“Buraco no Céu" é o nome da exposição inédita do artista Túlio Pinto, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer. São 32 esculturas e instalações espalhadas pelo espaço expositivo do Olho e pelo Espaço Araucária.

As obras da mostra, algumas com grandes dimensões, colocam em diálogo materiais de diferentes valências, materialidades e naturezas, colocando em questão as categorias de ordem e funcionalidade.

Segundo a curadora da mostra, Roberta Stubs: “Mover nosso corpo entre suas esculturas e instalações é transitar num tempo e espaço interrompido, onde as leis da física, regidas aqui por outra lógica, cedem lugar a um encantamento em estado de alerta”.

Buraco no Céu é uma imagem de pensamento que nos convoca a atravessar mundos e a abrir um canal de passagem entre universos muitas vezes dissonantes. É na potência do entremundos que as esculturas e instalações de Tulio Pinto criam um universo muito próprio, no qual um sistema singular de forças e matérias se conjugam num frágil equilíbrio. O risco da queda e do caos é aqui empurrado para o limite de um ordenamento calculado para se manter limítrofe. É nessa fronteira entre ordem e desordem que o artista instaura um campo de tensão no qual a materialidade do aço, da pedra, do vidro, do concreto, do mármore e do corpo entram em órbita. Explorando a potência do tridimensional, Tulio Pinto faz com que esses elementos díspares estabeleçam entre si certa cumplicidade que surpreende pela tensa aliança firmada entre naturezas de múltiplas valências. 

Hábil em acionar uma força empática entre diferentes materiais, o artista desloca a funcionabilidade das coisas, extrai volume do vazio e insere a performance do tempo no pensamento formalista. Bolhas de vidro amparam imensas vigas de aço que atravessam o espaço. Placas de ferro e mármore se equilibram entre pedras, roldanas e cabos de sustentação. Andaime, escada, cadeiras e mesas se impõem destituídas de função. 

Estar diante dos trabalhos de Tulio Pinto é dividir um estado de suspensão com materialidades sólidas que parecem flutuar. Mover nosso corpo entre suas esculturas e instalações é transitar num tempo e espaço interrompido, onde as leis da física, regidas aqui por outra lógica, cedem lugar a um encantamento em estado de alerta, posto que atravessado pela iminência da queda. 

“Buraco no Céu” figura aqui como uma fuga de um colapso que não se efetiva justamente por performar outras leis que traem a certeza do visível e fundam outros mundos. 

“Buraco no Céu" é o nome da exposição inédita do artista Túlio Pinto, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer. São 33 esculturas e instalações espalhadas pelo espaço expositivo do Olho e pelos Espaços Araucária 1 e Araucária 2. As obras da mostra, algumas com grandes dimensões, colocam em diálogo materiais de diferentes valências, materialidades e naturezas, colocando em questão as categorias de ordem e funcionalidade. Segundo a curadora da mostra, Roberta Stubs: “Mover nosso corpo entre suas esculturas e instalações é transitar num tempo e espaço interrompido, onde as leis da física, regidas aqui por outra lógica, cedem lugar a um encantamento em estado de alerta”.

Aço corten e vidro soprado
90 x 143 x 147 cm
Coleção artista

Vigas H, vidro soprado e cabos de aço
135 x 400 x 400 cm
Coleção artista

vigas H e vidro soprado
195 x 186 x 34 cm
Coleção artista

Aço corten e mármore
210 x 350 x 270 cm
Coleção artista

O Museu Oscar Niemeyer inaugura, no dia 22 de junho, a exposição inédita “Buraco no Céu”, do artista visual Túlio Pinto. Realizada pelo MON, no espaço do Olho, reúne 32 esculturas e instalações, algumas com grandes dimensões, que exploram a potência do tridimensional. A curadoria é de Roberta Stubs.

“O visitante irá perceber que esta mostra é quase uma ilusão de ótica em que o artista promove um inusitado diálogo entre materiais de diferentes valências. Faz o pesado parecer leve, o frágil se tornar forte”, afirma a diretora-presidente do Museu, Juliana Vosnika.

“Mármore e aço estão lado a lado, vigas de ferro parecem flutuar e convivem com lâminas de vidro, numa construção quase poética”, diz. Como num truque de ilusionismo, o público poderá se sentir hipnotizado pelo conjunto e provavelmente será levado a um olhar reflexivo. 

Segundo Juliana, quando o artista nos surpreende com a possibilidade do equilíbrio e da harmonia entre agentes de naturezas opostas, sua obra cumpre o papel, bem como a instituição que a abriga e a aproxima do público. “Uma das funções da arte é instigar e transformar pessoas”, comenta.

Para a secretária de Estado da Cultura, Luciana Casagrande, a nova exposição consolida o Olho como um espaço expositivo cada vez mais diverso e interessante para o público. “A cada exposição, o visitante tem uma experiência diferente. É um privilégio para o Estado ter um espaço tão nobre e tão democrático ao mesmo tempo. Agora é a vez de Túlio Pinto, premiado artista, reconhecido internacionalmente, deixar sua marca aqui”, diz.

A curadora da mostra comenta que a exposição “nos convoca a atravessar mundos e a abrir um canal de passagem entre universos muitas vezes dissonantes”. Para ela, estar diante dos trabalhos de Túlio Pinto é dividir um estado de suspensão com materialidades sólidas que parecem flutuar. 

“Mover nosso corpo entre suas esculturas e instalações é transitar num tempo e espaço interrompido, onde as leis da física, regidas aqui por outra lógica, cedem lugar a um encantamento em estado de alerta”, diz Roberta.

Vigas de aço que atravessam o espaço e placas de vidro que se equilibram entre pedras e cabos de sustentação. Estar diante dos trabalhos de Túlio Pinto é como caminhar em um jardim suspenso composto por materialidades sólidas que parecem flutuar no tempo e no espaço. 

Elementos díspares constroem, entre si, certa cumplicidade que surpreende pela tensa aliança firmada entre naturezas dissonantes como a pedra, o ferro, o vidro, o ar, o mármore e o corpo. Hábil em criar estruturas quase arquitetônicas, o artista instaura campos de tensão que colocam as categorias de ordem e funcionalidade em questão.

Sólidos e transparentes, alguns trabalhos ganham ares de opacidade quando investidos pelo risco de queda (ou até mesmo quebra) que ameaça a estabilidade dos diferentes pesos e medidas que constituem as obras. Túlio Pinto surpreende pelo domínio que exerce sobre materialidades rígidas como o aço, o vidro e o concreto. Um domínio que se dá pela força da flexibilização dos materiais levados ao limite.

Em muitas obras, há a resistência do vidro tensionada ao extremo pela rigidez do aço. Vista de relance, é o ar que parece sustentar o peso dessas vigas ou blocos rígidos que flutuam diante do olhar. Ao deslocar funções e provocar outros ordenamentos, as obras de Túlio Pinto rasuram a superfície das aparências e instauram dúvidas e incertezas no lugar do pensamento linear.

Túlio Pinto (Brasília, 1974) é graduado em Artes Visuais com ênfase em escultura pela Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS, 2009). Vive e trabalha entre Porto Alegre e São Paulo. Entre suas exposições, destacam-se, “13ª Bienal do Mercosul: Trauma, Sonho, Fuga” (Porto Alegre, 2022); “Encontros Divergentes” (Museu de Arte Contemporânea de Sorocaba, Sorocaba, 2021); “Glass and Concrete” (Marta Herford Museum, Herford, Alemanha, 2020); “Momentum” (MARGS – Museu de Arte do Rio Grande do Sul, Porto Alegre, 2019); “Onloaded: Túlio Pinto” (Phoenix Institute of Contemporary Art – phICA, Phoenix, Arizona/EUA, 2015); “Bienal de Vancouver” (Vancouver, Canadá, 2014); “De Territórios, Abismos e Intenções” (Projeto RS Contemporâneo – Santander Cultural Porto Alegre, Porto Alegre, 2013); “CEP: Corpo, Espaço e Percurso” (9ª Rede Nacional Funarte, 2013); “Salvaje – Digesting Europe Piece by Piece” (Traneudstillingen Exhibition Space, Copenhagen, Dinamarca, 2012); “Transposição” (Galeria Augusto Meyer – Casa de Cultura Mário Quintana, Porto Alegre, 2012); “Nova Escultura Brasileira” (Caixa Cultural Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 2011); entre outras. Seu trabalho faz parte de coleções nacionais e internacionais, entre elas: Usina de Arte, Pernambuco; Instituto Figueiredo Ferraz, Ribeirão Preto; Museu de Arte Contemporânea do Paraná, Curitiba; Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul, Porto Alegre; MARGS – Museu de Arte do Rio Grande do Sul, Porto Alegre; Museu Nacional de Brasília; Museu de Arte de Ribeirão Preto; Fundação Pablo Atchugarry, Uruguai; Fundação Maria Cristina Masaveu Peterson, Madrid, Espanha; Marta Herford Museum, Herford, Alemanha; Piramidón, Centre d'Art Contemporani, Barcelona, Spain. Nos últimos anos realizou residências artísticas em países como Ucrânia, Canadá, Portugal, EUA, Reino Unido e Holanda.

TULIO PINTO_PT-br.pdf

“Buraco no Céu" é o nome da exposição inédita do artista Túlio Pinto, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer. São 33 esculturas e instalações espalhadas pelo espaço expositivo do Olho e pelos Espaços Araucária 1 e Araucária 2.

As obras da mostra, algumas com grandes dimensões, colocam em diálogo materiais de diferentes valências, materialidades e naturezas, colocando em questão as categorias de ordem e funcionalidade.

Segundo a curadora da mostra, Roberta Stubs: “Mover nosso corpo entre suas esculturas e instalações é transitar num tempo e espaço interrompido, onde as leis da física, regidas aqui por outra lógica, cedem lugar a um encantamento em estado de alerta”.

Buraco no Céu - Túlio Pinto

O MON está ao lado de grandes museus do Brasil e do mundo na plataforma Google Arts & Culture. Visite nossas exposições em formato virtual.

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Quanto mais um autor se aproxima da experiência de si mesmo, maiores são suas chances de tocar o universal. É no espaço-tempo de pesquisa, ensino e criação que este encontro entre observações, estudos, sonhos, técnica e imaginação, temperados com uma certa dose de ousadia inventora, se processa. O ateliê é o local-instante, sem definição geográfica ou temporal precisa, que concentra os meios facilitadores de uma gama de atividades articuladas, tendo como resultante um objeto-performance, a serviço da criação.

Toda exposição é um tempo especial na vida do artista em que o trabalho autoral se apresenta para o diálogo com o público; tempo de compartilhar indagações, explorar os caminhos que elas nos propõem e, muito mais do que distribuir certezas, abrir espaço para as incertezas. Do diálogo permanente, da contestação e contraponto nascem as novas perguntas de uma espiral sem fim, eternamente em busca de mais conhecimento, sentido e significado. 

No caso da artista Norma Grinberg, trata-se de um perpétuo movimento, orquestrado pela razão e pela alma, no qual o barro é transformado pelo trabalho manual, pelas ferramentas, pela química, pelo fogo, subordinados à sensibilidade da artista. Em suas próprias palavras:

“Desde aquela experiência primeira com a cerâmica, continuo avançando no meu trabalho de investigação, descobrindo, além das suas potencialidades como matéria, suas aplicações e desdobramentos significativos na arte. Como artista, sei que as bases de uma produção ‘consistente’, tanto em matéria quanto em significado e amplitude interpretativa, são a liberdade e a consciência da experimentação. Isso implica registros e trocas de informações entre os que compartilham uma linguagem (...) não posso e não quero me esquivar do papel lúdico e rico de investigadora da linguagem artística, vasculhando seus meandros.”

É este percurso, que vai da matéria mais bruta e primordial aos sonhos mais elevados, que você é convidado a explorar e conhecer.

No ditado popular paraibano – “O primeiro artesão foi Deus que, depois de criar o mundo, pegou o barro e fez Adão”. Não por acaso, o mito de criação dos humanos em quase todas as culturas passa pelo barro (humus). Primeiro, a forma a partir do pó da terra e, depois, o sopro da vida.

A história da cerâmica começa com a descoberta do fogo, elemento fundamental para a transformação do barro amorfo e permeável em material resistente e insolúvel. O fogo era protegido em buracos e daqueles revestidos com barro nasceram os primeiros potes. As artes cerâmicas acompanham os seres humanos desde seus primeiros passos na pré-história, situando-se na interface entre a produção de objetos para uso cotidiano e esculturas de valor ritual e sagrado. Potes, deusas e deuses sempre andaram lado a lado. 

Nada é mais intenso nas artes cerâmicas do que o caminho do amorfo até a forma. Por mais que se dominem as técnicas, há sempre uma dose de acaso e mistério quando se tem em mãos um pedaço de barro e se começa a prepará-lo para a modelagem. Amassar repetidas vezes, eliminar bolhas de ar, encontrar a consistência exata fazem parte da boa técnica e são também etapas de um ritual de preparação para o primeiro embate entre criador e criatura, em que o principal elemento é a coragem de criar. 

Estas proposições estão plenamente representadas nos “Bichos”, “Humanoides” e “Capselas” de Norma Grinberg. São obras que constituem, ao mesmo tempo, registro e recriação de seu universo experiencial. Frutos de inúmeras viagens pelo Brasil e pelo mundo, contém impressões sobre os animais do Pantanal, referências dos povos originários, arcos góticos, construções sagradas e figuras humanas inspiradas nos arquétipos cicládicos. Elementos que, ao longo de sua trajetória artística, nem sempre linear, vêm se decompondo, recompondo e transmutando em novas possibilidades, ao sabor dos desafios contemporâneos. Tudo muda, tudo pode mudar...

Do amorfo à forma: os mitos de criação dos humanos 

A transformação da argila bruta em elementos cerâmicos se faz pela interação dos 4 elementos: terra, água, fogo e ar. Para os índios americanos, a argila participa de um embate entre forças de um povo celeste contra um povo da água, ou mundo subterrâneo. 

Na obra de Norma Grinberg, a conexão entre estas forças primordiais é re(a)presentada por alternância e sobreposição de elementos empilhados em estruturas verticais, ao modo de torres fincadas na terra e cujo cume busca, eternamente, tocar os céus. São módulos que se decompõem, multiplicam e se recompõem em alegorias simbólicas desenvolvidas através de toda a carreira da artista. As obras verticais têm sido apresentadas em grandes espaços livres e nos levam constantemente a interrogar sobre os limites entre a escultura e a arquitetura de ambientes.

Os “Humanoides” nascidos por volta de 1994 vêm desde essa época se transmutando em forma e significado, abrindo espaço para uma gama sem fim de narrativas que passam pelos mitos de origem da diversidade sociocultural dos humanos até as questões contemporâneas que estas mesmas características nos propõem. 

A instalação “Babel” trata explicitamente deste tema. Segundo narrativas bíblicas, querendo atingir os poderes e saberes de Deus, os humanos construíram uma enorme torre de tijolos (de novo, a argila como constituinte). Foram castigados por sua ousadia com o aparecimento de muitas línguas, incompreensíveis de uns para os outros – era o aparecimento das diferenças entre os povos. Humanos, assim como os elementos cerâmicos “Humanoides”, são iguais em termos de estrutura e, ao mesmo tempo, tão diferentes em termos de cores, posições, influências e interferências. Humanos continuam, desde os tempos bíblicos, sempre em busca de uma organização que lhes permita aprender a conviver criativamente, e esta obra nos leva diretamente à reflexão: o que nos faz, ao mesmo tempo, tão iguais e tão diferentes?

Humanos e a ligação entre a terra e o céu 

“Eles não sabem nem sonham
Que o sonho comanda a vida
E que sempre que o homem sonha
O mundo pula e avança
Como bola colorida
Entre as mãos de uma criança”

Em tempos tão invadidos pelo pragmatismo, é sempre bom lembrar das palavras de Júlio Verne: “Tudo que um homem pode imaginar, um outro pode realizar.”

Os elementos cerâmicos, nas visões de Norma Grinberg, ocupam o espaço tridimensional com a leveza e desenvoltura do voo dos pássaros e dos sonhos de todos os humanos. Contemplar estes trabalhos pede à imaginação liberdade de pensar o nunca pensado e recolocar o sonho no comando da vida criativa, quer seja no campo da ciência, no território da arte e até mesmo da espiritualidade mais profunda.

“Voos e Flutuantes” são convites para transcender a materialidade e a lógica do possível em busca daquilo que se movimenta (ainda hoje) no território dos sonhos. São obras que se re(-)inventam a cada instalação, elementos nascidos livres da forma perfeita e definida, lúdicos e, por isso mesmo, capazes de desafiar a percepção e os  sentidos a cada espaço-tempo em que se apresentam. 

É do movimento entre o sonho e a realidade, entre as forças do céu e as forças da terra, mediados pela argila, que se faz a criação nas artes cerâmicas e na vida. Sonhar não é preciso (exato), mas é preciso (necessário). “Voos e Flutuantes” não cumprem outra missão além de abrir portais para o sonho e a imaginação. 

“Da pura sensação à intuição da beleza, do prazer e da dor ao amor e ao êxtase místico e à morte – todas as coisas que são fundamentais, todas as coisas que para o espírito humano têm o mais profundo significado, podem ser apenas experimentadas, e não exprimidas. O resto é sempre, em qualquer lugar, silêncio. Depois do silêncio, aquilo que mais se aproxima de exprimir o inexprimível é a música.” (Aldous Huxley)

Em "Perpétuo Movimento", Norma Grinberg apresenta seu trabalho, pesquisa e experiências no campo da arte cerâmica. O percurso do amorfo à forma mais sofisticada é orquestrado pela razão e pela alma. Neste caminho o barro é transformado pelo trabalho manual, pelas ferramentas, pela química, pelo fogo, subordinados à sensibilidade da artista. São objetos modulares, instalações bi e tridimensionais convidando o público a um diálogo permanente entre a imaginação, o sonho e a materialidade.

Uma trajetória artística de décadas, que se funde a experiências e inspirações coletadas num contínuo movimento entre localidades e culturas, chega ao público nesta inédita exposição realizada pelo Museu Oscar Niemeyer.

A artista Norma Grinberg convida o visitante a dialogar com sua permanente pesquisa, que propõe uma atualização de linguagem. Inspirada no Concretismo, na Bauhaus e no Minimalismo, sugere, com seu trabalho, a contemporaneidade de instalações e seus desdobramentos, como intervenções no espaço arquitetônico, por exemplo.

Inspirada nas correntes minimalista e construtivista, marcadas por cores limitadas, formas geométricas simples e compreensão universal, suas esculturas propõem a participação do espectador. Obras que ocupam o espaço tridimensional, com a leveza e a desenvoltura do voo dos pássaros, por exemplo, facilmente envolvem quem as observa. 

Por mais especialista que seja nos processos técnicos, a artista visivelmente não se opõe ao inevitável acaso que surge nas criações. Ao transformar argila bruta em obras cerâmicas de arte, conta com a interação dos elementos terra, água, ar e fogo, o que, por si só, traz a força do imponderável.

Reconhecida e premiada no Brasil e no exterior, mistura em seu repertório materiais diversos como argamassa armada, ferro, alumínio, areia, madeira e resinas, mantendo a cerâmica como protagonista. Em comum, obras cheias de originalidade e contemporaneidade levam o público ao perpétuo movimento de indagação. 

O MON, como elemento vivo e pulsante, tem como missão proporcionar experiências transformadoras ao expor múltiplas linguagens artísticas. Ao facilitar o acesso de seus visitantes à grandiosa obra de Norma Grinberg, cumpre o importante papel de sensibilizar pela arte.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente | Museu Oscar Niemeyer 

Cerâmica Grês vitrificada (1153 °C)
Coleção da artista 

Exposição da artista Norma Grinberg é a mais nova realização do MON

O Museu Oscar Niemeyer (MON) realiza a exposição “Perpétuo Movimento”, da artista Norma Grinberg. A inauguração será no dia 4 de julho, na Sala 3. A curadoria é de Daisy Grisolia.

“Uma trajetória artística de décadas, que se funde a experiências e inspirações coletadas num contínuo movimento entre localidades e culturas, chega ao público nesta inédita exposição realizada pelo MON”, afirma a diretora-presidente da instituição, Juliana Vosnika.

A exposição inclui painéis, esculturas, objetos e instalações, frutos da criatividade e inovação da artista, refletindo no espaço uma trajetória de experimentação e pesquisa estética. No total, a mostra reúne cerca de 30 conjuntos de obras produzidas a partir de suas vivências e encantamentos pelo mundo. 

Inspirada nas correntes minimalista e construtivista, marcadas por cores limitadas, formas geométricas simples e compreensão universal, suas esculturas propõem um diálogo permanente com o visitante. Obras que ocupam o espaço tridimensional, com a leveza e a desenvoltura do voo dos pássaros, por exemplo, facilmente envolvem quem as observa. 

Reconhecida e premiada no Brasil e no exterior, Norma Grinberg mistura em seu repertório materiais diversos como argamassa armada, ferro, alumínio, areia, madeira e resinas, mantendo a cerâmica como protagonista. 

“O MON, como elemento vivo e pulsante, tem como missão proporcionar experiências transformadoras ao expor múltiplas linguagens artísticas. Ao facilitar o acesso de seus visitantes à grandiosa obra de Norma Grinberg, cumpre o importante papel de sensibilizar pela arte”, explica a diretora-presidente do Museu.

Luciana Casagrande Pereira Ferreira, secretária de Estado da Cultura, afirma que, como grande apreciadora das artes visuais, fica muito feliz pelo fato do MON abrigar uma exposição com obras de Norma Grinberg. 

“Certamente, esta mostra vai encantar e impactar positivamente o espectador. E como secretária da Cultura acredito que mais uma vez a missão do MON, em exaltar as linguagens da arte e do design, se faz nítida nesta iniciativa. A obra de Norma representa de forma muito consistente a escultura brasileira aqui e no exterior”, diz a secretária de Estado da Cultura.

Norma Grinberg é um dos maiores destaques nacionais em escultura cerâmica. A artista conta com prêmios e menções honrosas e suas obras estão em coleções particulares e acervos de museus nacionais e internacionais.

Segundo a curadora Daisy Grisolia, “toda exposição é um tempo especial na vida do artista em que o trabalho autoral se apresenta para o diálogo com o público; tempo de compartilhar indagações, explorar os caminhos que elas nos propõem e, muito mais do que distribuir certezas, abrir espaço para as incertezas”. 

“No caso da artista Norma Grinberg, trata-se de um perpétuo movimento, orquestrado pela razão e pela alma, no qual o barro é transformado pelo trabalho manual, pelas ferramentas, pela química, pelo fogo, subordinados à sensibilidade da artista”, diz a curadora. 

A própria artista define tal processo assim: “Desde aquela experiência primeira com a cerâmica, continuo avançando no meu trabalho de investigação, descobrindo, além das suas potencialidades como matéria, suas aplicações e desdobramentos significativos na arte. Como artista, sei que as bases de uma produção ‘consistente’, tanto em matéria quanto em significado e amplitude interpretativa, são a liberdade e a consciência da experimentação. Isso implica registros e trocas de informações entre os que compartilham uma linguagem (...), não posso e não quero me esquivar do papel lúdico e rico de investigadora da linguagem artística, vasculhando seus meandros”.

Na exposição “Perpétuo Movimento”, o público terá a oportunidade de explorar e conhecer tal percurso, que vai da matéria mais bruta e primordial aos sonhos mais elevados.

AP_FOLDER_DIGITAL_PT-BR_NORMA.pdf

Em Perpétuo Movimento Norma Grinberg, apresenta seu trabalho, pesquisa e experiências no campo da arte cerâmica. O percurso do amorfo à forma mais sofisticada é orquestrado pela razão e pela alma. Neste caminho o barro é transformado pelo trabalho manual, pelas ferramentas, pela química, pelo fogo, subordinados à sensibilidade da artista. São objetos modulares, instalações bi e tridimensionais convidando o público a um diálogo permanente entre a imaginação, o sonho e a materialidade.

Perpétuo Movimento - Norma Grinberg

Ao realizar a exposição “O Feminino na Obra de Victor Brecheret”, o Museu Oscar Niemeyer apresenta ao seu público um conjunto inspirador que permite não apenas contemplar, mas refletir. 

A finalidade da arte é expressar sentimentos, pensamentos e convicções por meio de valores estéticos. É o que acontece nesta potente mostra, em que o espectador encontra mais de 100 obras de Brecheret, tão importante nome no cenário nacional e internacional das artes visuais.

São esculturas e desenhos que alternam materiais e técnicas variadas, como bronze e mármore, bico de pena e caneta tinteiro, produzidos ao longo de décadas. Seus trabalhos têm como característica o desenhar com poucas linhas, límpidas e leves. Imagens femininas tomam forma a partir de poucos traços.

Nesta incrível seleção de obras temos o privilégio de encontrar a última realizada pelo artista, em 1955: a escultura em bronze “Retrato de Marisa”, uma oportunidade única de contemplação.

Maior museu de arte da América Latina em área construída, o MON abriga referenciais importantes da produção artística nacional e internacional em seu respeitado acervo de mais de 14 mil obras. Famoso por seu imenso Vão-livre e pelo prédio icônico do Olho, é um espaço único, obra escultural com a assinatura do arquiteto homônimo, e que realiza significativas mostras, como a de Brecheret. 

Em constante busca para se tornar cada vez mais vivo e atuante, nacional e internacionalmente, o MON oferece mais uma grande realização. Exposições como esta justificam a nossa busca incessante em trazer cada vez mais visitantes para essa fruição de conhecimento, beleza e reflexão promovida pelo Museu. 

Juliana Vellozo Almeida Vosnika 
Diretora-presidente | Museu Oscar Niemeyer

O Instituto Victor Brecheret (IVB) tem grande satisfação em apresentar a exposição “O Feminino na Obra de Victor Brecheret”, em parceria com o Museu Oscar Niemeyer (MON) e que tem como tema a mulher pela criatividade de Victor Brecheret.

A mostra reúne parte importante da obra do artista, trazendo uma seleção de esculturas dedicadas ao gênero feminino e que compreende mais de três décadas de inspiração e cuidadosa execução.

A exposição é de grande abrangência temporal. Nela são apresentadas peças do período de 1918 a 1955, com destaque para as várias fases e tendências de sua trajetória.

As esculturas são de vários períodos e diversos materiais, como mármore, pedra de frança, gesso, pedra granítica rolada pelo mar, bronze patinado e bronze polido. Oitenta desenhos acompanham as esculturas e levam o público a perceber os passos iniciais da criação artística.

O artista não só procura a figura, as superfícies, os volumes, a composição, mas, sobretudo, as resultantes de sua criatividade dedicada e intensa, que, ao moldar a matéria, faz dela emanar a alma feminina e os valores simbólicos, históricos e estéticos da mulher universal.

Estão expostas, entre outras, obras significativas da época em que o escultor ganhou projeção na Escola de Paris, quando conquistou seu espaço definitivo na escultura mundial.

O repertório desta exposição, em sua riqueza e diversidade, realizada em torno da figura da mulher, é extremamente revelador da alta qualidade da arte de Brecheret, que, aliada a uma percepção e sensibilidade, permite aos que a veem mergulhar em profundidade e extensão na alma feminina.

Dessa forma, o IVB realiza sua missão principal, contribuindo significativamente para a divulgação e compreensão da vida e obra de Brecheret. 

Fica mais uma vez evidenciada, com mais esta exposição, a riqueza de leituras e entendimentos que a obra escultórica de Victor Brecheret oferece aos pesquisadores, estudiosos, colecionadores, estudantes e público em geral.

Há que se registrar a seriedade e competência das pessoas e entidades envolvidas na realização desta mostra, às quais o Instituto Victor Brecheret deseja expressar seu maior agradecimento.

Victor Brecheret Filho
Presidente | Instituto Victor Brecheret

As esculturas do corpo nu de mulher remontam à pré-história, como totem e fetiche. Na Antiguidade Clássica, a escultura de nu feminino ou masculino foi considerada a mais perfeita representação do ser humano, bem como no Renascimento e no Neoclassicismo.

As vanguardas, cubismo e futurismo, infundiram o maquinismo ao corpo humano, transformando-o em volumes e planos. Nos anos 1920, a Art Déco mescla a geometria tubista com as influências orientais, entre outras, elementos presentes em “Mulher Ajoelhada”, em bronze polido. Nos anos 1930 e 1940, suas esculturas mostram maior naturalismo, sob uma discreta disciplina geométrica e maior sensualidade, como nos bronzes “Mulher Reclinada” (década de 1930) e “Adolescente Reclinada” (década de 1940).

De início, o artista realiza fortes alegorias, mulheres catalizadoras da tensão dramática. Na fase da Escola de Paris, ele aborda o tema mitológico das três Graças ou Cárites, símbolo da harmonia. Cria uma versão moderna e inovadora, como alegorias das três raças humanas. Numa época em que se expandiam teorias racistas, Brecheret propõe a harmonia e igualdade entre elas, unindo as três alegorias pelos ombros em um eixo central. Na mesma época, realiza outra “Três Graças”, em bronze polido, rara composição abstrata geométrica. Nos anos 1950, retoma o mesmo tema e solução técnica, mas usando formas orgânicas e primitivas cobertas de incisões evocadas da arte indígena. Com a mesma orientação realiza “Filha da Terra Roxa”, c. 1947-48, e “A Índia Escondida por um Grande Peixe”, c. 1948, da “Série das Pedras”; ele representa o mito do boto que revela o sagrado feminino que gera a vida, talhando incisões no granito, que completam as marcas de erosão do mar. Atingindo um alto grau de monumentalidade, o bronze “Morena” (1951) simboliza as mulheres do povo original da terra brasileira. Na década anterior, integrando a paisagem urbana da cidade de São Paulo, as duas monumentais “Graça I” e “Graça II” marcam presença do feminino na cidade.

A relação da mulher com o ser masculino é tema raro, aparece no início dos anos 1930 em “O Beijo”, marcante escultura. Com volumes de poderosa expressão plástica, configura um casal apaixonado, de formas estilizadas naturalistas. Incute uma atmosfera de romantismo na suave inclinação da figura masculina em relação à mulher. “O Beijo”, de bronze polido, é outra versão do mesmo tema onde há uma fusão unindo o feminino e o masculino, formando um sólido geométrico oval.

Nos anos 1920, em Montparnasse, Brecheret viveu a atmosfera alegre do bairro, vários dancings e cabarés. Assistiu a espetáculos dos Bailados Suecos e Russos. “Dançarina”, da década de 1920, em bronze polido, da “Série das Dançarinas”, apresenta a visão maquinista do corpo, um efeito de deslizar rítmico, elegante, acentuado pela posição das mãos em arabesco e dos pés em ponta de uma dança oriental.

Nessa época, a figura da mulher também se relaciona à música. Brecheret executa várias “Tocadoras de Guitarra”, instrumento da moda das bandas americanas. “A Tocadora de Guitarra”, em bronze polido, é um típico exemplo do maquinismo do corpo feminino, uma arquitetura de corpos geométricos que se ajustam como peças de engrenagens de uma máquina.

Os retratos, esculturas relacionadas à comemoração individual, têm numerosa presença na obra de Brecheret. “Despertar da Glória”, c. 1923, é um retrato idealizado de Simone Bordat, noiva do escultor, nos anos em Paris. No início da década de 1930, sua crescente fama nas exposições lhe valeu várias encomendas importantes. Um exemplo é “O Retrato da Marquesa Soriano de La Gandara”, realizado, a meio corpo, no estilo Art Déco, com volumes lisos e sintéticos, dotado de introspecção sutil e serena. Da mesma época, “Máscara de Jovem”, c. 1930-1934, em bronze, é uma composição sintética de expressão suave e tranquila. O retrato póstumo “Dama Paulista (Olívia Guedes Penteado)”, de 1934, representa a mecenas do artista como figura reclinada e graciosa, participando do banquete da vida, segundo o mito etrusco. Em “Retrato de Juranda”, c. 1939, o escultor retrata a jovem esposa, captando o caráter juvenil, de expressão alegre, modelando uma interpretação naturalista e poética. Na série de retratos de belas mulheres da década de 1940, é exemplo “Itacy Pellegini”, c. 1943. Sua última obra foi um retrato feminino, o de sua sobrinha, “Retrato de Marisa”, de 1955. Nesse trabalho encontram-se as qualidades de tantos retratos feitos: pureza, limpidez de volumes, simplicidade e força plástica das formas sob uma ordenação rigorosa.

O tema feminino e religioso na escultura de Brecheret aparece desde sua fase inicial. O bronze “Soror Dolorosa”, de 1920, foi inspirado no livro de poemas homônimo de Guilherme de Almeida. A composição dramática e tensa, bastante moderna, dispõe frente a frente a cabeça da mulher mística, contemplando o rosto do Cristo sacrificado. Nos anos 1920, em Paris, o artista desenvolveu uma produção de arte religiosa mais intensa e exaltada pela crítica. O tema de predileção foi a Virgem Maria, como em “Fuga para o Egito”, em bronze polido. As figuras Art Déco são estilizadas e elegantes. Na década de 1950, retoma a arte religiosa e compõe várias obras com o tema da Virgem com o Filho, como em “Virgem com o Menino”. A composição é sintética, os volumes são rusticamente definidos e os detalhes, por meio das incisões, com figuras de animais e grafismos. “Virgem da Anunciação”, de 1955, uma das suas últimas obras sacras, composta da Virgem adolescente e do Arcanjo Gabriel, retoma a delicadeza e a elegância das Madonas dos anos 1920. O tema do feminino é tratado com simplicidade, segundo uma perspectiva bastante espiritual. Destaca-se a monumental “Portadora de Perfume (Madeleine aux Parfums)”, de 1924, que teve destaque no Salão de Outono daquele ano em Paris.

Constituem a maioria. Como uma imagem poderosa, as figuras femininas ocupam sozinhas a folha de papel. Às vezes dividem espaços da folha com outras figuras em posturas diferentes. 

As mais antigas, da década de 1930, realizadas com lápis grafite, têm uma apresentação estática, como deusas clássicas. Nos anos 1940 e 1950, o desenho de Brecheret mudou, infundindo uma dinâmica naturalista nos corpos femininos.

Codifica um tipo de mulher de cintura fina, seios altos, quadris ondulantes e generosos. O tratamento do rosto não tem importância, e sim os elementos sensuais do corpo; também os membros, como as mãos e os pés, não são apresentados. Em alguns desenhos, a figura feminina é associada a um elemento de interesse, como um pássaro nas mãos.

Outro tema de preferência bastante recorrente nos desenhos são os dorsos femininos. A parte posterior do corpo feminino é apresentada em posturas leves e sinuosas.

Em alguns casos, os dorsos inclinam-se sensualmente em curva, destacando-se os volumes carnudos da base da coluna. Em outros dorsos, os braços são elevados ou afastados do tronco.

Destaca-se que a visão dos dorsos nus femininos foi um motivo erótico visual e literário bastante comum entre os gregos.

Os desenhos de figuras nuas de perfil ou três quartos mostram movimentos. A disposição das partes do corpo denota o desencadeamento de uma ação. As posturas são elegantes e parecem flutuar no ar. Como o artista não desenvolve as finalizações – pés, mãos e cabeças –, algumas imagens parecem sair da folha de papel, direcionando-se para cima ou para os lados.

Os nus femininos reclinados, entre os desenhos de Brecheret, têm uma apresentação especial – quando sozinhos, ocupam toda a extensão longitudinal da folha. Há nessas composições um inegável valor monumental dos grandes nus femininos que povoam a história da arte e que o artista também realizou em esculturas. 

A figura é poderosa, tem os seios empinados, a cabeça atirada para trás, uma erótica sinalização de prazer. As linhas fluidas e finas desenham a cintura delgada, que antecede as grandes curvas dos quadris e a sinuosidade das coxas.

Os raros desenhos que mostram mulheres em relacionamento amoroso com o masculino são enigmáticos. Criam situações de amor poético e suave, portanto idílico. Curiosamente, dois deles apresentam situações de triângulo amoroso, entre duas mulheres e um homem. 

Um casal de noivos caminha de mãos dadas, trocando olhares embevecidos; no plano de trás percebe-se uma figura feminina que inclina a cabeça dolorosamente. Há uma sensualidade sutilmente presente, com a nudez dos corpos masculino e feminino.

Um casal dançando, um entretenimento amoroso leve, erótico pela nudez dos corpos, suavizado pelos gestos das mãos em arabesco e os olhares semicerrados, denotando a intensidade da emoção interior.

Há vários desenhos que abordam o sagrado feminino, segundo a figuração de mulheres santas, relacionados à sua produção de arte sacra, vinculada à religião católica. 

Admirava a estatuária medieval das igrejas nos anos 1920, em Paris. Os desenhos com o tema “Fuga para o Egito”, da segunda metade da década de 1920, referem-se a essa fase. 

Geralmente, Maria é desenhada como mãe que protege o Filho, seja sob os traços estilizados da art déco no período parisiense, enquanto que é desenhada com formas orgânicas e com pequenos símbolos do primitivismo, na fase da arte indígena, dos anos 1940 e 1950.

Vários desenhos de Brecheret trazem a dualidade do sagrado e do profano, isto é, imagens de nus femininos junto a figuras sacras. À primeira vista, pode-se pensar em uma oposição, a imagem de uma mulher nua e o sagrado das figuras santas. Uma análise mais profunda, em que se apresentam íntimos os dois elementos, pode revelar outro entendimento. 

De fato, a essência do pensamento do artista em relação à mulher segue o arquétipo pré-histórico da sacralidade, que é inerente à imagem da mulher nua, tema presente em toda a sua produção de desenhos. Exemplarmente, podem-se observar os desenhos de figuras nuas em torno do Cristo Crucificado, bem como a marcante composição do frade tonsurado que olha com fervor e devoção o pequeno nu feminino que eleva e traz junto a si a palma da mão.

“O Feminino na Obra de Victor Brecheret” apresenta esculturas e desenhos que alternam materiais e técnicas variadas, como bronze e mármore, bico de pena e caneta-tinteiro, produzidos ao longo de décadas deste artista imprescindível no cenário nacional e internacional. A curadoria de Daisy Peccinini reúne mais de 100 obras, com esculturas relacionadas ao eterno feminino, simbolismo da Terra, a Grande Mãe, a deusa Gaia, Geia, dos gregos. Os trabalhos de Brecheret têm como característica o desenhar com poucas linhas, límpidas e leves, imagens femininas que tomam forma a partir de poucos traços.

A exposição apresenta a arte de Brecheret, relacionada ao eterno feminino. Na psique do artista, ganham forma em suas obras os humores, os sentimentos, as intuições, a capacidade de amar e a sensibilidade à natureza. 

As pequenas, médias e grandes esculturas desta exposição são predominantemente nus femininos relacionados ao simbolismo feminino da Terra, a grande Mãe, a deusa Gaia – Geia, dos gregos, o elemento primordial e latente de uma potencialidade geradora ilimitada. 

Em diversos materiais e pertencentes a diferentes momentos de seu percurso artístico, desencadeiam um especial convite a vivenciar não só a estética das formas, na presença material dos corpos femininos, mas captar a atmosfera anímica das obras que o seu criador imprimiu na matéria. 

Os significados são múltiplos, desde o foco no corpo feminino às alegorias, aos retratos, ao amor, ao ritmo, à música e às figuras sacras. Estabelecem um diálogo entre corpos extremamente forte, entre as peças e o visitante, oferecendo o prazer do sensível, desencadeado por sua presença física, no mesmo espaço. Caminhar em torno das esculturas cria sensações visuais, emocionais e sensíveis da forma, luz-cor, somadas à contemplação do significado. 

Os desenhos de Brecheret se apresentam na condição de sua singularidade, como de uma expressão autônoma de criação artística, independentes das esculturas expostas. Os 80 desenhos, em sua maioria, datam das últimas décadas de sua vida (1935-1955), predominando os anos 1940-1950. Constituem-se na materialização inicial da ideia. 

Desenhava de forma contínua quase compulsiva, sem modelos. Os corpos femininos guardam uma sensualidade natural e leve, e se estruturam mediante poucos traços, límpidos e longos, realizados em grafite, bico de pena e caneta-tinteiro; poucos apresentam hachuramentos. Agrupados em sete conjuntos, os desenhos proporcionam ao percurso do olhar perceber a sua intensa necessidade de criar formas.

As esculturas e os desenhos guardam latências, emanações intangíveis do arquétipo feminino, provenientes da psique do artista.

Bronze
341 x 100 x 87 cm
Acervo da Pinacoteca do Estado de São Paulo

Bronze
38 x 13 x 17 cm 
Coleção particular

Grafite sobre papel
33 x 22 cm
Coleção particular

Bronze
47 x 77 x 33 cm 
Coleção particular

Dama Paulista (Olivia Guedes Penteado), 1934

Bronze
75 x 17 x 14 cm
Coleção particular

Caneta-tinteiro sobre papel
32,5 x 22,5 cm
Coleção particular

Nu Reclinado, Posando para Dois Escultores e Templo Grego ao Fundo, déc. 1950

Mármore de Carrara
75 x 41 x 31 cm 
Acervo Museu de Arte Brasileira – MAB FAAP

Retrato da Marquesa Soriano de la Gandara, início déc. 1930

Bronze
37 x 15 x 13 cm
Coleção particular

Caneta-tinteiro sobre papel
30 x 21 cm
Coleção particular

O Museu Oscar Niemeyer (MON) realiza a mostra “O Feminino na Obra de Victor Brecheret”, que poderá ser vista na Sala 1 a partir do dia 22 de setembro. Com curadoria de Daisy Peccinini, a exposição apresenta mais de 100 obras desse importante nome do cenário nacional e internacional das artes visuais.

“A finalidade da arte é expressar sentimentos, pensamentos e convicções por meio de valores estéticos. É o que acontece nessa potente mostra”, afirma a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika. “Exposições como essa justificam a nossa busca incessante em trazer cada vez mais visitantes para essa fruição de conhecimento, beleza e reflexão promovida pelo Museu.” 

A secretária de Cultura, Luciana Casagrande Pereira Ferreira, enxerga cada exposição como uma jornada que ajuda na construção do MON como uma das mais importantes instituições culturais do continente. “Essa perspicácia em juntar linguagens, épocas e propostas diferentes enriquece a trajetória da instituição. Agora, é a vez do grande mestre Victor Brecheret encantar e seduzir o olhar do espectador. O Paraná recebe esse novo recorte de suas obras com muita honra”, afirma a secretária.

A exposição “O Feminino na Obra de Victor Brecheret” reúne esculturas e desenhos que alternam materiais e técnicas variadas, como bronze e mármore, bico de pena e caneta tinteiro, produzidos ao longo de décadas. Seus trabalhos têm como característica o desenhar com poucas linhas, límpidas e leves. Imagens femininas tomam forma a partir de poucos traços.

Nessa incrível seleção de obras, temos o privilégio de encontrar a última realizada pelo artista, em 1955: a escultura em bronze “Retrato de Marisa”, uma oportunidade única de contemplação. Também faz parte do conjunto o retrato “Juranda Brecheret”, esposa do escultor, na época do casamento.

A curadora fala sobre a exposição, que apresenta a arte de Brecheret relacionada ao eterno feminino. “Na psique do artista, ganha forma em suas obras os humores, os sentimentos, as intuições, a capacidade de amar e a sensibilidade à natureza”, diz Daisy. 

Segundo ela, as pequenas, médias e grandes esculturas dessa exposição são predominantemente nus femininos relacionados ao simbolismo feminino da Terra, a Grande Mãe, a deusa Gaia, Geia, dos gregos, o elemento primordial e latente de uma potencialidade geradora ilimitada.

Os desenhos de Brecheret se apresentam na condição de sua singularidade, como de uma expressão autônoma de criação artística, independentes das esculturas expostas. Os 80 desenhos, em sua maioria, datam das últimas décadas de sua vida e constituem-se na materialização inicial da ideia. “Esculturas e desenhos guardam latências, emanações intangíveis do arquétipo feminino, provenientes da psique do artista”, conclui a curadora.

A exposição “O Feminino na Obra de Victor Brecheret” é uma parceria do Museu Oscar Niemeyer com o Instituto Victor Brecheret (IVB).

O Feminino na Obra de Victor Brecheret

Uma cadeira. Uma cadeira como qualquer outra cadeira de qualquer outra instituição pública brasileira. Uma cadeira como as cadeiras das escolas públicas, como as cadeiras das cadeias públicas. Uma cadeira como as cadeiras da Colônia Juliano Moreira, cujos portões Arthur Bispo do Rosário cruzou, em 25 de janeiro de 1939, para viver internado a maior parte da sua vida. Uma cadeira incorporada no universo criativo de um dos mais expressivos artistas brasileiros do século XX, na mais pungente resposta à loucura cometida pela sociedade brasileira em todos os espaços manicomiais do país. 

Durante toda a sua vida, este ex-marinheiro, ex-boxeador, ex-funcionário da “Light” e usuário do sistema de saúde mental diagnosticado como esquizofrênico paranoide apresentou-nos, através de objetos, instalações, assemblages, dos bordados e da escrita, um mundo onírico extremamente organizado e hierarquizado. A sua cela no Núcleo Ulisses Vianna passou a ser ateliê e espaço de investigação, onde ele defendia os seus trabalhos com obstinação, pois via como missão catalogar “todo o material existente na Terra dos Homens” para salvá-lo no dia do Juízo Final. Através de um simples fio azul, desfiado durante anos num ato de subversão e lucidez contra a prisão manicomial, iniciou uma obra cujo único marco temporal parece ter sido a sua visão, alguns dias antes do Natal de 1938. “O tempo é o espaço vazio”, diz em seus falatórios Stella do Patrocínio, que também viveu durante anos encarcerada na Colônia Juliano Moreira. No entanto, é neste tempo/espaço que Arthur Bispo do Rosário deixou-nos, ao morrer em 5 de julho de 1989, uma obra que quanto mais o tempo avança, mais se mostra atemporal.

No Museu Oscar Niemeyer, o impacto dessa obra também se reflete nos bordados, poemas, fotografias, instalações e videoperformances dos artistas contemporâneos convidados a integrar a presente exposição, tecendo um diálogo com a obra de Arthur Bispo do Rosário e com o próprio território do antigo hospital psiquiátrico. 

E não podemos deixar de perguntar: como encarar e explicar a obra genial de Arthur Bispo do Rosário, criada num sistema manicomial que via como regra a exclusão do indivíduo, diante de nossa frágil capacidade para entender e respeitar a menor diferença?

A resposta a essa pergunta talvez esteja perdida entre os extremos a que a própria racionalidade humana nos levou no século XX, num ponto entre as grandes revoluções científicas, tecnológicas e médicas e as mais assustadoras brutalidades a que fomos capazes de chegar: a sensibilidade de um olhar que, simplesmente, elevou uma cadeira a alguns centímetros do chão.

Guilherme Gontijo Flores 
O que eu guardo me guardo aqui
2023

o que se empilha aqui é só um mapa
que vai ficar ligeiramente bem 

maior que o mundo um mapa-mundi não
um mapa-mundo pra fazer um mundo-

mapi e aqui fazer cruzar aqui
votos destroyers misses mais a miss

universo e mais aquela carrada 
de bois e bois mais ruas e cidades

países e pessoas e pedaços
de ruas e cidades e países

e pedaços de coisas nomes coisas
como países e pessoas dias

dias e dias neste mapa um mapa
guarda dias um mapa de pessoas

uma faixa de fichas arquivadas
manto de escombros pelo mato adentro

um mapa-lista mapa-lastro mapa-
colônia-engenho-jacarepaguá

empregos números e tempos mapa
de tempo vivo rastro dessas formas

mapa de cola forte quase mala 
de mão universal dúvida e deus

coisas e bois onde aportar depois 
ruas misses pedaços e países

com ilhas ilhas e ilhas bois e dias 
aqui se empilha e vai caber o mundo

Guilherme Gontijo Flores 
O que se empilha aqui é só um mapa
2023

Poema: O que se empilha aqui é só um mapa

A Natureza da Vida, Pavilhão 10, onde viveu Arthur Bispo do Rosário, 
Colônia Juliano Moreira, 2016

Sonhei em mergulhar neste lugar. Em 2002, conheci a Colônia Juliano Moreira e visitei os pavilhões que abrigaram Arthur Bispo do Rosário. Senti a necessidade de performar ali e mais de uma década se passou até a oportunidade se realizar. Fui convidada para participar da programação da exposição “Das Virgens em Cardumes e da Cor das Auras”, com o projeto Grassa Crua em Residência Artística no Museu Bispo do Rosário. Entre as atividades do projeto, busquei o momento para realizar o sonho nas celas de Bispo. A performance “A Natureza da Vida” é constituída de ações realizadas em locais diversos. São ações em parques, praças e outros lugares públicos, onde sou fotografada, quase sempre nua, discutindo os padrões impostos às nossas corpas dissidentes e abjetas. Uma corpa que ocupa os espaços se posicionando e colocando-se presente e visível. O que conduz o trabalho é a proposição que faço como ativadora da obra, no agenciamento de olhares e lugares, trazendo a cada ação um sentido, na passagem e sensações de meu corpo naquele momento-lugar. Nas celas no Pavilhão 10, muita energia adensada. Fazer aquelas fotografias, pelas quais tanto esperei, foi forte. Um arrepio no corpo, aquele chão muito sujo e molhado, o pavilhão grande e com espaços de convivências como a passagem da entrada, o pátio de sol, as celas, o refeitório e as celas com suas latrinas no chão. As paredes-peles com algumas inscrições nos davam pistas de tantas dores entranhadas no lugar e as grades nas janelas explicitamente me falavam das violências de um passado muito próximo e do que se anunciava como presságios ruins com os ares daquele momento. Incômodos, muitas emoções, estar ali nua, despojada de qualquer artifício, pele-corpa em contato direto com o lugar, absorvendo tanto sofrimento e também sentindo aquele lugar onde, mesmo com tudo o que acontecia, Bispo produziu sua arte maravilhosa que me diz tanto, assim como me trazia as emoções de outros artistas que passaram por ali como Stella do Patrocínio, Arlindo Oliveira, Patrícia Ruth e outros tantos que eu estava conhecendo de perto. Tudo isto me atravessava a pele e atingia direto no coração. Assim surgiram essas imagens da performance fotografadas pelas artistas que me acompanharam nessa experiência. 

A Natureza da Vida por Fernanda  Magalhães

Arthur Bispo do Rosário, Antônio Bragança, Eduardo Hargreaves, Fernanda Magalhães, Guilherme Gontijo Flores, Leonardo Lobão, Marlon de Paula, Paulo Nazareth, Rick Rodrigues e Stella do Patrocínio.

Com mais de 100 obras, a exposição "Sonoridades de Bispo do Rosário" realizada pelo Museu Oscar Niemeyer coloca o legado do renomado artista em diálogo com artistas que tiveram seus processos criativos influenciados por Bispo do Rosário.

Obras como instalações, objetos, colagens, assemblages e estandartes, características de Arthur Bispo do Rosário, dialogam com a obra visual de Antônio Bragança, Stella do Patrocínio, Leonardo Lobão, Paulo Nazareth, Marlon de Paula, Rick Rodrigues, Eduardo Hargreaves, Fernanda Magalhães e Guilherme Gontijo Flores.

Ao realizar a exposição “Sonoridades de Bispo do Rosário”, o Museu Oscar Niemeyer propõe ao espectador uma profunda reflexão sobre o que é arte e o seu papel transformador.

Celebrado e reconhecido postumamente no Brasil e no exterior, num processo incomum, ausente de formação acadêmica, Bispo do Rosário produziu a partir de materiais inusitados, transformando sua genialidade em instalações surpreendentes, comparáveis à obra de Marcel Duchamp ao mostrar que a arte é possível também a partir da simplicidade de objetos do cotidiano.

Suas criações, tão relevantes e atuais neste século 21, não foram feitas num ateliê, mas dentro de uma instituição psiquiátrica. Impulsionado por uma força interior e por sua intensa criatividade e originalidade, rompeu paradigmas e apresentou grande potência semântica.

Centenas de exposições nacionais e internacionais feitas ao longo das últimas décadas em torno do seu trabalho mostram o incrível alcance de sua obra. Bispo do Rosário foi tema de livros, filmes e peças de teatro.

Evocando os aspectos sonoros e poéticos presentes na obra do artista, os diversos objetos, instalações, colagens, assemblages e estandartes aqui presentes dialogam com a obra visual, performática e poética de outros artistas que integram a exposição, deixando evidente o impacto de seu legado no cenário da arte contemporânea.

O singular fazer artístico de Bispo do Rosário permitiu que ele transcendesse barreiras e oferecesse uma nova perspectiva sobre a realidade, exatamente o que acreditamos ser um dos mais importantes papéis da arte. 

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente
Museu Oscar Niemeyer

Montagem, costura, bordado e escrita
Coleção Museu Bispo do Rosário Arte Contemporânea 

Montagem, carpintaria, pintura, costura e escrita
Coleção Museu Bispo do Rosário Arte Contemporânea

Costura, bordado, escrita
Coleção Museu Bispo do Rosário Arte Contemporânea

Montagem, carpintaria, pintura, revestimento, costura, bordado e escrita
Coleção Museu Bispo do Rosário Arte Contemporânea

Montagem, carpintaria, costura, bordado e escrita
Coleção Museu Bispo do Rosário Arte Contemporânea

Museu Oscar Niemeyer realiza exposição do artista Bispo do Rosário

A exposição “Sonoridades de Bispo do Rosário”, com mais de 100 obras, estará disponível ao público a partir do dia 5 de julho, na Sala 6 do Museu Oscar Niemeyer (MON). A mostra coloca o legado de Arthur Bispo do Rosário em diálogo com outros artistas cujos processos criativos foram influenciados por ele e pela convivência com a Colônia Juliano Moreira, onde Bispo do Rosário passou a maior parte da vida como interno. A curadoria é de Luiz Gustavo Carvalho.

“Ao realizar esta exposição, o MON propõe ao espectador uma profunda reflexão sobre o que é arte e o seu papel transformador”, comenta a diretora-presidente do Museu, Juliana Vosnika.

“Celebrado e reconhecido postumamente no Brasil e no exterior, num processo incomum, ausente de formação acadêmica, Bispo do Rosário produziu a partir de materiais inusitados, transformando sua genialidade em instalações surpreendentes, comparáveis à obra de Marcel Duchamp ao mostrar que a arte é possível também a partir da simplicidade de objetos do cotidiano”, afirma.

Evocando os aspectos sonoros e poéticos presentes na obra do artista, os diversos objetos, instalações, colagens, assemblages e estandartes presentes na exposição dialogam com a obra visual, performática e poética de outros artistas que integram a exposição, deixando evidente o impacto de seu legado no cenário da arte contemporânea.

São eles: Antônio Bragança, Stella do Patrocínio, Leonardo Lobão, Paulo Nazareth, Marlon de Paula, Rick Rodrigues, Eduardo Hargreaves, Fernanda Magalhães e Guilherme Gontijo Flores.

Arthur Bispo do Rosário (1909-1989) foi interno da Colônia Juliano Moreira (RJ), um dos maiores hospitais psiquiátricos do país no século passado, durante boa parte de sua vida. Carregou vários estigmas de marginalização social ainda vigentes em nossa sociedade – negro, pobre, louco, asilado em um manicômio – e conseguiu, na sua genialidade, subverter a lógica excludente proposta, a partir da sua obra.

A sua cela no Núcleo Ulisses Vianna, em vez de ser um lugar de confinamento, passou a ser ateliê e espaço de investigação. “Ele defendia os seus trabalhos com obstinação (...). Em um mundo ensurdecido pelo caos da normalidade e no qual as vozes são abafadas, Arthur Bispo do Rosário vê a necessidade de gritar”, explica Carvalho.

Durante anos, o artista desfiou os uniformes azuis do hospício, em um ato de subversão e lucidez contra a prisão manicomial, para em seguida transformá-los, bordando, rebordando, juntando, consertando, escrevendo, ocultando e criando catálogos e cartografias que ultrapassam as fronteiras entre o real e o imaginário, o visível e o invisível, o consciente e o inconsciente.

“Não podemos deixar de perguntar: como foi possível a uma pessoa que passou décadas enclausurada em um sistema manicomial que via como regra a exclusão do indivíduo ter nos legado uma obra de importância singular, em âmbito mundial, em pleno século 20?”, indaga o curador da exposição.

Centenas de exposições nacionais e internacionais feitas ao longo das últimas décadas em torno do seu trabalho mostram o incrível alcance de sua obra. Bispo do Rosário foi tema de livros, filmes e peças de teatro, entre outras vertentes artísticas.

SOBRE O MON
O Museu Oscar Niemeyer (MON) é patrimônio estatal vinculado à Secretaria de Estado da Cultura. A instituição abriga referenciais importantes da produção artística nacional e internacional nas áreas de artes visuais, arquitetura e design, além de grandiosas coleções asiática e africana. No total, o acervo conta com aproximadamente 14 mil obras de arte, abrigadas em um espaço superior a 35 mil metros quadrados de área construída, o que torna o MON o maior museu de arte da América Latina.

Com mais de 100 obras, a exposição "Sonoridades de Bispo do Rosário" realizada pelo Museu Oscar Niemeyer coloca o legado do renomado artista em diálogo com artistas que tiveram seus processos criativos influenciados por Bispo do Rosário. Obras como instalações, objetos, colagens, assemblages e estandartes, características de Arthur Bispo do Rosário, dialogam com a obra visual de Antônio Bragança, Stella do Patrocínio, Leonardo Lobão, Paulo Nazareth, Marlon de Paula, Rick Rodrigues, Eduardo Hargreaves, Fernanda Magalhães e Guilherme Gontijo Flores.

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