverter o sentido original dos objetos com humor, ironia e poesia”, comenta Juliana. 

A curadora informa que, ao longo de mais de quatro décadas, Barrão desenvolveu uma linguagem marcada pela intuição e pela transformação na combinação de elementos do cotidiano – objetos reconhecíveis, extraídos do nosso universo doméstico e urbano. “Em seu ateliê, prateleiras abrigam peças de origens diversas – acumuladas e organizadas por critérios tão intuitivos quanto enigmáticos. Desses fragmentos surgem esculturas híbridas que desafiam funções e estilos, sempre atravessadas por humor e ironia”, diz.

Ela explica que o título da exposição funciona como um convite à caminhada por uma floresta de formas e cores onde tudo está conectado por fios invisíveis. “Como aranhas que tecem suas tramas no ar, Barrão trabalha combinando objetos e pedaços de objetos preexistentes – cerâmicas quebradas e coladas, objetos moldados e fundidos em outros materiais, pedaços de objetos organizados em composições improváveis”, afirma Luiza. “Resina, bronze, louça: cada elemento carrega a memória do que foi e agora se apresenta como parte de algo maior”.

Barrão destaca as aquarelas presentes na mostra que, apesar de serem bidimensionais, sugerem o escultórico. “Elas têm muito a ver com o trabalho que eu desenvolvo, com a busca de relação entre os objetos”, diz.

Segundo o artista, todo o seu trabalho é construído a partir de um mundo que já existe. “São objetos que tinham outras funções e que já estavam aqui quando eu cheguei, mas que agora se associam a outros e ganham novo significado”, resume. “Eles se transformam”.

O artista 
Barrão (Rio de Janeiro, 1959). Vive e trabalha no Rio de Janeiro.
Desenhista, pintor, escultor, artista multimídia. Autodidata, inicia sua carreira artística com o Grupo Seis Mãos, 1983–1991, formado com Ricardo Basbaum e Alexandre Dacosta. O grupo desenvolve atividades com vídeo, pinturas ao vivo, shows musicais e performances, e promove o projeto Improviso de Pintura e Música em ruas, praças públicas, faculdades etc. A primeira exposição dos três artistas teve lugar em 1983, no Circo Voador, no Rio de Janeiro. Nesse ano, Barrão participa das mostras “Arte na Rua I” e “Pintura! Pintura!”, ambas na mesma cidade. Em 1984, realiza a primeira individual, “Televisões”, na Galeria Contemporânea, e participa da coletiva “Como Vai Você, Geração 80?”, realizada na Escola de Artes Visuais do Parque Lage – EAV/Parque Lage, no Jardim Botânico, Rio de Janeiro. Recebeu o Prêmio Brasília de Artes Plásticas, no Museu de Arte de Brasília, em 1990. Produz, com Sandra Kogut, os vídeos “7 Horas de Sono” e “A Geladeira”. Faz ainda vinhetas eletrônicas para televisão, trabalhos de cenografia e capas de discos. Cria, em parceria com o artista Luiz Zerbini, o editor de vídeo e cinema Sérgio Mekler e o produtor musical Chico Neves, o grupo Chelpa Ferro, em 1995, que trabalha com escultura, instalações tecnológicas e música eletrônica.

Áudio 2 - Barrão_Texto Curatorial.mp3

Áudio 1 - Barrão_Texto Institucional.mp3

Realizada pelo MON, a exposição “Teia à Toa” apresenta um recorte da produção do artista carioca Barrão dos últimos 20 anos, na Sala 3. Com curadoria de Luiza Mello, reúne aproximadamente 70 obras em cerâmicas multicoloridas, esculturas monocromáticas em resina e bronze, aquarelas e instalações. 
Desenhista, pintor, escultor e artista multimídia, Barrão reaproveita objetos do cotidiano e sucatas, conferindo-lhes novos significados. Intuitivo, reconfigura objetos utilitários quebrados ou danificados, tornando-os obras surpreendentes e criativas.

Teia à Toa - Barrão

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Transforme uma árvore em lenha que ela arderá; mas nunca mais lhe dará flores e frutos.
Rabindranath Tagore (1861–1941)

Estreitando laços institucionais, o Museu Oscar Niemeyer recebeu uma importante doação de obras africanas da Coleção Ivani e Jorge Yunes com cerca de 2.000 objetos – são máscaras, estatuetas, instrumentos musicais e uma grande variedade de outras obras das quais essas são apenas uma seleção. 

Como parte das comemorações da temporada cultural França-Brasil, o Museu apresenta, neste momento, intervenções ligadas à França e à sua região ultramarina, a Martinica. Em diálogo com o acervo, cada intervenção possui formas, gestos e narrativas próprias. 

De um lado, a instalação de vídeo-arte “Presenças: Corpos, Objetos e Memórias”, com curadoria da especialista franco-beninense Nadine Hounkpatin, reúne vídeos das artistas Tuli Mekondjo da Namíbia e da franco-camaronesa Josèfa Ntjam. As obras fundem filosofia, tecnologia e espiritualidade africanas, reimaginando a herança negra como um agente vivo de memória e resistência. 

Com apoio da Coleção Ivani e Jorge Yunes, a artista Rayana Rayo e o curador José Eduardo, do Acervo da Laje (Bahia) realizaram uma residência artística na Martinica, também em parceria com o Instituto Tomie Ohtake (SP) e o Glissant Art Fund. A experiência partiu dos conceitos de errância, crioulização e relação, formulados pelo filósofo Édouard Glissant. As obras afro-brasileiras de César Bahia (Salvador), que reverberam a herança formal e simbólica das culturas africanas, e as pinturas de Rayana Rayo (Recife), que investigam recipientes como metáforas do corpo e do abrigo, criam zonas de intersecção entre territorialidades e temporalidades. Essas “Errâncias entre Brasil, França, África e Caribe” articulam memória, origem e deslocamento, propondo uma escuta ampliada do legado africano e de seus desdobramentos no contexto brasileiro.

África, Expressões Artísticas de um Continente

A intervenção “Presenças: Corpos, Objetos e Memórias”, com curadoria de Nadine Hounkpatin e Renato Araújo, coloca em diálogo artefatos africanos ancestrais doados pela Coleção Ivani e Jorge Yunes ao Museu Oscar Niemeyer com obras em vídeo de Josèfa Ntjam e Tuli Mekondjo. O projeto explora as relações entre metamorfose, memória e identidade, reativando vestígios visíveis e invisíveis da herança africana. As obras contemporâneas insuflam nova vitalidade nos objetos antigos, que passam a atuar como mediadores de narrativas e futuros possíveis.

Mais do que um encontro estético, Hounkpatin reflete sobre o status da arte africana nos museus, questionando propriedade, transmissão e a noção de patrimônio compartilhado. Ao dar voz a artistas contemporâneos, constrói-se uma ponte entre passado e presente, memória coletiva e criação viva.

“Mélas de Saturne”, de Josèfa Ntjam (França/Camarões), é um vídeo especulativo que explora as histórias da diáspora negra sob uma lente pós-humana. Um avatar digital funde-se a um algoritmo que antecipa a integração entre vida orgânica e tecnológica, sugerindo novas formas de memória e identidade. Inspirando-se na iconografia espiritual da África Ocidental, especialmente em Mami Wata, Ntjam combina imagens mitológicas, arqueológicas e biológicas – máscaras, corais, formas marinhas híbridas e serpenteantes – criando uma cosmologia fluida. “Mélas”, do grego “melas” (“negro” ou “escuro”), evoca uma energia transformadora que desafia o tempo linear e as identidades fixas. A fragmentação torna-se força de resistência e renovação, reimaginando a herança africana não como relíquia, mas como agente vivo.

“Afrotekismo: o Museu Vivo do Afrotekismo”, de Tuli Mekondjo(Namíbia), é uma performance que conecta herança africana, memória corporal e futuros especulativos. Em ressonância com os artefatos ancestrais da Coleção Yunes, Mekondjo posiciona o corpo como um museu vivo, onde memória, ritual e tecnologia se entrelaçam. Ao mover-se pelo espaço público, ela ativa objetos e gestos como portadores de história e imaginação, desafiando os modelos museológicos ocidentais que desvinculam os artefatos da vida cultural. A obra imagina um futuro em que os sistemas de conhecimento africanos permanecem dinâmicos, móveis e autodefinidos – um arquivo vivo de resistência e renovação.

Errância, no pensamento do filósofo e poeta martinicano ÉdouardGlissant, é um modo de estar no mundo. Mais do que deslocamento, trata-se de um exercício de atenção à diferença e à opacidade, que transforma a experiência do exílio em consciência compartilhada: cada um carrega consigo fragmentos de outros lugares e saberes, e é nesse trânsito que se formam novas linguagens e pertencimentos. Ao questionar as raízes fixas, Glissant propõe uma visão dinâmica de memória, origem e ancestralidade. 

A partir do conceito de errância, organizou-se a mostra “A Terra, o Fogo, a Água e os Ventos – Por um Museu da Errância com ÉdouardGlissant”, em cartaz no Instituto Tomie Ohtake, que apresenta a coleção particular de arte de Glissant em diálogo com artistas contemporâneos. No contexto da mostra, Rayana Rayo e Zé di Cabeça realizaram uma residência artística na Maison du Diamant, na Martinica – casa onde Édouard Glissant viveu e escreveu parte de sua obra – em colaboração com o Édouard Glissant Art Fund e com o Institut du Tout-Monde. A partir dessa experiência, os artistas propuseram intervenções na Coleção de Arte Africana.

Os trabalhos apresentados nascem do trânsito entre objetos e paisagens. Em Rayana, a investigação sobre recipientes se desdobra: o vaso aparece como corpo-abrigo e como dispositivo de linguagem. Em Zé diCabeça, procedimentos de observação e escrita conectam território, canto e lembrança partilhada; diante de peças sem autoria individual definida, o artista propõe o diálogo da coleção com as esculturas de César Bahia. Suas máscaras e figuras de orixás reativam vínculos entre ancestralidade, ofício e a presença viva das divindades afro-brasileiras.

Em conjunto, as intervenções propõem um campo de passagens entre Brasil, África e Caribe, no qual o acervo é interlocutor e matéria de escuta. As obras fazem da errância uma forma de correspondência entre tempos, vozes e gestos, expandindo o território da coleção em direção a uma geografia viva de relações.

Errâncias: Entre Brasil, França, África e Caribe

José Eduardo Ferreira Santos 
Salvador, Brasil, 1974 – vive e trabalha em Salvador, Brasil.

José Eduardo Ferreira Santos é pedagogo, mestre em Psicologia, doutor em Saúde Pública e pós-doutor em Cultura Contemporânea. Nascido e criado no Subúrbio Ferroviário de Salvador, fundou, ao lado de sua esposa Vilma Santos, o Acervo da Laje: espaço cultural independente que funciona como casa, museu e escola, dedicado à preservação e valorização das expressões artísticas e culturais das periferias soteropolitanas. Durante a residência artística na Martinica, José Eduardo escreveu 27 cartas a Édouard Glissant, endereçadas à Maison du Diamant, casa onde o filósofo viveu e trabalhou. Nelas, traça paralelos entre Salvador e o Caribe, entre o Subúrbio Ferroviário e o arquipélago, entre os rios da Baía de Todos-os-Santos e as águas da ilha, tecendo fabulações sobre território, errância e pertencimento. Como intervenção na coleção, José Eduardo estabelece uma correspondência com César Bahia, escultor do Acervo da Laje e herdeiro de Otávio Bahia, artista que produzia divindades africanas em madeira no Subúrbio Ferroviário. César segue a tradição familiar, talhando troncos de jaqueira e pintando-os à mão em cores intensas, preservando a memória do ofício e a força ancestral de suas figuras. No encontro entre as cartas e as esculturas, entre Salvador e a Martinica, a intervenção faz do acervo um interlocutor ativo. As obras escutam, respondem e inventam continuidades entre África, Caribe e Brasil.

Rayana Rayo 
Pernambuco, Brasil, 1989, vive em Pernambuco, Brasil

A produção de Rayana Rayo é permeada pela vivência do clima e da maré, de mangues, restingas e ilhas da paisagem do Recife, sua cidade natal. Suas pinturas, de pinceladas espessas e cores afinadas em suas relações tonais, evocam atmosferas úmidas e topografias arredondadas, as quais são habitadas por elementos híbridos – entre ser vegetal, animal e onírico. São cenas que não comunicam narrativas lineares, preferindo fabular relações entre corpos, fragmentos e ambiências afetivas. Da mesma forma, ela não lida com a paisagem por meio da perspectiva ou da descrição, mas, sim, fazendo todos os elementos da composição emergirem da mesma matéria da pintura, tomando partido de suas propriedades sinestésicas (sua capacidade de evocar calor e odor, silêncio e desejo, vento e solidão). Para esta exposição, Rayo apresenta uma série de pinturas comissionadas que se articulam com uma seleção de recipientes – objetos usados para conter, guardar e reter água presentes na Coleção África. Essa justaposição propõe um diálogo entre as superfícies líquidas e os volumes contidos, entre o gesto pictórico e a materialidade das formas que, assim como suas pinturas, lidam com fluxos, retenções e permeabilidades.

No meio da viagem encontrei alguns flamboyants amarelos.

O flamboyant amarelo foi o meu primeiro espanto com a beleza na infância, no ir e vir da escola primária, na década de 1980.

O caminho da rua Nova Esperança até a Escola Machado de Assis, na Rua dos Ferroviários, final de linha do São João do Cabrito, era um espetáculo para os olhos por conta dos jardins e das belas árvores que enfeitavam o caminho.

Flamboyants e outras árvores floresciam de forma abundante, fazendo todo lugar parecer um jardim, e aquilo me encantava muito, mas ninguém sabe nos explicar o encantamento: ele simplesmente acontece. Até contar é difícil, porque está na esfera da magia pessoal, da delicadeza daquilo que a nossa alma guarda como tesouro.

E mais ainda por saber que aquelas árvores, plantas e jardins foram cultivados por mãos e corações que amavam árvores, plantas e jardins, das mulheres de todo o bairro.

A gente não se dá conta da importância da paisagem, das árvores, das plantas e dos jardins na imaginação e no imaginário de uma criança: é o início de tudo, onde perguntas são feitas, felicidades são vividas, inteligências e sensibilidades são aguçadas, enfim. A vida nasce de novo no encontro com o mundo exterior, externo a nós.

A paisagem educa. A árvore, com sua imponência e beleza, educa e encanta.

As plantas, nem se fala, elas carregam o mistério de dialogar o tempo todo com a vida e também de nos educar para o cuidado e o afeto.

Árvores, plantas e jardins educam para a sociabilidade. Para viver em sociedade, é preciso cultivar e cuidar das plantas, das árvores e dos jardins.

Cultura, curadoria, cuidado, elaboração, civilização, tudo isso e mais um infinito cabe dentro de um jardim.

Além da presença notável dos flamboyants amarelos e vermelhos, não posso deixar de registrar, Glissant, a plenitude dos crótons, que de tão antigos começam a perder a cor.

O encontro com essa diversidade botânica nos ensina que a natureza é brutalmente relacional. Sutilmente relacional. Entre as frestas, ela é relacional. A natureza dança nos vãos de luz e os ocupa com vida para o alto.

A natureza ocupa os vãos do esquecimento com vida.

A natureza é plena porque bebe das fontes que nossos olhos não enxergam.

E nós, para viver, bebemos de qual fonte?

A natureza é silentemente, silenciosamente relacional.

Escandalosamente relacional, mas sempre silenciosa e precisa; dinâmica e rizomática; sabedora dos caminhos que a raiz tem que fincar para ter saúde e vida plena.

“Ancestralidade” não é uma palavra vazia

Despedindo-me por aqui e agradecendo a Sylvie e a você por tudo, veio em mim a percepção de que precisamos cuidar mais da palavra “ancestralidade”, porque ela está se tornando uma palavra vazia, um adjetivo, usada como um gerundismo – um vício de linguagem, uma expressão esvaziada. 

Sei que todos querem ter ancestralidade, mas é preciso cuidado: nem tudo o que se tem se diz. 

Parcimônia, por favor. O mistério tem seus interditos, suas nuances e não pede espalhafatos. 

Nem sempre a última apresentação é a síntese da vida. É preciso se guardar. A lógica do vazio supõe falas e definições garbosas de si.

Vó sabia disso e me ensinava tudo em silêncio, segredo e afeto.

Evocar a ancestralidade a esmo, banalmente, é um perigo, pois é lançar esse conceito, essa presença em um vazio de sentido que nem permite que ela, a ancestralidade, se manifeste.

Eu não sei se você não sabe, mas ancestralidade não é vazio, eco, imaginação: ancestralidade é presença. E forte. E companheira. E amiga. E cuidadora dos nossos passos aqui, na Martinica. 

Quem tanto evoca ancestralidade se esquece de evocar presença. E ancestralidade é presença, e presença cuida.

Vamos repensar o jeito de nos apresentarmos ao mundo.

Eu chamo de ancestralidade as ancestralidades que têm nome e me deram colo, carinho, afeto, comida e amor… 

Ancestralidade genérica é alma penada… 

Ancestralidade é presença e não é um modismo vernacular transitório.

Ancestralidade é presença, de modo que, se você não entender, respeite.

Aqui, na residência Glissant, ela foi presença o tempo inteiro, sem precisar dizer essa palavra.

Tanto a presença quanto a ancestralidade devem educar pelo que são e por como se manifestam. Se isso se perde pelo uso vazio, é um sintoma desta geração que tenta apreender tudo em um conceito e não consegue. Quando não for possível, o silêncio também grita e evoca. É preciso reensinar a liturgia da evocação do sagrado, para que não se torne banal.

Renato Araújo, Nadine Hounkpatin, Ana Roman e Paulo Miyada

Uma nova ativação da exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente”, com obras do acervo do Museu Oscar Niemeyer (MON), é entregue ao público. “Intersecções contemporâneas - Ano da França no Brasil”, com curadoria de Renato Araújo, em cartaz na Sala 4, é um importante diálogo entre a arte africana tradicional e a sua transversalidade, que ganha cada vez mais espaço no contemporâneo.

A exposição se renova no ano Brasil-França, que celebra dois séculos de relações diplomáticas entre os dois países. Esta nova edição é uma parceria do MON com a Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY) e o Instituto Tomie Ohtake, ambos de São Paulo, e propõe um intercâmbio cultural e artístico.

A exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente” se renova no ano Brasil-França, que celebra dois séculos de relações diplomáticas entre os dois países. Numa parceria do Museu Oscar Niemeyer (MON) com a Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY) e o Instituto Tomie Ohtake, ambos de São Paulo, a nova edição dessa mostra propõe um intercâmbio cultural e artístico.

Apresentamos ao público, simultaneamente, dois projetos distintos, com curadoria geral de Renato Araújo. O primeiro consiste na instalação de dois vídeos das artistas Josèfa Ntjam e Tuli Mekondjo. A curadoria é Nadine Hounkpatin, nascida no Benin e radicada na França há muitos anos.

O segundo projeto, com curadoria de Paulo Miyada e Ana Roman, aborda o tema “Errâncias: Entre Brasil, França, África e Caribe”, a partir de residências oferecidas pelo Instituto Édouard Glissant, na Martinica, a artistas do mundo todo. A participação dos artistas brasileiros, RayanaRayo e José Eduardo Ferreira Santos resultou na criação de obras exibidas aqui.

Com esta ativação, o MON, como instrumento vivo de valorização e democratização da cultura, traz até o seu visitante um importante diálogo entre a arte africana tradicional e a sua transversalidade, que ganha cada vez mais espaço no contemporâneo.

Em sua terceira edição, a exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente” consolida um longo e criterioso processo que culminou na chegada de uma das mais importantes e significativas coleções de arte africana ao Museu Oscar Niemeyer.  

Entendemos que um museu existe a partir do seu acervo, mas é da interação entre o público e suas obras que são disseminados cultura e conhecimento.

Uma nova ativação da exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente”, com obras do acervo do Museu Oscar Niemeyer (MON), é entregue ao público. “Intersecções contemporâneas - Ano da França no Brasil”, com curadoria de Renato Araújo, em cartaz na Sala 4, é um importante diálogo entre a arte africana tradicional e a sua transversalidade, que ganha cada vez mais espaço no contemporâneo.
A exposição se renova no ano Brasil-França, que celebra dois séculos de relações diplomáticas entre os dois países. Esta nova edição é uma parceria do MON com a Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY) e o Instituto Tomie Ohtake, ambos de São Paulo, e propõe um intercâmbio cultural e artístico.

Exposição africana do MON ganha novo diálogo com o contemporâneo

A exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), com obras de seu acervo, ganha uma nova ativação: “Intersecções contemporâneas – Ano da França no Brasil”, que será inaugurada em 4 de dezembro, na Sala 4. A curadoria é de Renato Araújo.

Para Luciana Casagrande Pereira, secretária de Estado da Cultura, essa exposição é um exemplo de como a cooperação cultural pode gerar novas formas de diálogo e criação. “Quando obras, narrativas e sensibilidades circulam entre continentes, ampliamos nossa capacidade de reconhecer a diversidade como valor compartilhado”, diz. 

“Com esta ativação, o MON, como instrumento vivo de valorização e democratização da cultura, traz até o seu visitante um importante diálogo entre a arte africana tradicional e a sua transversalidade, que ganha cada vez mais espaço no contemporâneo”, afirma a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika.

A exposição se renova no ano Brasil-França, que celebra dois séculos de relações diplomáticas entre os dois países. Essa nova edição é uma parceria do Museu Oscar Niemeyer com a Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY) e o Instituto Tomie Ohtake, ambos de São Paulo, e propõe um intercâmbio cultural e artístico.

“Apresentamos ao público dois projetos distintos simultaneamente”, informa Juliana. O primeiro consiste na instalação de dois vídeos das artistas Josèfa Ntjam e Tuli Mekondjo. A curadoria é Nadine Hounkpatin, nascida no Benin e radicada na França há muitos anos.

O segundo projeto, com curadoria de Paulo Miyada e Ana Roman, aborda o tema “Errâncias: Entre Brasil, França, África e Caribe”, a partir de residências oferecidas pelo Instituto Édouard Glissant, na Martinica, a artistas do mundo todo. “A participação dos artistas brasileiros Rayana Rayo e José Eduardo Ferreira Santos resultou na criação de obras exibidas nesta exposição”, explica.

Em sua terceira edição, a exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente” consolida um longo e criterioso processo que culminou na chegada de uma das mais importantes e significativas coleções de arte africana ao Museu Oscar Niemeyer.  

“Como parte das comemorações da temporada cultural França-Brasil, o Museu apresenta, neste momento, intervenções ligadas à França e à sua região ultramarina, a Martinica”, informa o curador. “Em diálogo com o acervo, cada intervenção possui formas, gestos e narrativas próprias”, diz Araújo. 

Ele explica que uma das propostas apresenta a instalação de vídeo-arte “Presenças: Corpos, Objetos e Memórias”, com curadoria da especialista franco-beninense Nadine Hounkpatin e que reúne vídeos das artistas Tuli Mekondjo, da Namíbia, e Josèfa Ntjam, franco-camaronesa. “As obras fundem filosofia, tecnologia e espiritualidade africanas, reimaginando a herança negra como um agente vivo de memória e resistência”, diz.

Outra proposta entrega ao visitante o trabalho da artista Rayana Rayo e do curador José Eduardo, do Acervo da Laje (Bahia), que realizaram uma residência artística na Martinica, em parceria com o Instituto Tomie Ohtake (SP) e o Glissant Art Fund. 

“A experiência partiu dos conceitos de errância, crioulização e relação, formulados pelo filósofo Édouard Glissant”, diz o curador. As obras afro-brasileiras de César Bahia (Salvador), que reverberam a herança formal e simbólica das culturas africanas, e as pinturas de Rayana Rayo (Recife), que investigam recipientes como metáforas do corpo e do abrigo, criam zonas de intersecção entre territorialidades e temporalidades. 

“Essas ‘Errâncias entre Brasil, França, África e Caribe’ articulam memória, origem e deslocamento, propondo uma escuta ampliada do legado africano e de seus desdobramentos no contexto brasileiro”, conclui.

Áudio 1_Texto Institucional_Exposição Intersecções Contemporâneas_narração Rogele Caldeira_RC Audiovisual.mp3

Versão em áudio - África, Expressões Artísticas de um Continente

Áudio 2_Texto Curatorial_Exposição Intersecções Contemporâneas_narração Rogele Caldeira_RC Audiovisual.mp3

Versão em áudio - Presenças: Corpos, Objetos e Memórias

Áudio 3_Texto Curatorial_Exposição Intersecções Contemporâneas_narração Rogele Caldeira_RC Audiovisual.mp3

Versão em áudio - Errâncias: Entre Brasil, França, África e Caribe

Áudio 4_Texto Curatorial_Exposição Intersecções Contemporâneas_narração Rogele Caldeira_RC Audiovisual.mp3

Versão em áudio - Bio José Eduardo Ferreira Santos 

Áudio 8_Biografia José Eduardo Santos_Exposição Intersecções Contemporâneas_narração Rogele Caldeira_RC Audiovisual.mp3

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África, Expressões Artísticas de um Continente
Intersecções contemporâneas - Ano da França no Brasil

Intersecções contemporâneas - Ano da França no Brasil

A exposição “Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses” se renova com o objetivo de alcançar públicos cada vez maiores e democratizar ainda mais o acesso ao acervo do Museu Oscar Niemeyer. 

Esta nova edição inclui uma homenagem aos 130 anos das relações Brasil/Japão e exibe obras inéditas, doadas recentemente ao MON por Maria Ligaya, viúva do saudoso diplomata Edmundo Fujita.

Maior museu de arte da América Latina, o MON viu o seu acervo quintuplicar de tamanho nos últimos anos. Nessa trajetória, é imensa a importância da coleção de arte asiática, doada ao MON pelo diplomata Fausto Godoy.

A chegada de aproximadamente três mil obras de arte, anos atrás, coincidiu com o momento de redefinição do marco referencial do acervo do MON, que passou a dar ênfase também para as artes asiática, africana e latino-americana, tornando-o mais plural.

Disputada por outras instituições do Brasil e por colecionadores do exterior, a coleção asiática que pertence ao MON – e aos paranaenses – permite inúmeras leituras e abordagens, como a que entregamos com esta mostra. 

O mundo mudou, e os museus, como instrumento de leitura e interpretação, também mudaram. A proposta do MON é facilitar os diálogos entre culturas e territórios por meio da arte. Não por acaso, o Museu apresenta aqui, lado a lado, culturas diversas que, ao mesmo tempo em que conversam, demonstram sua singularidade e nos permitem uma interessante visão de mundo. 

O visitante certamente percebe a transdisciplinaridade entre obras, coleções e exposições. A força do conjunto apresentada pelo Museu instiga e comprova que o conhecimento, múltiplo e transversal, atravessa culturas, territórios e épocas. 

As relações diplomáticas entre Brasil e Japão tiveram início com a assinatura do Tratado de Amizade, Comércio e Navegação, que os dois impérios, à época, firmaram no dia 5 de novembro de 1895. Segundo o seu texto, o objetivo era “estabelecer relações diplomáticas e definir os termos de amizade, comércio e navegação entre os dois países”. Desde então a amizade entre os seus povos ganhou ímpeto, à exceção de um breve hiato, em 1942, durante a Segunda Guerra Mundial, quando os dois governos adotaram posições antagônicas no campo de batalha e romperam as relações. Com o seu restabelecimento, em 1952, elas ganharam renovado ímpeto.

Os contatos entre os dois povos é, porém, mais antigo. Os primeiros deles se forjaram através dos navegadores portugueses que chegaram ao Japão em 1543, e fundaram a cidade-porto de Nagasaki. A partir de então, e até 1638, o comércio entre ambos se fez por meio das escalas dos navios nos portos do Brasil, que a história registrou como o “comércio de Nanban”. Muitos produtos japoneses foram aqui comercializados durante esse período. 

Entretanto, esses contatos foram interrompidos entre os séculos XVII e XIX, devido à política de isolamento chamada sakoku (鎖国 – “país fechado”), decretada pelo Xogunato Tokugawa, que então governava o império e buscava manter a sua estabilidade diante da ameaça que sentia das influências externas, sobretudo a conversão da população pelos missionários católicos. O cristianismo foi então banido e combatido. A partir de 1603, o país entrou num período de isolamento, limitando o seu comércio aos chineses, holandeses e coreanos, e ainda assim em portos especificamente destinados para tal fim. Não obstante, o comércio teve prosseguimento, por um curto período, por intermédio da colônia portuguesa de Macau.

Entretanto, a partir de 1868, após a chamada “Restauração Meiji”, quando o imperador retomou o poder do Xogunato, o país deu início ao processo de industrialização acelerada, que impulsionaria a retomada das suas relações com várias nações e o encaminharia a tornar-se a quarta maior potência econômica do planeta neste século. 

Foi nesse cenário que Brasil e Japão estabeleceram formalmente suas relações, ao assinarem o Tratado de Amizade em 1895. Em 1897, missões diplomáticas foram abertas nas capitais de cada nação. E, em junho de 1908, chegou ao porto de Santos o navio Kasato Maru, trazendo 790 imigrantes japoneses. 

Este foi o primeiro de muitos outros que aportaram em nosso país trazendo mais imigrantes. Entre 1908 e 1941, mais de 190.000 deles aqui chegaram em busca de oportunidades; cabe recordar que naquele período o Japão enfrentava graves problemas econômicos e de superpopulação, e o Brasil carecia de mão de obra para as suas lavouras. No início, esses imigrantes se destinaram às plantações de café do Estado de São Paulo, sobretudo, para contornar a crise deixada pelo êxodo dos ex-escravizados das terras de seus ex-patrões e pela desistência dos imigrantes italianos que haviam sido recrutados para essa tarefa. Posteriormente, eles se dispersaram por várias regiões e setores da economia. Hoje, ocupam posições de destaque na nossa sociedade.

Em julho de 1959, o primeiro-ministro Nobusuke Kishi tornou-se o primeiro chefe de governo japonês a visitar o Brasil. Sua visita foi precedida pela do príncipe Tomohito de Mikasa, em 1958.  Em reciprocidade, em setembro de 1976, o presidente Ernesto Geisel fez uma visita de Estado ao Japão. Posteriormente, o então príncipe-herdeiro Akihito aqui esteve, em duas ocasiões – 1967 e  1978. Desde então, contam-se em número de 12 as visitas das mais altas autoridades do Japão ao Brasil – reciprocadas por oito chefes de Estado brasileiros àquele país. Essa é a prova evidente do interesse mútuo.

Reside na área econômico-comercial um dos alicerces das nossas relações. Um dos seus grandes momentos foi a criação do Programa de Cooperação Nipo-Brasileira para o Desenvolvimento Agrícola dos Cerrados (Prodecer), instituído em 1979, como fruto da visita do presidente Geisel ao Japão. Seu objetivo era transformar a região do Cerrado em área produtiva por meio da cooperação técnica e financeira entre os dois países. O Prodecer implementou iniciativas de colonização e desenvolvimento agrícola em diversos estados, como Minas Gerais, Mato Grosso e Goiás, contribuindo para o aumento da produção de grãos e a geração de empregos. Seu grande herdeiro é a Empresa Brasileira de Pesquisa Agropecuária (Embrapa), da qual todos nós, brasileiros, tanto nos orgulhamos. 

As relações comerciais entre Brasil e Japão são robustas e crescentes, com um intercâmbio comercial de US$ 11 bilhões em 2024. O Brasil exporta produtos agrícolas e minerais, como carne, celulose e minério de ferro, enquanto importa bens de transformação e tecnologia, tais como veículos e suas peças, e equipamentos eletrônicos. Os investimentos japoneses no Brasil são significativos, abrangendo setores como o automotivo e o agronegócio, agora com uma perspectiva de fortalecimento por meio de parcerias em descarbonização e bioenergia. 

Mas é nas relações entre as pessoas que reside o apanágio da nossa amizade: a comunidade nikkei, no nosso solo, e a comunidade brasileira residente no Japão acrescentam o elemento humano à equação, solidificando a nossa parceria. Num processo pendular entre os dois países, essas comunidades enfrentam desafios e buscam soluções para universos culturalmente distantes, apesar das histórias compartilhadas. O Brasil abriga a maior comunidade de descendentes de japoneses fora do Japão – cerca de dois milhões. No sentido inverso, de acordo com dados oficiais das autoridades japonesas, os brasileiros documentados chegam a 286.557 pessoas, constituindo a terceira maior comunidade de estrangeiros naquele país, atrás apenas dos coreanos e chineses. Entretanto, o relatório indica que o número total de brasileiros, inclusive os sem documentação, pode passar dos 500 mil, estimativa considerada conservadora.

Essas situações muitas vezes não ocorrem, evidentemente, sem percalços pessoais e coletivos, uma vez que as similaridades físicas entre os japoneses e seus descendentes no nosso solo não correspondem, na maioria dos casos, a uma percepção unívoca de civilizações muito distintas: essa é a radiografia da aventura de compartilharmos o planeta! Não obstante, a solidez da nossa amizade e o resultado da integração de indivíduos e famílias em ambos universos é o melhor exemplo da consolidação harmoniosa desses vínculos, o que deveria ser seguido por todos os países e culturas para o bem da humanidade!

Fausto Godoy
Embaixador
Doador e curador da Coleção Asiática do Museu Oscar Niemeyer

Os 130 anos das relações Brasil -Japão

O kabuki é uma das quatro formas tradicionais do teatro japonês, sendo as outras o noh, o kyogen e o bunraku (teatro de fantoches). Ele se desenvolveu durante os mais de 250 anos dos tempos de paz do período Edo (1600–1868).

O kabuki combina música, drama e dança, frequentemente utilizando trajes de época. Seus tipos de espetáculos  incluem peças históricas (jidaimono) e peças contemporâneas    (sewamono). Uma de suas características principais é o fato de que todos os atores são homens, inclusive os que fazem os papéis femininos (onagatas). O kabuki desenvolveu-se com o suporte das classes médias japonesas, em oposição às tradições do teatro noh, uma forma de entretenimento feita principalmente para as classes altas. 

Muito popular entre a população urbana, com o tempo o kabuki desenvolveu-se como uma forma de arte definida, com importância, voltada para a preservação da tradição, chegando algumas peças a utilizar os mesmos figurinos por vários séculos. O local principal do teatro kabuki no Japão – Kabukiza – encontra-se em Tóquio.

Em 1974, a Folha de S.Paulo destacou Edmundo Sussumu Fujita como o “jovem nissei que quebrou a barreira do Itamaraty” ao ser aprovado no prestigiado Instituto Rio Branco do Ministério das Relações Exteriores do Brasil. Nipo-brasileiro nascido em São Paulo, filho de Yoshiro Fujita, de Assai (Paraná), e de Chiyoko Yamamuro, de Registro (São Paulo), ele escolheu a carreira diplomática, rompendo com tradições e expectativas familiares.

Ao longo de 40 anos de serviço, Edmundo e sua esposa, Maria Ligaya, viveram 25 anos em centros geopolíticos como Londres, Tóquio, Moscou, Nova Iorque, Jacarta e Seul. A Ásia, porém, sempre foi sua grande paixão: berço de antigas civilizações, hoje transformada em uma região moderna e pujante sem renunciar a suas tradições milenares. 

Nessas experiências, construíram pontes entre culturas e, de forma espontânea, tornaram-se colecionadores acidentais.

A coleção reúne esculturas, porcelanas, pinturas, lacas, móveis, vestimentas e outros objetos adquiridos em feiras, mercados de pulga e antiquários da Ásia, sobretudo do Japão, da Coreia e da Indonésia. Cada peça guarda memórias pessoais e coletivas, traduzindo a diplomacia como prática de intercâmbio cultural.

Inspirados pelo exemplo do embaixador Fausto Godoy – que doou seu valioso acervo ao Museu Oscar Niemeyer (MON) –, Edmundo e Maria Ligaya compartilham agora este conjunto de objetos como instrumentos de aprendizagem, memória e aproximação entre o Brasil e a Ásia.

Coleção Embaixador Edmundo Sussumu Fujita e Maria Ligaya

A nova edição exposição “Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses”, com obras do acervo do Museu Oscar Niemeyer, inclui uma homenagem aos 130 anos das relações Brasil/Japão. Com curadoria de Fausto Godoy, a mostra exibe obras inéditas, na Sala 5. Entre elas, peças doadas recentemente ao MON pela Embaixatriz Maria Ligaya Fujita, viúva do saudoso Embaixador Edmundo Fujita, primeiro diplomata nipo-brasileiro no Itamaraty. A coleção reúne esculturas, porcelanas, pinturas, lacas, móveis, vestimentas e outros objetos.

Tudo começou numa manhã fria de janeiro de 1984, quando cheguei a Nova Delhi para assumir um posto na nossa Embaixada. Foi o terceiro na minha carreira, após Bruxelas e Buenos Aires. O impacto foi muito grande, na verdade tão grande que, confrontado, decidi “jogar-me” no país em vez de me refugiar na facilidade da crítica a uma realidade que me escapava.

A Índia me “desconstruiu” e me reconstruiu, a ponto de eu decidir que a minha carreira e vida passariam a partir de então pelo Oriente. Mas não o Oriente sobre o qual o Ocidente cria estereótipos pré-conceituosos e preconceituosos. Missão quase impossível, dada a densidade dessas civilizações e meu despreparo para conviver na mais absoluta relatividade, e sem julgamentos, com uma alteridade “exótica”. Mas foi um desafio irrecusável para uma aventura que resultou muito profunda. Tive sorte, e tive um mestre, o professor José Leal Ferreira, diplomata brasileiro aposentado compulsoriamente nos tempos do AI-5, que era então professor de Língua Portuguesa e Civilização Brasileira na prestigiosa Universidade Jawaharlal Nehru, de Nova Delhi, homem de profundo saber e enorme generosidade, a quem rendo homenagem aqui.

Da Índia segui meu roteiro pela Ásia e acabei por servir durante quase 16 anos em onze postos no continente: segui pela China, Japão, Paquistão, Afeganistão, Vietnã, Taiwan (que não é país para o governo brasileiro), Mumbai (Índia, novamente), Jordânia/Iraque, Cazaquistão e Myanmar. Fora disso, servi apenas, a convite, na nossa Embaixada em Washington: foi um “hiato”, irrecusável na carreira.

Essa escolha pareceu certamente inusitada para a maioria dos meus colegas. Mas a tomei como “missão”. Qual? A de trazer a Ásia para o Brasil. Projeto extremamente ambicioso, e certamente superior às minhas forças e habilidades, mas fundamental, a meu ver, na medida em que o continente se afirma como o principal motor da geoeconomia e, quase por consequência, da geopolítica deste século. 

Sheherazade quase “esfíngica”, a Ásia tem camadas de civilizações e de culturas milenares que a tornam quase indecifrável. O buraco é sempre mais profundo: um tema leva a outro, que se abre para outros tantos, e assim por diante. Mas fascina, sobretudo na contemporaneidade, onde ela reina globalizada e globalizante... 

A “contaminação” das culturas, ou melhor, a inseminação de referenciais culturais “estrangeiros” no cotidiano do indivíduo urbano de hoje, seja no Ocidente, seja no Oriente, obriga a que revisemos valores e percepções, senão os assimilando — o sushi nas churrascarias, o yoga nas academias, neste lado, ou a bolsa Louis Vuitton no Japão, ou na China, e o McDonald’s em toda a Ásia, por exemplo —, pelo menos buscando conhecê-los e, para os mais generosos e intelectualmente motivados, compreendê-los. E as migrações em massa reescrevem a cartografia humana em escala planetária. Não somos mais ilhas, ou melhor, as ilhas estão agora integradas no continente global. Bem-vindos todos à Pangeia reconstituída. 

Foi essa certeza que impulsionou o meu projeto. E a coleção é isto: a busca da compreensão dessas civilizações que estimule a disseminação do conhecimento por meio das obras. Foi o único motivo, asseguro. Com ela vão mais de 2.500 livros, CDs e DVDs sobre a Ásia. Projeto necessário, estou convencido. É que nós, brasileiros, estamos muito necessitados deste “banho de universalismo” que alargue nosso horizonte para além do Ocidente reconhecido. Refaçamos a rota dos navegadores!

Nesse intento, a arte foi o caminho que encontrei para tentar compreender “multirrealidades” muito complexas. Porém, ARTE, no seu sentido holístico, sem distinção entre as chamadas nobres — “fine arts”, belas artes — e as “menores” (as artes aplicadas), uma vez que no continente asiático não existe hierarquia entre elas. O asiático percebe o mundo e nele se insere como um todo. Tampouco existem fronteiras temporais: o contemporâneo convive com o ancestral, demonstrando que as artes não têm “prazo de validade”. Não fosse Confúcio chinês...

Transfiro o esforço de uma vida para o Museu Oscar Niemeyer e, por meio dele, a todos os que se disponham a perseguir esta trajetória. Nós, brasileiros, temos uma grande qualidade, a meu ver: o nosso caráter generoso e cordial, que nos permite — pelo menos por ora, e espero que assim continue — olhar com menor resistência maniqueísta para o reverso do espelho, o outro lado do mundo.

Fausto Godoy
Curador e doador da coleção

A nova edição exposição “Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses”, com obras do acervo do Museu Oscar Niemeyer, inclui uma homenagem aos 130 anos das relações Brasil/Japão. Com curadoria de Fausto Godoy, a mostra exibe obras inéditas, na Sala 5. Entre elas, peças doadasrecentemente ao MON pela Embaixatriz Maria Ligaya Fujita, viúva do saudoso Embaixador Edmundo Fujita, primeiro diplomata nipo-brasileiro no Itamaraty. A coleção reúne esculturas, porcelanas, pinturas, lacas, móveis, vestimentas e outros objetos.

MON realiza nova edição da exposição asiática

A exposição “Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses – 130 anos de relações Brasil/ Japão”, na Sala 5, com obras da coleção permanente do Museu Oscar Niemeyer, se renova mais uma vez com o objetivo de alcançar públicos ainda maiores. Com curadoria de Fausto Godoy, a mostra exibirá ao público obras inéditas. A abertura será no dia 28 de novembro, às 18h30.

Essa nova edição inclui uma homenagem aos 130 anos das relações Brasil/Japão e exibe obras inéditas, doadas recentemente ao MON pela Embaixatriz Maria Ligaya Fujita, viúva do saudoso Embaixador Edmundo Fujita, primeiro diplomata nipo-brasileiro no Itamaraty. 

“A cada nova edição, essa exposição amplia a forma como o público se conecta com a Ásia e suas múltiplas tradições. É uma oportunidade rara de perceber como diferentes culturas se encontram, se transformam e dialogam a partir desse valioso recorte de acervo do MON”, pontua Luciana Casagrande Pereira, secretária de Estado da Cultura do Paraná.

“Maior museu de arte da América Latina, o MON viu o seu acervo quintuplicar de tamanho nos últimos anos. Nesta trajetória, é imensa a importância da coleção de arte asiática, doada ao MON pelo diplomata Fausto Godoy”, afirma a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika. 

“Disputada por outras instituições do Brasil e por colecionadores do exterior, a coleção asiática que pertence ao MON – e aos paranaenses – permite inúmeras leituras e abordagens, como a que entregamos com esta mostra”, explica Juliana. 

Segundo o curador, "esta exposição é um tributo à amizade entre Brasil e Japão". Ele informa que as relações comerciais entre Brasil e Japão são robustas e crescentes, com um intercâmbio comercial de US$ 11 bilhões em 2024. “Mas é nas relações entre as pessoas que reside o apanágio da nossa amizade: a comunidade nikkei, no nosso solo, e a comunidade brasileira residente no Japão acrescentam o elemento humano à equação, solidificando a nossa parceria”, diz Fausto Godoy. “Num processo pendular entre os dois países, essas comunidades enfrentam desafios e buscam soluções para universos culturalmente distantes, apesar das histórias compartilhadas”.

A doadora Maria Ligaya conta que ela e o saudoso marido, o Embaixador Edmundo Fujita, viveram por 25 anos em centros geopolíticos como Londres, Tóquio, Moscou, Nova Iorque, Jacarta e Seul. A Ásia, porém, sempre foi uma grande paixão: berço de antigas civilizações. “Nessas experiências, construíram pontes entre culturas e, de forma espontânea, nos tornamos colecionadores acidentais”, diz.

“Inspirada pelo exemplo do Embaixador Fausto Godoy – que doou seu valioso acervo ao Museu Oscar Niemeyer, compartilho agora este conjunto de objetos como instrumentos de aprendizagem, memória e aproximação entre o Brasil e a Ásia”, afirma Maria Ligaya.

Ásia: a terra, os homens, os deuses - 130 anos das relações Brasil - Japão

Desde que a grandiosa coleção asiática, com mais de três mil peças, foi doada ao Museu Oscar Niemeyer, várias exposições já foram realizadas com tais obras, permitindo que o público conheça mais desse patrimônio de imenso valor histórico e artístico que pertence ao Paraná.

Ao entregar a mostra “O Mundo Lúdico dos Mangás e Animes”, o MON confirma que esta é mais uma das incontáveis vertentes desse acervo surpreendente, que nos revela o continente asiático em sua extensão geográfica, pluralidade étnico-religiosa e exuberância artística ao longo de milhares de anos de história.

Nesta exposição, trazemos aos nossos visitantes uma expressão da arte japonesa contemporânea que alcançou e conquistou boa parte do mundo: os populares mangás e animes.

Aqui, eles são apresentados em mais de 100 pinturas, desenhos e esculturas, dividindo espaço com os tradicionais bonecos Ningyos. Estes, no Japão, são objetos cheios de significados milenares, presentes que desejam longevidade, saúde e fertilidade às crianças.

Ao realizar esta exposição que apresenta tão importante dimensão simbólica e estética da cultura japonesa, o MON convida a uma reflexão sobre as manifestações culturais de diferentes regiões e países e o que nos aproxima como indivíduos e como sociedade.

As animações japonesas têm origem no cinema, porém ganharam espaço próprio e definitivo na televisão mundial a partir da década de 1960. Desde então continuam encantando gerações.

O anime se refere a uma animação que pode ser desenhada tanto à mão como por computador. As primeiras animações comerciais japonesas datam de 1917, influenciadas pelas técnicas ocidentais. No entanto, foi somente na década de 1960, com o trabalho do célebre artista de mangá (mangaká) Osamu Tezuka, frequentemente chamado de "Deus do Mangá", que o anime começou a tomar forma como um fenômeno cultural distinto. Nesse momento, eles eram desenhados sobre uma folha de acetato. O artista fazia o esboço sobre uma folha de papel, com as indicações pertinentes, e o assistente o transferia para o celuloide.

Esse estilo de arte atual surgiu na década de 1960 e popularizou-se nas décadas seguintes, atraindo um grande público doméstico. Os animes passaram a partir de então a serem vistos nas salas de cinema. Foram posteriormente apresentados em transmissões de televisão; depois diretamente em aparelhos domésticos e pela internet. Além das obras originais, eles são muitas vezes adaptações de mangás e até mesmo de videogames. Classificados em vários gêneros – comédia, terror, drama, ficção científica etc. – eles visam públicos amplos e diversos.

Na década de 1980, o anime tornou-se um grande sucesso popular no Japão, com o lançamento de produções como “Gundam”, “Macross”, “Dragon Ball”, e de gêneros como robô real, ópera espacial e cyberpunk. O filme “Akira”, de 1988, tornou-se um sucesso internacional, e “A Viagem de Chihiro” dividiu o primeiro prêmio no Festival de Cinema de Berlim de 2002, ganhando o Oscar de Melhor Filme de Animação em 2003.

Assim como os mangás, os animes são uma forma de arte e expressão da criatividade de seus autores, tanto no que diz respeito à forma quanto ao fundo, pois na maioria das vezes o mesmo criador responde pela trama e pelo desenho. Dentre eles, títulos como “Attack on Titan”, “One Piece”, “Fullmetal Alchemist: Brotherhood”, “Death Note”, “Dragon Ball” e “Akira” são constantemente citados como os melhores e mais populares, tanto pelos fãs como pela crítica.  

A indústria de animes se reparte atualmente em mais de 430 estúdios de produção, incluindo grandes nomes como o Studio Ghibli, Gainax e Toei Animation. 

Os animes têm sido um sucesso internacional ainda maior após a introdução das dublagens em exibições televisionadas. Esse aumento de popularidade deu origem a produções não japonesas que empregam o mesmo estilo de arte do anime.

Os mangás (漫画) são histórias em quadrinhos ou romances gráficos, semelhantes aos nossos antigos gibis, enquanto os animes tinham a princípio o formato de celuloide. A maioria dos mangás segue os estilos desenvolvidos pelos artistas japoneses que criaram os ukyio-es (浮世絵), termo que significa "imagem do mundo flutuante", um gênero de arte que se tornou muito popular entre a classe mercantil de Tóquio no período Edo (séculos XVII-XIX). Eram xilogravuras que retratavam temas do quotidiano urbano, tais como atores do teatro kabuki, cortesãs, lutadores de sumô, paisagens, contos folclóricos etc.

O termo “mangá” é utilizado para se referir às histórias em quadrinhos japonesas. Vários deles deram origem aos  animes (アニメ), criados por cartunistas e desenhados anteriormente sobre um suporte de acetato, como nesta mostra, e agora criados por computadores, no formato de filmes e vídeos. 

As raízes dos mangás são mais antigas. Elas têm origem no período Nara (séc. VIII EC), quando surgiram os primeiros rolos de pintura no Japão, chamados de emakimono (絵巻物). Esses rolos continham pinturas acrescidas de textos que descortinavam uma história à medida que eram desenrolados sobre uma superfície. No início, esse estilo seguia os padrões chineses que inspiraram a arte produzida no Japão naquela época. Foi a partir da metade do século XII que apareceram os primeiros emakimonostipicamente japoneses. 

No período Edo (1603–1868) esses rolos foram substituídos por livros. Inicialmente, as estampas eram destinadas a ilustrar os textos, mas rapidamente surgiram os ”livros para ver” em oposição aos “livros para ler”. A partir de meados do século XIX, chegou ao Japão o humor gráfico dos ilustradores europeus. Em 1861, o cartunista britânico Charles Wirgman instalou-se em Yokohama, nas vizinhanças de Tóquio. Ele vai exercer grande influência sobre os artistas locais. Wirgman criou um jornal satírico, o The Japan Punch, e passou a ensinar técnicas ocidentais de desenho e pintura para um grande número de artistas japoneses.

Influenciados pelo The Japan Punch, Kanagaki Robun e Kawanabe Kyosaicriaram a primeira revista de mangá em 1874, a Eshinbun Nipponchi, que não alcançou sucesso popular e foi encerrada após três edições. Entretanto, as técnicas trazidas pelos europeus alavancaram uma lenta, mas segura, produção dos artistas nativos, especialmente Rakuten Kitazawa, cujo mangá  “Tagosaku to Mokube no Tokyo Kenbutsu”  (田吾作と杢兵衛の東京見物), de 1902, é considerado o primeiro mangá no sentido moderno. 

Diversas séries comparáveis às de além-mar surgem na década de 1930 até a metade dos anos quarenta, quando a imprensa foi submetida à censura do governo durante a Segunda Guerra Mundial, assim como todas as atividades culturais e artísticas. Findo este período conturbado, sob a ocupação americana os mangakás  (autores de mangás) passaram a sofrer a influência das histórias em quadrinhos ocidentais, sobretudo as americanas, que eram traduzidas e difundidas em grande quantidade na imprensa cotidiana. 

Em 1946, surge o primeiro mangá de autoria de uma mulher, a tira “Sazae-san de Machiko Hasegawa”. É também quando Osamu Tezuka, um artista influenciado por Walt Disney, dá vida ao mangá moderno. As características faciais que ele desenvolveu, semelhantes às dos desenhos da Disney, com olhos, boca, sobrancelhas e nariz desenhados de maneira bastante exagerada para aumentar a expressividade dos personagens, tornaram o mangá popular.  Foi Tezuka também quem introduziu os efeitos gráficos nas histórias em quadrinhos, como as linhas que dão a impressão de velocidade e as onomatopeias que se integram à arte. 

Na atualidade, o mangaká trabalha normalmente com alguns assistentes em um pequeno estúdio e está associado a uma editora. No Japão, os mangássão geralmente publicados em grandes revistas especificas, muitas vezes contendo várias histórias, cada uma apresentada em um único capítulo a ser continuado numa próxima edição. Se uma série de mangá publicada for suficientemente popular, ela pode vir a ganhar uma versão animada: um anime.

A exposição inédita: “O Mundo Lúdico dos Mangás e Animes”, com curadoria de Fausto Godoy, é a nova realização do Museu Oscar Niemeyer, na Sala 10. A mostra reúne mais de 100 pinturas, desenhos e esculturas, com obras que pertencem ao acervo do MON. É um mergulho no universo dessa expressão da arte japonesa contemporânea que alcançou e conquistou boa parte do mundo. A exposição também propõe um diálogo com tradições antigas, como os bonecos Ningyos, que estavam expostos anteriormente no local.

A tradição japonesa de se debruçar sobre o universo infantil é ancestral. As celebrações anuais do Dia das Meninas – 03/03 – e do Dia dos Meninos – 05/05 – remontam a milênios. Os artefatos mais antigos conhecidos datam do período Jomon (10.000/300 AEC). Os bonecos rituais – Ningyo – que corporificam os valores e as aspirações que os pais têm com relação aos seus filhos seguem a tradição. 

A evolução do conceito mais moderno de Ningyo teve início durante o período Edo (1603–1868), quando houve uma ênfase crescente no artesanato e na expressão artística, que estimulou o resgate e desenvolvimento de várias formas de arte tradicionais, inclusive a fabricação de bonecos. Alguns desses Ningyos foram objeto da exposição que precede esta aqui no Museu Oscar Niemeyer.

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