O Museu Oscar Niemeyer (MON) traz aqui a você, visitante, a obra de um dos grandes nomes da arte contemporânea brasileira. A exposição inédita “Teia à toa”, realizada pelo MON, reúne 70 esculturas e pinturas produzidas nas últimas décadas pelo artista carioca Barrão.

Desenhista, pintor, escultor e artista multimídia, ele reaproveita objetos do cotidiano e sucatas, conferindo-lhes novos significados. Intuitivo, reconfigura objetos utilitários quebrados ou danificados, tornando-os obras surpreendentes e criativas.

O resultado é quase uma alusão à vida, ao imponderável que muitas vezes destrói previsões e nos deixa apenas a possibilidade de adaptação. Barrão instiga ao inverter o sentido original dos objetos com humor, ironia e poesia. 

Museus são espaços de encontro e de troca, de significativas experiências pessoais e presenciais, cada vez mais necessárias num mundo instantâneo e efêmero. No caso da obra de Barrão, é a chance de confundir a lógica e buscar novos pontos de vista.

Seu trabalho deixa um convite a desafiarmos o óbvio e estendermos um olhar mais atento. Então surge a pergunta: e se a bricolagem extrapolasse os limites da arte e fosse aplicada em situações do dia a dia? Com “Teia à toa”, o espectador será surpreendido e provavelmente, de alguma maneira, modificado. 

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

Realizada pelo MON, a exposição “Teia à Toa” apresenta um recorte da produção do artista carioca Barrão dos últimos 20 anos, na Sala 3. Com curadoria de Luiza Mello, reúne aproximadamente 70 obras em cerâmicas multicoloridas, esculturas monocromáticas em resina e bronze, aquarelas e instalações. 

Desenhista, pintor, escultor e artista multimídia, Barrão reaproveita objetos do cotidiano e sucatas, conferindo-lhes novos significados. Intuitivo, reconfigura objetos utilitários quebrados ou danificados, tornando-os obras surpreendentes e criativas.

Teia à toa apresenta um recorte da produção de Barrão dos últimos 20 anos, reunindo obras em cerâmicas multicoloridas, esculturas monocromáticas em resina e bronze, aquarelas e instalações. É a primeira vez que esse conjunto de obras é mostrado em Curitiba, revelando a complexidade e as sutilezas de sua prática artística. 

Ao longo de mais de quatro décadas, Barrão desenvolveu uma linguagem marcada pela intuição e pela transformação na combinação de elementos do cotidiano – objetos reconhecíveis, extraídos do nosso universo doméstico e urbano. Em seu ateliê, prateleiras abrigam peças de origens diversas – acumuladas e organizadas por critérios tão intuitivos quanto enigmáticos. Desses fragmentos surgem esculturas híbridas que desafiam funções e estilos, sempre atravessadas por humor e ironia. 

O título da exposição é também um convite: a caminhada por uma floresta de formas e cores onde tudo está conectado por fios invisíveis. Como aranhas que tecem suas tramas no ar, Barrão trabalha combinando objetos e pedaços de objetos preexistentes – cerâmicas quebradas e coladas, objetos moldados e fundidos em outros materiais, pedaços de objetos organizados em composições improváveis. Resina, bronze, louça: cada elemento carrega a memória do que foi e agora se apresenta como parte de algo maior.

Essas conexões não seguem uma lógica utilitária ou racional. Como as teias que variam de acordo com a espécie e o ambiente – circulares, irregulares, densas ou esparsas –, as obras se organizam segundo um sistema próprio. As esculturas, instalações e aquarelas não se apresentam como peças isoladas, mas se articulam no espaço em uma rede de relações formais, cromáticas e simbólicas, ativando o percurso do visitante como uma deriva sensorial.

Há também uma dimensão lúdica e imprevisível que atravessa toda a exposição. “À toa”, aqui, não é falta de direção, mas liberdade criativa. Cada obra parece surgir de um jogo – entre materiais, entre sentidos, entre títulos e formas. Os nomes das peças, sempre precisos e irônicos, funcionam como poemas: ora revelam, ora embaralham as possíveis interpretações. 

Em Teia à toa, Barrão propõe uma experiência de encantamento e estranhamento, em que sentido se constrói no acaso, na surpresa, no olhar de quem vê.

Eduardo Ortega 
Cortesia do artista e Fortes D'Aloia & Gabriel, São Paulo/Rio de Janeiro

Louça e resina epoxi
159 x 37,5 x 35 cm
Coleção do artista

Bronze
254 x 80 x 85 cm
Coleção do artista

Louça e resina epoxi
37 x 31 x 35 cm
Coleção do artista

Resina epoxi e tinta automotiva
86,5 x 44 x 29 cm
Coleção do artista

Resina epoxi e tinta automotiva
Dimensões variadas
Coleção do artista

Resina epoxi e tinta automotiva
17 x 15,5 x 8 cm
Coleção do artista

MON realiza exposição do artista contemporâneo Barrão

A exposição “Teia à Toa” apresenta um recorte da produção do artista carioca Barrão dos últimos 20 anos. Realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), a mostra será inaugurada no dia 10/7, às 19h, na Sala 3. 

Com curadoria de Luiza Mello, reúne aproximadamente 70 obras em cerâmicas multicoloridas, esculturas monocromáticas em resina e bronze, aquarelas e instalações. É a primeira exposição individual do artista em Curitiba.

“Ao trazer ao público exposições como a de Barrão, o MON se destaca como um dos mais relevantes espaços para a arte contemporânea no Brasil”, afirma a secretária de estado da Cultura, Luciana Casagrande Pereira. Para ela, a exposição de Barrão convida a enxergar beleza, sentido e poesia onde antes havia apenas descarte. “É esse poder transformador da arte que desejamos estimular cada vez mais, aproximando o público de experiências instigantes e significativas”, pontua.

“Desenhista, pintor, escultor e artista multimídia, Barrão reaproveita objetos do cotidiano e sucatas, conferindo-lhes novos significados. Intuitivo, reconfigura objetos utilitários quebrados ou danificados, tornando-os obras surpreendentes e criativas”, explica a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika.

“O resultado é quase uma alusão à vida, ao imponderável que muitas vezes destrói previsões e nos deixa apenas a possibilidade de adaptação”, diz. “Barrão instiga ao inverter o sentido original dos objetos com humor, ironia e poesia”, comenta Juliana. 

A curadora informa que, ao longo de mais de quatro décadas, Barrão desenvolveu uma linguagem marcada pela intuição e pela transformação na combinação de elementos do cotidiano – objetos reconhecíveis, extraídos do nosso universo doméstico e urbano. “Em seu ateliê, prateleiras abrigam peças de origens diversas – acumuladas e organizadas por critérios tão intuitivos quanto enigmáticos. Desses fragmentos surgem esculturas híbridas que desafiam funções e estilos, sempre atravessadas por humor e ironia”, diz.

Ela explica que o título da exposição funciona como um convite à caminhada por uma floresta de formas e cores onde tudo está conectado por fios invisíveis. “Como aranhas que tecem suas tramas no ar, Barrão trabalha combinando objetos e pedaços de objetos preexistentes – cerâmicas quebradas e coladas, objetos moldados e fundidos em outros materiais, pedaços de objetos organizados em composições improváveis”, afirma Luiza. “Resina, bronze, louça: cada elemento carrega a memória do que foi e agora se apresenta como parte de algo maior”.

Barrão destaca as aquarelas presentes na mostra que, apesar de serem bidimensionais, sugerem o escultórico. “Elas têm muito a ver com o trabalho que eu desenvolvo, com a busca de relação entre os objetos”, diz.

Segundo o artista, todo o seu trabalho é construído a partir de um mundo que já existe. “São objetos que tinham outras funções e que já estavam aqui quando eu cheguei, mas que agora se associam a outros e ganham novo significado”, resume. “Eles se transformam”.

O artista 
Barrão (Rio de Janeiro, 1959). Vive e trabalha no Rio de Janeiro.
Desenhista, pintor, escultor, artista multimídia. Autodidata, inicia sua carreira artística com o Grupo Seis Mãos, 1983–1991, formado com Ricardo Basbaum e Alexandre Dacosta. O grupo desenvolve atividades com vídeo, pinturas ao vivo, shows musicais e performances, e promove o projeto Improviso de Pintura e Música em ruas, praças públicas, faculdades etc. A primeira exposição dos três artistas teve lugar em 1983, no Circo Voador, no Rio de Janeiro. Nesse ano, Barrão participa das mostras “Arte na Rua I” e “Pintura! Pintura!”, ambas na mesma cidade. Em 1984, realiza a primeira individual, “Televisões”, na Galeria Contemporânea, e participa da coletiva “Como Vai Você, Geração 80?”, realizada na Escola de Artes Visuais do Parque Lage – EAV/Parque Lage, no Jardim Botânico, Rio de Janeiro. Recebeu o Prêmio Brasília de Artes Plásticas, no Museu de Arte de Brasília, em 1990. Produz, com Sandra Kogut, os vídeos “7 Horas de Sono” e “A Geladeira”. Faz ainda vinhetas eletrônicas para televisão, trabalhos de cenografia e capas de discos. Cria, em parceria com o artista Luiz Zerbini, o editor de vídeo e cinema Sérgio Mekler e o produtor musical Chico Neves, o grupo Chelpa Ferro, em 1995, que trabalha com escultura, instalações tecnológicas e música eletrônica.

Áudio 2 - Barrão_Texto Curatorial.mp3

Áudio 1 - Barrão_Texto Institucional.mp3

Realizada pelo MON, a exposição “Teia à Toa” apresenta um recorte da produção do artista carioca Barrão dos últimos 20 anos, na Sala 3. Com curadoria de Luiza Mello, reúne aproximadamente 70 obras em cerâmicas multicoloridas, esculturas monocromáticas em resina e bronze, aquarelas e instalações. 
Desenhista, pintor, escultor e artista multimídia, Barrão reaproveita objetos do cotidiano e sucatas, conferindo-lhes novos significados. Intuitivo, reconfigura objetos utilitários quebrados ou danificados, tornando-os obras surpreendentes e criativas.

Teia à Toa - Barrão

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A exposição “Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses” se renova com o objetivo de alcançar públicos cada vez maiores e democratizar ainda mais o acesso ao acervo do Museu Oscar Niemeyer. 

Esta nova edição inclui uma homenagem aos 130 anos das relações Brasil/Japão e exibe obras inéditas, doadas recentemente ao MON por Maria Ligaya, viúva do saudoso diplomata Edmundo Fujita.

Maior museu de arte da América Latina, o MON viu o seu acervo quintuplicar de tamanho nos últimos anos. Nessa trajetória, é imensa a importância da coleção de arte asiática, doada ao MON pelo diplomata Fausto Godoy.

A chegada de aproximadamente três mil obras de arte, anos atrás, coincidiu com o momento de redefinição do marco referencial do acervo do MON, que passou a dar ênfase também para as artes asiática, africana e latino-americana, tornando-o mais plural.

Disputada por outras instituições do Brasil e por colecionadores do exterior, a coleção asiática que pertence ao MON – e aos paranaenses – permite inúmeras leituras e abordagens, como a que entregamos com esta mostra. 

O mundo mudou, e os museus, como instrumento de leitura e interpretação, também mudaram. A proposta do MON é facilitar os diálogos entre culturas e territórios por meio da arte. Não por acaso, o Museu apresenta aqui, lado a lado, culturas diversas que, ao mesmo tempo em que conversam, demonstram sua singularidade e nos permitem uma interessante visão de mundo. 

O visitante certamente percebe a transdisciplinaridade entre obras, coleções e exposições. A força do conjunto apresentada pelo Museu instiga e comprova que o conhecimento, múltiplo e transversal, atravessa culturas, territórios e épocas. 

As relações diplomáticas entre Brasil e Japão tiveram início com a assinatura do Tratado de Amizade, Comércio e Navegação, que os dois impérios, à época, firmaram no dia 5 de novembro de 1895. Segundo o seu texto, o objetivo era “estabelecer relações diplomáticas e definir os termos de amizade, comércio e navegação entre os dois países”. Desde então a amizade entre os seus povos ganhou ímpeto, à exceção de um breve hiato, em 1942, durante a Segunda Guerra Mundial, quando os dois governos adotaram posições antagônicas no campo de batalha e romperam as relações. Com o seu restabelecimento, em 1952, elas ganharam renovado ímpeto.

Os contatos entre os dois povos é, porém, mais antigo. Os primeiros deles se forjaram através dos navegadores portugueses que chegaram ao Japão em 1543, e fundaram a cidade-porto de Nagasaki. A partir de então, e até 1638, o comércio entre ambos se fez por meio das escalas dos navios nos portos do Brasil, que a história registrou como o “comércio de Nanban”. Muitos produtos japoneses foram aqui comercializados durante esse período. 

Entretanto, esses contatos foram interrompidos entre os séculos XVII e XIX, devido à política de isolamento chamada sakoku (鎖国 – “país fechado”), decretada pelo Xogunato Tokugawa, que então governava o império e buscava manter a sua estabilidade diante da ameaça que sentia das influências externas, sobretudo a conversão da população pelos missionários católicos. O cristianismo foi então banido e combatido. A partir de 1603, o país entrou num período de isolamento, limitando o seu comércio aos chineses, holandeses e coreanos, e ainda assim em portos especificamente destinados para tal fim. Não obstante, o comércio teve prosseguimento, por um curto período, por intermédio da colônia portuguesa de Macau.

Entretanto, a partir de 1868, após a chamada “Restauração Meiji”, quando o imperador retomou o poder do Xogunato, o país deu início ao processo de industrialização acelerada, que impulsionaria a retomada das suas relações com várias nações e o encaminharia a tornar-se a quarta maior potência econômica do planeta neste século. 

Foi nesse cenário que Brasil e Japão estabeleceram formalmente suas relações, ao assinarem o Tratado de Amizade em 1895. Em 1897, missões diplomáticas foram abertas nas capitais de cada nação. E, em junho de 1908, chegou ao porto de Santos o navio Kasato Maru, trazendo 790 imigrantes japoneses. 

Este foi o primeiro de muitos outros que aportaram em nosso país trazendo mais imigrantes. Entre 1908 e 1941, mais de 190.000 deles aqui chegaram em busca de oportunidades; cabe recordar que naquele período o Japão enfrentava graves problemas econômicos e de superpopulação, e o Brasil carecia de mão de obra para as suas lavouras. No início, esses imigrantes se destinaram às plantações de café do Estado de São Paulo, sobretudo, para contornar a crise deixada pelo êxodo dos ex-escravizados das terras de seus ex-patrões e pela desistência dos imigrantes italianos que haviam sido recrutados para essa tarefa. Posteriormente, eles se dispersaram por várias regiões e setores da economia. Hoje, ocupam posições de destaque na nossa sociedade.

Em julho de 1959, o primeiro-ministro Nobusuke Kishi tornou-se o primeiro chefe de governo japonês a visitar o Brasil. Sua visita foi precedida pela do príncipe Tomohito de Mikasa, em 1958.  Em reciprocidade, em setembro de 1976, o presidente Ernesto Geisel fez uma visita de Estado ao Japão. Posteriormente, o então príncipe-herdeiro Akihito aqui esteve, em duas ocasiões – 1967 e  1978. Desde então, contam-se em número de 12 as visitas das mais altas autoridades do Japão ao Brasil – reciprocadas por oito chefes de Estado brasileiros àquele país. Essa é a prova evidente do interesse mútuo.

Reside na área econômico-comercial um dos alicerces das nossas relações. Um dos seus grandes momentos foi a criação do Programa de Cooperação Nipo-Brasileira para o Desenvolvimento Agrícola dos Cerrados (Prodecer), instituído em 1979, como fruto da visita do presidente Geisel ao Japão. Seu objetivo era transformar a região do Cerrado em área produtiva por meio da cooperação técnica e financeira entre os dois países. O Prodecer implementou iniciativas de colonização e desenvolvimento agrícola em diversos estados, como Minas Gerais, Mato Grosso e Goiás, contribuindo para o aumento da produção de grãos e a geração de empregos. Seu grande herdeiro é a Empresa Brasileira de Pesquisa Agropecuária (Embrapa), da qual todos nós, brasileiros, tanto nos orgulhamos. 

As relações comerciais entre Brasil e Japão são robustas e crescentes, com um intercâmbio comercial de US$ 11 bilhões em 2024. O Brasil exporta produtos agrícolas e minerais, como carne, celulose e minério de ferro, enquanto importa bens de transformação e tecnologia, tais como veículos e suas peças, e equipamentos eletrônicos. Os investimentos japoneses no Brasil são significativos, abrangendo setores como o automotivo e o agronegócio, agora com uma perspectiva de fortalecimento por meio de parcerias em descarbonização e bioenergia. 

Mas é nas relações entre as pessoas que reside o apanágio da nossa amizade: a comunidade nikkei, no nosso solo, e a comunidade brasileira residente no Japão acrescentam o elemento humano à equação, solidificando a nossa parceria. Num processo pendular entre os dois países, essas comunidades enfrentam desafios e buscam soluções para universos culturalmente distantes, apesar das histórias compartilhadas. O Brasil abriga a maior comunidade de descendentes de japoneses fora do Japão – cerca de dois milhões. No sentido inverso, de acordo com dados oficiais das autoridades japonesas, os brasileiros documentados chegam a 286.557 pessoas, constituindo a terceira maior comunidade de estrangeiros naquele país, atrás apenas dos coreanos e chineses. Entretanto, o relatório indica que o número total de brasileiros, inclusive os sem documentação, pode passar dos 500 mil, estimativa considerada conservadora.

Essas situações muitas vezes não ocorrem, evidentemente, sem percalços pessoais e coletivos, uma vez que as similaridades físicas entre os japoneses e seus descendentes no nosso solo não correspondem, na maioria dos casos, a uma percepção unívoca de civilizações muito distintas: essa é a radiografia da aventura de compartilharmos o planeta! Não obstante, a solidez da nossa amizade e o resultado da integração de indivíduos e famílias em ambos universos é o melhor exemplo da consolidação harmoniosa desses vínculos, o que deveria ser seguido por todos os países e culturas para o bem da humanidade!

Fausto Godoy
Embaixador
Doador e curador da Coleção Asiática do Museu Oscar Niemeyer

Os 130 anos das relações Brasil -Japão

O kabuki é uma das quatro formas tradicionais do teatro japonês, sendo as outras o noh, o kyogen e o bunraku (teatro de fantoches). Ele se desenvolveu durante os mais de 250 anos dos tempos de paz do período Edo (1600–1868).

O kabuki combina música, drama e dança, frequentemente utilizando trajes de época. Seus tipos de espetáculos  incluem peças históricas (jidaimono) e peças contemporâneas    (sewamono). Uma de suas características principais é o fato de que todos os atores são homens, inclusive os que fazem os papéis femininos (onagatas). O kabuki desenvolveu-se com o suporte das classes médias japonesas, em oposição às tradições do teatro noh, uma forma de entretenimento feita principalmente para as classes altas. 

Muito popular entre a população urbana, com o tempo o kabuki desenvolveu-se como uma forma de arte definida, com importância, voltada para a preservação da tradição, chegando algumas peças a utilizar os mesmos figurinos por vários séculos. O local principal do teatro kabuki no Japão – Kabukiza – encontra-se em Tóquio.

Em 1974, a Folha de S.Paulo destacou Edmundo Sussumu Fujita como o “jovem nissei que quebrou a barreira do Itamaraty” ao ser aprovado no prestigiado Instituto Rio Branco do Ministério das Relações Exteriores do Brasil. Nipo-brasileiro nascido em São Paulo, filho de Yoshiro Fujita, de Assai (Paraná), e de Chiyoko Yamamuro, de Registro (São Paulo), ele escolheu a carreira diplomática, rompendo com tradições e expectativas familiares.

Ao longo de 40 anos de serviço, Edmundo e sua esposa, Maria Ligaya, viveram 25 anos em centros geopolíticos como Londres, Tóquio, Moscou, Nova Iorque, Jacarta e Seul. A Ásia, porém, sempre foi sua grande paixão: berço de antigas civilizações, hoje transformada em uma região moderna e pujante sem renunciar a suas tradições milenares. 

Nessas experiências, construíram pontes entre culturas e, de forma espontânea, tornaram-se colecionadores acidentais.

A coleção reúne esculturas, porcelanas, pinturas, lacas, móveis, vestimentas e outros objetos adquiridos em feiras, mercados de pulga e antiquários da Ásia, sobretudo do Japão, da Coreia e da Indonésia. Cada peça guarda memórias pessoais e coletivas, traduzindo a diplomacia como prática de intercâmbio cultural.

Inspirados pelo exemplo do embaixador Fausto Godoy – que doou seu valioso acervo ao Museu Oscar Niemeyer (MON) –, Edmundo e Maria Ligaya compartilham agora este conjunto de objetos como instrumentos de aprendizagem, memória e aproximação entre o Brasil e a Ásia.

Coleção Embaixador Edmundo Sussumu Fujita e Maria Ligaya

A nova edição exposição “Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses”, com obras do acervo do Museu Oscar Niemeyer, inclui uma homenagem aos 130 anos das relações Brasil/Japão. Com curadoria de Fausto Godoy, a mostra exibe obras inéditas, na Sala 5. Entre elas, peças doadas recentemente ao MON pela Embaixatriz Maria Ligaya Fujita, viúva do saudoso Embaixador Edmundo Fujita, primeiro diplomata nipo-brasileiro no Itamaraty. A coleção reúne esculturas, porcelanas, pinturas, lacas, móveis, vestimentas e outros objetos.

Tudo começou numa manhã fria de janeiro de 1984, quando cheguei a Nova Delhi para assumir um posto na nossa Embaixada. Foi o terceiro na minha carreira, após Bruxelas e Buenos Aires. O impacto foi muito grande, na verdade tão grande que, confrontado, decidi “jogar-me” no país em vez de me refugiar na facilidade da crítica a uma realidade que me escapava.

A Índia me “desconstruiu” e me reconstruiu, a ponto de eu decidir que a minha carreira e vida passariam a partir de então pelo Oriente. Mas não o Oriente sobre o qual o Ocidente cria estereótipos pré-conceituosos e preconceituosos. Missão quase impossível, dada a densidade dessas civilizações e meu despreparo para conviver na mais absoluta relatividade, e sem julgamentos, com uma alteridade “exótica”. Mas foi um desafio irrecusável para uma aventura que resultou muito profunda. Tive sorte, e tive um mestre, o professor José Leal Ferreira, diplomata brasileiro aposentado compulsoriamente nos tempos do AI-5, que era então professor de Língua Portuguesa e Civilização Brasileira na prestigiosa Universidade Jawaharlal Nehru, de Nova Delhi, homem de profundo saber e enorme generosidade, a quem rendo homenagem aqui.

Da Índia segui meu roteiro pela Ásia e acabei por servir durante quase 16 anos em onze postos no continente: segui pela China, Japão, Paquistão, Afeganistão, Vietnã, Taiwan (que não é país para o governo brasileiro), Mumbai (Índia, novamente), Jordânia/Iraque, Cazaquistão e Myanmar. Fora disso, servi apenas, a convite, na nossa Embaixada em Washington: foi um “hiato”, irrecusável na carreira.

Essa escolha pareceu certamente inusitada para a maioria dos meus colegas. Mas a tomei como “missão”. Qual? A de trazer a Ásia para o Brasil. Projeto extremamente ambicioso, e certamente superior às minhas forças e habilidades, mas fundamental, a meu ver, na medida em que o continente se afirma como o principal motor da geoeconomia e, quase por consequência, da geopolítica deste século. 

Sheherazade quase “esfíngica”, a Ásia tem camadas de civilizações e de culturas milenares que a tornam quase indecifrável. O buraco é sempre mais profundo: um tema leva a outro, que se abre para outros tantos, e assim por diante. Mas fascina, sobretudo na contemporaneidade, onde ela reina globalizada e globalizante... 

A “contaminação” das culturas, ou melhor, a inseminação de referenciais culturais “estrangeiros” no cotidiano do indivíduo urbano de hoje, seja no Ocidente, seja no Oriente, obriga a que revisemos valores e percepções, senão os assimilando — o sushi nas churrascarias, o yoga nas academias, neste lado, ou a bolsa Louis Vuitton no Japão, ou na China, e o McDonald’s em toda a Ásia, por exemplo —, pelo menos buscando conhecê-los e, para os mais generosos e intelectualmente motivados, compreendê-los. E as migrações em massa reescrevem a cartografia humana em escala planetária. Não somos mais ilhas, ou melhor, as ilhas estão agora integradas no continente global. Bem-vindos todos à Pangeia reconstituída. 

Foi essa certeza que impulsionou o meu projeto. E a coleção é isto: a busca da compreensão dessas civilizações que estimule a disseminação do conhecimento por meio das obras. Foi o único motivo, asseguro. Com ela vão mais de 2.500 livros, CDs e DVDs sobre a Ásia. Projeto necessário, estou convencido. É que nós, brasileiros, estamos muito necessitados deste “banho de universalismo” que alargue nosso horizonte para além do Ocidente reconhecido. Refaçamos a rota dos navegadores!

Nesse intento, a arte foi o caminho que encontrei para tentar compreender “multirrealidades” muito complexas. Porém, ARTE, no seu sentido holístico, sem distinção entre as chamadas nobres — “fine arts”, belas artes — e as “menores” (as artes aplicadas), uma vez que no continente asiático não existe hierarquia entre elas. O asiático percebe o mundo e nele se insere como um todo. Tampouco existem fronteiras temporais: o contemporâneo convive com o ancestral, demonstrando que as artes não têm “prazo de validade”. Não fosse Confúcio chinês...

Transfiro o esforço de uma vida para o Museu Oscar Niemeyer e, por meio dele, a todos os que se disponham a perseguir esta trajetória. Nós, brasileiros, temos uma grande qualidade, a meu ver: o nosso caráter generoso e cordial, que nos permite — pelo menos por ora, e espero que assim continue — olhar com menor resistência maniqueísta para o reverso do espelho, o outro lado do mundo.

Fausto Godoy
Curador e doador da coleção

A nova edição exposição “Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses”, com obras do acervo do Museu Oscar Niemeyer, inclui uma homenagem aos 130 anos das relações Brasil/Japão. Com curadoria de Fausto Godoy, a mostra exibe obras inéditas, na Sala 5. Entre elas, peças doadasrecentemente ao MON pela Embaixatriz Maria Ligaya Fujita, viúva do saudoso Embaixador Edmundo Fujita, primeiro diplomata nipo-brasileiro no Itamaraty. A coleção reúne esculturas, porcelanas, pinturas, lacas, móveis, vestimentas e outros objetos.

MON realiza nova edição da exposição asiática

A exposição “Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses – 130 anos de relações Brasil/ Japão”, na Sala 5, com obras da coleção permanente do Museu Oscar Niemeyer, se renova mais uma vez com o objetivo de alcançar públicos ainda maiores. Com curadoria de Fausto Godoy, a mostra exibirá ao público obras inéditas. A abertura será no dia 28 de novembro, às 18h30.

Essa nova edição inclui uma homenagem aos 130 anos das relações Brasil/Japão e exibe obras inéditas, doadas recentemente ao MON pela Embaixatriz Maria Ligaya Fujita, viúva do saudoso Embaixador Edmundo Fujita, primeiro diplomata nipo-brasileiro no Itamaraty. 

“A cada nova edição, essa exposição amplia a forma como o público se conecta com a Ásia e suas múltiplas tradições. É uma oportunidade rara de perceber como diferentes culturas se encontram, se transformam e dialogam a partir desse valioso recorte de acervo do MON”, pontua Luciana Casagrande Pereira, secretária de Estado da Cultura do Paraná.

“Maior museu de arte da América Latina, o MON viu o seu acervo quintuplicar de tamanho nos últimos anos. Nesta trajetória, é imensa a importância da coleção de arte asiática, doada ao MON pelo diplomata Fausto Godoy”, afirma a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika. 

“Disputada por outras instituições do Brasil e por colecionadores do exterior, a coleção asiática que pertence ao MON – e aos paranaenses – permite inúmeras leituras e abordagens, como a que entregamos com esta mostra”, explica Juliana. 

Segundo o curador, "esta exposição é um tributo à amizade entre Brasil e Japão". Ele informa que as relações comerciais entre Brasil e Japão são robustas e crescentes, com um intercâmbio comercial de US$ 11 bilhões em 2024. “Mas é nas relações entre as pessoas que reside o apanágio da nossa amizade: a comunidade nikkei, no nosso solo, e a comunidade brasileira residente no Japão acrescentam o elemento humano à equação, solidificando a nossa parceria”, diz Fausto Godoy. “Num processo pendular entre os dois países, essas comunidades enfrentam desafios e buscam soluções para universos culturalmente distantes, apesar das histórias compartilhadas”.

A doadora Maria Ligaya conta que ela e o saudoso marido, o Embaixador Edmundo Fujita, viveram por 25 anos em centros geopolíticos como Londres, Tóquio, Moscou, Nova Iorque, Jacarta e Seul. A Ásia, porém, sempre foi uma grande paixão: berço de antigas civilizações. “Nessas experiências, construíram pontes entre culturas e, de forma espontânea, nos tornamos colecionadores acidentais”, diz.

“Inspirada pelo exemplo do Embaixador Fausto Godoy – que doou seu valioso acervo ao Museu Oscar Niemeyer, compartilho agora este conjunto de objetos como instrumentos de aprendizagem, memória e aproximação entre o Brasil e a Ásia”, afirma Maria Ligaya.

Ásia: a terra, os homens, os deuses - 130 anos das relações Brasil - Japão

Desde que a grandiosa coleção asiática, com mais de três mil peças, foi doada ao Museu Oscar Niemeyer, várias exposições já foram realizadas com tais obras, permitindo que o público conheça mais desse patrimônio de imenso valor histórico e artístico que pertence ao Paraná.

Ao entregar a mostra “O Mundo Lúdico dos Mangás e Animes”, o MON confirma que esta é mais uma das incontáveis vertentes desse acervo surpreendente, que nos revela o continente asiático em sua extensão geográfica, pluralidade étnico-religiosa e exuberância artística ao longo de milhares de anos de história.

Nesta exposição, trazemos aos nossos visitantes uma expressão da arte japonesa contemporânea que alcançou e conquistou boa parte do mundo: os populares mangás e animes.

Aqui, eles são apresentados em mais de 100 pinturas, desenhos e esculturas, dividindo espaço com os tradicionais bonecos Ningyos. Estes, no Japão, são objetos cheios de significados milenares, presentes que desejam longevidade, saúde e fertilidade às crianças.

Ao realizar esta exposição que apresenta tão importante dimensão simbólica e estética da cultura japonesa, o MON convida a uma reflexão sobre as manifestações culturais de diferentes regiões e países e o que nos aproxima como indivíduos e como sociedade.

As animações japonesas têm origem no cinema, porém ganharam espaço próprio e definitivo na televisão mundial a partir da década de 1960. Desde então continuam encantando gerações.

O anime se refere a uma animação que pode ser desenhada tanto à mão como por computador. As primeiras animações comerciais japonesas datam de 1917, influenciadas pelas técnicas ocidentais. No entanto, foi somente na década de 1960, com o trabalho do célebre artista de mangá (mangaká) Osamu Tezuka, frequentemente chamado de "Deus do Mangá", que o anime começou a tomar forma como um fenômeno cultural distinto. Nesse momento, eles eram desenhados sobre uma folha de acetato. O artista fazia o esboço sobre uma folha de papel, com as indicações pertinentes, e o assistente o transferia para o celuloide.

Esse estilo de arte atual surgiu na década de 1960 e popularizou-se nas décadas seguintes, atraindo um grande público doméstico. Os animes passaram a partir de então a serem vistos nas salas de cinema. Foram posteriormente apresentados em transmissões de televisão; depois diretamente em aparelhos domésticos e pela internet. Além das obras originais, eles são muitas vezes adaptações de mangás e até mesmo de videogames. Classificados em vários gêneros – comédia, terror, drama, ficção científica etc. – eles visam públicos amplos e diversos.

Na década de 1980, o anime tornou-se um grande sucesso popular no Japão, com o lançamento de produções como “Gundam”, “Macross”, “Dragon Ball”, e de gêneros como robô real, ópera espacial e cyberpunk. O filme “Akira”, de 1988, tornou-se um sucesso internacional, e “A Viagem de Chihiro” dividiu o primeiro prêmio no Festival de Cinema de Berlim de 2002, ganhando o Oscar de Melhor Filme de Animação em 2003.

Assim como os mangás, os animes são uma forma de arte e expressão da criatividade de seus autores, tanto no que diz respeito à forma quanto ao fundo, pois na maioria das vezes o mesmo criador responde pela trama e pelo desenho. Dentre eles, títulos como “Attack on Titan”, “One Piece”, “Fullmetal Alchemist: Brotherhood”, “Death Note”, “Dragon Ball” e “Akira” são constantemente citados como os melhores e mais populares, tanto pelos fãs como pela crítica.  

A indústria de animes se reparte atualmente em mais de 430 estúdios de produção, incluindo grandes nomes como o Studio Ghibli, Gainax e Toei Animation. 

Os animes têm sido um sucesso internacional ainda maior após a introdução das dublagens em exibições televisionadas. Esse aumento de popularidade deu origem a produções não japonesas que empregam o mesmo estilo de arte do anime.

Os mangás (漫画) são histórias em quadrinhos ou romances gráficos, semelhantes aos nossos antigos gibis, enquanto os animes tinham a princípio o formato de celuloide. A maioria dos mangás segue os estilos desenvolvidos pelos artistas japoneses que criaram os ukyio-es (浮世絵), termo que significa "imagem do mundo flutuante", um gênero de arte que se tornou muito popular entre a classe mercantil de Tóquio no período Edo (séculos XVII-XIX). Eram xilogravuras que retratavam temas do quotidiano urbano, tais como atores do teatro kabuki, cortesãs, lutadores de sumô, paisagens, contos folclóricos etc.

O termo “mangá” é utilizado para se referir às histórias em quadrinhos japonesas. Vários deles deram origem aos  animes (アニメ), criados por cartunistas e desenhados anteriormente sobre um suporte de acetato, como nesta mostra, e agora criados por computadores, no formato de filmes e vídeos. 

As raízes dos mangás são mais antigas. Elas têm origem no período Nara (séc. VIII EC), quando surgiram os primeiros rolos de pintura no Japão, chamados de emakimono (絵巻物). Esses rolos continham pinturas acrescidas de textos que descortinavam uma história à medida que eram desenrolados sobre uma superfície. No início, esse estilo seguia os padrões chineses que inspiraram a arte produzida no Japão naquela época. Foi a partir da metade do século XII que apareceram os primeiros emakimonostipicamente japoneses. 

No período Edo (1603–1868) esses rolos foram substituídos por livros. Inicialmente, as estampas eram destinadas a ilustrar os textos, mas rapidamente surgiram os ”livros para ver” em oposição aos “livros para ler”. A partir de meados do século XIX, chegou ao Japão o humor gráfico dos ilustradores europeus. Em 1861, o cartunista britânico Charles Wirgman instalou-se em Yokohama, nas vizinhanças de Tóquio. Ele vai exercer grande influência sobre os artistas locais. Wirgman criou um jornal satírico, o The Japan Punch, e passou a ensinar técnicas ocidentais de desenho e pintura para um grande número de artistas japoneses.

Influenciados pelo The Japan Punch, Kanagaki Robun e Kawanabe Kyosaicriaram a primeira revista de mangá em 1874, a Eshinbun Nipponchi, que não alcançou sucesso popular e foi encerrada após três edições. Entretanto, as técnicas trazidas pelos europeus alavancaram uma lenta, mas segura, produção dos artistas nativos, especialmente Rakuten Kitazawa, cujo mangá  “Tagosaku to Mokube no Tokyo Kenbutsu”  (田吾作と杢兵衛の東京見物), de 1902, é considerado o primeiro mangá no sentido moderno. 

Diversas séries comparáveis às de além-mar surgem na década de 1930 até a metade dos anos quarenta, quando a imprensa foi submetida à censura do governo durante a Segunda Guerra Mundial, assim como todas as atividades culturais e artísticas. Findo este período conturbado, sob a ocupação americana os mangakás  (autores de mangás) passaram a sofrer a influência das histórias em quadrinhos ocidentais, sobretudo as americanas, que eram traduzidas e difundidas em grande quantidade na imprensa cotidiana. 

Em 1946, surge o primeiro mangá de autoria de uma mulher, a tira “Sazae-san de Machiko Hasegawa”. É também quando Osamu Tezuka, um artista influenciado por Walt Disney, dá vida ao mangá moderno. As características faciais que ele desenvolveu, semelhantes às dos desenhos da Disney, com olhos, boca, sobrancelhas e nariz desenhados de maneira bastante exagerada para aumentar a expressividade dos personagens, tornaram o mangá popular.  Foi Tezuka também quem introduziu os efeitos gráficos nas histórias em quadrinhos, como as linhas que dão a impressão de velocidade e as onomatopeias que se integram à arte. 

Na atualidade, o mangaká trabalha normalmente com alguns assistentes em um pequeno estúdio e está associado a uma editora. No Japão, os mangássão geralmente publicados em grandes revistas especificas, muitas vezes contendo várias histórias, cada uma apresentada em um único capítulo a ser continuado numa próxima edição. Se uma série de mangá publicada for suficientemente popular, ela pode vir a ganhar uma versão animada: um anime.

A exposição inédita: “O Mundo Lúdico dos Mangás e Animes”, com curadoria de Fausto Godoy, é a nova realização do Museu Oscar Niemeyer, na Sala 10. A mostra reúne mais de 100 pinturas, desenhos e esculturas, com obras que pertencem ao acervo do MON. É um mergulho no universo dessa expressão da arte japonesa contemporânea que alcançou e conquistou boa parte do mundo. A exposição também propõe um diálogo com tradições antigas, como os bonecos Ningyos, que estavam expostos anteriormente no local.

A tradição japonesa de se debruçar sobre o universo infantil é ancestral. As celebrações anuais do Dia das Meninas – 03/03 – e do Dia dos Meninos – 05/05 – remontam a milênios. Os artefatos mais antigos conhecidos datam do período Jomon (10.000/300 AEC). Os bonecos rituais – Ningyo – que corporificam os valores e as aspirações que os pais têm com relação aos seus filhos seguem a tradição. 

A evolução do conceito mais moderno de Ningyo teve início durante o período Edo (1603–1868), quando houve uma ênfase crescente no artesanato e na expressão artística, que estimulou o resgate e desenvolvimento de várias formas de arte tradicionais, inclusive a fabricação de bonecos. Alguns desses Ningyos foram objeto da exposição que precede esta aqui no Museu Oscar Niemeyer.

A mostra atual, intitulada “O Mundo Lúdico dos Mangás e Animes” retoma de certa forma o tema do universo infantil, e o projeta para o juvenil, e além.  São os mangás (漫画), histórias em quadrinhos ou romances gráficos que retratam na maioria das vezes o cotidiano urbano. No Japão, pessoas de todas as idades leem mangás, em uma ampla gama de gêneros: ação, aventura, horror, comércio, histórias de detetives, a história do país, ficção científica, fantasias sexuais, esportes etc.

Vários desses mangás deram origem aos animes ( アニメ), uma forma de arte característica que surgiu na década de 1960 com as obras do mangaká (criador de mangás) Osamu Tezuka, e se popularizou nas décadas seguintes. Eles são em muitos casos a versão em celuloide, e atualmente em vídeo, dos mangás, uma vez que uma boa parte dos animes tem origem neles.  Muitos desses animes se tornaram conhecidos no Brasil e se transformaram em verdadeiros ícones para as nossas gerações mais jovens... e não tão jovens. 

Muitos desses desenhos e celuloides originais foram coletados por mim nas feirinhas de “antiguidades” de Tóquio, nos fins de semana, quando eu servia na nossa embaixada. São milhares, que eram descartados por seus produtores e desprezados pelos que ali garimpavam peças antigas. Adquiri-los tornou-se para mim uma “missão”, pois eles registram a alma e a cultura japonesas no que elas têm de mais autêntico: a convivência entre a contemporaneidade e os valores ancestrais e, paralelamente, a miscigenação com outras culturas. Tal é a simbiose entre a inspiração nos “cartoons” e nos desenhos animados americanos, combinados com os valores civilizacionais do Japão contemporâneo, dividido entre tradição e modernidade.  

Fausto Godoy
Doador e curador da Coleção Asiática do Museu Oscar Niemeyer

Autoria: Oji Hiroi e Toyoo Ashida
Tinta à base d'água sobre papel
25,5 x 36 cm
Acervo Museu Oscar Niemeyer/Coleção Asiática
Doação – Fausto Martha Godoy

Imagination Science World Gulliver Boy, sem data

Autoria: Ruma Onbutsu / Lotus, Rena Mikami
Tinta à base d'água sobre papel
25,5 x 36 cm
Acervo Museu Oscar Niemeyer/Coleção Asiática
Doação – Fausto Martha Godoy

Autoria: Shigeharu Umezaki, Etsunobu Ebisu, Kōichi Ogawa, Satoru Okada, Keita Kawaminami
Tinta à base d'água sobre papel
25,5 x 36 cm
Acervo Museu Oscar Niemeyer/Coleção Asiática
Doação – Fausto Martha Godoy

MON realiza mostra inédita de mangás e animes com obras do acervo

O Museu Oscar Niemeyer realiza uma exposição inédita: “O Mundo Lúdico dos Mangás e Animes”, com curadoria de Fausto Godoy, doador da coleção asiática ao MON. A mostra reúne mais de 100 pinturas, desenhos e esculturas, na Sala 10. A inauguração será no dia 28 de novembro, às 18h30.

É um mergulho no universo dessa expressão da arte japonesa contemporânea que alcançou e conquistou boa parte do mundo. Animes e mangás têm trajetórias entrelaçadas desde o início do século XX, quando a animação japonesa surgiu inspirada em estilos ocidentais e nas expressões artísticas do Japão.

A exposição também propõe um diálogo com tradições antigas, como osbonecos Ningyos, que estavam expostos anteriormente no local. Estes, no Japão, são objetos cheios de significados milenares, presentes que desejam longevidade, saúde e fertilidade às crianças.

Para a secretária de Estado da Cultura, Luciana Casagrande Pereira, "aexposição revela uma faceta vibrante da arte japonesa contemporânea e mostra ao público como o acervo asiático do MON segue oferecendo novas leituras, novas histórias e novas formas de aproximação com outras culturas".

“Desde que a grandiosa coleção asiática, com mais de três mil peças, foi doada ao Museu Oscar Niemeyer, várias exposições já foram realizadas com tais obras, permitindo que o público conheça mais desse patrimônio de imenso valor histórico e artístico que pertence ao Paraná”, diz a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika.

“Ao entregar a mostra ‘O Mundo Lúdico dos Mangás e Animes’, o MON confirma que esta é mais uma das incontáveis vertentes desse acervo surpreendente, que nos revela o continente asiático em sua extensão geográfica, pluralidade étnico-religiosa e exuberância artística ao longo de milhares de anos de história”, comenta.

O curador explica que a exposição “O Mundo Lúdico dos Mangás e Animes” retoma o tema do universo infantil e o projeta para o juvenil e além.  “São os mangás, histórias em quadrinhos ou romances gráficos que retratam na maioria das vezes o cotidiano urbano”, diz. “No Japão, pessoas de todas as idades leem mangás, em uma ampla gama de gêneros”, comenta Fausto Godoy.

Vários desses mangás deram origem aos animes, forma de arte característica que surgiu na década de 1960 com as obras do mangaká (criador de mangás) Osamu Tezuka e se popularizou nas décadas seguintes. Eles são em muitos casos a versão em celuloide, e atualmente em vídeo, dos mangás, uma vez que uma boa parte dos animes tem origem neles.  Muitos desses animes se tornaram conhecidos no Brasil e se transformaram em ícones.

Godoy conta que muitos desses desenhos e celuloides originais foram coletados por ele em feiras de antiguidades de Tóquio, após serem descartados por seus produtores. “Adquiri-los tornou-se para mim uma ‘missão’, pois eles registram a alma e a cultura japonesas no que elas têm de mais autêntico: a convivência entre a contemporaneidade e os valores ancestrais e, paralelamente, a miscigenação com outras culturas”, diz o curador.

O Mundo Lúdico dos Mangás e Animes

A exposição inédita realizada pelo Museu Oscar Niemeyer, “Sonhos de Cinema: Arte para a Sétima Arte”, deverá inspirar designers e encantar cinéfilos ao reunir essas duas vertentes artísticas.

Cartazes de filmes são similares na maioria dos lugares do mundo, mas na Cuba de Fidel Castro os artistas dispunham de total liberdade para criar imagens inéditas de clássicos da sétima arte. Encorajados a experimentar formas abstratas, minimalistas e simbólicas, designers fizeram ilustraçõestão impactantes quanto os próprios filmes anunciados.

Temos aqui uma rica coletânea desses registros, que, por meio de incríveis desenhos, revelam maneiras peculiares de olhar. Essa diversidade criativafoi influenciada pela Pop Art, pela psicodelia e pelas artes europeia e oriental.

A maioria dos cartazes era feita inteiramente à mão, garantindo riqueza de textura, cores intensas e traços autênticos. Reconhecidos internacionalmente pela Unesco por seu valor e importância, os cartazes cubanos de filmes são notórios pela criatividade e qualidade gráfica inquestionável. 

Por tudo isso, são considerados importantes peças de arte, não apenas como ferramentas de publicidade, mas também pela sua relevância cultural.

Ao trazer até o visitante esta significativa mostra, o MON ratifica suamissão: colecionar e expor artes visuais, arquitetura e design, proporcionando experiências transformadoras e diálogos com o público.

Cartazes de filmes cubanos foram reconhecidos pela Unesco e incluídos no registro "Memória do Mundo", uma distinção que destaca seu valor patrimonial e importância cultural. Esse reconhecimento internacional destaca a estética única e o impacto do design gráfico cubano no mundo do cinema.

Essa inscrição reconhece a contribuição artística e cultural dos cartazes cubanos, que acompanham o cinema cubano desde a sua criação.

Influência nas gerações futuras: o reconhecimento da UNESCO é visto como uma fonte de inspiração para jovens criadores e designers, que podem se inspirar na engenhosidade e na qualidade gráfica dessas obras.

Importância da digitalização e preservação: a inscrição "Memória do Mundo" também destacou a necessidade de digitalizar e preservar esses cartazes para as gerações futuras.

A Unesco, como Organização das Nações Unidas para a Educação, a Ciência e a Cultura, desempenha um papel fundamental na promoção da cooperação internacional e na salvaguarda do patrimônio mundial.

Eduardo Muñoz Bachs nasceu em 1937, em Valência, na Espanha.
​Seus pais, que lutavam contra o fascismo, fugiram da Espanha e da Europa após as vitórias de Franco e Hitler. Estabeleceram-se em Cuba em 1941.
Desde a infância, Eduardo se interessou por desenho.
​Em 1952, começou como aprendiz artístico na rede de rádio e TV CMQ-TV. Em 1957, trabalhou com filmes de animação em uma agência de publicidade. Ingressou no ICAIC em 1959, no departamento de animação, e em 1960 criou o primeiro cartaz da instituição, para o filme Historias de laRevolución. Em 1961, transferiu-se para o departamento de cartazes. Nos anos seguintes, também trabalhou para outros órgãos governamentais. Em 1970, criou a capa da revista Cuba Magazine.
​Bachs não foi apenas um prolífico desenhista de cartazes de cinema – também escreveu e ilustrou inúmeros livros infantis e criou capas de discos.
​Na década de 1980, colaborou com revistas como El Muñe, Cómicos, Bohemia, Prisma e Revolución y Cultura.
​Seus cartazes de cinema têm uma marca muito pessoal, rompendo com os códigos gráficos tradicionais. Criou um estilo próprio, cheio de cores e de uma ingenuidade cômica. É o mais prolífico cartazista de Cuba, sendo considerado um dos maiores artistas gráficos cubanos. Faleceu em 2001, em Havana.

René Azcuy Cárdenas nasceu em Havana em 1939. Aos 16 anos, iniciou seus estudos artísticos na Escola Nacional de Belas Artes de San Alejandro e depois na Escola Superior de Artes e Ofícios de Havana. Começou sua carreira como ilustrador em agências de publicidade.
​Em 1963, um dos fundadores do Instituto Cubano de Artes e Indústria Cinematográficas (ICAIC) o convidou para integrar a equipe de designers gráficos, encarregando-o da criação de anúncios e comunicados de imprensa do distribuidor nacional de filmes. Rapidamente, ele passou a criar cartazes de cinema e de propaganda política.
​Seus primeiros cartazes usavam ilustrações coloridas, mas em 1970 ele encontrou seu estilo gráfico característico, que lhe rendeu o apelido de "Negro Azcuy", pois trabalhava quase exclusivamente com preto e branco. Utilizava fotografias de revistas, recortadas em grandes planos e com forte contraste.
​Em 1983, juntou-se à União Nacional de Escritores e Artistas de Cuba (UNEAC), ligada ao Ministério da Cultura, e participou na elaboração da Lei 106 para a melhoria social dos artistas cubanos, promulgada em 1988.
​Em 1992, mudou-se para o México, onde se dedicou exclusivamente ao ensino na Universidade Benemérita de Puebla antes de se reunir com a família em Miami, onde faleceu em 2019.

Nasceu em Placetas, Villa Clara, Cuba, em 12 de abril de 1943.
​Começou sua carreira no Instituto Cubano de Artes e Indústria Cinematográficas (ICAIC).
​Na década de 1970, em pleno fervor da Revolução Cubana, surgiu um novo tipo de comunicador: o designer gráfico. A arte do cartaz, com seu uso de cor, colagens, fotografias contrastadas, textos e slogans contundentes, tornou-se um meio essencial de comunicação.
​Mesa contribuiu para tornar o cartaz cinematográfico uma forma inovadora de expressão, rompendo com os estilos publicitários tradicionais. Seu trabalho foi exposto em todo o mundo, e suas obras são estudadas por alunos de arte em diversas universidades da América Latina.
​Na década de 1950, estudou pintura comercial e arquitetônica na Academia Garcés, em Havana. Entre 1960 e 1962, cursou a Escola Nacional de Professores de Arte e, de 1963 a 1966, estudou na Escola Nacional de Artes Plásticas San Alejandro. Formou-se em design gráfico na Escola de Design e, entre 1975 e 1976, estudou História da Arte na Faculdade de Artes e Letras da Universidade de Havana.
​Trabalhou principalmente com cenografia, design gráfico e pintura.
​Entre 1962 e 1969, foi cenógrafo do ICAIC. De 1969 a 1991, foi diretor de arte da revista Cine Cubano.
​Entre 1986 e 1991, atuou como designer na Galeria de Arte Domingo Ravenet. Em 1990, tornou-se membro da UNEAC.
​Viveu e trabalhou por um tempo na Espanha e, desde 1991, reside em Austin, Texas (EUA).

Nascido em 1941 e naturalizado mexicano em 2003, cresceu em Cuba. Graduou-se em História da Arte pela Universidade de Havana e começou sua carreira em 1957 numa agência de publicidade.
​Logo passou a criar cartazes políticos para campanhas revolucionárias nas décadas de 1960 e 1970.
​Em 1968, iniciou sua participação no ICAIC, onde criou um de seus cartazes mais icônicos – um dos poucos a utilizar fotografia – com o famoso retrato de Che Guevara por Alberto Korda, multiplicando a imagem de Che sobre o fundo vermelho da revolução.
​Nesse mesmo ano, também produziu cartazes para filmes cubanos e estrangeiros como artista independente.
​No início dos anos 1970, integrou oficialmente a equipe de designers do ICAIC.
​Com um estilo único e aparentemente simples, ñiko ensinou design gráfico em universidades em Cuba, Espanha e México, desde os anos 1970 até hoje.
​Com o colapso do bloco soviético em 1989, Cuba enfrentou uma grave crise econômica e social, e a produção de cartazes públicos praticamente cessou.
​Para continuar sua prática, aceitou um convite para lecionar na Universidade de Veracruz, no México, e deixou Cuba definitivamente.

É membro do Conselho Internacional de Associações de Design Gráfico (ICOGRADA) e detentor do Prêmio Nacional de Cultura Cubana desde 1983. Em 2018, suas obras foram declaradas Patrimônio Cultural da Nação Cubana.
​É também membro do Sistema Nacional de Criadores de Arte do FONCA (México). Em 2021, recebeu um doutorado honorário da Universidade de Veracruz.
​Vive e trabalha atualmente em Zoncuantla, Coatepec, Veracruz, México.
​Segundo ñiko, um cartaz é um sussurro, não um grito – deve convencer, seduzir e chamar o olhar.
​Para ele, o cartaz é demonstrativo, sugestivo, reflexivo e também uma forma de diversão: “O cartaz deve, acima de tudo, comunicar a paixão pessoal do artista. Ele antecipa e perpetua as imagens de sua época; cria e participa da história”.
Ele afirma que, se há um segredo no cartaz, ele está nas ideias, na comunicação, antes mesmo do processo estético:
“Embora a beleza também seja um meio de alcançar e afirmar o que temos a dizer”.

Assina seus cartazes com o nome completo: Servando Cabrera Moreno

Servando foi, acima de tudo, um pintor.
​Graduou-se na Academia San Alejandro, tendo estudado também na ArtStudent's League de Nova York e na La Grande Chaumière de Paris. Expôs pela primeira vez no Lyceum de Havana, em 1943, e participou de várias bienais em Veneza, México e São Paulo, além de diversas exposições coletivas.
​Ganhou inúmeros prêmios e suas obras estão em museus, galerias e coleções privadas no mundo inteiro.
​Foi amigo próximo de Alfredo Guevara (fundador do ICAIC e do Festival de Cinema Latino-Americano de Havana), com quem se aproximou ainda mais após se conhecerem em Paris. Trabalharam juntos no documentário El Mégano (1954), junto a cineastas influenciados pelo neorrealismo italiano.
​Em 1979, Guevara encomendou a Servando o cartaz do filme cubano Retrato de Teresa, de Pastor Vega.
​Como homenagem a Servando, o cartaz da 35.ª edição do Festival de Cinema Latino-Americano trouxe sua obra "Moncada" e "Cordillera", duas de suas pinturas mais expressivas, expostas no nono andar do ICAIC, conforme idealizado por Guevara.
​Durante o chamado “período cinzento” dos anos 1970 – marcado pela repressão à homossexualidade e ao experimentalismo cultural –, Guevara foi um importante apoiador de Servando.

Antonio Fernández Reboiro nasceu em Cuba, em 1935, filho de imigrantes espanhóis. Estudou medicina por seis anos antes de se dedicar à arquitetura e ao design na Universidade de Havana.
​Começou sua carreira na revista Havana Picture Guide e colaborou com o arquiteto Ricardo Porro na construção da Escola Nacional de Arte de Cuba.
​Em 1963, foi contratado pelo diretor artístico do ICAIC, que reunia uma nova equipe de designers.
​Durante duas décadas, produziu inúmeros cartazes. O ICAIC oferecia aos artistas um espaço de liberdade criativa, e Reboiro desenvolveu uma imaginação visual influenciada pela Art Nouveau, Art Déco, Op Art, Pop Art e psicodelismo. Seus cartazes se afastaram frequentemente do conteúdo dos filmes, funcionando como enigmas visuais com elementos simbólicos, abstratos, figurativos ou surrealistas.
​Sua principal característica era o uso explosivo e artístico de cores vivas e brilhantes.
​Perseguido por sua homossexualidade, exilou-se em 1982 durante uma exposição no Festival de Cannes. Viveu na França e depois na Espanha, onde continuou sua carreira criando cartazes e identidades visuais para teatros, óperas, balés e festivais.
​Em 1998, instalou seu estúdio gráfico em Miami. Na década de 2010, passou a dedicar-se integralmente à pintura.
​Faleceu em 2020.
​Suas obras integram coleções de museus como o MoMA (Nova York), o Museu da Publicidade e o Centro Pompidou (Paris), a National Gallery(Londres), o Museu do Cartaz (Varsóvia), a Cuban Heritage Collection da Universidade de Miami, o Museo Carlos Maside (Espanha) e diversos outros ao redor do mundo.

Azcuy, Bachs, Cabrera Moreno, Julioeloy, Ñiko, Reboiro

A mostra “Sonhos de Cinema: Arte para a Sétima Arte” apresenta uma seleção de 75 cartazes criados por renomados artistas gráficos cubanos. Com curadoria de Jean-François Couvreur e curadoria-adjunta de Jhon Voese, a exposição realizada pelo Museu Oscar Niemeyer pode ser vista na Sala 11.

A maioria dos cartazes foi feita inteiramente à mão, garantindo riqueza de textura, cores intensas e traços autênticos. Criadas por artistas como René Azcuy Cárdenas, Eduardo Muñoz Bachs, Antonio Pérez González (Ñiko) e Antonio Fernández Reboiro, as peças permitem uma viagem pelo design gráfico cubano das décadas de 1960 e 1970.

Sonhos de Cinema: Arte para a Sétima Arte

Antes dos anos 60, o cartaz cubano era essencialmente comercial e influenciado pelos Estados Unidos. No entanto, após a chegada de Fidel Castro ao poder, ele se tornou um instrumento político e cultural. Em março de 1959, após a revolução, foi criado o Instituto Cubano de Arte e Indústria Cinematográfica (ICAIC). Essa organização cultural desempenhou um papel central na produção de cartazes de filmes, inspirando a criação de obras originais assinadas por seus autores e dando origem a um estilo único e a uma escola gráfica distinta. Os cartazes culturais eram majoritariamente dedicados ao cinema e aos documentários, considerados por Fidel Castro instrumentos essenciais para a educação do povo cubano.

Sob a liderança de Castro, os designers cubanos gozaram de total liberdade, libertando-se do modelo americano, que se concentrava no nome do filme, nos atores principais e em uma cena do filme, um modelo ainda utilizado em muitos países. Essa liberdade permitiu que os designers cubanos reinterpretassem os filmes de maneira independente e superassem os códigos gráficos tradicionais. Influenciados pelos movimentos modernistas, eles se inspiraram no Pop Art, na arte cinética, na colagem surrealista e no psicodelismo. O design gráfico norte-americano, especialmente os quadrinhos, as capas de revistas e artistas como Saul Bass e Andy Warhol, também deixaram sua marca.

Nas décadas de 1960 e 1970, Cuba importou muitos filmes ocidentais, principalmente europeus. Os designers cubanos adotaram a serigrafia, que se tornou uma característica da cultura gráfica cubana. Esse processo, semelhante ao da serigrafia artística, envolvia o uso de estênceis entre a tinta e o suporte. Cada artista concebia o desenho, criava suas cores e produzia o cartaz, o que influenciou fortemente o estilo dos cartazes. As restrições técnicas, como o tamanho da impressão, e a limitação dos volumes a grandes áreas de cores vivas com contornos nítidos também moldaram o estilo gráfico dos cartazes cubanos.

Sonhos de Cinema: Arte para a sétima arte

Autor: Reboiro
Serigrafia
75 x 52 cm
Coleção Jean-François Couvreur

El Discreto Encanto De La Burguesia, sem data

Autor: Ñiko
Serigrafia
75 x 52 cm
Coleção Jean-François Couvreur

Autor: Azcuy
Serigrafia
75 x 52 cm
Coleção Jean-François Couvreur

MON realiza exposição de design de cartazes cubanos para cinema

A exposição inédita realizada pelo Museu Oscar Niemeyer, “Sonhos de Cinema: Arte para a Sétima Arte”, apresenta uma seleção de 75 cartazes icônicos criados por renomados artistas gráficos cubanos. Com curadoria de Jean-François Couvreur e curadoria-adjunta de Jhon Voese, a mostra será inaugurada na Sala 11, dia 13/9, ao meio-dia, com entrada gratuita nesse horário.

“Os cartazes cubanos são verdadeiras obras de arte que contam histórias para além do cinema. Esperamos que essa exposição aproxime o público do MON a uma produção gráfica inovadora, marcada pela liberdade criativa e pelo diálogo entre culturas”, diz a secretária de Estado da Cultura, Luciana Casagrande Pereira.

“A exposição deverá inspirar designers e encantar cinéfilos ao reunir essas duas vertentes artísticas”, comenta a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika. “Cartazes de filmes são similares na maioria dos lugares do mundo, mas na Cuba de Fidel Castro os artistas dispunham de total liberdade para criar imagens inéditas de clássicos da sétima arte”, diz.

“Temos aqui uma rica coletânea desses registros, que, por meio de incríveis desenhos, revelam maneiras peculiares de olhar. Essa diversidade criativa foi influenciada pela Pop Art, pela psicodelia e pelas artes europeia e oriental”, afirma Juliana.

A maioria dos cartazes era feita inteiramente à mão, garantindo riqueza de textura, cores intensas e traços autênticos. Reconhecidos internacionalmente pela Unesco por seu valor e importância, os cartazes cubanos de filmes são notórios pela criatividade e qualidade gráfica inquestionável. 

Criados por artistas como René Azcuy Cárdenas, Eduardo Muñoz Bachs, Antonio Pérez González (Ñiko) e Antonio Fernández Reboiro, os cartazes permitem uma viagem pelo design gráfico cubano das décadas de 1960 e 1970, destacando a influência do cinema e da cultura política na América Latina. As peças são originais, muitas assinadas pelos autores. Impressos em serigrafia, alguns cartazes são em preto e branco e outros em policromia. 

A mostra não só enaltece a rica tradição artística cubana, mas também conecta o público às práticas culturais que transcendem fronteiras, estabelecendo um elo entre o design gráfico e as narrativas históricas da América Latina. Essa mostra ratifica a vocação do MON de promover exposições que estabeleçam diálogos entre arte e design.

Segundo o curador, nas décadas de 1960 e 1970, Cuba importou muitos filmes ocidentais, principalmente europeus. “Os designers cubanos adotaram a serigrafia, que se tornou uma característica da cultura gráfica daquele país. Esse processo, semelhante ao da serigrafia artística, envolvia o uso de estênceis entre a tinta e o suporte. Cada artista concebia o desenho, criava suas cores e produzia o cartaz, o que influenciou fortemente o estilo dos cartazes”, informa Jean-François Couvreur.

AUDIO 2  TEXTO CURATORIAL SONHOS DE CINEMA.mp3

AUDIO 1 TEXTO INSTITUCIONAL SONHOS DE CINEMA.mp3

AUDIO 3 TEXTO SOBRE O RECONHECIMENTO DA UNESCO SONHOS DE CINEMA.mp3

AUDIO 4 TEXTO COM AS BIOGRAFIAS DOS ARTISTAS.mp3

A mostra “Sonhos de Cinema: Arte para a Sétima Arte” apresenta uma seleção 75 cartazes criados por renomados artistas gráficos cubanos. Com curadoria de Jean-François Couvreur e curadoria-adjunta de Jhon Voese, a exposição realizada pelo Museu Oscar Niemeyer pode ser vista na Sala 11, a partir do dia 13/9.
A maioria dos cartazes foi feita inteiramente à mão, garantindo riqueza de textura, cores intensas e traços autênticos. Criadas por artistas como René Azcuy Cárdenas, Eduardo Muñoz Bachs, Antonio Pérez González (Ñiko) e Antonio Fernández Reboiro, as peças permitem uma viagem pelo design gráfico cubano das décadas de 1960 e 1970.

A artista brasileira Mariana Palma representa uma potente e promissora geração de mulheres que conquistam um espaço cada vez maior na arte contemporânea. De forma poética, ela aborda a natureza com sutileza, de maneira tão bela quanto única. 

Para abrigar a sua mostra individual, realizada pelo MON, foi escolhido o icônico Olho como espaço expográfico principal o que certamente tornará a experiência do visitante ainda mais intensa e interessante. 

Ao entrar na imersão proposta pela artista, o público irá se deparar não apenas com obras de arte, mas com a possibilidade de perceber novos sentidos. O seu trabalho, com leveza e sofisticação, envolve o espectador.

A exposição “Através” evoca a ideia de atravessamento, seja ele de camadas, de tecidos, de imagens ou do tempo. Suas obras fluem, carregam movimento. É um atravessar que não fere, mas revela. O olhar e a sensibilidade feminina se fazem o tempo todo presentes.

Cada mostra realizada pelo MON no espaço do Olho é singular. O que o público vê é sempre a soma do talento de um grande artista com um espaço expositivo único e deslumbrante, considerado por si só uma obra de arte, projetado pelo mestre Oscar Niemeyer.

Ao longo de mais de duas décadas, várias importantes exposições foram ambientadas nesse local. Entretanto, cada uma delas ganha um caráter único, com muita dramaticidade e força, como é o caso agora de Mariana Palma.

Grandiosa, a exposição extrapola os limites do Olho e invade outros espaços do Museu, como as escadas e as salas da Torre, propondo um desafio ainda maior. A artista convida e permite ao visitante uma verdadeira imersão em seu trabalho. Aproveite.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

Após sua participação na exposição "Afinidades II – Elas!", do Museu Oscar Niemeyer (MON), em 2022 e 2023, e sua instalação "Transparências" nas árvores dos jardins do Museu, como parte do projeto “MON sem Paredes”, Mariana Palma retorna com uma exposição individual no Olho. É como uma minirretrospectiva, na qual o público poderá descobrir 19 telas que abrangem os anos de 2008 a 2025 e duas grandes instalações: "Fluir", no Olho, e uma outra (sem título), na escada da torre. Por fim, uma série de cinco projeções em uma das salas da torre que conduzem ao Olho mostrará um ângulo final de uma obra complexa, cujo tema central é a natureza, que convida o público a atravessar, a ir mentalmente para o outro lado da existência ao encontro do (seu) sonho.

“Sobre o título da exposição, ‘Através’, ele tem a ver com essa ideia de atravessamento – de camadas, de tecidos, de imagens, de tempo. É uma palavra que carrega movimento e uma certa leveza, um atravessar que não fere, mas revela. Acho que ela sintetiza bem esse jogo entre o que se vê e o que se insinua nas minhas obras” diz Mariana Palma. 

O título "Através" também evoca a passagem através do espelho, como imaginada por Lewis Carroll em seu famoso romance "Alice no País das Maravilhas". Nesta exposição do MON, os espelhos são as ‘transparências’ das obras – pode ser interpretado como uma metáfora para a autodescoberta e o confronto com o inconsciente. É uma exploração da passagem de um mundo racional para um mais absurdo e ilógico, onde as regras usuais são invertidas e o homem poderia – talvez – libertar-se da realidade. Mariana Palma nos confronta com a relatividade de Einstein, em que o tempo e o espaço não oferecem mais pontos de referência fixos. O que permanece estável? Apenas "o fio dos meus pensamentos". Mariana nos convida a penetrar nos meandros da consciência de Alice, ou seja, "em algum lugar entre minha memória e minha imaginação". Suas composições, seja em suas pinturas, suas instalações fotográficas sobre véu ou suas projeções, são feitas de temas reconhecíveis, mas, reunidas dessa forma, criam um novo mundo que estimula a imaginação.

Mariana é uma das grandes artistas que exploraram a transparência em suas obras. Entre esses artistas, destaca-se Francis Picabia, conhecido por suas "transparências" da década de 1920, sobreposições de imagens inspiradas na pintura antiga. Em 2016-2017, com "L'observatoire de la lumière", por meio de um jogo de cores, projeções, reflexos, transparências e contrastes, tanto internos quanto externos, Daniel Buren mostrou o edifício da Fundação Vuitton de Frank Gehry em Paris sob uma nova luz. Mariana aborda as imagens com as quais vem compondo há muitos anos, folhas e flores de todas as idades, elementos empurrados pelas marés, tecidos e azulejos que ela sobrepõe. Embora a perspectiva não seja seu tema, o espaço de suas obras permanece profundo. Como as diferentes imagens que ela encena, que deslizam umas sobre as outras, não têm conexão ou lógica aparente, seu encontro levanta enigmas que buscamos resolver. Automatismo do inconsciente? Aplicação do princípio poético da rima às formas visuais? As "Transparências" de Mariana, feitas de figuras que se cruzam, são uma ilustração dessa abordagem da mecânica mental com o efeito da memória e do desgaste. São imbróglios de imagens pirateadas com a graça botticelliana.

A série “Transparências”, de Mariana Palma, comunica a sensação que a artista cria em suas telas. Numa instalação apresentada num grupo de árvores em frente à entrada do MON para o projeto “MON sem Paredes” em 2022 e hoje na escada da torre do Museu, o espectador é convidado a participar e se ver em meio às cenas produzidas. Para além das justaposições conseguidas através da composição e da distância entre os tecidos, o público torna-se mais um elemento da obra. O caminho criado por e entre os tecidos abre caminhos e convites para acessar novas percepções e visões de uma mesma obra que se mistura com quem a observa e com o espaço. 

Na "cachoeira" (de verdade, a artista não nomeou a instalação) que desce em cascata pelos andares da torre do Olho, no espaço central da escada, há uma catarata de naturezas-mortas que desfilam de cima para baixo, criando uma vertigem e contribuindo para o mistério geral desta exposição. Para confundir ainda mais a questão, a artista extinguiu todas as cores para manter apenas o azul, transformando essa série num fluxo vertical que parece sugar toda a história da arte e, sem dúvida, como uma piscadela poética e áspera para os efeitos das mudanças climáticas.

Sobre o tema central de sua obra, a artista confidencia: “A natureza sempre foi muito central no meu trabalho, desde o começo. Mesmo quando não estava pintando diretamente flores ou elementos naturais, havia uma relação com o orgânico, com o crescimento, com o corpo como paisagem. Mas foi ali pelos anos 2000, com as aquarelas, que essa presença da natureza se intensificou. Depois, nas fotografias e nas pinturas mais recentes, ela veio com mais força ainda – mas não mais como uma representação literal, e sim como matéria poética. Folhas secas, frutos, animais, liquens, poeira, tudo entra como um repertório que fala da vida e da morte, da transformação”. 

“Fluir”, obra central da exposição 

“A obra ‘Fluir’ tem um lugar muito especial nessa exposição. Ela foi um ponto de virada, quase um ensaio geral do que viria depois. Nela, eu coloco dois tecidos sobrepostos de frente a uma caixa com água e espelhos, o que forma uma espécie de caixa de luz perpendicular – um cinema ao avesso – criando uma imagem a partir do reflexo da cintilância e que está sempre se deslocando. É como se ela respirasse, e a luz que dela emana vai tomando toda a abóboda do Museu, conduzindo a exposição.

Ela acabou se tornando o centro da exposição, não só fisicamente, mas conceitualmente também. A partir dela, fui organizando os outros trabalhos como desdobramentos – uns mais silenciosos, outros mais intensos, todos dialogando com essa ideia de imagem como aparição. Pensei cada núcleo da mostra como um ambiente sensorial, que o visitante atravessa – como o título já sugere. Tudo vai se revelando aos poucos, como quem mergulha em um tecido e vai encontrando outras camadas, outras paisagens” explica Mariana Palma. 

Com forte referência a vanitas, um estilo de pintura produzido entre os séculos XVI e XVII no qual as composições procuravam provar a transitoriedade da vida, misturando símbolos de efemeridade e morte, essa instalação das escadas e as 19 pinturas da sala do Olho exploram esse espaço de memória presente e póstuma. Mariana Palma cria espaços pictóricos únicos, construídos pela justaposição de elementos de famílias distantes. Nas grandes telas de cores saturadas, azulejos convivem com folhagens, cortinas de teatro com flores, tecidos estampados, drapeados e desfiados. Elementos naturais e artificiais geram híbridos improváveis. O resultado são composições inesperadamente harmônicas e enigmáticas que, ao causar certo estranhamento, convidam o espectador a tomar tempo para observação. A contemplação revela indícios genéticos. O grandeur, a dramaticidade, a exuberância emocional, a vitalidade, a construção do movimento e o uso de texturas contrastantes e materiais luxuosos revelam o diálogo com a pintura barroca dos séculos XVI e XVII, evocando reflexões sobre a sensualidade, a efemeridade da beleza e o bombardeio de imagens da atualidade. O uso de cores puras remete aos pintores flamengos, enquanto os sutis efeitos perspectivos sugerem o domínio da lição renascentista.

Mariana Palma revolucionou a noção de natureza-morta e o poder evocativo dos objetos que ela retrata. Esse gênero ressurgiu após um milênio de eclipse, durante o qual as coisas não eram mais retratadas por si mesmas, mas sempre a serviço da religião ou do poder político. Foi no alvorecer do capitalismo moderno que os pintores, particularmente os flamengos, começaram a representar "mercadorias". Eles fizeram das "coisas" as estrelas das pinturas, sem se referir ao seu uso por personagens, religiosos ou não. Eles recuperaram o poder. O pintor francês Chardin se consolidou como um mestre do gênero no século XVIII, conferindo-lhe suas cartas de nobreza.

Mas o termo permanece, e sua conotação mascara o fato de que objetos imóveis podem facilmente inspirar sonhos, imaginação, ação ou dúvida. Mais do que uma cesta de frutas ou uma barraca de açougue, os objetos são testemunhas de tempos de opulência, lembretes de nossa condição mortal. Em suas naturezas-mortas e vanitas, Mariana Palma acrescenta outras dimensões. Suas transparências em suas pinturas acrescentam uma terceira dimensão virtual, que ela materializa ainda mais claramente em suas instalações flutuantes de projeção ou impressão sobre véu.

Em uma pequena sala na torre do MON, cinco projeções são apresentadas. São flores, cada uma sozinha, de cores vibrantes, com caules praticamente desprovidos de folhagem, cuja base não conseguimos ver. Estão no chão ou em um vaso? Nunca saberemos. Também não saberemos o contexto, pois se destacam na escuridão. O único elemento que rompe com a seriedade dessa encenação é o vento que as faz vibrar. Elas se tornam quase humanas, tanto em seu tamanho quanto em sua presença forte e imparcial, cada uma única. Esses vídeos poderosos evocam os extremos da emoção humana e a experiência da consciência. A proximidade com a instalação das escadas também pode nos levar a pensar sobre nascimento e morte, temas frequentemente presentes na obra da artista. Aqui, ela expande o tempo e explora os movimentos da consciência humana com um senso de sublime que parece inspirado pelos pintores renascentistas. Num feito incrível, o quase nada dessa "natureza-morta animada" torna-se um todo, talvez metaforicamente nos mostrando o pulsar da vida. Não podemos escapar de perguntas básicas: o que está acontecendo? Não haverá resposta, nem narrativa. Mariana não conta nenhuma história que possa ser escrita como um conto: ela cria sequências de imagens em movimento – em vez de móveis. Cada uma é um todo completo, como um poema ou uma peça musical.

Chamamos de barroco aquilo que é irregular, singular, bizarro. O artifício ganha uma autonomia que não tinha. Ao analisar o modo como a imagem barroca foi construída, descobrimos não o modo como a realidade realmente aparece, mas o modo como todas as imagens das coisas, mesmo as naturais e as sensoriais, são construídas como conjuntos, segundo princípios que não são os da estrutura da coisa representada, mas os da fabricação de imagens, tanto que o próprio mundo em que vivemos parece dissolver-se numa série de imagens que não correspondem a nada para além delas. Essa é uma das sensações que o visitante terá no MON ao visitar esta exposição que abraça os volumes do Olho e as escadas da torre que a ele conduzem.

A filosofia barroca permite esse conhecimento do caráter fundamentalmente ilusório do mundo, graças ao qual poderíamos perceber racionalmente a necessidade de buscar nossa salvação em um ato que, por sua vez, não admite mais justificação racional.

A crítica barroca das aparências as restitui a si mesmas. Um jogo inteiramente novo se abre, onde essas aparências produzem seus efeitos, referindo-se perpetuamente umas às outras em seu próprio plano, sem reivindicar o poder de manifestar algo além de si mesmas. São mil possibilidades de outras aparências que esse jogo barroco de imagens evoca com os mil efeitos que seu jogo produz constantemente. Não é esse prazer filosófico de conhecer as aparências por si mesmas, através do jogo de sua construção, de suas complexas referências mútuas, que, em última análise, caracteriza, concretamente, a obra dos grandes artistas barrocos?

A obra da artista contemporânea brasileira Mariana Palma pode ser vista no Olho e nos espaços da Torre na mostra individual inédita “Através”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer. Com curadoria de Marc Pottier, a exposição reúne telas em tecidos de grandes dimensões, instalações e vídeos, proporcionando ao público uma imersão, disponível a partir do dia 13/9.

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