Vila Velha es un paraíso ecológico y una de las unidades de conservación más importantes de Brasil. Su historia, llena de curiosidades, presenta una composición natural única en el mundo, con senderos de arenisca y antiguas formaciones rocosas. Competir con una naturaleza tan imponente mediante una instalación artística implica modestia.

Así, con un proyecto del artista y arquitecto paranaense Fernando Canalli, se diseñó una especie de mandala circular alrededor de una gran piedra antigua central, dejando espacio para obras contemporáneas. Estas no son gigantescas, sino a escala humana, cercanas al visitante, respetando la magia de la naturaleza circundante en un equilibrio respetuoso.

Siempre es importante vivir en la propia generación y comprender el nuevo pensamiento creativo de nuestro mundo. El patrimonio es fruto de generaciones que expresan sus visiones: presente y futuro. En este proyecto, es muy desafiante, pero también inteligente, percibir la perspectiva de los artistas que nos hablan de un sitio tan especial. Nos encontramos en un momento crítico del Antropoceno, en el que la naturaleza está en peligro. Es bueno saber cómo los artistas abordan esto a través de su obra, una forma de hablar poéticamente sobre el tema sin asustar a nadie.

 La iniciativa “MON Sin Muros – Arte al Aire Libre”, un proyecto que trascendió los límites físicos del Museo Oscar Niemeyer (MON) al traer obras de arte a sus jardines, presenta su primera exposición itinerante. El Parque Estatal de Vila Velha, declarado Patrimonio Histórico y Artístico del Estado de Paraná, albergará obras de arte inéditas, en colaboración con el Museo.

 La iniciativa “MON Sin Muros – Vila Velha” es un proyecto del Gobierno de Paraná, a través del Instituto Água e Terras, vinculado a la Secretaría de Desarrollo Sostenible, Soul Parques y el Museo Oscar Niemeyer. El proyecto cuenta con la curaduría de Marc Pottier y la idea de Fernando Canalli. Los artistas participantes son: Gustavo Utrabo, Tom Lisboa, Kulykirida Menihaku, Sonia Dias, Denise Milan y Alexandre Vogler.

Inaugurado en 2024, el proyecto "MON Sin Muros – Arte al Aire Libre" rompió los límites físicos de las paredes del Museo Oscar Niemeyer y abrazó al público. La iniciativa se ha convertido en una invitación permanente con obras de arte interactivas en el área exterior, inspirando al público y animándolo a entrar al MON.

Ahora en una nueva etapa, en línea con el objetivo del gobierno estatal de difundir el arte y la cultura en todo Paraná, el proyecto trae esta intervención artística sin precedentes al Parque Estatal de Vila Velha.

Al acercar las obras de arte a la población, además de sensibilizar al público en general, ofrecemos un entorno para la pausa, la desaceleración y la reconexión interior. Con este logro, el MON inaugura un nuevo capítulo en su historia, utilizando toda su experiencia para llegar a nuevos públicos y espacios, difundiendo el arte.

Madeira piranheira, urucum, carvão, resina de ingá e concha de caramujo
60 x 180 cm

Totem.Tatu e Totem Urubu.Rei - Kulykirida Mehinaku

Vidro Laminado sobre estrutura metálica 
400 x 150 x 150cm

Imaginei um Vento Pintado – Gustavo Utrabo

Aço corten sobre base de areia 
110 x 300 cm

PARQUE ESTADUAL DE VILA VELHA
Rodovia BR-376, Km 515 
Vila Velha, Ponta Grossa - PR, 84000-000

El Parque Estatal de Vila Velha albergará obras de arte al aire libre, un proyecto del Museo Oscar Niemeyer

El proyecto “MON sin Muros – Arte al Aire Libre”, que trascendió los límites físicos del Museo Oscar Niemeyer (MON) al llevar obras de arte a sus jardines, ahora va un paso más allá. Declarado Patrimonio Histórico y Artístico del Estado de Paraná, el Parque Estatal de Vila Velha albergará obras de arte sin precedentes, en colaboración con el Museo.

La iniciativa “MON sin Muros – Vila Velha” es un proyecto del Gobierno del Estado de Paraná, a través del Instituto de Aguas y Tierras, en colaboración con la Secretaría de Desarrollo Sostenible, Soul Parques y el Museo Oscar Niemeyer.

La exposición “MON sin Muros – Vila Velha” está comisariada por Marc Pottier y conceptualizada por Fernando Canalli. Los artistas participantes son: Gustavo Utrabo, Tom Lisboa, Kulykirida Menihaku, Sonia Dias, Denise Milan y Alexandre Vogler. La inauguración será el 25 de febrero a las 15:00 h.

“Traer obras de arte al Parque Estatal de Vila Velha a través de ‘MON sin Muros’ amplía el acceso a la cultura e integra el arte, el patrimonio natural y el territorio. Esta iniciativa ejemplifica el compromiso del Gobierno del Estado de Paraná con la descentralización de las políticas culturales y la presencia del arte en diferentes espacios del estado”, afirma Luciana Casagrande Pereira, Secretaria de Estado de Cultura.

“Con este logro, MON inaugura un nuevo capítulo en su historia, utilizando toda su experiencia para llegar a nuevos públicos y espacios, difundiendo el arte”, afirma la directora ejecutiva de MON, Juliana Vosnika.

Inaugurado en 2024, el proyecto “MON Sin Muros – Arte al Aire Libre” rompió los límites físicos de las paredes del Museo y abrazó al público. La iniciativa se ha convertido en una invitación permanente con obras de arte interactivas en el área exterior, inspirando al público y animándolo a entrar al MON.

“El proyecto, ahora en una nueva fase, en línea con el objetivo del gobierno estatal de difundir el arte y la cultura en todo Paraná, trae una intervención artística sin precedentes al Parque Vila Velha en colaboración con el Museo”, informa Juliana.

“Cuando acercamos obras de arte a la población, además de sensibilizar al público en general, que quizá no tenga la costumbre de entrar en un museo, ofrecemos un ambiente de pausa, desaceleración y reconexión interior”, afirma. “Entendemos que el arte contribuye cada vez más a la salud”.

Juliana comenta que los profesionales de la salud han recomendado visitas a museos y que investigaciones en psicología, arteterapia y estudios culturales demuestran que visitar museos reduce el estrés, estimula emociones positivas y promueve el bienestar. “Además de fortalecer la identidad y el sentido de pertenencia, el arte permite conectar con la cultura, la memoria y las narrativas colectivas, elementos fundamentales para el bienestar psicológico”, cita.

El Parque Estatal Vila Velha es un paraíso ecológico y una de las unidades de conservación ambiental más importantes de Brasil. Además de una rica historia llena de curiosidades, cuenta con una composición natural única en el mundo, con senderos de arenisca y antiguas formaciones rocosas.

El curador, Marc Pottier, explica que el lugar también alberga numerosas leyendas. "En el pasado se llamaba Itacueretaba, o 'ciudad extinta de piedras', según el pueblo Apiaba que la habitaba", afirma. También destaca que algunas rocas tienen formas únicas, como una copa, una esfinge, una bota, una tortuga, una cabeza de indio, una botella, un camello y la proa de un barco. "Entre estos acantilados históricos y las curiosas formas que presentan, hay temas únicos que inspiran la reflexión de los artistas contemporáneos", comenta.

“El Museo Oscar Niemeyer, a través de ‘MON sin Muros – Arte al Aire Libre’ (que busca invitar a artistas a crear obras site specific en los jardines del Museo), convocó a un grupo de artistas para crear un diálogo con este universo tan especial, dando así sus interpretaciones de la singularidad del lugar”, comenta la curadora.

El Museo Oscar Niemeyer (MON) es un inmueble estatal adscrito a la Secretaría de Estado de Cultura. La institución alberga importantes referentes de la producción artística nacional e internacional en las áreas de artes visuales, arquitectura y diseño, además de importantes colecciones asiáticas y africanas. En total, la colección cuenta con aproximadamente 14.000 obras de arte, albergadas en un espacio de más de 35.000 metros cuadrados, lo que convierte al MON en el museo de arte más grande de Latinoamérica.

Ubicado en Ponta Grossa, Paraná, a solo una hora de Curitiba, el Parque Estatal de Vila Velha fue el primer parque estatal creado en Paraná en 1953. Actualmente, es una concesión del Gobierno del Estado de Paraná, a través del Instituto de Aguas y Tierras, a Soul Vila Velha, empresa del Grupo Soul Parques.

Las taquillas abren hasta las 15:00 h. Se recomienda llegar por la mañana para explorar sus atracciones (Sendero de Arenisca Unimed, Furnas y Lagoa Dourada), disfrutar de las diversas opciones gastronómicas y disfrutar de las atracciones de aventura (tirolesa, arborismo y ciclismo).

Más información: https://parquevilavelha.com.br/

“MON sem Paredes –  Arte ao Ar Livre – Vila Velha”
Inauguração: 25/2, 15h
Parque Estadual de Vila Velha 
Rodovia BR-376, Km 515, Jardim Vila Velha, Ponta Grossa - PR

Museu Oscar Niemeyer
www.museuoscarniemeyer.org.br

La iniciativa "MON Sin Muros – Arte al Aire Libre", un proyecto que trascendió las fronteras del Museo Oscar Niemeyer (MON) al llevar obras de arte a sus jardines, presenta su primera exposición itinerante. El Parque Estatal de Vila Velha, declarado Patrimonio Histórico y Artístico del Estado de Paraná, albergará obras de arte inéditas en colaboración con el Museo.
La iniciativa "MON Sin Muros – Vila Velha" es un proyecto del Gobierno del Estado de Paraná, a través del Instituto de Aguas y Tierras, vinculado a la Secretaría de Desarrollo Sostenible, Soul Parques y el Museo Oscar Niemeyer. El proyecto cuenta con la curaduría de Marc Pottier y la idea es de Fernando Canalli. Los artistas participantes son: Gustavo Utrabo, Tom Lisboa, Kulykirida Menihaku, Sonia Dias, Denise Milan y Alexandre Vogler.

MON sin Paredes - Vila Velha

La exposición itinerante “Poty retrata Paraná” presenta obras del artista Poty Lazzarotto (1924–1998) en el Salón Noble de la Asamblea Legislativa de Paraná, una iniciativa del Museo Oscar Niemeyer. Con la curaduría de Ricardo Freire, la muestra exhibe una selección de 50 pinturas, dibujos, ilustraciones y estudios para paneles, que forman parte de las más de 4.000 obras del artista pertenecientes a la colección permanente del MON.

El Museo Oscar Niemeyer, encargado de preservar y salvaguardar este valioso legado, se ha convertido en referencia para este brillante artista brasileño. Actualmente, una de sus misiones es ir más allá de los muros del MON y hacer que su obra llegue a un público cada vez mayor.

Al recibir la responsabilidad de salvaguardar y preservar el valioso legado de Poty Lazzarotto, el Museo Oscar Niemeyer (MON) se ha convertido en referencia de la obra de este brillante artista brasileño. Una de nuestras misiones ahora es ir más allá de los muros del Museo y asegurar que su obra llegue a un público cada vez mayor.

El 29 de marzo, aniversario de Curitiba—y coincidentemente el cumpleaños del artista Poty Lazzarotto—, el MON recibió la mayor colección jamás donada a la institución: aproximadamente 4.500 piezas. El año fue 2022.

Desde entonces, el MON no solo ha sido el guardián de las obras, sino también el facilitador de su acceso. Esta colección contiene más de 3.000 dibujos y 366 grabados, así como tapices, tallas, serigrafías y esculturas, entre otros. La donación fue realizada directamente por el hermano del artista, João Lazzarotto, ya fallecido.

Estas obras enriquecen aún más el acervo del MON, que ha quintuplicado su tamaño en los últimos años y ahora cuenta con aproximadamente 14.000 obras en un espacio de más de 35.000 metros cuadrados de área construida, convirtiendo al MON en el museo de arte más grande de América Latina. 

Poty Lazzarotto
Sin título, 1989
Litografía sobre papel	
Colección Museo Oscar Niemeyer
Colección Poty Lazzarotto – Donación de João Lazzarotto

Sin título, 1994 
Tinta, carbón y pintura al agua sobre papel
Colección Museo Oscar Niemeyer
Colección Poty Lazzarotto – Donación de João Lazzarotto

ASAMBLEA LEGISLATIVA DEL ESTADO DE PARANÁ
Praça Nossa Senhora de Salete, s/n - Centro Cívico, Curitiba - PR
Entrada gratuita de lunes a viernes, de 9 a 18 h

MON presenta una exposición de obras de Poty Lazzarotto en la Asamblea Legislativa de Paraná

El Museo Oscar Niemeyer presenta una exposición de obras del artista curitibano Poty Lazzarotto (1924–1998) en la Asamblea Legislativa de Paraná. “Poty retrata Paraná”, con curaduría de Ricardo Freire, reúne 50 pinturas, dibujos, ilustraciones y estudios de paneles, que forman parte de las más de 4.000 obras del artista en la colección permanente del MON.

“Al recibir la responsabilidad de salvaguardar y preservar el valioso legado de Poty Lazzarotto, el Museo Oscar Niemeyer se ha convertido en un referente para este brillante artista brasileño”, afirma la directora-presidenta del MON, Juliana Vosnika. “Una de nuestras misiones ahora es ir más allá de los muros del museo y asegurar que su obra llegue a un público cada vez más amplio y diverso”, añade.

En sus dibujos y grabados, Poty retrató nuestro Estado. “El desarrollo de Paraná comienza con los pueblos indígenas pertenecientes a los troncos lingüísticos tupi-guaraní y Jê. Entre los antepasados de nuestra tierra, la historia—entrelazada con la leyenda—ha preservado registros de héroes como el cacique Guairacá, defensor del territorio, y de figuras fantásticas como los implicados en la leyenda de las Cataratas del Iguazú”, explica el curador.

Las obras seleccionadas exploran la cronología del Estado, destacando a los tropeiros, la llegada de inmigrantes europeos, la implantación del ferrocarril en Paraná y la industrialización, entre otros aspectos representados lúdicamente por el artista.

Desde niño, el dibujo de Poty ya revelaba el poder de su narrativa gráfica. En 1942, ingresó en la Escuela Nacional de Bellas Artes en Río de Janeiro, donde fue introducido en el grabado por Carlos Oswald. Se graduó en 1946 y obtuvo una beca para la École des Beaux-Arts en París. Al regresar a Brasil en 1948, Poty se dedicó no solo a la producción artística, sino también a la educación artística: en 1950 organizó el primer curso de grabado en el Museo de Arte de São Paulo (MASP) e impartió cursos en Bahía, Recife y Curitiba.

A partir de la década de 1950, su arte adoptó una escala monumental en espacios públicos, a través de murales. Entre sus obras más emblemáticas están: “Desarrollo Histórico de Paraná” (1953), el mural del Teatro Guaíra (1969) y el mural para el Memorial de América Latina en São Paulo (1988).

El 29 de marzo de 2022, aniversario de Curitiba—y coincidentemente cumpleaños de Poty Lazzarotto—, el MON recibió la mayor colección jamás donada a la institución: aproximadamente 4.500 piezas. 

Esta colección incluye más de 3.000 dibujos y 366 grabados, así como tapices, tallas, serigrafías y esculturas, entre otros. La donación fue realizada directamente por el hermano del artista, João Lazzarotto.

Estas obras enriquecen aún más el acervo del MON, que ha quintuplicado su tamaño en los últimos años, posicionando al Museo como uno de los más importantes de América Latina. 

Poty Lazzarotto (Curitiba, 1924–1998) comenzó su camino en el dibujo y más tarde se internó en la técnica del grabado, de la que se convirtió en maestro y creador del primer curso de grabado del MASP. Gran parte de su arte es biográfico: desde recuerdos infantiles de trenes y rieles hasta representaciones de personajes curitibanos y sus ambientes.

Los dibujos y grabados de Poty son directos y sencillos. Con este estilo espontáneo, ilustró diversas obras de la literatura brasileña como “Os sertões” de Euclides da Cunha y “Grande Sertão: Veredas” de Guimarães Rosa. También dio vida a los polémicos curitibanos retratados en los cuentos de otro ícono paranaense, Dalton Trevisan. 

Su presencia no se limitó a la literatura: Poty dejó huella en Curitiba a través de monumentos y paneles en azulejo o hormigón visto, una práctica que inició con el panel “Desarrollo Histórico de Paraná” de 1953 en la Plaza 19 de Diciembre. Otros ejemplos son los paneles del Pasaje Nestor de Castro, donde representa, de un lado, una Curitiba pasada, y del otro, la evolución de la ciudad, entre araucarias, poblada de inmigrantes y destacada por su urbanismo. 

La colección donada al Museo Oscar Niemeyer abarca toda esta trayectoria. Incluye originales reproducidos en libros y otras publicaciones sobre el artista, registros de su expedición al Xingu de 1967 y una visión de un lado casi desconocido de Poty. También contiene bocetos, proyectos y estudios, permitiendo observar la evolución de su estilo desde la juventud hasta la madurez. Así, la colección es un verdadero material etnográfico sobre el artista. 

Por supuesto, la colección también se compone de obras finalizadas como dibujos, xilografías, litografías, grabados en metal, tallas en madera y bloques de hormigón: miles de piezas que demuestran claramente la versatilidad del artista. A través de Poty, somos testigos del arte producido y aún vigente en Paraná. 

Preservar no solo el legado, sino también la memoria de este artista es, ante todo, un deber, que el Museo Oscar Niemeyer ha asumido y cumple brillantemente.

La exposición itinerante “Poty retrata Paraná” presenta obras del artista Poty Lazzarotto (1924–1998) en el Salón Noble de la Asamblea Legislativa de Paraná, una iniciativa del Museo Oscar Niemeyer. Con la curaduría de Ricardo Freire, la muestra exhibe una selección de 50 pinturas, dibujos, ilustraciones y estudios para paneles, parte de las más de 4.000 obras del artista en la colección permanente del MON. El Museo Oscar Niemeyer, encargado de salvaguardar y preservar este valioso legado, se ha convertido en referencia para este brillante artista brasileño. Actualmente, una de sus misiones es ir más allá de los muros del MON y hacer que su obra llegue a un público cada vez más amplio.

Poty retrata Paraná

La antigua metáfora del poder de los árboles nunca ha sido más acertada que cuando se asocia con los vínculos perdurables con nuestra Madre África. Si consideramos las metáforas de los gigantescos baobabs, desde las referencias históricas más duras asociadas a la esclavitud, como el "árbol del olvido", hasta las más suaves, como las del famoso árbol de El Principito, las lecciones aprendidas serían análogas: "Te vuelves eternamente responsable de lo que has domesticado", como dijo Saint-Exupéry.

Fortaleciendo los lazos institucionales, el Museo Oscar Niemeyer (MON) recibió esta importante donación de obras africanas de la Colección Ivani y Jorge Yunes (CIJY). A lo largo de más de 50 años, la pareja adquirió obras de los cinco continentes. Desde África, 1700 objetos fueron donados a la colección del Museo Oscar Niemeyer, al que felicitamos por dar este oportuno paso, enriqueciendo su colección y, al mismo tiempo, todo el legado africano en Paraná y Brasil.

Al exhibir objetos de herencias culturales tan diversas, encontramos un importante punto en común: dentro del Museo, estas artes se elevan a la misma plataforma artística, colocando el arte africano al mismo nivel que el arte mundial. Esta es una forma de honrar la herencia visual del pasado y abrir nuevas vías, rutas y perspectivas para este arte en el futuro.

Renato Araújo da Silva
Curador e especialista em Arte Africana

La exposición "África, Expresiones Artísticas de un Continente" llega al Memorial de la Inmigración Japonesa en Assaí, norte de Paraná. Con curaduría de Renato Araújo da Silva, la muestra presenta aproximadamente 30 obras, una selección de la impresionante colección africana de más de 1.700 obras, donada en 2021 al Museo Oscar Niemeyer.

 La iniciativa forma parte de la política cultural de Paraná para promover y fomentar la democratización del arte y la cultura mediante la difusión de la colección fuera de la institución. La exposición itinerante también se alinea con la visión del MON de ser cada vez más accesible a todos los públicos.

Llevar el arte y la cultura más allá de espacios establecidos, como museos, teatros e instituciones, es una de las nobles premisas del actual gobierno del estado de Paraná. La presentación de esta exposición —una de las más significativas del Museo Oscar Niemeyer— fuera del recinto del MON demuestra la voluntad de democratizar la cultura acercándola al público.

La exposición itinerante "África: Expresiones Artísticas de un Continente", que llega ahora a Assaí, es la culminación de un largo y meticuloso proceso que culminó con la llegada de una de las colecciones más importantes y significativas de arte africano contemporáneo al MON y, en consecuencia, al pueblo de Paraná.

Esta exposición es un reflejo de la generosa donación de aproximadamente 1700 obras de arte africano, fruto de la colaboración entre el Museo Oscar Niemeyer y la Colección Ivani y Jorge Yunes (CIJY) de São Paulo. Desde 2021, la colección pertenece al Estado de Paraná.

El museo de arte más grande de Latinoamérica, con una superficie de más de 35.000 metros cuadrados, el MON ha quintuplicado su colección permanente y ahora cuenta con más de 14.000 piezas, consolidándose como uno de los más importantes de Sudamérica.

Entendemos que un museo existe a través de su colección, pero es a través de la interacción entre el público y sus obras que se difunden la cultura y el conocimiento, valores que nos humanizan. Estamos seguros de que la magnífica colección de arte africano ofrecerá al público de Paraná experiencias fascinantes y enriquecedoras.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

África - Expressões artísticas de um continente

Madera, 53x 19x 11 cm
Baulê - Costa do Marfim 
Colección del Museo Oscar Niemeyer

Madera, 52,5x 12x 11,5 cm
Senufo - Costa do Marfim
Colección del Museo Oscar Niemeyer

Madera, 109 x 29,5x 32 cm
Attie (akye) - Costa do Marfim
Colección del Museo Oscar Niemeyer

Figura feminina com jarra (arte popular), sin fecha

Madera, 46x 19x 11,5 cm
Senufo - Costa do Marfim
Colección del Museo Oscar Niemeyer

Memorial da Imigração Japonesa 
Rua Presidente Kennedy, 480 — Assaí/PR

El Museo Oscar Niemeyer lleva la colección de arte africano a Assaí

Una selección de la exposición "África, Expresiones Artísticas de un Continente", del Museo Oscar Niemeyer (MON), estará abierta al público a partir del 17 de octubre en el Memorial de la Inmigración Japonesa en Assaí, norte de Paraná. Con curaduría de Renato Araújo da Silva, la exposición presenta aproximadamente 30 obras.

"La iniciativa forma parte de la política cultural de Paraná para promover y fomentar la democratización del arte y la cultura, trasladando la colección fuera de la institución", comenta la directora-presidenta del Museo, Juliana Vosnika. "Esta iniciativa está en plena sintonía con las propuestas del MON de ser cada vez más accesible a todos los públicos".

 El MON es el museo de arte más grande de Latinoamérica, con más de 35.000 metros cuadrados de superficie construida, un inmueble estatal vinculado a la Secretaría de Cultura del Estado de Paraná. Con una vocación natural por las artes visuales, la arquitectura y el diseño, alberga colecciones asiáticas y africanas.

 La exposición es un reflejo de la donación de aproximadamente 1.700 obras de arte africano, fruto de la colaboración entre el Museo Oscar Niemeyer y la Colección Ivani y Jorge Yunes (CIJY) de São Paulo. Desde 2021, la colección pertenece al Estado de Paraná.

 El MON fue elegido para albergar la donación debido a su capacidad técnica, capacidad de gestión y credibilidad institucional. Otras grandes colecciones han sido donadas al Museo Oscar Niemeyer en los últimos años por las mismas razones, como más de cuatro mil obras del artista Poty Lazzarotto en 2022 y aproximadamente tres mil obras de arte asiático en 2018.

 "Por todas estas razones, la colección del MON se ha quintuplicado recientemente y ahora cuenta con más de 14.000 piezas, consolidándola como una de las más importantes de Sudamérica", explica Juliana.

La exposición "África, Expresiones Artísticas de un Continente", del Museo Oscar Niemeyer, puede verse en la Sala 4 del MON en Curitiba. Una selección llega ahora a Assai.

 Según el curador de la exposición, Renato Araújo da Silva, las obras donadas al MON fueron adquiridas a lo largo de más de 50 años por la pareja Ivani y Jorge Yunes, propietarios de una de las mayores colecciones de arte de Brasil.

 "Con la exposición en el MON de objetos de patrimonios culturales tan distintos, encontramos un importante punto en común: dentro del Museo, se elevan a la misma plataforma artística, armonizando el arte africano con el arte mundial", afirma. "Esta es una forma de honrar la herencia visual del pasado y abrir nuevas vías, rutas y perspectivas para este arte en el futuro", comenta Renato.

 Las obras de la colección provienen de países como Costa de Marfil, Malí, Nigeria, Camerún, Gabón, Angola, la República Democrática del Congo y Mozambique, entre otros.

 Renato Araújo da Silva es licenciado en Filosofía por la Universidad de São Paulo y es coautor, entre otras obras publicadas, del libro "África en las Artes". Curador e investigador, trabajó en el Museo Afro y realizó otras exposiciones en museos como el Museo de Arte Sacro de São Paulo.

 La incorporación de la colección de arte africano formó parte de un proceso de consolidación de los valores fundamentales del MON, que define la distinción de la institución al coleccionar principalmente arte de Paraná y Brasil, y expandir su perspectiva no eurocéntrica al arte latinoamericano, asiático y africano.

El Museo Oscar Niemeyer (MON) es un patrimonio estatal vinculado a la Secretaría de Estado de Cultura. La institución alberga importantes referentes de la producción artística nacional e internacional en las áreas de artes visuales, arquitectura y diseño, así como impresionantes colecciones asiáticas y africanas. En total, la colección comprende aproximadamente 14.000 obras de arte, ubicadas en un espacio de más de 35.000 metros cuadrados, lo que convierte al MON en el museo de arte más grande de Latinoamérica.

Exposición "África: Expresiones Artísticas de un Continente"
Inauguración: 17 de octubre de 2025, 11:00 h
Periodo de la exposición: hasta el 25 de enero de 2026
Ubicación: Memorial de la Inmigración Japonesa (Rua Presidente Kennedy, 480, Assaí – PR)

Presentado por el Museo Oscar Niemeyer (MON)
www.museuoscarniemeyer.org.br

La exposición "África, Expresiones Artísticas de un Continente" llega al Memorial de la Inmigración Japonesa en Assaí, norte de Paraná. Con curaduría de Renato Araújo da Silva, la muestra presenta aproximadamente 30 obras, una selección de la impresionante colección africana de más de 1.700 obras, donada en 2021 al Museo Oscar Niemeyer.
 La iniciativa forma parte de la política cultural de Paraná para promover y fomentar la democratización del arte y la cultura mediante la difusión de la colección fuera de la institución. La exposición itinerante también se alinea con la visión del MON de ser cada vez más accesible a todos los públicos.

África - Expresiones Artísticas de un Continente

Duas características, principalmente, distinguem as artes da Ásia em relação ao Ocidente. Uma delas é o anonimato do autor. A segunda é a ausência de hierarquia entre as chamadas “belas artes” e as “artes aplicadas”. O asiático percebe o mundo de forma holística; ele não faz distinção entre a beleza de um móvel, de uma vestimenta, ou de um utensílio, que seriam “artes aplicadas”, no Ocidente, e a de uma pintura, um desenho, ou uma escultura, as “artes nobres” – “fine arts” –, por exemplo. Tudo para ele reflete o sopro criador, a Mão Divina que desvenda os desígnios do intelecto e da alma e se corporifica na criação. Para esse indivíduo, há tanta beleza e magia num quimono, numa tigela, ou numa cadeira, por exemplo, quanto na pintura ou escultura de um grande artista. 

Em alguns lugares, como no Japão e na China, a arte maior, se é que se pode chamar assim, é a caligrafia, a escrita que une o pensamento, refletido na palavra, ao gesto da mão que o concretiza. Em todo o continente, o Sagrado não tem autoria. Quase nada se sabe das mãos habilidosas que criaram as maravilhas da estatuária religiosa na Índia e em todos os demais países do Continente. A devoção do artista se eterniza na sua obra... e ele vai-se embora, sem deixar um rastro de memória. Somos transientes... a obra permanece!

Estamos nos referindo às culturas mais antigas do planeta, juntamente com o Egito, o Oriente Médio e as Américas pré-colombianas. Nesse universo, o peso da tradição impõe normas estéticas que perduram durante gerações, fazendo com que o olhar contemporâneo não consiga distinguir as diferenças entre uma cerâmica de mil anos e outra apenas centenária, ou até mais recente, por exemplo. Assim é que na China o grande artesão/artista é aquele que reverencia os seus mestres, o que faz com que ele se aplique a realizar uma obra tão semelhante quanto possível à original, muitas vezes até copiando o selo dinástico que era aposto nas porcelanas que haviam sido encomendadas pela corte imperial. Cópia ou reverência ao autor e à criação original?

A opulência das obras indianas confronta-se com o silêncio da estética japonesa. Para os japoneses, o Wabi-sabi (侘寂) é a ênfase da noção de impermanência que permeia todas as coisas. Myanmar, ex-Birmânia, é chamado de o “País Dourado”, tamanha a quantidade de ouro que recobre seus templos e suas pagodas budistas, assim como suas imagens. Aqueles que contribuem para revestir esses monumentos sagrados ganham méritos que viabilizarão uma melhor encarnação futura, a caminho do Nirvana, quando a nossa existência corpórea se transformará em energia pura e escapará dos ciclos do Samsara, a vida terrena repleta de sofrimento. Já o Paquistão austero se recusa a escancarar a beleza e se refugia na sobriedade da modéstia que o Alcorão, o livro sagrado, impõe. Mas, como somos humanos, o afeto escapa pela arquitetura desmesuradamente fantasiosa das carrocerias dos caminhões que cruzam suas estradas.

Mas nada melhor evidencia a riqueza da criatividade do artesão asiático que os têxteis. Desde o xale rudimentar à mais rica vestimenta, a tecelagem constitui o vasto e sábio repertório das civilizações que os criaram; da mesma maneira, as formas que o barro e a madeira esculpiram.

A alma asiática se manifesta em suas mais variadas formas, para nosso encantamento. É este o objetivo desta mostra.

Uma ode à beleza da cultura asiática e seu povo. 

É com muito orgulho e honra que recebemos a “Exposição Ásia: A Mão do Povo”. Uma valiosa mostra da rica cultura de diversos países do continente asiático.

São obras de beleza ímpar de países como China, Índia, Bangladesh, Japão, Tibet, Myanmar, Butão, Paquistão, Cazaquistão, Camboja e Afeganistão, que poderão ser vistas e apreciadas aqui em Cascavel, graças à parceria construída a partir de 2022 entre o Governo do Estado do Paraná, a Secretaria de Estado da Cultura, o Museu Oscar Niemeyer (MON) e o município de Cascavel.

Entendo que fomentar a cultura em nossa cidade e região é também contribuir para o desenvolvimento de nossos cidadãos, que primam pela criatividade e pela inventividade.

Agradeço ao colecionador Fausto Godoy pela generosidade em dispor essas joias do continente asiático para o povo paranaense, pois foi por meio de seu olhar sensível e da persistência que foi possível ter essa coleção tão rara e representativa da cultura desses povos.

Sempre acreditei que investir em cultura é fomentar o desenvolvimento do turismo e a geração de novos empregos, alavancando o comércio local e a indústria criativa na cidade, trazendo novas divisas e impulsionando ainda mais o desenvolvimento econômico.

Em 2022, Cascavel recebeu o título de 2ª Melhor Cidade do Brasil e o reconhecimento da Confederação Nacional de Municípios – CNM – como Polo Cultural do Sul do País. 

Cascavel avança mais, construindo o presente com olhos no futuro, sabendo que ações como a do MON em Cascavel nos enriquecem em conhecimento e, por extensão, enriquece nossa própria cultura.

Leonaldo Paranhos da Silva
Prefeito de Cascavel

O Museu Oscar Niemeyer (MON) é um dos ícones da cultura paranaense. Desde 2022, a instituição estabeleceu uma ponte sem precedentes na história de seus mais de 20 anos com a cidade de Cascavel. A “antena” do MON Cascavel expandiu o alcance do Museu e possibilitou que moradores de toda a região tenham acesso a coleções antes restritas à capital. 

Agora, temos o imenso prazer de apresentar à população da região “Ásia: a Mão do Povo”, um mergulho na tradição e história desse continente ao mesmo tempo tão distante e tão próximo de nós. A cultura asiática engrossa o caldo cultural formador das cidades do oeste do estado, gerando interesse e identificação.

Ao apresentar essa exposição, o MON avança na consolidação de sua célula e o estado reconhece a importância de Cascavel como polo turístico-cultural. Como filha dessa terra tão admirável, uno-me com orgulho a essa homenagem. 

Uma das principais missões da Secretaria de Estado da Cultura é promover a preservação e a difusão dos bens culturais de forma descentralizada. Nesse arcabouço, cabem as inúmeras iniciativas das políticas públicas de cultura que o Governo do Paraná tem empreendido.

A iniciativa extramuros do MON não apenas comprova que o Museu está em sintonia com os fluxos museais contemporâneos, como é a concretização da política pública de descentralização da cultura estabelecida no estado do Paraná.

A arte e a cultura são fundamentais para o desenvolvimento humano e para a construção de uma sociedade mais justa e igualitária. Que essa exposição contribua para a formação de novos espectadores e cidadãos.

Luciana Casagrande Pereira
Secretária de Estado da Cultura

É com muito orgulho que o governo do estado do Paraná leva a Cascavel a exposição “Ásia: a Mão do Povo”. São mais de 160 obras, parte do acervo do Museu Oscar Niemeyer, que, agora, serão apresentadas ao oeste do estado, em mais uma ação para democratizar a arte e a cultura em nosso Paraná. 

Queremos cada vez mais que paranaenses de todos os cantos do estado, dos grandes e pequenos municípios, tenham acesso à música, ao teatro e às exposições. 

O nosso plano de governo foi pensado para proporcionar essa descentralização e, ano a ano, estamos colocando os projetos em prática. 

A Orquestra Sinfônica agora sai dos palcos do Teatro Guaíra e leva seu repertório a vários espaços, em diferentes regiões do Paraná. O nosso Balé também segue esse caminho e invade as praças em espetáculos ao ar livre. E o que falar dos programas “Cinema na Praça” e “Trilhando pelo Paraná”, que oferecem à população de municípios com menos de 5 mil habitantes e baixo IDH filmes e peças teatrais? 

É uma alegria ver a arte chegando a todos os paranaenses, em especial a esse local, o Teatro Municipal de Cascavel, que, desde o ano passado, recebe recortes da coleção do MON e, desta vez, apresenta, sob a curadoria de Fausto Godoy e Marco Baena, a beleza e as particularidades da cultura asiática.

Carlos Massa Ratinho Junior
Governador do Paraná

O Kalamkari é um tipo de tecido de algodão pintado à mão, produzido na região do Deccan, no centro-sul da Índia, que era anteriormente parte do sultanato muçulmano de Golconda.

Tradicionalmente, essas telas ilustravam a performance de trovadores, conhecidos como chitrakars, que se deslocavam de aldeia em aldeia para contar aos habitantes, em palcos improvisados, histórias da mitologia hindu. Essa arte é encontrada também em grandes painéis nos templos hindus.

O Kalamkari retrata, sobretudo, os épicos religiosos Ramayana e Mahabharata. Entretanto, nos últimos tempos, os artistas ampliaram essa iconografia e passaram a ilustrar o Buda, instrumentos musicais, pequenos animais, flores e alguns símbolos hindus.

Apenas corantes naturais são usados nessa técnica, que envolve 23 etapas extremamente complexas e demoradas. A arte do Kalamkari tem sido praticada ao longo de gerações por muitas famílias na região de Andhra Pradesh, que dela ganham seu sustento. Ela sofreu um período de declínio, porém, foi revivida, na Índia e no exterior, pelo artesanato, que era muito apreciado pelos colonizadores britânicos como decoração para suas vestimentas.

A pintura chamada Madhubani, também conhecida como Mithila, é uma forma de arte praticada na região de Mithila, na Índia, e no Nepal. Seu nome advém do estilo desenvolvido no distrito de Madhubani, no estado de Bihar, na Índia, onde se originou. Ela era tradicionalmente praticada pelas mulheres de várias comunidades da região.

Os artistas criam essas pinturas lançando mão de uma variedade de meios, incluindo seus próprios dedos, gravetos, pincéis, canetas e até palitos de fósforo. A tinta é preparada usando corantes e pigmentos naturais. 

Essas pinturas são caracterizadas por seus padrões geométricos que retratam sobretudo pessoas em associação com a natureza, bem como divindades dos épicos religiosos. Podem ilustrar também ocasiões específicas como festivais religiosos, nascimentos e casamentos. Elementos naturais como o Sol, a Lua e plantas religiosas, como o tulsi (manjericão sagrado), são também temas recorrentes. Geralmente, nenhum espaço é deixado vazio; as lacunas são preenchidas por pinturas de flores, animais, pássaros e até desenhos geométricos. Essa arte, que era passada de geração em geração nas famílias, ainda permanece viva e espalhada por toda a região de Mithila.

Myanmar (anteriormente conhecida como Birmânia) é uma nação etnicamente diversa, com 135 grupos distintos oficialmente reconhecidos pelo governo. Eles são agrupados nas oito “principais raças étnicas nacionais” definidas pela legislação. São eles: Kachin, Karen, Karenni, Chin, Mon, Bamárs, Arakan e Shan. Os birmanes ou bamárs são o principal grupo étnico. Eles são um povo de origem sino-tibetano e embora não ocorra um censo confiável no país há mais de um século, estimativas preliminares consideram que eles constituem aproximadamente 68% da população. Existem, porém, muitos outros grupos não reconhecidos – entre os quais, descendentes dos chineses e dos indianos que foram deslocados para a região pelos colonizadores britânicos.

Todas essas etnias têm línguas, tradições e crenças próprias, que contribuem para a densidade cultural do país e, de sobejo, para a dificuldade de administrar tamanha diversidade. 

Muitas religiões são praticadas no país, na maioria das vezes sem confrontos, com a notável exceção de algumas minorias étnicas, como os muçulmanos rohingyas, que continuam a ter seu status de cidadania negado e são tratados como imigrantes ilegais. 

Cerca de 89% da população é adepta do budismo; 4% da população pratica o islamismo; 4%, o cristianismo; 1%, as crenças animistas tradicionais; e outros 2% seguem outras religiões, incluindo o hinduísmo e as religiões da Ásia Oriental. 

A DENSIDADE ÉTNICA E CULTURAL DE MYANMAR

Os Daruma são bonecos folclóricos japoneses inspirados em um monge budista que existiu na vida real. A data de seu nascimento é desconhecida, mas sabe-se que faleceu no ano 528 EC. Nascido numa família de nobres brâmanes da Índia, ele foi à China ainda jovem na busca de desenvolver sua espiritualidade, atingindo, segundo a lenda, a iluminação espiritual conforme os preceitos budistas. É atribuída a ele a fundação do zen-budismo, no final do século V.

Daruma é um dos principais ícones do folclore japonês. Bastante presente no dia a dia da população, os bonecos são vendidos no final e no início do ano e nos Matsuri, as festas religiosas nos templos budistas e xintoístas. Vestido de vermelho, com um formato arredondado e peso no fundo, ele se levanta assim que é tombado e se reergue, não importa quantas vezes vá ao chão. Por esse motivo, é considerado um amuleto para o sucesso.

Um hábito tradicional é fazer um pedido pintando apenas um dos olhos do boneco e, quando o desejo for realizado, pintar o outro. Esse gesto, que pode ser visto também quando o estudante é aprovado no vestibular, ou quando um candidato ganha as eleições, é relacionado à cerimônia do Kaigen, ou Buddhābhiseka, na qual estátuas budistas são consagradas e “recebem suas almas”.        

As tribos Chin, da região de Mrauk U, em Myanmar, perto da fronteira com Bangladesh, são notórias pela intrincada tatuagem que cobre o rosto das mulheres. Cada área do estado tem um padrão distinto. Dessa forma, é possível discernir de onde uma mulher vem pelo padrão em seu rosto.

Existem três linhas de pensamento sobre por que as mulheres Chin são tatuadas, embora nada tenha sido repertoriado formalmente. Uma razão histórica dada para esse costume é que os reis birmaneses viajavam para o Estado de Chin e selecionavam as meninas bonitas para o seu harém; tatuadas, elas se tornavam indesejáveis. Era, portanto, uma forma de os pais protegerem suas filhas. Outra narrativa é que tribos vizinhas sequestravam meninas, então dar-lhes uma marca tribal distinta era uma tática de prevenção. Alguns dizem que os habitantes dessas aldeias afirmaram que era crença entre a comunidade cristianizada do povo Chin que apenas as mulheres tatuadas iriam para o céu. Como crentes aguerridos do cristianismo, esta seria uma razão plausível.

Por mais de um milênio, a comunidade Chin tatuou os rostos de suas jovens. Entretanto, essa prática não é mais permitida pelas autoridades, que a proibiram na década de 1960; nem a geração mais jovem está interessada em seguir esta tradição. Atualmente existe apenas um punhado dessas mulheres tatuadas. Portanto, essa parte da cultura Chin logo desaparecerá.

O Nakshi Kantha, um tipo de colcha bordada, faz parte de uma tradição centenária em Bangladesh e nos estados de Bengala Ocidental, Tripura e parte de Assam, no nordeste da Índia. Os materiais básicos utilizados são a linha e um pano velho. Como qualquer outra arte popular, a sua criação é influenciada por fatores como os materiais disponíveis, as necessidades diárias, o clima, a geografia e fatores econômicos. 

Kantha consiste no ponto mais simples na linguagem do bordado – o chamado “ponto corrido”. Mesmo que nenhuma simetria estrita específica seja seguida, a maioria dos Kanthas terá um ponto focal, em torno do qual os temas se desenvolvem. Os motivos do Nakshi Kantha são profundamente influenciados pelas crenças religiosas e pela cultura. Eles podem incluir imagens de flores e folhas, pássaros, peixes, animais e pessoas.

Provavelmente, a forma mais antiga de Kantha foi a colcha de retalhos. As mulheres hindus, durante o século XIX, usavam formas humanas e de animais para contar histórias de deuses e deusas. E as mulheres bengalis foram se inspirar no rico folclore regional, bem como em histórias contemporâneas como tema para as suas composições. 

Hoje em dia, o Nakshi Kantha é tratado como uma forma tradicional de arte popular, mas serve também de inspiração para os melhores designers em suas criações de alta-costura.

A TRADIÇÃO DO NAKSHI KANTHA EM BANGLADESH E NA ÍNDIA

A Ásia Central sempre foi uma encruzilhada cultural. Ela está no centro da chamada Rota da Seda, o complexo sistema milenar de rotas comerciais que se estendia da China ao Mediterrâneo. A arte da Ásia Central reflete a rica história dessa vasta área e é o lar de uma enorme variedade de povos, religiões e modos de vida. Essa diversidade responde pela notável combinação de influências que corroboram a natureza multicultural das sociedades da região.

Desde o final do segundo milênio AEC, as savanas – que se estendem do Mar Cáspio à China central e do sul da Rússia ao norte da Índia – têm sido o lar de pastores migrantes que praticam uma economia mista à margem das sociedades urbanas sedentárias. Essas vastas áreas abertas abrigam várias tribos que levam uma vida nômade vivendo em yurtas, que são tendas que são armadas e desarmadas à medida que seguem os seus rebanhos. Esse modo levou seus habitantes a desenvolverem uma gama específica de têxteis que utilizam como proteção contra os elementos da natureza, entre eles os feltros, além de bordados para a decoração do ambiente. 

Nesse universo amplo e despovoado a música desempenha um papel importante como agregadora das comunidades. Nesse contexto, são fundamentais os instrumentos de corda e de percussão, principalmente, para acompanhar o canto.

As bandeirolas de oração tibetanas são tecidos retangulares coloridos, que são pendurados ao longo das trilhas e dos picos das montanhas no alto dos Himalaias. Eles são usados para abençoar a paisagem e para outras finalidades protetoras.

A lenda atribui sua origem ao próprio Buda. Tradicionalmente, elas vêm em conjuntos de cinco. As cinco cores representam os cinco elementos e as Cinco Luzes Puras. Diferentes elementos são associados a essas cores, refletindo diferentes tradições e propósitos. O azul simboliza o céu e o espaço; o branco, o ar e o vento; o vermelho simboliza o fogo; o verde, a água, e o amarelo simboliza a terra.

Tradicionalmente, as bandeirolas de oração são usadas para promover a paz, a compaixão, a resiliência e a sabedoria. Os tibetanos acreditam que as orações e mantras serão dispersados pelo vento e irão, assim, espalhar a compaixão por todo o espaço ao seu redor. 

Essas orações tornam-se parte permanente do universo à medida que as imagens se esmaecem e desaparecem devido à exposição aos elementos. Assim como a vida segue em frente e é substituída por uma nova vida, os tibetanos renovam suas esperanças instalando continuamente novas bandeirolas ao lado das antigas. Esse ato simboliza a aceitação das mudanças da existência e o reconhecimento de que todos os seres fazem parte de um ciclo maior e contínuo.

A impressão de padrões com carimbos em têxteis, geralmente de linho, algodão ou seda, por meio de blocos de madeira esculpidos, está tão intimamente relacionada com outros métodos semelhantes de criação, como pintura, tingimento e tecelagem, que é quase impossível determinar o momento em que essa técnica passou a ser utilizada para decorar as vestimentas.

Esses blocos podem ser feitos de várias espécies de madeira. Eles variam consideravelmente em tamanho, porém, devem sempre ter entre dois e três centímetros de espessura, caso contrário poderão empenar. A impressão requer grande destreza e paciência de parte do artesão para que as diferentes formas e cores que se sobrepõem para formar o desenho final coincidam, caso contrário ele ficará desfocado.

A grande maioria dos artesãos utiliza esse método. A cidade de Jaipur, na Índia, é considerada como um dos principais centros de criação e fabricação dessa forma de artesanato na Ásia. Nos ateliês caseiros espalhados por toda parte, ainda é possível encontrar chippas, uma casta de artistas-tipógrafos que continuam, dia após dia, a estampar largas quantidades de tecido de algodão coloridos usando esses blocos de madeira esculpidos à mão. Eles aprenderam esse ofício com seus pais, que, por sua vez, foram ensinados por seus ancestrais – cada geração operando quase exatamente como a anterior há pelo menos 300 anos.

Jamdani (জামদানি) é um tecido de musselina fina que mistura fios de algodão e de ouro, que é produzido há séculos às margens do Rio Shitalakhwa, em Bangladesh. É uma das formas mais demoradas e trabalhosas de tecelagem no tear manual. 

Historicamente, a sua produção aumentou e se sofisticou sob o patrocínio da corte dos imperadores moguls, que dominaram o sul da Ásia entre 1526 e 1857. Durante o colonialismo britânico, as indústrias de jamdani e de musselina bengali declinaram rapidamente devido às políticas coloniais de importação que favoreciam os têxteis industrializados. 

Nos anos mais recentes, sua produção registrou um renascimento no país. Em 2013, a arte tradicional da tecelagem de jamdani foi declarada “Patrimônio Cultural Imaterial da Humanidade” pela UNESCO.

As chamadas “marionetes de luva”, conhecidas na China como “Bu Dai Xi” (꼈덟狗), são bonecos tradicionais encaixados como luvas nas mãos dos artistas que os manipulam. É uma forma única de entretenimento que os titereiros muitas vezes utilizam para recriar cenas e lendas do folclore popular chinês.

Esse tipo de performance, que teve seu formato desenvolvido na província de Fujian, no sul da China, remonta ao século XVI ou XVII, de onde se espalhou por todo o sudeste da Ásia, levado pelos migrantes chineses. Entretanto, pesquisadores revelaram que esse tipo de narrativa já existia naquela região desde pelo menos 200 AEC.

Os bonecos nesta exposição foram criados pela companhia “Ho Lo Fang Classical Puppet Art”, de Taipé/Taiwan. Eles foram meticulosamente elaborados à mão e apresentam uma grande quantidade de detalhes, com características faciais distintas e bordados nas roupas, que reproduzem, de certa forma, os trajes da ópera clássica da China.

O culto aos Nats, a religião popular birmanesa, preexiste ao budismo, que foi introduzido na região de Myanmar pelo imperador Anawrahta Minsaw, da dinastia Bamár, no século XI. Segundo a crença, essas divindades e espíritos animistas regulam todos os acontecimentos na vida das pessoas e da sociedade.

Existem dois tipos de Nats: os Nat Sein, que são seres humanos que foram divinizados após a morte, e os demais Nats,Nats, que são espíritos da natureza (espíritos de água, árvores, do vento, etc.).

Os mais importantes entre eles constituem um grupo coletivamente chamado de “Trinta e Sete”, formado por espíritos de indivíduos que tiveram uma morte violenta. Eles são chamados a proteger o crente desde que devidamente propiciados e respeitados, e de causar dano quando ofendidos ou ignorados.

Os Nats são apaziguados por oferendas de alimentos ou flores, dadas em todas as ocasiões importantes. Entre os festivais especiais de Nats específicos estão os que homenageiam os irmãos Taungbyon, que teriam sido executados no século XI, e o considerado “Rei dos Trinta e Sete”, Thagya Min, que é associado ao deus indiano Indra, que, na mitologia hindu, é relacionado ao clima e ao fluxo dos rios.

Os objetos de cerâmica colocados nos túmulos retratavam a vida quotidiana do falecido. Eles passaram a ser feitos a partir do século II AEC com o objetivo de substituir os seres vivos que eram sacrificados quando da morte de um imperador, de um membro da alta nobreza, ou de um militar, para acompanhá-lo e servi-lo no além-vida. Havia a crença de que o que fosse representado nas figuras tornar-se-ia disponível para o falecido. O tamanho e a quantidade de figuras colocadas na sepultura dependiam da classe social do defunto.

As figuras, chamadas mingqui em mandarim, representavam muitas vezes serviçais, soldados (em túmulos masculinos) e atendentes, como dançarinos e músicos. Os animais retratados eram na maioria das vezes cavalos, mas há um grande número de camelos, demonstrando a importância do comércio, principalmente através da Rota da Seda, que levava mercadorias da China para o Ocidente. 

As representações humanas eram realistas em um grau sem precedentes na arte chinesa. Há também figuras imaginárias e dos monstruosos “espíritos da terra” (os lokapalas), que guardavam os túmulos contra os ataques dos espíritos e dos humanos. Essas figuras eram dispostas no formato de uma procissão de funeral. O tamanho e a quantidade de figuras dependiam da classe social do falecido.

O “Pabuji Ki Phad” é uma pintura de caráter heroico-religioso que celebra a epopeia de Pabuji, líder do clã Rathore, dos Rajputs, do deserto do Rajastão, na Índia. Ele é uma divindade folclórica, também cultuada em partes das regiões de Gujarat e da planície do Rio Indo. 

Segundo a lenda, que data do século XIV, sua família vivia na aldeia de Kolu. Sua mãe natural teve quatro filhos, dois varões (Buro e Pabuji) e duas mulheres (Sonalbai e Pemabai). Mas Pabuji era uma divindade encarnada, nascido de uma ninfa celestial, a qual lhe havia prometido que quando ele tivesse 12 anos de idade ela voltaria na forma de uma égua para servir de sua montaria.  

Sua vida e as batalhas que venceu para firmar o poder de seu clã são cantadas por menestréis ambulantes, que vão de aldeia em aldeia narrando os seus feitos em frente a uma tela coberta de imagens que os artistas iluminam, parte a parte, com a luz de uma vela, à medida que a narrativa se desenrola nas noites do deserto.

As três características básicas associadas a essa forma de arte-performance são: 1) a lenda épica de Pabuji, exaltado como uma encarnação da divindade adorada pelo clã dos Rabari, do Rajastão; 2) o Phud, a longa pintura feita de pano retratando a vida de Pabuji e suas aventuras; e 3) os menestréis bardos, conhecidos como os Bhopas, que cantam a sua história.

Sumô (相撲) é um esporte de luta de contato na qual um rikishi (lutador) força outro rikishi para fora de um ringue circular (dohyō) ou o faz tocar o solo com qualquer parte do corpo que não sejam as solas dos pés.

Esse esporte é geralmente considerado um gendai budō (arte marcial japonesa moderna). Entretanto, o esporte apresenta uma história que data de séculos. Muitas tradições antigas estão preservadas. Ainda hoje o esporte inclui muitos rituais, como o uso da purificação do espaço de luta pelo sal, remetendo à época quando o sumô fazia parte intrinsecamente da religião xintoísta. 

A vida dos lutadores é muito rígida e a maioria deles deve viver em campos de treinamento comunais, conhecidos em japonês como heya, onde todos os aspectos de suas vidas diárias – de refeições à maneira de se vestir – são ditados pela tradição. 

Alguns lutadores de sumô brasileiros têm participado de competições no Japão.

Os Warli – ou Varli – são uma tribo que vive nas regiões montanhosas e nas costas do oeste da Índia. Têm crenças animistas, estilo de vida, costumes e tradições próprios. Entretanto, fruto da aculturação a que foram expostos pelas outras culturas da região, passaram a adotar muitas crenças provenientes do hinduísmo. 

Os Warli falam a língua varli, não escrita, que pertence ao espectro maior das línguas indo-arianas. No livro “The Painted World of the Warlis”, a escritora Yashodhara Dalmia afirmou que as tradições dos Warli remontam a 2500 ou 3000 AEC. Suas pinturas murais são semelhantes às feitas entre 500 e 10.000 AEC nas paredes das cavernas rupestres da região de Madhya Pradesh, o que demonstra a ancestralidade da sua arte. 

As pinturas sobre têxteis usam a argila como base de fundo e as pinturas são feitas com pasta de arroz. Elas mostram o quotidiano da sociedade e algumas fazem alusão às divindades ancestrais que sobreviveram à presença do hinduísmo.

Riquixá (rickshaw, em inglês) é um dos principais meios de transporte nas áreas urbanas de Bangladesh. Com a melhora da comunicação rodoviária em todo o país, o riquixá encontra agora caminho também para as áreas rurais.

Os primeiros riquixás chegaram a Daca, a capital de Bangladesh, em torno de 1930. Eles vieram de Calcutá, na Índia, trazidos pelos exportadores europeus de juta, que os importavam para seu uso pessoal. O novo veículo despertou grande curiosidade junto à população, que estava acostumada tradicionalmente com as carruagens, os palanquins e os barcos que navegam pelos canais da cidade.

Estimativas sugerem que atualmente os riquixás são fonte de renda para quase três milhões de pessoas em Daca, contribuem em cerca de 50% do valor no setor dos transportes e empregam indivíduos de várias profissões, não somente como pilotos, mas também como fabricantes da carcaça.

Dessa forma, um grande número de pessoas depende, como meio de vida, da fabricação e da decoração dos riquixás. Essa forma de arte é um fenômeno sobretudo urbano, que remonta à década de 1950 e compartilha alguma semelhança, em termos de temática e execução, com os cartazes de filmes que até hoje são pintados à mão nos cinemas da cidade. Isso decorre do fato de que muitos artistas de riquixás pintavam, também, esses outdoors, ou aprenderam o ofício com outros pintores de cartazes.

Essa arte é passada do ustad (mestre) para o aprendiz. Há muita cópia, seja em razão da popularidade de alguns temas, seja pela influência do mestre-artesão. As pinturas são executadas rapidamente, com tintas de esmalte prontas, que não permitem mistura, de modo que as cores primárias brilhantes são as mais populares. A pintura, por sua vez, é plana, sem sombras, perspectiva ou escala determinada.

Existem variações na arte dos riquixás nas diferentes cidades de Bangladesh. Entre os temas populares estão cenas de filmes e retratos de estrelas de cinema. Os artistas nem sempre assinam seus trabalhos – em vez disso, substituem sua assinatura pelo nome do proprietário da garagem ou do fabricante do riquixá. É provável que, com seu crescente reconhecimento  – uma coleção de pinturas de riquixás foi doada ao Museu Nacional de Bangladesh –, essa forma de arte passará a ser reconhecida como tal e os artistas adquirirão crescente notoriedade e até mesmo fama.

Os “matsuris” são festivais tradicionais que ocorrem em diversas localidades do Japão e também em lugares do planeta onde vivem expressivas populações nikkei. Os Matsuri têm sua origem na religião Shintō (xintoísmo). Eles eram originalmente organizados para celebrar a divindade (神 kami) de um santuário. Essa dimensão sagrada ainda continua sendo a principal razão para a existência desses festivais, que são parte essencial da cultura japonesa. Eles tomam a forma de manifestações de dança, música, comidas e atrações culturais. Existem centenas de eventos desse tipo em todo o Japão, espalhados pelos vilarejos e cidades.

Entre os mais importantes, encontram-se os que celebram atributos e valores tanto femininos como masculinos que os japoneses consideram como os ideais almejados para a sua prole. O costume de exibir bonecos teve início durante o período Edo (1603 a 1867 EC). Antigamente, as pessoas acreditavam que eles possuíam o poder de afastar os maus espíritos e, dessa forma, proteger o proprietário.

As bonecas representam os ideais de beleza, gentileza, graciosidade e esperança num futuro auspicioso que os pais desejam para suas filhas, como um bom casamento, por exemplo. Essas bonecas são transmitidas de mãe para filha durante gerações. Assim é que no terceiro dia do mês de março é celebrado o Hina Matsuri – “Dia das Meninas” –, quando é armado um “altar” que exibe uma corte imperial, símbolo de um matrimônio rico e feliz.

Já no dia 5 de maio é celebrado o “Dia dos Meninos” (Kodomo no Hi), momento em que são expostos bonecos de guerreiros samurais que celebram os valores masculinos, juntamente com flâmulas de carpas, chamadas de koinobori, que são penduradas nos jardins e quintais das casas. Os bonecos e os capacetes que representam samurais relembram os valores do Bushido, que é um código de conduta e sistema de vida comparável ao do “cavaleiro” no Ocidente medieval. O conceito teve origem entre os séculos XI e XIV, tomando forma na figura e vida dos samurais, entre os séculos XII e XVI, transmutado num código de honra, o Bushido.

NINGYOS: O MASCULINO E O FEMININO NO JAPÃO

O Dia dos Meninos (こどもの日) é um feriado que ocorre anualmente no Japão, no diwa 5 de maio. É um festival destinado a celebrar a personalidade das crianças do sexo masculino e auspiciar-lhes felicidades.

Esse festival – “Matsuri” – foi designado Feriado Nacional pelo governo japonês em 1948, mas tem longa tradição na cultura japonesa. Suas raízes se reportam ao festival “Tango no Sekku” (端午の節句), originalmente o dia em que as mulheres purificavam a casa com flores de íris, que, se acreditava, eram eficazes para repelir os espíritos malignos que rondavam os lares. O festival foi alterado para celebrar os valores masculinos durante o xogunato Kamakura (1185-1333 EC), quando a classe samurai assumiu o controle do poder.

“Tango no Sekku” tornou-se, então, uma cerimônia destinada a afastar espíritos malignos que viessem a perseguir os meninos da classe dos samurais. Armaduras japonesas, kabuto (capacetes) e espadas japonesas (katana) passaram a ser exibidos nas casas onde havia meninos. A partir do período Edo (1603-1867), passaram a ser expostos também bonecos representando samurais (武者人形, musha ningyo), e flâmulas retratando carpas (koinobori), que eram dependuradas nos jardins das residências. A carpa, na cultura japonesa, é símbolo de força, persistência, bravura e sucesso, pois esse peixe consegue escalar as correntezas íngremes das cataratas sem qualquer ajuda. 

Esses valores têm suas raízes no Bushidō, que é um código de conduta e um sistema de vida que podem ser comparáveis aos do cavaleiro medieval no Ocidente. Dá grande importância a certas virtudes como a frugalidade, a lealdade, o domínio das artes marciais e a honra, até à morte, se necessário para preservá-la. O conceito teve origem entre os séculos XI e XIV, e tomou forma específica, consubstanciada na figura e vida dos samurais, entre os séculos XII e XVI. Durante o xogunato Tokugawa (século XIV a XIX EC), o Bushido tornou-se o código oficial de conduta sob a lei feudal japonesa.

O termo “Orientalismo” descreve o longo processo histórico através do qual o Oriente foi construído nas mentes ocidentais, tendo por referência os conceitos próprios do Ocidente, impedindo, assim, que consideremos as culturas orientais tal como elas são e não como as percebemos. 

Essa questão é fundamental para entendermos a civilização islâmica. Os muçulmanos consideram o Alcorão inviolável. Eles creem que o Alcorão é a palavra literal de Deus (Allah) revelada ao profeta Maomé ao longo de 23 anos, a partir de 632 EC, e constitui o derradeiro dos livros sagrados revelados à humanidade. 

Con el objetivo de promover e incentivar el arte en todo el Estado de Paraná, el Museo Oscar Niemeyer (MON) inaugura la exposición “Asia: la Mano del Pueblo”, en Cascavel (PR). Son más de 160 obras, pertenecientes a la colección de arte asiático del Museo. 

La curaduría de Fausto Godoy y adjunta de Marco Baena, presenta una sección inédita, ahora disponible para que la población de la región occidental la aprecie, una promoción de la descentralización y democratización de la cultura. La colección del MON se ha quintuplicado en los últimos años, alcanzando las 14 mil obras de arte, y en esa trayectoria fue fundamental la donación de casi 3 mil obras asiáticas del diplomático Fausto Godoy.

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