Mais do que comemorar o centenário deste artista curitibano, que é um dos principais nomes das artes do Estado e do País, a mostra “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), passa a ser um local de referência a Poty Lazzarotto.

A partir de agora, certamente, os visitantes do MON, em especial as centenas de estudantes das redes pública e particular que diariamente frequentam o Museu, poderão saber mais e conhecer melhor esse gênio das artes.

Também é uma oportunidade para o espectador se aprofundar na vida e obra de Poty. Ao proporcionar uma imersão em tão vasto conteúdo, reunido aqui, o MON instiga o público a aumentar repertório ao lançar um novo olhar sobre este artista ímpar. 

Recentemente, o Museu incorporou ao seu acervo a maior coleção já doada à instituição: aproximadamente 4 mil obras de arte assinadas por ele. Um recorte disso pode agora ser visto nesta exposição. Assim, o eixo central deste prédio se transforma em palco para as maiores coleções recebidas pelo MON, ao lado das mostras de arte asiática e africana.

A doação da obra de Poty, generosamente feita pela família do artista, trouxe ao Museu, em 2022, mais de 3 mil desenhos e 366 gravuras, além de tapeçarias, entalhes, serigrafias e esculturas. São obras que enriquecem ainda mais o acervo do MON, que nos últimos anos quintuplicou de tamanho, consolidando o Museu como um dos mais importantes da América Latina. 

Ser a instituição que guarda o legado de Poty é motivo de orgulho, alegria e responsabilidade. Nesta mostra, compartilhamos com o visitante um pouco desses sentimentos, traduzidos pelos traços inconfundíveis do artista. Pertencimento aqui tem nome e sobrenome: Poty Lazzarotto.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika 
Diretora-presidente
Museu Oscar Niemeyer

“A alma se expressa com mais claridade através do rosto (Simmel).” Essa profundidade encontramos nos retratos de Poty. São imagens expressivas e agitadas: têm existência real, não há espaço para impessoalidade. Ícones que surpreendem a realidade natural e social, vão do realismo à caricatura. São traços certeiros, linhas econômicas que sintetizam em pequenos detalhes a personalidade do retratado. O macambúzio Bakun contrasta com os enérgicos autorretratos do artista. Poty, ao olhar para si mesmo, revela a individualidade de um homem firme, direto, dado a poucos devaneios – e humano, demasiadamente humano.

Nascido em modesta casa de madeira no Capanema, criado nos trilhos da ferrovia que passava em frente à sua casa, com um pai ferroviário, mãe cozinheira e avô marceneiro, Poty desenvolveu uma paixão pelos trabalhadores humildes acalentada em toda a sua vida, mesmo depois de viver em metrópoles como o Rio de Janeiro e Paris. Seus desenhos e gravuras traduzem a paixão pelo trabalhador, tanto pelo operário no dia a dia do trabalho árduo, em especial o ferroviário, pelas carrocinhas de polaca, pelas vendedoras ambulantes, pelos motoristas dos bondes abertos e pelos donos de botecos, como pelo homem simples no cotidiano: nas festas de igreja, nas sociedades operárias, no Cine Morgenau, no jogo de truco, todos celebrando a vida. O trabalho é visto por Poty muito mais como realização do que penúria e alienação. Encontramos nessa poética do trabalho a energia de São Francisco, os traços corajosos de Goya e a ternura de Käthe Kollwitz. Delicadeza e cunho social, dignidade e humanidade.

Poty celebra a sabedoria indígena que cultua a natureza e os mitos. Colhe, no meio das inúmeras línguas e dos ricos rituais, o artista nato, seja nas cestarias, nos bancos, nos arcos e nas flechas, na pintura corporal, nas máscaras e até nos simples nós e na arquitetura das ocas. Os desenhos de Poty realizados no Alto Xingu, na ainda extensa Floresta Amazônica dos anos 1960 (1967/68), são um elogio à natureza, ao bom selvagem de Rousseau. Fazem jus a essa imaginação intelectual e instintiva transbordante dos nativos.

“O mundo profano é o universo das interdições, enquanto o mundo sagrado corresponde ao das transgressões (Bataille).” Os santos de Poty são muito conhecidos, em especial São Francisco, por ele desenhado, talhado e gravado inúmeras vezes. Os vestígios do sagrado, a comunicação com o transcendental presente na alma de Poty, o conduzem a uma religião no sentido de religar, do latim religare, que celebra o entendimento humano. Desse modo, não precisa necessariamente estar vinculado a uma religião louvando aos deuses para ser religioso. A aura, se existe, é aquela que envolve a ligação ao outro, a prática do humanismo. Inspirado em São Francisco, Poty celebra a natureza e a pessoa humana.

Mergulhar nos desenhos e gravuras de Poty é viajar no cotidiano da provinciana Curitiba. Desde as cenas das carrocinhas das polacas, trabalhadores indo ao ofício de bicicleta, desastres na ferrovia, brigas nos botecos, as enchentes no centro da cidade, os meninos soltando pipas, o Circo dos Irmãos Queirolo e o glorioso regresso de Didi Caillet até a procissão dos meninos correndo atrás do trolley do padre Maurício, que distribuía balas para atrair os pequenos para o Santo Ofício. Também estendeu seu olhar a outras paragens: seus traços escorregam por cenas marítimas da Bahia, pelas igrejas e santos de Ouro Preto, pelas esculturas das catedrais de Chartres e de Paris. Eterno viajante, Poty une a Curitiba nostálgica à descoberta do mundo.

Desde o início da sua atividade artística, Poty sempre foi um narrador, criando imagens para contar histórias. Ainda criança, fez histórias em quadrinhos inspiradas nos modelos norte-americanos; já adolescente, criou imagens de violência e fantasia, inspiradas em autores como Edgar Allan Poe e William Shakespeare. O cinema, também uma forma de narração através de imagens, foi outra influência decisiva na sua obra: ainda criança, frequentava o antigo cinema do Clube Morgenau e depois desenhava as cenas que ficavam marcadas na sua memória. Poty tornou-se ilustrador de livros ainda jovem: desde 1943 e até o fim da vida, ilustrou mais de 170 títulos de autores brasileiros e estrangeiros. Com seu amor pelo cinema, também realizou uma magistral série de desenhos à maneira de cartazes de clássicos do cinema – o desenho como extensão da sétima arte.

“Na galeria dos nossos grandes (mas muito poucos) ilustradores de nossos livros (numerosos, mas ainda muito poucos), nunca a fusão verbo-ícone atinge tão intrínseca adequação: nunca um ilustrador, entre nós, foi tão ilustrador, tão capaz de dizer o que as palavras não sabiam ou não podiam.” (Antônio Houaiss)

O primeiro mural público de Poty foi o da Praça 19 de Dezembro, por ocasião do Centenário da Emancipação do Paraná, em 1953, em estilo mais realista. Desde então, realizou um grande número de obras públicas, que estão presentes em várias cidades brasileiras, tendo chegado também à Europa, com trabalhos no Algarve, em Portugal, e em Paris. Para o artista, os murais públicos eram uma extensão da gravura, pela sua capacidade de levar a sua arte a um público mais amplo. Na sua obra pública, Poty emprega sofisticadas técnicas de montagem e articulação dos elementos figurativos para representar a história humana, o desenvolvimento das cidades, das artes, dos saberes e das tecnologias. Para quem passeia por Curitiba, fica o convite para encontrar, na cidade, os murais de Poty: como a chuva e os pinheiros, eles são parte da paisagem curitibana.

“Cabe a cada menino guardar, para todo o sempre, um instante daquele voo de silêncio e fúria, de ruído e paz...” (Valêncio Xavier)

A exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

Na mostra, as obras foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na trajetória artística de Poty, representativos das suas diferentes facetas: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista.  

Poty, artista curitibano? Não: Poty, artista do mundo. Esta é a premissa desta exposição: mostrar um dos mais importantes artistas de Curitiba em sua dimensão universal. Comemoramos o centenário de nascimento de Poty Lazzarotto trazendo ao público uma ampla seleção das suas obras recentemente doadas ao MON pelo Sr. João Geraldo Lazzarotto, irmão do artista. Nesta mostra, as peças foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na sua obra, representativos das diferentes facetas do artista: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista. Mas Poty, o piá do Capanema que amava o cinema e as histórias em quadrinhos, é ainda mais que tudo isso. Através do desenho, seu principal meio de expressão, abordou os mais variados temas, passou por diferentes estilos, sempre buscando levar a arte ao seu mais importante destino: o povo. Na sua atividade artística incessante e obstinada, deu a ver o mundo real do trabalho e a realidade social; recriou, em imagens, o universo criativo da literatura; em seus murais, plasmou a grande aventura da história universal. Sempre buscando a divulgação popular da arte, foi da gravura à ilustração, do desenho minúsculo ao mural monumental. Na simplicidade do desenho, com a sua visão humana e pungente da experiência humana em todas as suas dimensões, Poty criou um vasto imaginário coletivo: em seus trilhos e traços, viajamos ao mundo.

MON realiza grandiosa exposição dos cem anos de Poty Lazzarotto

O Museu Oscar Niemeyer (MON) realiza a grandiosa exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, para comemorar o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998). Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, a mostra reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022, e estará disponível ao público a partir do dia 12/4, na Sala 6.

"Poty, em seu centenário, segue atual, incomparável, e essa nova exposição reforça a importância do artista para a identidade cultural paranaense. Tenho certeza de que a mostra no Museu Oscar Niemeyer introduzirá seu trabalho singular para milhares de pessoas e também para as novas gerações", afirma Luciana Casagrande Pereira, secretária de estado da Cultura do Paraná.

“Mais do que comemorar o centenário desse artista curitibano, que é um dos principais nomes das artes do Estado e do País, a exposição passa a ser um local de referência a Poty Lazzarotto”, diz a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika.

“A partir de agora, certamente, os visitantes do MON, em especial as centenas de estudantes das redes pública e particular que diariamente frequentam o Museu, poderão saber mais e conhecer melhor esse gênio das artes”, comenta.

A exposição também é uma oportunidade para o espectador se aprofundar na vida e obra de Poty. “Ao proporcionar uma imersão em tão vasto conteúdo, reunido aqui, o MON instiga o público a aumentar o repertório ao lançar um novo olhar sobre esse artista ímpar”, afirma Juliana.

A premissa da exposição, segundo os curadores, além de destacar a importância de sua obra no cenário paranaense, é extrapolar as fronteiras regionais e apresentar Poty em sua dimensão universal. “Na sua atividade artística incessante e obstinada, recriou, em imagens, o universo criativo da literatura; em seus murais, plasmou a grande aventura da história universal”, informam. “Sempre buscando a divulgação popular da arte, foi da gravura à ilustração, do desenho minúsculo ao mural monumental”.

Na mostra, as obras foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na trajetória artística de Poty, representativos das suas diferentes facetas: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista.  “Mas Poty, o piá do Capanema que amava o cinema e as histórias em quadrinhos, é ainda mais que tudo isso”, dizem os curadores.

Em 29 de março, dia do aniversário de Curitiba – e coincidentemente, data de nascimento do artista Poty Lazzarotto – o MON recebeu a maior coleção já doada à instituição: aproximadamente 4,5 mil peças. Era o ano de 2022.

Tal coleção conta com mais de 3 mil desenhos e 366 gravuras, além de tapeçarias, entalhes, serigrafias e esculturas, entre outros. A doação foi feita diretamente pelo irmão do artista, João Lazzarotto.

São obras que enriquecem ainda mais o acervo do MON, que nos últimos anos quintuplicou de tamanho, consolidando o Museu como um dos mais importantes da América Latina. 

Um recorte dessa vasta coleção de Poty poderá ser visto nessa exposição.

Assim, o eixo central do prédio do Museu se transforma em palco para as maiores coleções recebidas pelo MON, ao lado das mostras de arte asiática e africana.

Poty Lazzarotto (Curitiba, 1924-1998) trilhou seu caminho a partir do desenho, aprofundando-se, em seguida, na gravura, da qual se tornou um mestre, sendo o criador do primeiro curso de gravura do Museu de Arte de São Paulo (Masp). Muito de sua produção é biográfica, indo de lembranças de menino em torno de trilhos e vagões de trem a registros de tipos curitibanos e dos cenários que eles habitam.

Poty é direto e sem rodeios em seus desenhos e gravuras. Foi com essa característica espontânea que ilustrou diversas obras da literatura brasileira, como Os sertões, de Euclides da Cunha, e Grande Sertão: Veredas, de Guimarães Rosa. Não poderia, também, ter deixado de dar a vida aos curitibanos controversos retratados nos contos de outro ícone paranaense, Dalton Trevisan. 

Não bastasse sua presença na literatura, Poty deixou sua marca em toda Curitiba por meio de seus monumentos ou painéis de azulejo e de concreto aparente, prática que se iniciou com o painel “Desenvolvimento histórico do Paraná”, de 1953, na Praça 19 de Dezembro. Outros exemplos dessa produção são os painéis da travessa Nestor de Castro, nos quais ele mostra, de um lado, a cena de uma Curitiba que já não existe, e, do outro, a evolução da cidade, surgida em meio ao pinheiral, habitada por imigrantes, e que se destaca no campo do urbanismo. 

Doada ao Museu Oscar Niemeyer, a coleção diz respeito a toda essa produção. Nela podemos encontrar originais tantas vezes reproduzidos em livros e outras publicações sobre o artista, tomamos contato com os desenhos realizados por ele em sua expedição ao Xingu, em 1967, e adentramos a intimidade de um Poty quase desconhecido. Ademais, ainda encontramos esboços, projetos e estudos, e podemos perceber a evolução do traço, desde a sua juventude até a maturidade. Dessa forma, a coleção constitui um verdadeiro material etnográfico sobre o artista. 

A coleção também é formada, é claro, por obras consumadas, desenhos, xilogravuras, litogravuras, gravuras em metal, entalhes em madeira e blocos de concreto: milhares de peças que dão um testemunho claro da polivalência do artista. 
Por meio de Poty, tomamos conhecimento da arte que se fez e se faz no Paraná. 

Preservar não apenas o legado desse artista, mas sua memória, é antes de tudo um dever – tarefa assumida e adequadamente realizada, agora, pelo Museu Oscar Niemeyer.

O Museu Oscar Niemeyer (MON) é patrimônio estatal vinculado à Secretaria de Estado da Cultura. A instituição abriga referenciais importantes da produção artística nacional e internacional nas áreas de artes visuais, arquitetura e design, além de grandiosas coleções asiática e africana. No total, o acervo conta com aproximadamente 14 mil obras de arte, abrigadas em um espaço superior a 35 mil metros quadrados de área construída, o que torna o MON o maior museu de arte da América Latina.

Serviço:
Exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”
Disponível ao público a partir do dia 12/4
Sala 6
www.museuoscarniemeyer.org.br

A exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

Na mostra, as obras foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na trajetória artística de Poty, representativos das suas diferentes facetas: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista.  

rilhos e Traços – Poty 100 anos

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Mais do que nunca, a arte no espaço público se destaca como uma das melhores maneiras de levar arte ao público. Convidar artistas para criar obras, instalações e esculturas utilizando os espaços dos jardins, parques e praças também permite uma variedade de atividades interativas que nem sempre uma exposição museológica possibilita. O MON sempre quis trabalhar para ampliar seu público e oferecer muitas propostas que possam fazer com que os curitibanos e paranaenses se apropriem do “seu” Museu. Por isso, foi criado o importante projeto MON sem Paredes. 

Em 2022, na primeira versão do projeto, o MON apresentou, nos jardins do Museu, obras dos artistas Gustavo Utrabo (a obra fica no sítio até hoje) e Mariana Palma. 

Para esta segunda versão do MON sem Paredes, o Museu convidou “O Pequeno Colecionador”, um grupo formado por Artur Lescher, Mariane Klettenhofer e Paula Azevedo que se propõe a pensar sobre a arte e a experiência do brincar em suas diversas formas, histórias e culturas.  

Também foram convidados os artistas Alexandre Vogler (nasceu, vive e trabalha no Rio de Janeiro) e Narcélio Grud (nasceu em Teresina e vive e trabalha em Fortaleza).  

Alexandre Vogler apresenta um conjunto de quatro esculturas-mobiliário interativas: “Maca de Força I”, “Maca Cidreira”, “Maca Alecrim” e “Maca de Guarda”, instaladas no espaço público e ativadas por elementos de seu entorno. 

O artista e designer Narcelio Grud transita entre distintos caminhos em sua pesquisa, onde objetos ganham movimento e formas de existir, seja pela interação direta do público ou mesmo por forças motrizes naturais. Para o MON sem Paredes, Narcelio trouxe as esculturas da série “Sempre em Pé” e “Trepa-Trepa”.

Ao criar ligações entre os espaços exteriores e as salas expositivas do Museu, este novo projeto permite mostrar muitas outras formas de expressão da criatividade artística, bem como apresentar projetos para todos os públicos, incluindo todas as gerações de famílias. Trabalhar ao ar livre também permite dimensões “ilimitadas de obras”, percursos, jogos onde todos serão bem-vindos sem restrições de tempo. 

Alexandre Vogler                                                                                                                                                                                                              Maca Alecrim, 2019                                                                                                                                                                                    Cedro-rosa e alecrim                                                                                                                                                                                     Coleção do artista

Tal como as macas de massagem, esta é planejada para que a pessoa se deite de bruços, com os braços pendendo e o rosto acomodado pela cavidade da prancha integrado a um arbusto de alecrim. Essa erva é reconhecida como uma das mais poderosas acionadoras de estados de relaxamento entre os inúmeros benefícios confiados a ela.

- Acesso livre.                                                                                                                                                                                                         - Número máximo de pessoas: 1 pessoa por vez.                                                                                                                                               - Não sentar na extremidade da peça.

Alexandre Vogler
Maca Cidreira, 2019-2021
Angelim e cidreira-de-arbusto
Coleção do artista

Composta por quatro tábuas reunidas sob a angulação de 30° no comprimento e na largura, está situada embaixo de uma grande moita de cidreira-de-arbusto, erva medicinal de cheiro bastante agradável. Foi projetada para que a pessoa se deite, sendo “abraçada” pela estrutura angulada e coberta (como uma onda) pelo arbusto.

- Acesso livre.
- Número máximo de pessoas: 1 pessoa por vez.

Alexandre Vogler
Maca de Força (para Iara), 2021
Angelim e ervas de força
Coleção do artista

Esta Maca, desenhada com o formato de uma joaninha (inseto associado à sorte e à bem-aventurança), traz ao seu redor um conjunto de sete espécies de força comumente utilizadas em práticas ecumênicas de religiões afro-brasileiras-colônia, arruda, comigo-ninguém-pode, espada-de-são-jorge, mirra, guiné e pitanga. Nesse contexto, o “paciente” se deita e relaxa sobre sua forma côncava.

- Acesso livre.        
- Número máximo de pessoas: 2 pessoas por vez.

Alexandre Vogler
Maca de Guarda/Maleme, 2023
Maçaranduba
Acervo Museu Oscar Niemeyer

A “Maca de Guarda” prevê que o usuário/paciente se deite sobre sua superfície, a 40°, voltando seu corpo para o céu. Esta Maca reproduz parcialmente a prática lúdica de criação de imagens de anjo. A pessoa deita-se sobre a neve, abrindo braços e pernas – o que justifica o complemento de seu título. Esta escultura traz ainda em sua nomenclatura a expressão Maleme, palavra do vocabulário afro-brasileiro que designa súplica, misericórdia ou ajuda, dirigida aos orixás, especialmente ao orixá Xangô. A posição em que o usuário se encontra, de plexo aberto e pernas abertas, com o corpo voltado aos céus, encaminha a orientação ecumênica e divina desta Maca.

ARTUR LESCHER
Caleidoscópico, 2022
Aço inoxidável e aço-carbono
1 / 5 + 2 PA
Acervo Museu Oscar Niemeyer
Obra desenvolvida pelo projeto “O Pequeno Colecionador”

Um gira-gira “caleidoscópico”, onde o espectador experimenta girar sobre seu próprio eixo, movimentando o entorno em uma experiência meditativa e divertida. Podemos falar da obra como recipiente para o corpo, uma metacasa para observar o mundo. Girar sobre nosso próprio eixo evoca a dança e os rituais espirituais de acesso a outras dimensões e estados mentais. Algo que nos é familiar, algo de nossos tempos de criança.

- Crianças abaixo de 8 anos devem estar acompanhadas de um adulto.
- Número máximo de pessoas: 2 adultos ou 3 crianças por vez.
- Carga máxima: 200 kg.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Em dias quentes, a estrutura absorve o calor. Use com cautela.

ARTUR LESCHER
Giroscópico, 2022
Aço inoxidável e aço-carbono
1 / 5 + 2 PA
Acervo Museu Oscar Niemeyer
Obra desenvolvida pelo projeto “O Pequeno Colecionador”

Um gira-gira onde o espectador experimenta girar sobre seu próprio eixo, movimentando o entorno em uma experiência meditativa e divertida. Podemos falar da obra como recipiente para o corpo, uma metacasa para observar o mundo. Girar sobre nosso próprio eixo evoca a dança e os rituais espirituais de acesso a outras dimensões e estados mentais. Algo que nos é familiar, algo de nossos tempos de criança.

NARCÉLIO GRUD
Sempre em Pé 01 e 02, 2023
Esculturas sonoras em fibra de vidro com pintura PU 
Acervo Museu Oscar Niemeyer

As obras da série “Sempre em Pé” são mixers de diversos conceitos, utilizando como base estética principal o brinquedo João Teimoso/Sempre em Pé. Têm por objetivo promover interações por meio dos movimentos e vivências sonoras, ressignificando o objeto e ampliando sua usabilidade para criar um ambiente onde a descoberta e o brincar andam juntos.

- Crianças abaixo de 8 anos devem estar acompanhadas de um adulto.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Cuidado ao manusear as obras, evitando atingir pessoas ao redor.

NARCÉLIO GRUD
Trepa-Trepa, 2023
Escultura em fibra de vidro com pintura em PU e arcos em aço inox
Acervo Museu Oscar Niemeyer

Esta escultura traz uma composição formal circular onde o raio, o diâmetro e o centro se expandem de um globo para aros entrelaçados, formando uma espécie de cosmos das rotas orbitais planetárias. Em seu conceito de interatividade, propõe ser uma escultura/ mobiliário de escalada, similar aos equipamentos de lazer encontrados em áreas de recreação infantil de praças e parques públicos.

- Crianças abaixo de 8 anos devem ser supervisionadas por um adulto.
- O uso por pessoas maiores de 14 anos não é permitido.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Em dias quentes, a estrutura absorve o calor. Use com cautela.

ROMMULO CONCEIÇÃO                                                                                                                                                                                     Estruturas Dissipativas/Trepa-Trepa, 2023
Metal, vidro, concreto e pintura automotiva policromada
3° trabalho da série ‘’Estruturas Dissipativas”                                                                                                                                           Acervo Museu Oscar Niemeyer
Obra desenvolvida pelo projeto “O Pequeno Colecionador”

Obra composta por dois trepa-trepas simetricamente dispostos a partir de um eixo perpendicular a uma plataforma que os separa e cujo acesso se dá pelos trepa-trepas ou por escadas. Uma chapa de vidro com altura de 3,5 metros corta a plataforma e configura um plano falso de simetria. Compõem também o trabalho 3 bancos giratórios, uma mesa e um muro no qual está acoplada uma grade de 4 metros de altura. Todo o trabalho é feito em ferro e concreto e montado de forma a dar acesso ao seu uso pelo público, que poderá utilizá-lo a partir de suas próprias referências.

- Crianças abaixo de 8 anos devem estar acompanhadas de um adulto.
- Número máximo de pessoas: 2 adultos ou 3 crianças na parte aérea.
- Carga máxima: 200 kg.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Em dias quentes, a estrutura absorve o calor. Use com cautela.

Estruturas Dissipativas/Trepa-Trepa, 2023

GUSTAVO UTRABO
Semeador e Ao Redor de uma Árvore, 2023
Acervo Museu Oscar Niemeyer

As obras “Semeador” e “Ao Redor de uma Árvore” são do arquiteto paranaense Gustavo Utrabo. O “Semeador” é uma declaração sobre a vida a partir da passagem do tempo. Um percurso elevado do solo conecta o Museu ao jardim. Construído pela repetição modular do piso projetado por Niemeyer para o MON, põe-se a borrar os limites entre o construído e o natural, misturando ao piso de cimento uma combinação de sementes típicas do Paraná. O caminho leva o visitante à obra “Ao Redor de uma Árvore”, criação que se materializa como um gesto de cuidado, no qual uma armação metálica envolve o caule e nos aproxima da copa em um aceno de respeito. O toque no chão é feito por meio de quatro finos pilares e, assim como proferido por Ailton Krenak, pisar suavemente sobre a terra é o que se busca.

- Acesso livre.
- Número máximo de pessoas: 20.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Não é permitido subir na árvore.

Ferro forjado, plantas de jasmim
Série de 5 versões únicas + 5 PA

Uma enorme estrutura em ferro forjado, no formato de um bule de chá, coberta e decorada com vegetação (jasmins), impõe a sua presença monumental, captando a atenção do público. Nas grades de ferro que dão forma ao bule, reconhecem-se os padrões característicos das cercas e balaustradas que podem ser observadas em diferentes paisagens urbanas e rurais. O objeto assume forma de uma verdadeira escultura-árvore; manifestação de um princípio idealizado de complementaridade e simbiose entre o natural e o industrial. 

- Acesso livre.
- Número máximo de pessoas: 6.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Em dias quentes, a estrutura absorve o calor. Use com cautela.
- Não é permitido subir na estrutura.

Nova edição do “MON sem Paredes – Artistas Conquistam os Jardins do MON”, realizado pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), revela outras formas de expressões artísticas. A área externa do Museu torna-se um parque de esculturas interativas, disponíveis para os visitantes explorarem. Com curadoria de Marc Pottier, apresenta instalações permanentes e temporárias.

As obras de Artur Lescher, Rômmulo Conceição, Alexandre Vogler, Narcélio Grud e Joana Vasconcelos, entre outros artistas, utilizam diferentes materiais como ferro, madeira, tecido e concreto. Além de democratizar a arte, discutem as relações entre a natureza e o meio industrial, o corpo e vivências sonoras.

 “MON sem Paredes – Artistas conquistam os jardins do MON”

Esta inédita mostra é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer.

Cada vez mais democrático e inclusivo, com o “MON sem Paredes – Artistas Conquistam os Jardins do MON” o Museu rompe o limite físico de suas paredes e abraça a população, tornando-se acessível a todos. A iniciativa é um convite para que o público externo perceba a arte, inspire-se e sinta-se instigado a entrar.

No espaço interno do MON, os visitantes podem conferir desenhos e maquetes feitas pelo artista-arquiteto paranaense Gustavo Utrabo, durante o processo de concepção das obras “Semeador” e “Ao Redor de uma Árvore”, que estão expostas na área externa do Museu, chamada Parcão. 

O projeto ganhou agora, numa nova edição renovada, um parque de esculturas interativas, com obras de artistas como Artur Lescher e Rômmulo Conceição. Com curadoria de Marc Pottier, o local abrigará várias outras instalações permanentes e temporárias, num calendário de convites frequentes feitos pelo MON.

Entendemos que a arte no espaço público permite uma variedade de atividades interativas que nem sempre uma exposição museológica possibilita. Ao criar ligações entre os exteriores e as salas expositivas do Museu, o “MON sem Paredes” permite mostrar muitas outras formas de expressão da criatividade artística.

Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

Projeto inédito criado pelo MON para romper o limite físico de suas paredes e abraçar o público, chegando ao espaço externo do Museu e tornando-se acessível a todos. Esta é a primeira edição do projeto e apresenta obras dos artistas Gustavo Utrabo e Mariana Palma, que ocupam o icônico espaço de área verde ao lado do MON, chamado de Parcão.

Nova edição do “MON sem Paredes” é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer

O projeto “MON sem Paredes – Artistas Conquistam os Jardins do MON” irá inaugurar no dia 13 de março uma nova edição, renovada. Na área externa do Museu Oscar Niemeyer, o visitante encontrará um parque de esculturas interativas, com obras de artistas como Artur Lescher, Rômmulo Conceição, Alexandre Vogler, Narcélio Grud e Joana Vasconcelos. 

Com curadoria de Marc Pottier, o local abriga diversas instalações permanentes e temporárias, num calendário de convites frequentes feitos pelo MON.

"O Museu Oscar Niemeyer vive um inédito momento de expansão não somente da sua área expositiva mas também de ampliação do próprio conceito de exposições, por meio dessa nova e significativa aproximação do público com a arte no projeto MON Sem Paredes", afirma a secretária da Cultura do Estado do Paraná, Luciana Casagrande Pereira.

“Cada vez mais democrático e inclusivo, com o ‘MON sem Paredes’ o Museu rompe o limite físico de suas paredes e abraça a população, tornando-se acessível a todos”, explica a diretora-presidente da instituição, Juliana Vosnika. “A iniciativa é um convite para que o público externo perceba a arte, inspire-se e sinta-se instigado a entrar.”

“Entendemos que a arte no espaço público permite uma variedade de atividades interativas que nem sempre uma exposição museológica possibilita”, diz Juliana. “Ao criar ligações entre os exteriores e as salas expositivas do Museu, o ‘MON sem Paredes’ permite mostrar muitas outras formas de expressão da criatividade artística”, comenta.

O curador Marc Pottier também fala sobre os objetivos do projeto. “O MON trabalha para ampliar seu público e oferecer muitas propostas que possam fazer com que os curitibanos e paranaenses se apropriem do ‘seu’ museu. Por isso, o ‘MON sem Paredes’ é tão importante.”

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MON sem Paredes

Quando a Bienal de São Paulo, uma das mais importantes exposições de arte do mundo, sai de sua sede e rompe limites geográficos, obviamente amplifica a sua voz. Ao fazer uma parceria com o MON, maior museu de arte da América Latina, faz muito mais do que isso.

Além de alcançar novos públicos e levar os debates propostos a um outro território, realiza também uma espécie de caminho inverso. Encontra aqui, como palco, um dos mais significativos prédios projetados por aquele que foi o maior arquiteto brasileiro.

Assim como o edifício sede da Bienal, o Pavilhão Ciccillo Matarazzo, localizado no Parque do Ibirapuera, em São Paulo, os prédios onde estão o MON têm a pesada assinatura de Oscar Niemeyer. Assim, as obras encontram, mais uma vez, suas singulares curvas e rampas, que conferem um caráter único às mostras abrigadas em projetos de Niemeyer.

Entendemos que a arte tem a capacidade de comunicar sem palavras. Por isso, ela proporciona uma conexão profunda e presente, que muitas vezes não seria possível de nenhuma outra maneira. Ao participar da itinerância desse tão importante evento, o MON ajuda a transpor barreiras por meio da arte e, desta forma, permite um elo entre pessoas, mundos e vivências.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika 
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

No ano seguinte a cada Bienal de São Paulo, o programa de mostras itinerantes leva recortes da exposição que parte da capital paulista para diferentes cidades dentro e fora do Brasil. Desenvolvido por meio de parcerias estabelecidas com museus, instituições culturais e órgãos públicos e privados, o programa contribui para a nacionalização e internacionalização do evento, permitindo novos encontros entre as obras expostas no Pavilhão da Bienal e seus públicos cada vez mais amplos.
Esta é a segunda vez que o programa é acolhido pelo Museu Oscar Niemeyer em Curitiba. A primeira ocorreu em 2011, ano da estreia do programa, momento em que a Fundação Bienal consolidou a iniciativa institucional que antes ocorria de forma esporádica desde 1952, o ano subsequente à primeira Bienal de São Paulo. Nesta renovada parceria, mais de uma década depois, a Fundação reafirma seu propósito cultural e educacional, consolidado ao longo de mais de setenta anos de história e agora potencializado pelo amplo alcance da atuação do MON.

A itinerância da 35a Bienal de São Paulo – coreografias do impossível conta com trabalhos oriundos de contextos de lutas e resistências, de imaginação de possibilidades dentro das impossibilidades. Essas obras, que aqui encontram novos olhares, oferecem a oportunidade para despertar sensibilidades e remodelar perspectivas. Por meio delas, a Fundação Bienal de São Paulo almeja contribuir para a construção de uma sociedade mais diversa e plural, estimulando e democratizando o acesso à arte contemporânea e aos debates que sempre a acompanham.
Andrea Pinheiro
Presidente – Fundação Bienal de São Paulo

Anna Boghiguian, Katherine Dunham, Luana Vitra, Maya Deren, Min Tanaka, François Pain, Sonia gomes, Tadáskía, Aida Harika Yanomami, Edmar Tokorino Yanomami, Roseane Yariana Yanomami, Amos Gitaï, Dayanita Singh, Gabriel Gentil Tukano, Geraldine Javier, Morzaniel ɨramari, Rosana Paulino, Sammy Baloji e Zumví Arquivo Afro fotográfico.

Diane Lima, Grada Kilomba, Hélio Menezes e Manuel Borja‑Villel

Curitiba é palco de uma das mostras itinerantes da 35ª Bienal de São Paulo “coreografias do impossível”, em parceria com o Museu Oscar Niemeyer. Com curadoria de Diane Lima, Grada Kilomba, Hélio Menezes e Manuel Borja-Villel, a exposição, que foi um sucesso de público e crítica em 2023, desembarca na cidade, onde permanece aberta ao público de 12 de março a 26 de maio, nas salas 1 e 2 do MON. Este ano, a mostra se expande para quinze cidades, e Curitiba recebe um recorte especial, sendo um dos maiores fora de São Paulo, com dezesseis participantes. 

coreografias do impossível reúne um conjunto de práticas artísticas, movimentos culturais e sociais que desafiam o impossível em variadas e incalculáveis formas. Referem-se a modos de expressão que lidam com a violência total, a impossibilidade da vida em liberdade plena e os limites da ideia de justiça. Assim como as suas linguagens, impactadas pelos desafios cotidianos dos tempos e contextos em que vivem, coreografam possibilidades estéticas e políticas nas quais se manifestam saberes e conhecimentos que se constroem, sobretudo, a partir da memória do corpo.

Elas são um convite a nos movermos por entre experiências que subvertem o conceito de uma história progressiva, linear e ocidental. Fundamentada em cosmologias e modelos de governança onde o tempo é concebido como uma espiral, sem a rigidez de estruturas e cronologias estabelecidas, esta Bienal se organiza sem categorias ou temas. 

Aqui, encontramos uma coreografia de percursos e narrativas que privilegia o diálogo entre expressões artísticas a partir de uma teia de relações que se constrói, reflete e encontra ressonância em diferentes territórios impossíveis do globo. Elas contrariam a história, desenvolvem ferramentas, tecnologias e dispositivos, questionam sistemas de representação, especulam sobre o fim deste mundo e promovem exercícios de imaginação radical e de saberes insubmissos. 

As coreografias do impossível também ganham forma a partir de um exercício conceitual que se reflete em nossa própria formação e prática curatoriais, um grupo horizontal, sem a hierarquia de um curador-chefe ou a homogeneidade de um coletivo. Que rupturas, consensos e dissensos esses encontros podem criar? Para nós, essa pergunta tem um papel central: eles possibilitam a manifestação de coreografias inimagináveis frente a tempos impossíveis.

Diane Lima, Grada Kilomba, Hélio Menezes, Manuel Borja-Villel

O Museu Oscar Niemeyer (MON) traz à Curitiba a itinerância da “Bienal de São Paulo - Coreografias do Impossível”. A mostra, com 16 artistas nas Salas 1 e 2 do Museu, explora as complexidades e urgências do mundo contemporâneo, abordando transformações sociais, políticas e culturais. Com a curadoria de Diane Lima, Grada Kilomba, Hélio Menezes e Manuel Borja-Villel, a exposição busca tensionar os espaços entre o possível e o impossível, o visível e o invisível, o real e o imaginário, dando voz a diversas questões e perspectivas de maneira poética.

Peixes, da série Mangue, 2023
Grafite, acrílica e pigmento natural sobre tela
267,5 x 566 x 5 cm

Hobé’s Art Nouveau Forest and Its Lines of Color, 2021
Instalação composta por quatro painéis de madeira e acrílica sobre tela
210 x 300 x 1 cm

arranjo, 2019-2023
taboa, bambu, frutas, pó colorido, arame, pratos, cascas de ovo costuradas, spray e miçangas sobre madeira

Parceria entre o MON e a Fundação Bienal de São Paulo traz a Curitiba as coreografias do impossível

Com um recorte especialmente pensado para a cidade, a exposição ocupará o principal museu da capital paranaense

Curitiba será o palco de uma das mostras itinerantes da 35ª Bienal de São Paulo – coreografias do impossível, em parceria com o Museu Oscar Niemeyer. Com curadoria de Diane Lima, Grada Kilomba, Hélio Menezes e Manuel Borja-Villel, a exposição, que foi um sucesso de público e crítica em 2023, desembarca na cidade, onde permanece aberta ao público de 12 de março a 26 de maio. Este ano, a mostra se expande para quinze cidades, e Curitiba receberá um recorte especial, sendo um dos maiores fora de São Paulo, com dezesseis participantes: 

A 35ª Bienal de São Paulo – coreografias do impossível explora as complexidades e urgências do mundo contemporâneo, abordando transformações sociais, políticas e culturais. A curadoria busca tensionar os espaços entre o possível e o impossível, o visível e o invisível, o real e o imaginário, dando voz a diversas questões e perspectivas de maneira poética. A coreografia, entendida como um conjunto de movimentos centrados no corpo que desafia limites, considera diversas trajetórias e áreas de atuação, criando estratégias para enfrentar desafios institucionais e curatoriais. As coreografias do impossível geram suas próprias relações, tempos e espaços, oferecendo uma experiência marcante aos visitantes.

Para os curadores, é crucial que a exposição alcance mais cidades, transcendendo os limites do Pavilhão da Bienal. Segundo eles, "os debates propostos pela 35ª Bienal atravessam inúmeros territórios de todo o mundo; assim, não restringir as coreografias do impossível ao Pavilhão da Bienal é de extrema importância para o trabalho realizado".

Andrea Pinheiro, presidente da Fundação Bienal de São Paulo, destaca a relevância não apenas de levar as coreografias do impossível para um público mais amplo, mas também de fortalecer os laços entre as instituições culturais. "Levar a mostra para mais cidades e com um parceiro tão importante quanto o Museu Oscar Niemeyer é de extrema importância para o fortalecimento das instituições culturais do Brasil. A troca de experiências entre públicos e instituições é uma das grandes riquezas das itinerâncias da Bienal de São Paulo", afirma.

A diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer, Juliana Vosnika, comenta que a arte tem a capacidade de comunicar sem palavras e, por isso, proporciona uma conexão profunda e presente, que muitas vezes não seria possível de nenhuma outra maneira. "Ao participar da itinerância desse tão importante evento, o MON ajuda a transpor barreiras por meio da arte e, desta forma, permite um elo entre pessoas, mundos e vivências", afirma.

Fundada em 1962, a Fundação Bienal de São Paulo é uma instituição privada sem fins lucrativos e vinculações político-partidárias ou religiosas, cujas ações visam democratizar o acesso à cultura e estimular o interesse pela criação artística. A Fundação realiza a cada dois anos a Bienal de São Paulo, a maior exposição do hemisfério Sul, e suas mostras itinerantes por diversas cidades do Brasil e do exterior. A instituição é também guardiã de dois patrimônios artísticos e culturais da América Latina: um arquivo histórico de arte moderna e contemporânea referência na América Latina (Arquivo Histórico Wanda Svevo), e o Pavilhão Ciccillo Matarazzo, sede da Fundação, projetado por Oscar Niemeyer e tombado pelo Patrimônio Histórico. Também é responsabilidade da Fundação Bienal de São Paulo a tarefa de idealizar e produzir as representações brasileiras nas Bienais de Veneza de arte e arquitetura, prerrogativa que lhe foi conferida há décadas pelo Governo Federal em reconhecimento à excelência de suas contribuições à cultura do Brasil.

O Museu Oscar Niemeyer (MON) é patrimônio estatal vinculado à Secretaria de Estado da Cultura do Paraná. A instituição abriga referenciais importantes da produção artística nacional e internacional nas áreas de artes visuais, arquitetura e design, além de grandiosas coleções asiática e africana. No total, o acervo conta com aproximadamente 14 mil obras de arte, abrigadas em um espaço superior a 35 mil metros quadrados de área construída, o que torna o MON o maior museu de arte da América Latina.

Serviço:
35ª Bienal de São Paulo – coreografias do impossível
Itinerância
Museu Oscar Niemeyer (MON)
Salas 1 e 2
De 12 de março a 26 de maio de 2024

Coreografias do impossível | 35ª Bienal de São Paulo - mostra itinerante — Curitiba

35ª Bienal de São Paulo - mostra itinerante — Curitiba

A subjetividade da obra de Elizabeth Jobim nos leva a um passeio que inclui desenhos, pinturas, costuras e tridimensionalidade. De maneira poética, sem necessidade das palavras, ela nos fala sobre o tempo e o acaso. Com sua obra, evoca reflexões profundas.

Nesta nova realização do Museu Oscar Niemeyer (MON), “O Tempo das Pedras”, o visitante tem a oportunidade de ver de perto várias décadas reunidas no trabalho desta que é uma das mais importantes artistas visuais contemporâneas.

São mais de cem obras com variadas técnicas, como nanquim, grafite ou acrílica sobre papel; óleo sobre tela; tecido e óleo sobre linho costurado; carvão sobre papel e concreto pigmentado, madeira e granito, entre outras, o que demonstra sua versatilidade e domínio.

Com dezenas de exposições individuais e participações em coletivas, dentro e fora do Brasil, Elizabeth Jobim possui obras espalhadas pelo mundo. Seus trabalhos estão em coleções públicas de instituições como o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio), o Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM), o Museu de Arte do Rio (MAR), a Pinacoteca do Estado de São Paulo e The Bronx Museum (Nova York).

Sua trajetória teve início nos idos de 1980, ao participar da histórica exposição “Como Vai Você, Geração 80?”, no Parque Lage, e segue em curva ascendente até a atualidade. Muitos pontos altos desse caminho podem ser vistos agora reunidos nessa exposição.

Num sutil diálogo entre arquitetura e arte, sua obra ganha ainda mais potência aqui, abrigada num dos mais icônicos prédios projetados pelo gênio Oscar Niemeyer. Por vocação, o MON se dedica às artes visuais, à arquitetura e ao design. Ao realizar exposições tão significativas como esta, está cumprindo o seu papel.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika 
Diretora-Presidente
Museu Oscar Niemeyer

A exposição “Elizabeth Jobim – O Tempo das Pedras”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer, traz ao visitante a oportunidade de ver reunido o trabalho de várias décadas de uma das mais importantes artistas visuais contemporâneas. 

Em um diálogo com a arquitetura, a utilização de diferentes materiais nas telas, esculturas em granito e cimento pigmentado revelam o envolvimento do público com as cores. 

São mais de cem obras que reúnem diversas técnicas, como nanquim, grafite ou acrílica sobre papel; óleo sobre tela; tecido e óleo sobre linho costurado; carvão sobre papel e concreto pigmentado, madeira e granito. A curadoria é de Taisa Palhares.

A exposição “Elizabeth Jobim – O Tempo das Pedras” reúne pela primeira vez uma parte significativa dos trabalhos da artista carioca Elizabeth Jobim, dos desenhos realizados nos anos 1980 até a produção mais recente, com a intenção de evidenciar a singularidade de sua poética. Na primeira sala, encontram-se as séries Laocoonte e Rapto das Sabinas (1987-1989), que surgem no contexto da “Geração 80” e se destacam pela gestualidade solta aliada ao movimento simultâneo de construção e desconstrução das figuras, em que a artista capta a tridimensionalidade pela fragmentação do corpo no espaço. O mesmo exercício perceptivo subjaz aos pequenos desenhos e pinturas de pedras e tubos de tinta, assim como na montagem organizada a partir de partes ou fragmentos de pedras desenhadas com tinta acrílica azul a se expandir pela parede. 

Na sequência, é remontada a pintura-mural Aberturas, que Jobim realizou a convite da V Bienal do Mercosul (2005). Um marco em sua trajetória, a instalação explora as relações entre a percepção, a linha gráfica e o limite dos objetos em embate com o próprio espaço arquitetônico. Desde então, seu trabalho dialoga explicitamente com a arquitetura, muitas vezes rompendo os limites entre desenho, escultura e pintura, como no conjunto Blocos (2013). O elemento fragmentado da percepção reaparece na impossibilidade de reter uma visão única das pinturas com volumes que dialogam com o branco da parede, a sugerir simultaneamente a continuidade e a descontinuidade do olhar.  

Na última sala, o exercício de observação e equilíbrio reaparece nas esculturas recentes em pedra e cimento pigmentado. Na qualidade de matéria mineral, as pedras são a imagem do tempo e do acaso, posto que suas formas nunca se repetem e resultam de um processo lento de solidificação. Por fim, são expostas as últimas telas costuradas em tecido realizadas por Jobim, nas quais a linha gráfica transforma-se no fio que amalgama cores e texturas dissonantes. 

2001
Nanquim sobre papel
163 x 124 x 3,5 cm

2016
Óleo sobre linho
110 x 440 x 4,5 cm (quatro partes)

1997
Nanquim sobre papel
147 x 200 x 5 cm

1987 - 1989
Paintstick sobre papel (óleo)
140 x 100 cm

MON realiza exposição da artista Elizabeth Jobim

Na exposição “Elizabeth Jobim – O Tempo das Pedras”, a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer (MON), o visitante tem a oportunidade de ver de perto várias décadas reunidas do trabalho dessa que é uma das mais importantes artistas visuais contemporâneas. 

A mostra será inaugurada no dia 25 de abril, na Sala 3, com curadoria de Taisa Palhares. São mais de cem obras com variadas técnicas, como nanquim, grafite ou acrílica sobre papel; óleo sobre tela; tecido e óleo sobre linho costurado; carvão sobre papel e concreto pigmentado, madeira e granito.

"Elizabeth Jobim é uma referência para muitas gerações de artistas, e sua mostra no Museu Oscar Niemeyer certamente trará um amplo panorama de suas produções ao longo de uma extensa e importante trajetória", afirma a secretária de estado da Cultura, Luciana Casagrande Pereira. "Uma oportunidade imperdível para entrar em contato com o trabalho de uma das mais importantes artistas do cenário contemporâneo nacional e internacional", destaca.

Segundo a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika, “a subjetividade da obra de Elizabeth Jobim nos leva a um passeio que inclui desenhos, pinturas, costuras e tridimensionalidade”, afirma. “De maneira poética, sem a necessidade das palavras, ela nos fala sobre o tempo e o acaso; sua obra evoca reflexões profundas”, aponta.

Com dezenas de exposições individuais e participações em coletivas, dentro e fora do Brasil, Elizabeth Jobim possui obras espalhadas pelo mundo. Seus trabalhos estão em coleções públicas de instituições como o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio), o Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM), o Museu de Arte do Rio (MAR), a Pinacoteca do Estado de São Paulo e The Bronx Museum of the Arts (Nova Iorque).

Sua trajetória teve início nos idos de 1980, ao participar da histórica exposição “Como Vai Você, Geração 80?”, no Parque Lage, e segue em curva ascendente até a atualidade. Muitos pontos altos desse caminho podem ser vistos na exposição “O Tempo das Pedras”.

“Meu interesse se orienta em torno de um eixo que é a passagem do espaço para o plano e vice-versa”, explica a artista. “O trabalho parte, nos anos 1980, do desenho de observação de esculturas, que vai reverberar nas grandes instalações com pinturas no espaço, em que o público é envolvido pela cor”, conta Elizabeth Jobim. 

Ela informa que, nos blocos, o pigmento se corporifica no espaço, em diálogo com a arquitetura. Na última sala, há uma conversa entre materiais diferentes tanto nas telas costuradas como nas esculturas em granito e cimento pigmentado. “O ‘Tempo das Pedras’ perpassa todo esse percurso, com a escolha certeira da curadora Taisa Palhares”, finaliza.

Elizabeth Jobim nasceu em 1957, no Rio de Janeiro. Formou-se em Comunicação Visual na Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro (PUC-Rio), em 1981, e obteve seu mestrado em Artes Plásticas (MFA) na Escola de Artes Visuais de Nova Iorque. Lecionou Desenho e Pintura na Escola de Artes Visuais do Parque Lage (Rio de Janeiro), em 1994 e em 2010. 

Entre as suas exposições coletivas, destacam-se: Salão Nacional de Artes Plásticas, no MAM Rio (Rio de Janeiro, 1982/1983); Como Vai Você, Geração 80?, no Parque Lage (Rio de Janeiro, 1984); Rio Hoje, no MAM Rio (Rio de Janeiro, 1989); Panorama da Arte Atual Brasileira, no MAM (São Paulo, 1990); Arte Contemporânea Brasileira, na Galeria Nacional de Belas Artes (Pequim, China, 2001); Caminhos do Contemporâneo – 1952/2002, no Paço Imperial (Rio de Janeiro, 2002) e 5ª Bienal do Mercosul (Porto Alegre, 2005); Art in Brasil 1950-2011 – Europalia 2011, no Palais des Beaux-Arts, (Bruxelas, 2011); (de)(re)construct, no Bronx Museum of the Arts (Nova Iorque, 2015); Mulheres na Coleção, no MAR (Rio de Janeiro, 2018). 

Entre as exposições individuais estão: Pinturas e Desenhos, na Galeria Raquel Arnaud (São Paulo, 1997); Aberturas, no Paço Imperial (Rio de Janeiro, 2006);  Endless Lines, na Lehman College Art Gallery (Nova Iorque, 2008); Em Azul, na Estação Pinacoteca, (São Paulo, 2010); Blocos, no MAM Rio (Rio de Janeiro, 2013); In This Place, Henrique Faria Fine Art (Nova Iorque, 2017); Ensaios, Galeria Raquel Arnaud (São Paulo, 2018); Jazida, Museu do Açude (Rio de Janeiro, 2018), Variações, no Paço Imperial (Rio de Janeiro, 2019); Frestas, Lurixs (Rio de Janeiro, 2019). 

Exposição “Elizabeth Jobim – O Tempo das Pedras”
A partir de 25/4
Sala 3

Elizabeth Jobim - O Tempo das Pedras

O Museu Oscar Niemeyer é um espaço vivo de diálogo, pesquisa e constante troca entre profissionais dos setores artístico e educacional com o público. 

Nossa proposta com o projeto “Antes e Agora, Longe e Aqui Dentro”, que culminou nesta inédita exposição, é gerar conteúdo educativo para o MON, a partir de um mergulho em seu rico e diversificado acervo, visando estabelecer diálogos entre o Museu e a arte contemporânea brasileira.

Entendemos que a coleção permanente de um museu é o seu coração. É importante destacar que o acervo do MON conta atualmente com 14 mil obras de arte, tendo quintuplicado de tamanho nos últimos anos e sendo cada vez mais valorizado. Prova disso é que cerca de metade das exposições realizadas pela instituição, como esta, trata de apresentá-lo ao público.

O projeto, mais do que isso, faz parte da ampla proposta educativa do Museu. Partiu de uma pesquisa coordenada pela professora e curadora Galciani Neves, junto com a equipe do MON, que teve início em 2023.

Por meio de estudos e da realização de um seminário, foi escolhida uma centena de obras produzidas por dezenas de artistas que compõem o nosso acervo. São trabalhos considerados relevantes tanto para o contexto de produção artística da cidade de Curitiba quanto para a história da arte do Estado do Paraná e do Brasil e que, assim, celebram a diversidade e a importância encontradas no Museu.

Ao aproximar tais obras – realizadas por artistas, tempos e linguagens tão distintas –, sugerimos uma convivência diversa. É uma maneira instigante de convidar o visitante a uma imersão na coleção permanente da instituição.

Para chegar até aqui você percorreu caminhos – espontâneos, com uma rota predeterminada, com pausas, com surpresas pelo trajeto percorrido... Caminhar pela cidade ou no interior de prédios como este são movimentos que nos modificam ao mesmo tempo em que modificamos cada lugar pelo qual passamos. Essa é a dinâmica das paisagens, os sujeitos as constituem e elas interagem com os sujeitos. A caminhada é uma partilha de tempo com o espaço. Os laços singulares que criamos em deslocamentos de um lugar para outro passam a integrar o que somos e a se localizar como pequenos lampejos de memória nos lugares. Trata-se de um movimento de muitos fluxos: nosso corpo se move ao mesmo tempo em que mobilizamos lugares.

Nesta mostra, propomos que a experiência de estar com os trabalhos inclua também gestos de criar percursos, pois a mostra se espalha por 11 espaços do Museu. Não há uma rota específica. Há pequenas observações por onde ela continua, que você pode seguir quando quiser e se a curiosidade surgir.

Os caminhos que você criar para ver os trabalhos também integram as experiências de visitar a mostra. Esses modos de circular pelo Museu podem entrelaçar os trabalhos e provocar relações não previstas, deixando rastros dessa experiência. Além disso, o próprio Museu, ou seja, seu espaço físico e as obras, assim como pessoas que aqui circulam e você também, fazem parte desses percursos. Percursos que se transmutam em pequenas paisagens temporárias que você vai avistar enquanto deriva por aí.

Os trabalhos que desenvolvo abordam as violências sobre as corpas dissidentes. O projeto “A Natureza da Vida” acontece a partir do ano 2000, com ações e performances realizadas em locais públicos em que poso, quase sempre nua, para fotos e vídeos realizadas por diferentes fotógrafas(os) que participam das ações e seus múltiplos olhares constroem o trabalho. Questões do corpo através de um posicionamento político, discutindo padrões, estética e as diversidades integram o trabalho. 

Foi durante uma viagem que, pelas redes, acompanhei notícias sobre o corte de árvores do Bosque Central de Londrina para passar uma rua. A resistência de jornalistas e artistas da cidade criou o Grupo Ocupa Londrina, que se aliou à ONG MAE para manter os resquícios da mata original que sobrevive no coração da cidade. Somando nesse ativismo coletivo, propus um varal de fotografias para que todos pudessem participar e se posicionar. Assim que retornei, em meio a tantas manifestações, realizei a performance em meio aos troncos caídos e ao solo revolvido pelos grandes equipamentos. Esta ação foi determinante para o trabalho. As imagens, realizadas como protesto, foram expostas junto com poemas, desenhos, charges e outras fotos produzidas por diversas(os) artistas da cidade. A corpa gorda aqui extrapola o próprio discurso para se somar a um corpo social que se expressa publicamente em favor de uma causa coletiva e se coloca a serviço de todes, se posicionando nua perante a violência. 

Depois de longa luta, a obra foi embargada e o lugar, transformado em área de preservação permanente (APA). Infelizmente, dez anos depois, durante a pandemia, o poder público revogou a APA, transformou o bosque em praça e este foi “urbanizado”. Apesar disso, por enquanto, a abertura da rua não foi novamente cogitada.

Trazemos aqui outras fotografias que envolvem essa performance, momentos que resultaram no trabalho e são sua força criadora. O jornalista Guto Rocha enfrenta o trator e convoca artistas para defenderem o bosque. Fotografia por Gina Mardones; Graziela Diez e Luciano Pascoal fotografando a performance; fotografia por Camila Fujita; Varal de Fotografia durante o Ocupa Londrina; fotografias por Graziela Diez e Fernanda Magalhães.

“Fábrica (Campo de Batalha)” apresenta um atravessamento de histórias, pessoas e paisagens cujas distâncias correspondem a mais de 200 anos: a do extermínio de uma comunidade Kaingáng (1796) e de uma classe operária (a partir dos anos 1940) em um território ocupado e controlado por uma grande fábrica de papel, na cidade de Telêmaco Borba/PR. “Campo de Batalha” é uma expressão militar que designa um território escolhido previamente e preparado como uma armadilha para a qual o inimigo é encaminhado através da persuasão, ou outra forma subliminar.

 A história “oficial” registra a transmissão e manutenção do poder econômico como os nomes dos fazendeiros da região desde antes do extermínio Kaingáng e nos permite considerar os donos da fábrica como sucessores dos donatários do século XVIII. Da outra parte da história, a dos indígenas e dos operários, os relatos e imagens são praticamente inexistentes. Haveria alguma relação entre a população da região, os trabalhadores da fábrica e os Kaingáng? Esses fios soltos algum dia foram parte de uma mesma trama? 

Na margem direita do Rio Tibagi está a sede da Fazenda Monte Alegre, pertencente às famílias proprietárias da fábrica de papel. O local onde construíram a indústria, sua sede administrativa e a vila operária foi denominado Vila Harmonia, apesar de, por mais de 150 anos, ter sido chamado de Mortandade. A alteração do nome foi uma tentativa de apagar a história de extermínio de uma comunidade Kaingáng.

Por volta de 1796, a mando do fazendeiro José Félix, dono do maior latifúndio dos Campos Gerais, um grupo Kaingáng, habitantes originários da região, foi cercado e assassinado. Contavam que o sangue era tanto que correu em filetes até um rio afluente do Tibagi. Os corpos dos homens, mulheres e crianças ficaram amontoados e por muitos dias observaram corvos sobrevoando-os. Como retribuição pelo extermínio praticado, José Felix recebeu uma grande extensão de terras que denominou Fazenda Monte Alegre. O rio e a localidade da chacina ficaram conhecidos como Mortandade, até que, em 1941, por sugestão dos donos da fábrica, passou a chamar-se Harmonia.

“Evitemosacidentes”. O espaçamento entre as letras não deixa claro qual é a mensagem. Que nós, fábrica + trabalhadores, “Evitemos acidentes”; ou que vocês, os trabalhadores, “Evitem os acidentes”. Essa névoa que recobre o texto também se faz presente na relação entre a fábrica e os trabalhadores. Uma névoa de promessas e ameaças. O discurso da fábrica sempre foi o do desenvolvimento, da tecnologia, do progresso e das oportunidades. Sua construção no meio do “nada”, afinal, os que antes ali habitaram foram assassinados, expulsos ou apagados da história pelo latifúndio, projetou também aos trabalhadores uma imagem de transformação. 

Entre os anos 1942-78, mais de 60% dos trabalhadores da fábrica eram da própria região – em sua imensa maioria, trabalhadores rurais, analfabetos ou com ensino primário incompleto, cujas vidas estavam isoladas e abandonadas. O desejo sempre latente de estar em comunidade, partilhar o mundo e melhorar as condições materiais de vida embaralhou-se com o discurso da fábrica. Uma confusão que poucos, pouco a pouco, buscaram desfazer através da criação de um sindicato que representasse os interesses dos trabalhadores frente aos dos donos da fábrica. 

Através da sabotagem e intervenção militar-patronal na organização sindical após 31 de março de 1964, bem como as dificuldades impostas nas negociações coletivas, as promessas se revelaram ameaças. O vapor da caldeira, os gazes tóxicos, o ruído das máquinas e o perigo das mesmas impregnavam-se no corpo dos trabalhadores. Uma experiência que lhes ensinou a ler o texto e a enxergar uma exclamação no final, “Evitem os acidentes!”.

Fábrica (Campo de Batalha) - Felipe Prando

Ailton Krenak, Alice Yamamura, Aline van Langendonck, Amélia Toledo, Américo Vespúcio, Anita Malfatti, Ayrson Heráclito, Burle Marx, Cícero Dias, Didonet Thomaz, Dorothea Wiedemann, Edu Simões, Efigênia Rolim, Espedito Rocha, Felipe Prando, Fernanda Castro, Fernanda Magalhães, Georgia Kyriakakis, Gustavo Caboco, Gustavo Magalhães, João Groff, João Urban, Julia Kater, Juliana Stein, Juraci Dorea, Kamikia Kisedje, Leonor Botteri, Lia Chaia, Martín Chambi, Maya Weishof, Miguel Bakun, Milla Jung, Oscar Niemeyer, Paulo Bruscky, Raphaela Melsohn, Raquel Garbelotti, Regina Parra, Regina Vater, Rosana Paulino, Tiago Sant’ana, Tomie Ohtake, Tony Camargo, Vera Chaves Barcellos e Willian Santos

Em um diálogo entre seu acervo e a arte contemporânea brasileira, o Museu Oscar Niemeyer (MON) realiza a exposição “Antes e agora, longe e aqui dentro”, na Sala 11 e espalhada em diversos espaços do Museu. São mais de 100 obras de 44 artistas diferentes, dos quais se destacam os artistas nucleares Cícero Dias, Miguel Bakun, Amelia Toledo, Efigênia Rolim, Rosana Paulino e Gustavo Caboco. 

Nesta mostra, com curadoria de Galciani Neves, pinturas, desenhos, fotos, esculturas, vídeos, áudios e instalações, reunindo técnicas variadas, discutem as relações entre corpo e território e os muitos modos de habitar, ser e registrar paisagens.

Esta mostra e três ciclos de seminários integram o projeto “Mvúka” – processo de pesquisa experimental que vem sendo realizado no acervo do MON, em parceria com as equipes do Educativo, Design, Arquitetura, Comunicação, Acervo e Produção do museu. “Mvúka”, no Banto, tronco linguístico que dá origem a mais de 400 línguas africanas, significa aglomeração ruidosa de pessoas em festa. No Brasil, para os povos originários, muvuca é uma técnica de plantio ancestral que consiste na mistura de sementes de diversas espécies. As diferenças entre os ciclos das espécies de sementes restauram as matas, criam um ambiente de cooperação e garantem a biodiversidade do lugar.

Essa proposta artística se vale da mvúka/muvuca como fundamento. Tentamos dialogar com os contextos em que a palavra circula para articular modos de nos aproximar e compartilhar trabalhos de artistas, tempos de produção, linguagens, processos de criação, camadas de leitura provenientes de outros campos de conhecimento, privilegiando uma convivência entre obras de arte e modos de pensar e estar no mundo. Dessa maneira, assim como na mvúka/muvuca, elaboramos uma atmosfera de exposição que celebra o estar junto na diversidade, na polifonia, no encontro das singularidades.

Tendo como título “Antes e agora, Longe e aqui dentro”, a mostra apresenta trabalhos que discutem as relações indissociáveis entre corpo e território e os muitos modos de habitar, ser e registrar paisagens, propondo paisagens: aquilo que avistamos ao longe, que definimos como um recorte de um lugar, o que está perto demais (como a palma da mão) ou a distância entre duas pessoas, uma construção de partilha com o tempo e o lugar.

A mostra se organiza a partir dos trabalhos e contextos de produção de seis artistas, com obras da coleção permanente do MON: Gustavo Caboco, Rosana Paulino, Efigênia Rolim, Miguel Bakun, Cícero Dias e Amélia Toledo. Seus trabalhos geraram constelações conceituais com outros 40 artistas. Assim, como numa mvúka, se aglomeram e nos perguntam: como praticamos nossas ações nas paisagens e nos lugares que vemos? As paisagens estão em fluxo e podem definir nossos modos de existir? Diante dessas indagações, podemos pensar junto com os muitos povos originários que habitam o Brasil: corpo e lugar não conhecem hierarquias, pois confundem-se e, por isso, coexistem, sendo um parte do outro. Ou, como diria o poeta, professor, líder quilombola Nêgo Bispo (1959-2023, Piauí): “O ser humano não pode ser entendido como criador, mas como criatura da natureza, do lugar onde é e habita. Quando somos conscientes de que vivemos graças às “biointerações” entre espécies e a terra, temos condições de nos vincular aos territórios e às paisagens, habitando-os e respeitando-os na mesma intensidade que nos vemos como parte deles”. Assim, as paisagens não são apenas abstrações de lugares, mas instâncias ativas que nos constituem como seres e desenham os nossos modos de existir.

Fotografia | Impressão fotográfica sobre papel, 1/5

Fotografia | Reprodução fotográfica em preto e branco sobre papel fotográfico

Vai o Carrinho com Cavaleiro e Anjinhos, 2017

Escultura | Escultura de madeira com adereços de material reciclado

O Museu Oscar Niemeyer (MON) realiza uma exposição inédita, “Antes e agora, longe e aqui dentro”, que será inaugurada no dia 29 de fevereiro, na Sala 11 e em diversos espaços, como Pátio das Esculturas, hall térreo, rampa e Parcão, entre outros.

A mostra resulta de um projeto que teve início no ano passado, cuja proposta é estabelecer diálogos entre o acervo do MON e a arte contemporânea brasileira, além de gerar conteúdo para o setor Educativo do Museu. Atualmente, a coleção permanente da instituição conta com 14 mil obras de arte.

A exposição tem curadoria da professora e pesquisadora Galciani Neves e apresenta mais de 100 obras realizadas por 44 artistas. Entre elas estão pinturas, desenhos, fotos, esculturas, vídeos, áudios e instalações, reunindo técnicas variadas. 

A diretora-presidente do Museu, Juliana Vosnika, explica que metade das exposições realizadas pelo MON apresenta obras de seu diverso e rico acervo, que quintuplicou de tamanho nos últimos anos e vem sendo cada vez mais valorizado. 

“O MON é um espaço vivo de diálogo, pesquisa e constante troca entre profissionais dos setores artístico e educacional com o público”, comenta Juliana. “Esta nova proposta culmina com essa inédita exposição de obras do acervo, o que torna a coleção permanente do Museu cada vez mais acessível ao visitante”, explica. 

Em um diálogo entre seu acervo e a arte contemporânea brasileira, o Museu Oscar Niemeyer (MON) realiza a exposição “Antes e agora, longe e aqui dentro”, na Sala 11 e espalhada em diversos espaços do Museu. São mais de 100 obras de 44 artistas diferentes, dos quais se destacam os artistas nucleares Cícero Dias, Miguel Bakun, Amelia Toledo, Efigênia Rolim, Rosana Paulino e Gustavo Caboco. 

Nesta mostra, com curadoria de Galciani Neves, pinturas, desenhos, fotos, esculturas, vídeos, áudios e instalações, reunindo técnicas variadas, discutem as relações entre corpo e território e os muitos modos de habitar, ser e registrar paisagens.

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