Não é exagero chamá-lo de mestre. Com esta mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer, German Lorca, Mestre da Fotografia, o MON confirma sua vocação de, entre outras vertentes artísticas, colecionar e expor fotos, levando-as até o nosso imenso e interessado público espectador.

O premiado fotógrafo brasileiro German Lorca dedicou a maior parte dos seus quase 100 anos de vida (1922-2021) a registrar com suas câmeras cenas, flagrantes e personagens que só poderiam ter sido descobertos por ele. 

Imprimiu marca própria em tudo que fez, revelando imagens inovadoras, o que tornou sua obra inconfundível. Rompeu os limites da fotografia utilizando com maestria técnicas de sombra e luz, buscando sempre novos e diferentes enquadramentos. 

Esta exposição é um testemunho de décadas eternizadas graças ao seu olhar sensível. Sua singular percepção para revelar cenas do cotidiano, de maneira incomum, o alçou à categoria de fotógrafo-artista. 

Sua obra foi incluída nos mais importantes acervos do mundo, como o do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA), entre muitos outros. Aqui no MON, sete fotografias suas fazem parte da coleção permanente do Museu, enriquecendo o nosso acervo.

A mostra “German Lorca, Mestre da Fotografia” nos faz viajar no tempo e no espaço. São imagens geniais que têm poesia, que tocam e inspiram, que permitem um diálogo silencioso com cada visitante. Refletir e admirar é a proposta.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer 

O Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA) é considerado um dos museus mais importantes do mundo. Possui obras da década de 1940 e 1950 de German Lorca e duas da icônica série Aeroporto, da década de 1960. Participar da coleção de fotógrafos notáveis do MoMA marca o reconhecimento de German Lorca no contexto da arte mundial. 

Em março de 2021, o museu fez uma grande exposição com foco no Foto Cine Clube Bandeirante, importante formador de fotógrafos brasileiros, frequentado por German Lorca no final dos anos 1940 e início dos anos 1950. As obras de Lorca foram um grande destaque na exposição. 

O Foto Cine Clube Bandeirante, criado em São Paulo no ano de 1939, foi de extrema importância para a disseminação da informação sobre a técnica e a formação de fotógrafos amadores e profissionais. Entre 1949 e 1952, German Lorca participou do Clube. Lá, quebrou as normas da fotografia tradicional, ganhando destaque entre os participantes. Tanto nas excursões fotográficas promovidas pelo grupo, quanto nos salões que participava, as imagens irreverentes e inovadoras de Lorca se destacavam. Eram um contraponto à construção pictórica vigente.

PRIMEIROS TEMPOS: FOTO CINE CLUBE BANDEIRANTE 

German Lorca foi pioneiro em instaurar uma nova visualidade à fotografia brasileira. Explorava planos inusitados e ângulos diferenciados. Experimentava.

Além das imagens figurativas, que buscavam a personalidade do retratado – ou as criava – muitas vezes dava um caráter Expressionista à fotografia. Outras vezes, procurava o Abstracionismo em suas imagens. Flertou com o Concretismo informal, em voga na década de 1950 e 1960. Cortes e enquadramentos, tanto na captura da foto quanto no ato da revelação, mostravam que, em seu laboratório próprio, utilizava técnicas artesanais inovadoras e de difícil manejo.

Lorca encanta-se com o computador e, junto a um assistente, testava as infinitas possibilidades de recriar as imagens, alterando corte, textura e destacando principalmente as cores. Houve uma imagem em especial que o impressionou. Em uma piscina, deparou-se com um colchão inflável em uma manhã de sol. Seus olhos atentos perceberam que a falta total de vento e movimento criou um instante perfeito: parecia que o colchão flutuava no ar e a água não existia. Fez a imagem, mas achou que as cores não correspondiam à magia do momento. Posteriormente, com o assistente do estúdio, foi alterando a imagem até chegar à famosa versão final: “Levitação na Piscina”. Foi assim que resolveu resgatar suas antigas imagens coloridas e produzir novas. 

German Lorca amava Nova Iorque. Esteve lá várias vezes, e em três delas (1967, 1978 e 1984), retratou em preto e branco, de forma fiel, com seu olhar arguto, as figuras que representavam a cidade, algumas vezes tendo como pano de fundo seus principais símbolos. Conseguiu criar um painel muito significativo dos diversos tipos de nova-iorquinos: crianças, jovens, muitos idosos e até turistas. Um grande mosaico social de personagens de uma das principais cidades dos Estados Unidos.

Era o ano de 2014. German Lorca, aos 92 anos, precisou ficar recluso em sua casa devido a uma pequena questão de saúde. Criativo e irrequieto como sempre foi, achou um modo de, sentado próximo à janela da sala, registrar a luz do sol e as formas e sombras que ela causava ao entrar pelas frestas e pelas cortinas. O resultado é um ensaio belíssimo, feito com sua Leica Digital. Um verdadeiro estudo sobre luz e ambiente que ele mesmo denominou, poeticamente, de A Geometria das Sombras.

German Lorca nos impressiona e sobrepõe passado e presente. Convidado em 2018, após completar 70 anos de carreira, a documentar novamente alguns locais de suas fotos icônicas da cidade de São Paulo, surpreende-nos  com a mesma maestria. Aos 96 anos, encara o desafio, sobe a ladeira, procura os mesmos ângulos. Na imagem que fez no Quarto Centenário do aniversário de São Paulo, na inauguração do Parque Ibirapuera, com sua avó e seu filho andando em direção ao prédio da OCA como abduzidos por uma nave espacial, ele reencontra a mesma magia. Fotografa, mais de 60 anos depois, sua sobrinha e o filho pequeno, resgatando a mesma emoção.

Nos anos 1950, com a chegada das montadoras automobilísticas ao Brasil, um grande mercado de publicidade começou a surgir. Os grandes magazines de bens de consumo também estavam investindo. Lorca aliou sua liberdade experimental à curiosidade sobre as técnicas para pesquisar novidades e gerar imagens de impacto para os anúncios. Ao congelar cenas em movimento através dos novos flashes eletrônicos, Lorca gerou imagens publicitárias inovadoras e diferenciadas. Assim como nas imagens autorais, na fotografia comercial o artista sempre fazia a percepção da magia estar presente. Por isso era tão procurado pelas agências, também novas no Brasil, e cresceu com elas. 

La exposición "Germán Lorca, maestro de la fotografía" recorre la trayectoria artística del fotógrafo, reconocida nacional e internacionalmente. Remontándose a sus primeros trabajos como fotógrafo aficionado en 1947, la exposición presenta alrededor de 160 fotografías, así como cámaras y otros objetos personales.

Comisariada por Adriana Rede y José Henrique Lorca, hijo del fotógrafo, la exposición está organizada en ocho secciones que ponen de relieve la mirada afectuosa del fotógrafo sobre el mundo. A lo largo de su carrera, Lorca experimentó con diferentes tipos de fotografía, desde la analógica a la digital, manteniendo siempre su lenguaje único en las escenas que registraba.

GERMAN LORCA, MESTRE DA FOTOGRAFIA
German Lorca foi um dos poucos fotógrafos a vivenciar a fotografia de modo pleno em suas mais diversas modalidades: de amador a profissional, do analógico ao digital, das câmeras aos smartphones. Com uma visão peculiar sobre os mais diversos temas, estabeleceu de maneira única sua linguagem.

No final dos anos 1940, Lorca acompanhou um novo movimento, o alvorecer de uma estética moderna na fotografia brasileira. Afiliou-se ao Foto Cine Clube Bandeirante, na capital de São Paulo, hoje objeto de estudo internacional por seu vanguardismo. Com um olhar único, capaz de conjugar fotografia e arte – diferentemente da fotografia convencional pictórica – em sua longa trajetória artística, por mais de 70 anos, German Lorca sempre foi livre ao fotografar. Sem receio das críticas, manteve-se fiel a si próprio. 

Quando a fotografia moderna tomou impulso e veio revolucionar a cena brasileira, Lorca se destacou com seus cortes e enquadramentos, tanto na captura da foto quanto no processo de revelação. Passou por uma fase chamada "concreta", quando do movimento concretista nos anos 1950. Explorou planos inusitados, ângulos diferenciados, mas o “concretismo" de Lorca não foi exatamente intencional, foi livre e gerou obras belíssimas. 

Na fotografia publicitária, foi pioneiro. Incessantemente atrás de novidades, com audácia nas buscas cromáticas, nos ângulos ousados e temas irreverentes e provocativos, conquistou o mercado publicitário, que iniciava no Brasil. 

Com o olhar inquieto, aproveitou seus raros momentos de intervalo para realizar registros autorais, sempre conseguindo o melhor ângulo da cena que seu olhar escolhia. Com trajetória reconhecida, nacional e internacionalmente, nunca parou; seguiu com seu olhar atento, formando gerações de fotógrafos que se inspiraram, não só em sua técnica, mas em seu jeito afetivo de olhar o mundo. Chamavam-no de mestre. Sempre atemporal, seguiu fotografando até os últimos dias de sua vida extraordinária. Vemos, ao observar o seu trabalho, nosso olhar pousar entre o real e o imaginário. Cada instante como um momento cúmplice. 

Adriana Rede e José Henrique F. Lorca
Curadoria

German Lorca, Mestre da Fotografia é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer (MON), em cartaz na Sala 1. A exposição tem curadoria de Adriana Rede e José Henrique Lorca, filho do fotógrafo.

Pigmento mineral sobre base de celulose
61 x 46,5 cm

Pigmento mineral sobre base de celulose
50 x 41,6 cm

Pigmento mineral sobre base de celulose
36 x 34,7 cm

Crianças com travesseiro - Anúncio Extra 1972

Pigmento mineral sobre base de celulose
35 x 31,6 cm

Pigmento mineral sobre base de celulose
34,4 x 35 cm

Pigmento mineral sobre base de celulose
43,9 x 61 cm

El MON acoge una nueva exposición inedita de Germán Lorca

La exposición "Germán Lorca, maestro de la fotografía" es la última novedad del Museo Oscar Niemeyer (MON). Curada por Adriana Rede y José Henrique Lorca, hijo del fotógrafo, la muestra estará abierta al público a partir del 5 de julio en la Sala 1.

"Germán Lorca es simplemente uno de los grandes nombres de la fotografía brasileña", afirma la Secretaria de Estado de Cultura de Paraná, Luciana Casagrande Pereira. "Nuestra expectativa para esta exposición de Lorca en el MON es que sea un hito para el Museo debido a la grandeza de su carrera, que merece ser vista, revista y conocida por el público en general aquí en Paraná".

Según la directora-presidenta del Museo Oscar Niemeyer, Juliana Vosnika, la exposición nos hace viajar en el tiempo y en el espacio. "Son imágenes brillantes que tienen poesía, que conmueven e inspiran, que permiten un diálogo silencioso con cada visitante".

Comenta que, "con esta exposición, MON confirma su vocación, entre otras labores artísticas, de coleccionar y exponer fotografías, acercándolas al inmenso e interesado público espectador".

El brasileño Germán Lorca (1922-2021) fue uno de los pocos que experimentó plenamente la fotografía en sus más diversas formas: del aficionado al profesional, de la analógica a la digital, de las cámaras a los smartphones. Con una visión peculiar de los temas más variados, estableció su lenguaje de forma única.

Su obra forma parte de las colecciones más importantes del mundo, como la del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), entre muchas otras. Siete de sus fotografías forman parte de la colección permanente del Museo Oscar Niemeyer.

Dividida en secciones, la exposición incluye una retrospectiva de su obra, que se remonta a sus primeros trabajos como fotógrafo aficionado en 1947. Hay unas 160 fotografías, además de cámaras y otros objetos personales. La exposición recorre la trayectoria de Lorca como artista y profesional de la fotografía, a lo largo de más de 70 años, con una dedicación excepcional, obteniendo varios premios y reconocimientos en Brasil y en el extranjero. 

"Su obra constituye una parte importante de la historia de la fotografía brasileña, acompañando un nuevo movimiento, una nueva forma de expresión fotográfica y los albores de una estética moderna en nuestra fotografía brasileña", afirman los curadore.

A finales de los años 40, Lorca se unió al Foto Cine Clube Bandeirante de São Paulo, hoy objeto de estudio internacional por su vanguardismo. "Cuando la fotografía moderna despegó y revolucionó el panorama brasileño, él destacó por sus cortes y encuadres, tanto al captar la foto como al revelarla", explican Adriana y José Henrique. 

Lorca pasó por una fase llamada "concreta", en la que exploró planos inusuales y ángulos diferentes. En la fotografía publicitaria fue un pionero. Incesantemente en busca de novedades, con audaces búsquedas de color, ángulos atrevidos y temas irreverentes y provocadores, conquistó el mercado publicitario, que apenas comenzaba en Brasil. 

Su carrera ha sido reconocida tanto a nivel nacional como mundial y nunca se ha detenido. Continuó con su atenta mirada, formando a generaciones de fotógrafos que se inspiraron no sólo en su técnica, sino en su afectiva manera de mirar el mundo. "Siempre intemporal, siguió fotografiando hasta los últimos días de su extraordinaria vida", explican los curadores.  

Las ocho nucleos que componen la exposición son: "Lorca en la colección del MoMA", "Primeros tiempos: Foto Cine Clube Bandeirante", "Una mirada libre", "Y se hizo el color", "Nueva York y sus personajes", "La geometría de las sombras", "El tiempo superpuesto" y "El mago de los anuncios".

German Lorca, Mestre da Fotografia é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer (MON), em cartaz na Sala 1. A exposição tem curadoria de Adriana Rede e José Henrique Lorca, filho do fotógrafo.
Dividida em núcleos, apresenta uma retrospectiva de sua obra, incluindo desde seus primeiros trabalhos como fotógrafo amador, em 1947. São cerca de 160 fotografias, além de câmeras e outros itens pessoais. 
A mostra percorre a trajetória de Lorca como artista e profissional na fotografia, por mais de 70 anos, com excepcional dedicação, conquistando diversas premiações e reconhecimento, no Brasil e no exterior. 

Germán Lorca, maestro de la fotografía

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Mais do que comemorar o centenário deste artista curitibano, que é um dos principais nomes das artes do Estado e do País, a mostra “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), passa a ser um local de referência a Poty Lazzarotto.

A partir de agora, certamente, os visitantes do MON, em especial as centenas de estudantes das redes pública e particular que diariamente frequentam o Museu, poderão saber mais e conhecer melhor esse gênio das artes.

Também é uma oportunidade para o espectador se aprofundar na vida e obra de Poty. Ao proporcionar uma imersão em tão vasto conteúdo, reunido aqui, o MON instiga o público a aumentar repertório ao lançar um novo olhar sobre este artista ímpar. 

Recentemente, o Museu incorporou ao seu acervo a maior coleção já doada à instituição: aproximadamente 4 mil obras de arte assinadas por ele. Um recorte disso pode agora ser visto nesta exposição. Assim, o eixo central deste prédio se transforma em palco para as maiores coleções recebidas pelo MON, ao lado das mostras de arte asiática e africana.

A doação da obra de Poty, generosamente feita pela família do artista, trouxe ao Museu, em 2022, mais de 3 mil desenhos e 366 gravuras, além de tapeçarias, entalhes, serigrafias e esculturas. São obras que enriquecem ainda mais o acervo do MON, que nos últimos anos quintuplicou de tamanho, consolidando o Museu como um dos mais importantes da América Latina. 

Ser a instituição que guarda o legado de Poty é motivo de orgulho, alegria e responsabilidade. Nesta mostra, compartilhamos com o visitante um pouco desses sentimentos, traduzidos pelos traços inconfundíveis do artista. Pertencimento aqui tem nome e sobrenome: Poty Lazzarotto.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika 
Diretora-presidente
Museu Oscar Niemeyer

“A alma se expressa com mais claridade através do rosto (Simmel).” Essa profundidade encontramos nos retratos de Poty. São imagens expressivas e agitadas: têm existência real, não há espaço para impessoalidade. Ícones que surpreendem a realidade natural e social, vão do realismo à caricatura. São traços certeiros, linhas econômicas que sintetizam em pequenos detalhes a personalidade do retratado. O macambúzio Bakun contrasta com os enérgicos autorretratos do artista. Poty, ao olhar para si mesmo, revela a individualidade de um homem firme, direto, dado a poucos devaneios – e humano, demasiadamente humano.

Nascido em modesta casa de madeira no Capanema, criado nos trilhos da ferrovia que passava em frente à sua casa, com um pai ferroviário, mãe cozinheira e avô marceneiro, Poty desenvolveu uma paixão pelos trabalhadores humildes acalentada em toda a sua vida, mesmo depois de viver em metrópoles como o Rio de Janeiro e Paris. Seus desenhos e gravuras traduzem a paixão pelo trabalhador, tanto pelo operário no dia a dia do trabalho árduo, em especial o ferroviário, pelas carrocinhas de polaca, pelas vendedoras ambulantes, pelos motoristas dos bondes abertos e pelos donos de botecos, como pelo homem simples no cotidiano: nas festas de igreja, nas sociedades operárias, no Cine Morgenau, no jogo de truco, todos celebrando a vida. O trabalho é visto por Poty muito mais como realização do que penúria e alienação. Encontramos nessa poética do trabalho a energia de São Francisco, os traços corajosos de Goya e a ternura de Käthe Kollwitz. Delicadeza e cunho social, dignidade e humanidade.

Poty celebra a sabedoria indígena que cultua a natureza e os mitos. Colhe, no meio das inúmeras línguas e dos ricos rituais, o artista nato, seja nas cestarias, nos bancos, nos arcos e nas flechas, na pintura corporal, nas máscaras e até nos simples nós e na arquitetura das ocas. Os desenhos de Poty realizados no Alto Xingu, na ainda extensa Floresta Amazônica dos anos 1960 (1967/68), são um elogio à natureza, ao bom selvagem de Rousseau. Fazem jus a essa imaginação intelectual e instintiva transbordante dos nativos.

“O mundo profano é o universo das interdições, enquanto o mundo sagrado corresponde ao das transgressões (Bataille).” Os santos de Poty são muito conhecidos, em especial São Francisco, por ele desenhado, talhado e gravado inúmeras vezes. Os vestígios do sagrado, a comunicação com o transcendental presente na alma de Poty, o conduzem a uma religião no sentido de religar, do latim religare, que celebra o entendimento humano. Desse modo, não precisa necessariamente estar vinculado a uma religião louvando aos deuses para ser religioso. A aura, se existe, é aquela que envolve a ligação ao outro, a prática do humanismo. Inspirado em São Francisco, Poty celebra a natureza e a pessoa humana.

Mergulhar nos desenhos e gravuras de Poty é viajar no cotidiano da provinciana Curitiba. Desde as cenas das carrocinhas das polacas, trabalhadores indo ao ofício de bicicleta, desastres na ferrovia, brigas nos botecos, as enchentes no centro da cidade, os meninos soltando pipas, o Circo dos Irmãos Queirolo e o glorioso regresso de Didi Caillet até a procissão dos meninos correndo atrás do trolley do padre Maurício, que distribuía balas para atrair os pequenos para o Santo Ofício. Também estendeu seu olhar a outras paragens: seus traços escorregam por cenas marítimas da Bahia, pelas igrejas e santos de Ouro Preto, pelas esculturas das catedrais de Chartres e de Paris. Eterno viajante, Poty une a Curitiba nostálgica à descoberta do mundo.

Desde o início da sua atividade artística, Poty sempre foi um narrador, criando imagens para contar histórias. Ainda criança, fez histórias em quadrinhos inspiradas nos modelos norte-americanos; já adolescente, criou imagens de violência e fantasia, inspiradas em autores como Edgar Allan Poe e William Shakespeare. O cinema, também uma forma de narração através de imagens, foi outra influência decisiva na sua obra: ainda criança, frequentava o antigo cinema do Clube Morgenau e depois desenhava as cenas que ficavam marcadas na sua memória. Poty tornou-se ilustrador de livros ainda jovem: desde 1943 e até o fim da vida, ilustrou mais de 170 títulos de autores brasileiros e estrangeiros. Com seu amor pelo cinema, também realizou uma magistral série de desenhos à maneira de cartazes de clássicos do cinema – o desenho como extensão da sétima arte.

“Na galeria dos nossos grandes (mas muito poucos) ilustradores de nossos livros (numerosos, mas ainda muito poucos), nunca a fusão verbo-ícone atinge tão intrínseca adequação: nunca um ilustrador, entre nós, foi tão ilustrador, tão capaz de dizer o que as palavras não sabiam ou não podiam.” (Antônio Houaiss)

O primeiro mural público de Poty foi o da Praça 19 de Dezembro, por ocasião do Centenário da Emancipação do Paraná, em 1953, em estilo mais realista. Desde então, realizou um grande número de obras públicas, que estão presentes em várias cidades brasileiras, tendo chegado também à Europa, com trabalhos no Algarve, em Portugal, e em Paris. Para o artista, os murais públicos eram uma extensão da gravura, pela sua capacidade de levar a sua arte a um público mais amplo. Na sua obra pública, Poty emprega sofisticadas técnicas de montagem e articulação dos elementos figurativos para representar a história humana, o desenvolvimento das cidades, das artes, dos saberes e das tecnologias. Para quem passeia por Curitiba, fica o convite para encontrar, na cidade, os murais de Poty: como a chuva e os pinheiros, eles são parte da paisagem curitibana.

“Cabe a cada menino guardar, para todo o sempre, um instante daquele voo de silêncio e fúria, de ruído e paz...” (Valêncio Xavier)

La exposición “Vías y Trazos – Poty 100 años”, realizada por el Museo Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, una muestra de la donación de 4 mil piezas realizada por la familia del artista al Museo, en 2022. Con curaduría de Maria José Justino y Fabricio Vaz Nunes, celebra el centenario de Poty Lazzarotto (1924-1998).

En la exposición, las obras se organizaron en torno a nueve núcleos temáticos presentes en la trayectoria artística de Poty, representando sus diferentes facetas: el Narrador, el Trabajo, el Xingu, lo Sagrado, la Guerra, la Vida Cotidiana, el Viajero, el Muralista y el Retratista.

Poty, artista curitibano? Não: Poty, artista do mundo. Esta é a premissa desta exposição: mostrar um dos mais importantes artistas de Curitiba em sua dimensão universal. Comemoramos o centenário de nascimento de Poty Lazzarotto trazendo ao público uma ampla seleção das suas obras recentemente doadas ao MON pelo Sr. João Geraldo Lazzarotto, irmão do artista. Nesta mostra, as peças foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na sua obra, representativos das diferentes facetas do artista: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista. Mas Poty, o piá do Capanema que amava o cinema e as histórias em quadrinhos, é ainda mais que tudo isso. Através do desenho, seu principal meio de expressão, abordou os mais variados temas, passou por diferentes estilos, sempre buscando levar a arte ao seu mais importante destino: o povo. Na sua atividade artística incessante e obstinada, deu a ver o mundo real do trabalho e a realidade social; recriou, em imagens, o universo criativo da literatura; em seus murais, plasmou a grande aventura da história universal. Sempre buscando a divulgação popular da arte, foi da gravura à ilustração, do desenho minúsculo ao mural monumental. Na simplicidade do desenho, com a sua visão humana e pungente da experiência humana em todas as suas dimensões, Poty criou um vasto imaginário coletivo: em seus trilhos e traços, viajamos ao mundo.

A exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

MON realiza gran exposición celebrando los cien años de Poty Lazzarotto

El Museo Oscar Niemeyer (MON) presenta la gran exposición “Vías y Trazos – Poty 100 años”, para celebrar el centenario de Poty Lazzarotto (1924-1998). Con curaduría de Maria José Justino y Fabricio Vaz Nunes, la exposición reúne aproximadamente 500 obras, una muestra de la donación de 4 mil piezas que hizo la familia del artista al Museo, en 2022. La inauguración será el día 11/4, a las 19h, en la Sala 6.

"Poty, en su centenario, sigue siendo actual e incomparable, y esta nueva exposición refuerza la importancia del artista para la identidad cultural de Paraná. Estoy segura de que la exposición en el Museo Oscar Niemeyer presentará su obra única a miles de personas y también a las nuevas generaciones", afirma Luciana Casagrande Pereira, Secretaria de Estado de Cultura de Paraná.

“Más que celebrar el centenario de este artista curitibano, que es uno de los principales nombres de las artes en el Estado y el País, la exposición se convierte en un lugar de referencia para Poty Lazzarotto”, afirma la directora-presidente del MON, Juliana Vosnika.

“A partir de ahora, los visitantes del MON, especialmente los cientos de estudiantes de escuelas públicas y privadas que visitan diariamente el Museo, seguramente podrán saber más y conocer mejor a este genio de las artes”, comenta.

La exposición es también una oportunidad para que el espectador profundice en la vida y obra de Poty. “Al proporcionar una inmersión en un vasto contenido, reunido aquí, el MON anima al público a aumentar su repertorio echando una nueva mirada a este artista único”, dice Juliana.

La premisa de la exposición, según los curadores, es ir más allá de las fronteras regionales y presentar a Poty en su dimensión universal. “En su incesante y obstinada actividad artística recreó, en imágenes, el universo creativo de la literatura; en sus murales creó la gran aventura de la historia universal”, informan. “Buscando siempre la difusión popular del arte, pasó del grabado a la ilustración, del diminuto dibujo a los murales monumentales”.

En la exposición, las obras se organizaron en torno a nueve núcleos temáticos presentes en la trayectoria artística de Poty, representando sus diferentes facetas: el Narrador, el Trabajo, el Xingu, lo Sagrado, la Guerra, la Vida Cotidiana, el Viajero, el Muralista y el Retratista. “Pero Poty, el muchacho de Capanema que amaba el cine y los cómics, es aún más que todo eso”, dicen los curadores.

El 29 de marzo, día del aniversario de Curitiba y, casualmente, fecha de nacimiento del artista Poty Lazzarotto – el MON recibió la mayor colección jamás donada a la institución: aproximadamente 4.500 piezas. En el año 2022.

Esta colección cuenta con más de 3 mil dibujos y 366 grabados, además de tapices, tallado, serigrafías y esculturas, entre otros. La donación fue realizada directamente por el hermano del artista, João Lazzarotto.

Son obras que enriquecen aún más la colección del MON, que en los últimos años ha quintuplicado su tamaño, consolidando al Museo como uno de los más importantes de América Latina.

En esta exposición se puede ver una muestra de la amplia colección de Poty.

Así, el eje central del edificio del Museo se convierte en el escenario de las mayores colecciones recibidas por el MON, junto con exposiciones de arte asiático y africano.

Poty Lazzarotto (Curitiba, 1924-1998) siguió su camino a partir el dibujo, para luego profundizar en el grabado, del que se convirtió en maestro, siendo creador del primer curso de grabado en el Museo de Arte de São Paulo (Masp). Gran parte de su producción es biográfica y abarca desde recuerdos infantiles alrededor de vías y vagones de tren hasta registros de tipos de curitibanos y los entornos que ellos habitan.

Poty es directo y contundente en sus dibujos y grabados. Fue con esta característica espontánea que ilustró varias obras de la literatura brasileña, como Os sertões, de Euclides da Cunha, y Grande Sertão: Veredas, de Guimarães Rosa. Tampoco podía dejar de dar vida a los controversiales curitibanos retratados en las historias de otro ícono paranaense, Dalton Trevisan.

Como si su presencia en la literatura no fuera suficiente, Poty dejó su huella en toda Curitiba a través de sus monumentos o paneles de azulejos y concreto visto, práctica que comenzó con el panel “Desarrollo Histórico de Paraná”, de 1953, en la Plaza 19 de Dezembro. Otros ejemplos de esta producción son los paneles de la calle Nestor de Castro, en los que muestra, por un lado, el escenario de una Curitiba que ya no existe, y, por el otro, la evolución de la ciudad, surgida en medio del pinar, habitada por inmigrantes, y que se destaca en el ámbito del urbanismo.

La colección donada al Museo Oscar Niemeyer abarca toda esta producción. En ella podemos encontrar originales tantas veces reproducidos en libros y otras publicaciones sobre el artista, entramos en contacto con los dibujos realizados por él en su expedición al Xingu, en 1967, y nos adentramos en la intimidad de un Poty casi desconocido. Además, todavía encontramos bocetos, proyectos y estudios, y podemos ver la evolución del trazo, desde su juventud hasta su madurez. De este modo, la colección constituye un verdadero material etnográfico sobre el artista.

Donada al MON por la familia de Poty Lazzarotto, la colección se compone también, por supuesto, de obras consumadas, dibujos, xilografías, litografías, grabados en metal, tallado en madera y bloques de concreto: miles de piezas que dan claro testimonio de la versatilidad del artista. 
A través de Poty, tomamos conciencia del arte que se hacía y se hace en Paraná.

Preservar no sólo el legado de este artista, sino su memoria, es ante todo un deber, una tarea asumida y realizada adecuadamente, ahora, por el Museo Oscar Niemeyer.

A exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

Na mostra, as obras foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na trajetória artística de Poty, representativos das suas diferentes facetas: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista.  

Trilhos e Traços – Poty 100 anos

A mostra “Alex Flemming 70 Anos”, concebida para o Museu Oscar Niemeyer (MON) em Curitiba, reúne a recorrência do retrato em sua vasta produção, nesta exposição comemorativa dos 70 anos do artista. Historicamente, ao longo dos séculos, o gênero do retrato evoluiu de uma representação fiel da aparência física para uma exploração profunda da identidade e da subjetividade do retratado. O retrato contemporâneo, como pode ser visto nesta mostra, explora frequentemente a identidade de maneiras complexas, abordando questões de gênero, raça, sexualidade, classe social e cultura. Deixou de ser uma simples representação da aparência externa para se tornar uma investigação profunda das complexidades da identidade humana – um espelho da sociedade –, refletindo suas tensões, transformações e diversidades. Por meio de técnicas inovadoras e abordagens conceituais, como as presentes no universo de Alex Flemming, tem-se a expansão dos limites do retrato e do retratado, desafiando o espectador a reconsiderar suas percepções sobre o artista, sobre si mesmo e sobre os outros. 

Atento ao seu entorno e munido de sua câmera fotográfica, Alex Flemming fez de seu cotidiano sua obra final e nos premia com contextos introspectivos. Apresentamos nesta exposição trabalhos realizados de 1982 a 2023, que enfatizam quão consequente o artista é em sua concepção, criação e propagação de seu legado cultural. Os retratos em si, com técnicas e suportes distintos, revelam não somente a representação formal, mas principalmente a criação de uma obra diversificada e experimental, a qual abrange pintura, instalação, fotografia e gravura. 

O tema “Retrato” foi intencionalmente selecionado para esta mostra comemorativa porque a representação humana é o eixo fundamental e seminal da pesquisa plástica de Alex Flemming. Para ele, a existência humana está intrínseca e lapidarmente conectada aos conceitos de Eros e Tânatos, originários da psicanálise freudiana, que representam, respectivamente, as forças da vida e da morte. Essas forças, quando aplicadas à interpretação de retratos na arte contemporânea, podem fornecer um compêndio para a representação das tensões entre destruição e criação, morte e vida, dor e prazer. O retrato, nesse contexto, torna-se um meio para investigar essas dualidades fundamentais de nossa condição humana. Eis o ciclo de vida que Alex Flemming compartilha conosco por ocasião de seus 70 anos: arte e fascinação!

La exposición «Alex Flemming 70 años», del Museo Oscar Niemeyer, reúne más de 80 obras de este artista brasileño reconocido internacionalmente y que ha vivido entre Alemania y Brasil durante décadas. 

Organizada por Tereza de Arruda, se exhibe en la Sala 3 y reúne obras realizadas entre 1982 y 2023. Las obras, impregnadas de símbolos y mensajes, invitan al espectador a ir más allá del sentido común. 

A través de técicas innovadoras y enfoques conceptuales, como los presentes en el universo de Alex Flemming, se amplían los límites del retrato y del retratado, desafiando al espectador a reconsiderar sus percepciones del artista, de sí mismo y de los demás. 

A mostra comemorativa de 70 anos de Alex Flemming, vários deles dedicados às artes, leva o nosso público a entrar em contato direto com o melhor da produção contemporânea. O MON é uma instituição referência em artes visuais no Brasil e no mundo. Nos últimos anos, realizou muitas exposições importantes no cenário local e internacional.

Irreverente e observador, este artista brasileiro, que vive há anos entre Alemanha e Brasil, traz em suas obras um retrato contemporâneo que vai muito além da simples representação do que vê. Ele traduz sua visão aguçada e atenta ao falar sobre um mundo caótico e cheio de vertentes. Aborda diversas questões sociais com a sutileza que só a arte permite.

As obras são impregnadas de símbolos e mensagens que, despretensiosamente, convidam a extrapolar o senso comum. São camadas que conduzem à nossa essência. Cada uma delas ganha significado próprio a partir do olhar singular do espectador.

Entendemos que o fazer artístico deve sempre provocar e instigar o espectador. Ao realizar a mostra “Alex Flemming 70 Anos”, o Museu Oscar Niemeyer propõe uma reflexão sobre o ser humano e a sociedade. Sua arte subjetiva certamente levará cada um a suas próprias interpretações.

Com a premissa de ser reconhecido sempre como museu vivo e atuante, nacional e internacionalmente, o MON entrega mais esta exposição. Uma oportunidade de diálogo e experiência transformadora ao visitante.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

Idade Plástica Identidade Plástica, 2004

Acrílica sobre tecido | Dimensões variáveis

Foto e acrílica sobre PVC | 203 x 153 cm

El MON organiza una exposición inédita de Alex Flemming 

 La inédita exposición “Alex Flemming 70 Años”, la más nueva del Museo Oscar Niemeyer (MON), se inaugurará el 29/8, en la Sala 3. Con curadoría de Tereza de Arruda, la exposición reúne más de 80 obras, algunas de gran tamaño, de este artista brasileño reconocido internacionalmente que vive desde hace décadas entre Alemania y Brasil. 

"Alex Flemming es, sin duda, uno de los más grandes artistas brasileños de su generación y a lo largo de su carrera tuvo importantes conexiones y presencias en Paraná. Para nosotros es un honor presentar una exposición que celebra sus 70 años aquí en el Museo Oscar Niemeyer", dice Luciana Casagrande Pereira, Secretaria de Estado de Cultura de Paraná. 

La directora general del MON, Juliana Vosnika, informa que “la exposición conmemorativa de Alex Flemming pone a nuestro público en contacto directo con lo mejor de la producción contemporánea”. 

Comenta que Alex Flemming, artista siempre irreverente y observador, aporta en sus obras un retrato contemporáneo que va más allá de la simple representación de lo que ve. ''Traduce su visión aguda y atenta al hablar de un mundo caótico y lleno de aspectos. Aborda diversos temas sociales con la sutileza que sólo el arte permite”, afirma Juliana. 

La exposición presenta obras creadas entre 1982 y 2023. Las obras, llenas de símbolos y mensajes, invitan al espectador a ir más allá del sentido común. Son niveles que adquieren su propio significado desde la perspectiva única de cada visitante. 

A través de técnicas innovadoras y enfoques conceptuales, como las presentes en el universo de Alex Flemming, los límites del retrato y de lo retratado se expanden, desafiando al espectador a reconsiderar sus percepciones sobre el artista, sobre sí mismo y sobre los demás. 

La exposición reúne diversas obras técnicas, como fotografía sobre vidrio, óleo sobre lienzo, esmalte sobre madera, acrílico sobre tela y pintura sobre porcelana, etc. 

El tema “Retrato” fue seleccionado intencionalmente para esta exposición conmemorativa porque la representación humana es el eje fundamental y seminal de la investigación plástica de Alex Flemming. Según la curadoría, la exposición presenta la recurrencia del retrato en su vasta producción. 

“Históricamente, a lo largo de los siglos, el género del retrato ha evolucionado desde una representación fiel de la apariencia física hasta una exploración profunda de la identidad y la subjetividad del retratado”, explica Tereza de Arruda. "El retrato contemporáneo, como se ve en esta exposición, a menudo explora la identidad de maneras complejas, abordando cuestiones de género, raza, sexualidad, clase social y cultura". 

Según la curadora, “dejó de ser una simple representación de la apariencia externa para convertirse en una investigación profunda sobre las complejidades de la identidad humana –un espejo de la sociedad–, reflejando sus tensiones, transformaciones y diversidades”. 

Alex Flemming nació en 1954 en São Paulo. Vive y trabaja en São Paulo y Berlín. Estudió Cine en la FAAP y Arquitectura en la USP, y es autodidacta en artes visuales. Realizó varios cortometrajes en Super-8, participando en festivales. Desde finales de los 70 se dedica exclusivamente a las bellas artes. Realiza siempre su obra en series, y la primera de ellas denuncia la violencia de la tortura en los sótanos de la dictadura militar brasileña (serie ''Natureza Morta”, 1978). Su arte es básicamente político y, a lo largo de los años, ha abordado temas como la guerra (serie “Body Builders”, 2000), el 11 de septiembre (serie ''Flying Carpets'', 2003) o el terrorismo (serie “Apocalipse”, 2015). Otro tema siempre presente es el cuerpo humano, “el ser humano como centro del universo”, como dice el propio artista, tema central de la exposición “Alex Flemming 70 Años”. 

Tereza de Arruda tiene una maestría en Historia del Arte por la Universidad Libre de Berlín y sigue la producción de Alex Flemming desde 1991, exhibiendo sus obras en numerosas exposiciones en Brasil y en el extranjero. Entre ellas, la exposición individual “Flying Carpets”, realizada en 2005, en el Centro Cultural de Chicago; “Alex Flemming: Sistema Uniplanetário”, en 2008, en la St. Johannes Kirche, de Berlín y en el MAM – Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro; “Alex Flemming: Galileo Galilei”, en 2011, en el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago, Chile, además de la exposición colectiva “Brasilidad Post-Modernismo”, realizada entre 2021 y 2022, en el circuito CCBB de Río de Janeiro. , São Paulo, Brasilia y Belo Horizonte. 

La exposición «Alex Flemming 70 años», del Museo Oscar Niemeyer, reúne más de 80 obras de este artista brasileño reconocido internacionalmente y que ha vivido entre Alemania y Brasil durante décadas. 
Organizada por Tereza de Arruda, se exhibe en la Sala 3 y reúne obras realizadas entre 1982 y 2023. Las obras,
A través de técnicas innovadoras y enfoques conceptuales, como los presentes en el universo de lx Flemming, se amplían los límites del retrato y del retratado, desafiando al espectador a reconsiderar sus percepciones del artista, de sí mismo y de los demás.

Alex Flemming 70 anõs

Mais do que nunca, a arte no espaço público se destaca como uma das melhores maneiras de levar arte ao público. Convidar artistas para criar obras, instalações e esculturas utilizando os espaços dos jardins, parques e praças também permite uma variedade de atividades interativas que nem sempre uma exposição museológica possibilita. O MON sempre quis trabalhar para ampliar seu público e oferecer muitas propostas que possam fazer com que os curitibanos e paranaenses se apropriem do “seu” Museu. Por isso, foi criado o importante projeto MON sem Paredes. 

Em 2022, na primeira versão do projeto, o MON apresentou, nos jardins do Museu, obras dos artistas Gustavo Utrabo (a obra fica no sítio até hoje) e Mariana Palma. 

Para esta segunda versão do MON sem Paredes, o Museu convidou “O Pequeno Colecionador”, um grupo formado por Artur Lescher, Mariane Klettenhofer e Paula Azevedo que se propõe a pensar sobre a arte e a experiência do brincar em suas diversas formas, histórias e culturas.  

Também foram convidados os artistas Alexandre Vogler (nasceu, vive e trabalha no Rio de Janeiro) e Narcélio Grud (nasceu em Teresina e vive e trabalha em Fortaleza).  

Alexandre Vogler apresenta um conjunto de quatro esculturas-mobiliário interativas: “Maca de Força I”, “Maca Cidreira”, “Maca Alecrim” e “Maca de Guarda”, instaladas no espaço público e ativadas por elementos de seu entorno. 

O artista e designer Narcelio Grud transita entre distintos caminhos em sua pesquisa, onde objetos ganham movimento e formas de existir, seja pela interação direta do público ou mesmo por forças motrizes naturais. Para o MON sem Paredes, Narcelio trouxe as esculturas da série “Sempre em Pé” e “Trepa-Trepa”.

Ao criar ligações entre os espaços exteriores e as salas expositivas do Museu, este novo projeto permite mostrar muitas outras formas de expressão da criatividade artística, bem como apresentar projetos para todos os públicos, incluindo todas as gerações de famílias. Trabalhar ao ar livre também permite dimensões “ilimitadas de obras”, percursos, jogos onde todos serão bem-vindos sem restrições de tempo. 

Alexandre Vogler                                                                                                                                                                                                              Maca Alecrim, 2019                                                                                                                                                                                    Cedro-rosa e alecrim                                                                                                                                                                                     Coleção do artista

Tal como as macas de massagem, esta é planejada para que a pessoa se deite de bruços, com os braços pendendo e o rosto acomodado pela cavidade da prancha integrado a um arbusto de alecrim. Essa erva é reconhecida como uma das mais poderosas acionadoras de estados de relaxamento entre os inúmeros benefícios confiados a ela.

- Acesso livre.                                                                                                                                                                                                         - Número máximo de pessoas: 1 pessoa por vez.                                                                                                                                               - Não sentar na extremidade da peça.

Alexandre Vogler
Maca Cidreira, 2019-2021
Angelim e cidreira-de-arbusto
Coleção do artista

Composta por quatro tábuas reunidas sob a angulação de 30° no comprimento e na largura, está situada embaixo de uma grande moita de cidreira-de-arbusto, erva medicinal de cheiro bastante agradável. Foi projetada para que a pessoa se deite, sendo “abraçada” pela estrutura angulada e coberta (como uma onda) pelo arbusto.

- Acesso livre.
- Número máximo de pessoas: 1 pessoa por vez.

Alexandre Vogler
Maca de Força (para Iara), 2021
Angelim e ervas de força
Coleção do artista

Esta Maca, desenhada com o formato de uma joaninha (inseto associado à sorte e à bem-aventurança), traz ao seu redor um conjunto de sete espécies de força comumente utilizadas em práticas ecumênicas de religiões afro-brasileiras-colônia, arruda, comigo-ninguém-pode, espada-de-são-jorge, mirra, guiné e pitanga. Nesse contexto, o “paciente” se deita e relaxa sobre sua forma côncava.

- Acesso livre.        
- Número máximo de pessoas: 2 pessoas por vez.

Alexandre Vogler
Maca de Guarda/Maleme, 2023
Maçaranduba
Acervo Museu Oscar Niemeyer

A “Maca de Guarda” prevê que o usuário/paciente se deite sobre sua superfície, a 40°, voltando seu corpo para o céu. Esta Maca reproduz parcialmente a prática lúdica de criação de imagens de anjo. A pessoa deita-se sobre a neve, abrindo braços e pernas – o que justifica o complemento de seu título. Esta escultura traz ainda em sua nomenclatura a expressão Maleme, palavra do vocabulário afro-brasileiro que designa súplica, misericórdia ou ajuda, dirigida aos orixás, especialmente ao orixá Xangô. A posição em que o usuário se encontra, de plexo aberto e pernas abertas, com o corpo voltado aos céus, encaminha a orientação ecumênica e divina desta Maca.

ARTUR LESCHER
Caleidoscópico, 2022
Aço inoxidável e aço-carbono
1 / 5 + 2 PA
Acervo Museu Oscar Niemeyer
Obra desenvolvida pelo projeto “O Pequeno Colecionador”

Um gira-gira “caleidoscópico”, onde o espectador experimenta girar sobre seu próprio eixo, movimentando o entorno em uma experiência meditativa e divertida. Podemos falar da obra como recipiente para o corpo, uma metacasa para observar o mundo. Girar sobre nosso próprio eixo evoca a dança e os rituais espirituais de acesso a outras dimensões e estados mentais. Algo que nos é familiar, algo de nossos tempos de criança.

- Crianças abaixo de 8 anos devem estar acompanhadas de um adulto.
- Número máximo de pessoas: 2 adultos ou 3 crianças por vez.
- Carga máxima: 200 kg.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Em dias quentes, a estrutura absorve o calor. Use com cautela.

ARTUR LESCHER
Giroscópico, 2022
Aço inoxidável e aço-carbono
1 / 5 + 2 PA
Acervo Museu Oscar Niemeyer
Obra desenvolvida pelo projeto “O Pequeno Colecionador”

Um gira-gira onde o espectador experimenta girar sobre seu próprio eixo, movimentando o entorno em uma experiência meditativa e divertida. Podemos falar da obra como recipiente para o corpo, uma metacasa para observar o mundo. Girar sobre nosso próprio eixo evoca a dança e os rituais espirituais de acesso a outras dimensões e estados mentais. Algo que nos é familiar, algo de nossos tempos de criança.

NARCÉLIO GRUD
Sempre em Pé 01 e 02, 2023
Esculturas sonoras em fibra de vidro com pintura PU 
Acervo Museu Oscar Niemeyer

As obras da série “Sempre em Pé” são mixers de diversos conceitos, utilizando como base estética principal o brinquedo João Teimoso/Sempre em Pé. Têm por objetivo promover interações por meio dos movimentos e vivências sonoras, ressignificando o objeto e ampliando sua usabilidade para criar um ambiente onde a descoberta e o brincar andam juntos.

- Crianças abaixo de 8 anos devem estar acompanhadas de um adulto.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Cuidado ao manusear as obras, evitando atingir pessoas ao redor.

NARCÉLIO GRUD
Trepa-Trepa, 2023
Escultura em fibra de vidro com pintura em PU e arcos em aço inox
Acervo Museu Oscar Niemeyer

Esta escultura traz uma composição formal circular onde o raio, o diâmetro e o centro se expandem de um globo para aros entrelaçados, formando uma espécie de cosmos das rotas orbitais planetárias. Em seu conceito de interatividade, propõe ser uma escultura/ mobiliário de escalada, similar aos equipamentos de lazer encontrados em áreas de recreação infantil de praças e parques públicos.

- Crianças abaixo de 8 anos devem ser supervisionadas por um adulto.
- O uso por pessoas maiores de 14 anos não é permitido.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Em dias quentes, a estrutura absorve o calor. Use com cautela.

ROMMULO CONCEIÇÃO                                                                                                                                                                                     Estruturas Dissipativas/Trepa-Trepa, 2023
Metal, vidro, concreto e pintura automotiva policromada
3° trabalho da série ‘’Estruturas Dissipativas”                                                                                                                                           Acervo Museu Oscar Niemeyer
Obra desenvolvida pelo projeto “O Pequeno Colecionador”

Obra composta por dois trepa-trepas simetricamente dispostos a partir de um eixo perpendicular a uma plataforma que os separa e cujo acesso se dá pelos trepa-trepas ou por escadas. Uma chapa de vidro com altura de 3,5 metros corta a plataforma e configura um plano falso de simetria. Compõem também o trabalho 3 bancos giratórios, uma mesa e um muro no qual está acoplada uma grade de 4 metros de altura. Todo o trabalho é feito em ferro e concreto e montado de forma a dar acesso ao seu uso pelo público, que poderá utilizá-lo a partir de suas próprias referências.

- Crianças abaixo de 8 anos devem estar acompanhadas de um adulto.
- Número máximo de pessoas: 2 adultos ou 3 crianças na parte aérea.
- Carga máxima: 200 kg.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Em dias quentes, a estrutura absorve o calor. Use com cautela.

Estruturas Dissipativas/Trepa-Trepa, 2023

GUSTAVO UTRABO
Semeador e Ao Redor de uma Árvore, 2023
Acervo Museu Oscar Niemeyer

As obras “Semeador” e “Ao Redor de uma Árvore” são do arquiteto paranaense Gustavo Utrabo. O “Semeador” é uma declaração sobre a vida a partir da passagem do tempo. Um percurso elevado do solo conecta o Museu ao jardim. Construído pela repetição modular do piso projetado por Niemeyer para o MON, põe-se a borrar os limites entre o construído e o natural, misturando ao piso de cimento uma combinação de sementes típicas do Paraná. O caminho leva o visitante à obra “Ao Redor de uma Árvore”, criação que se materializa como um gesto de cuidado, no qual uma armação metálica envolve o caule e nos aproxima da copa em um aceno de respeito. O toque no chão é feito por meio de quatro finos pilares e, assim como proferido por Ailton Krenak, pisar suavemente sobre a terra é o que se busca.

- Acesso livre.
- Número máximo de pessoas: 20.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Não é permitido subir na árvore.

Ferro forjado, plantas de jasmim
Série de 5 versões únicas + 5 PA

Uma enorme estrutura em ferro forjado, no formato de um bule de chá, coberta e decorada com vegetação (jasmins), impõe a sua presença monumental, captando a atenção do público. Nas grades de ferro que dão forma ao bule, reconhecem-se os padrões característicos das cercas e balaustradas que podem ser observadas em diferentes paisagens urbanas e rurais. O objeto assume forma de uma verdadeira escultura-árvore; manifestação de um princípio idealizado de complementaridade e simbiose entre o natural e o industrial. 

- Acesso livre.
- Número máximo de pessoas: 6.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Em dias quentes, a estrutura absorve o calor. Use com cautela.
- Não é permitido subir na estrutura.

Nueva edición del “MON sin Paredes – Artistas Conquistan los Jardines del MON”, realizada por el Museo Oscar Niemeyer (MON), revela otras formas de expresión artística. El área externa del Museo se convierte en un parque de esculturas interactivas, disponibles para que los visitantes exploren. Con curaduría de Marc Pottier, presenta instalaciones permanentes y temporales.

Las obras de Artur Lescher, Rômmulo Conceição, Alexandre Vogler, Narcélio Grud y Joana Vasconcelos, entre otros artistas, utilizan diferentes materiales como hierro, madera, tela y concreto. Además de democratizar el arte, discuten las relaciones entre la naturaleza y el entorno industrial, el cuerpo y las experiencias sonoras.

 “MON sem Paredes – Artistas conquistam os jardins do MON”

Esta inédita mostra é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer.

Cada vez mais democrático e inclusivo, com o “MON sem Paredes – Artistas Conquistam os Jardins do MON” o Museu rompe o limite físico de suas paredes e abraça a população, tornando-se acessível a todos. A iniciativa é um convite para que o público externo perceba a arte, inspire-se e sinta-se instigado a entrar.

No espaço interno do MON, os visitantes podem conferir desenhos e maquetes feitas pelo artista-arquiteto paranaense Gustavo Utrabo, durante o processo de concepção das obras “Semeador” e “Ao Redor de uma Árvore”, que estão expostas na área externa do Museu, chamada Parcão. 

O projeto ganhou agora, numa nova edição renovada, um parque de esculturas interativas, com obras de artistas como Artur Lescher e Rômmulo Conceição. Com curadoria de Marc Pottier, o local abrigará várias outras instalações permanentes e temporárias, num calendário de convites frequentes feitos pelo MON.

Entendemos que a arte no espaço público permite uma variedade de atividades interativas que nem sempre uma exposição museológica possibilita. Ao criar ligações entre os exteriores e as salas expositivas do Museu, o “MON sem Paredes” permite mostrar muitas outras formas de expressão da criatividade artística.

Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

Projeto inédito criado pelo MON para romper o limite físico de suas paredes e abraçar o público, chegando ao espaço externo do Museu e tornando-se acessível a todos. Esta é a primeira edição do projeto e apresenta obras dos artistas Gustavo Utrabo e Mariana Palma, que ocupam o icônico espaço de área verde ao lado do MON, chamado de Parcão.

Nueva edición del “MON sin Paredes” es la nueva realización del Museo Oscar Niemeyer

El proyecto “MON sin Paredes – Artistas Conquistan los Jardines del MON” inaugurará una nueva y renovada edición el 13 de marzo. En el área externa del Museo Oscar Niemeyer, los visitantes encontrarán un parque de esculturas interactivas, con obras de artistas como Artur Lescher, Rômmulo Conceição, Alexandre Vogler, Narcélio Grud y Joana Vasconcelos.

Con curaduría de Marc Pottier, el lugar alberga diversas instalaciones permanentes y temporales, en un calendario de frecuentes invitaciones realizadas por el MON.

"El Museo Oscar Niemeyer vive un momento sin precedentes de ampliación no sólo de su área expositiva sino también de ampliación del propio concepto de exposición, a través de este nuevo y significativo acercamiento entre el público y el arte en el proyecto MON Sem Paredes", afirma la secretaria de Cultura del Estado de Paraná, Luciana Casagrande Pereira.

“Cada vez más democrático e inclusivo, con el 'MON sin Paredes' el Museo rompe los límites físicos de sus paredes y abraza a la población, volviéndose accesible a todos”, explica la directora-presidente de la institución, Juliana Vosnika. “La iniciativa es una invitación para que el público externo perciba el arte, se inspire y se sienta animado a entrar”.

“Entendemos que el arte en el espacio público permite una variedad de actividades interactivas que una exposición museológica no siempre permite”, dice Juliana. “Al crear conexiones entre el exterior y las salas de exposición del Museo, el 'MON sin Paredes' permite mostrar muchas otras formas de expresión de la creatividad artística”, comenta.

El curador Marc Pottier también habla de los objetivos del proyecto. “El MON trabaja para ampliar su público y ofrecer muchas propuestas que puedan hacer que los curitibanos y paranenses se apropien de 'su' museo. Por eso, el 'MON sin Paredes' es tan importante”.

AP_FOLDER_DIGITAL_PT-BR_MON SEM PAREDES.pdf

MON Sem Paredes

MON realiza nueva edición de la exposición asiática, con tema “Colonialismo”

El martes 11/10 será inaugurada una nueva edición de la exposición “Asia: la Tierra, los Hombres, los Dioses”, a cargo del Museo Oscar Niemeyer (MON). Con curaduría del profesor y diplomático Fausto Godoy, donante de la colección asiática del Museo, la muestra presenta obras nunca antes expuestas, con el objetivo de abarcar públicos mayores y democratizar cada vez más el acceso a la colección.

“Al cumplir 20 años, el Museo Oscar Niemeyer se suma a la lista de los grandes museos internacionales. El tamaño y la relevancia de su colección, que se quintuplicó y se hizo más completa, fueron fundamentales en esta trayectoria, en la que la importancia de la colección de arte asiática es inmensa”, afirma la directora-presidente de la institución, Juliana Vosnika.

A aventura humana e a convivência com o estrangeiro, o diferente, assume formas diversas, seja um acercamento generoso e solidário, seja o afastamento xenófobo e preconceituoso. O tal equilíbrio do “caminho do meio”, que o Budismo prega, requer grande capacidade de compreensão com relação aos que não compartilham as nossas raízes, os nossos valores e a nossa história. 

O impulso hegemônico de um grupo sobre outro tem sido a tônica da curva das civilizações. Porém, essa curva é mutante. Só no século passado o planeta assistiu ao fim melancólico do império britânico, que reinara soberano sobre grande parte do mundo no século XIX; à divisão do planeta entre as duas superpotências nucleares – Estados Unidos e União Soviética; à dissolução desta última, em 1991, e à cristalização do poder dos Estados Unidos e dos valores do Ocidente planeta afora. Agora, a China emerge e disputa a liderança da geoeconomia. Quem será o próximo?

A luta pela descolonização ganhou força em escala mundial a partir da segunda metade do século passado. Se olharmos para o mapa-múndi ao final da Primeira Guerra Mundial, vamos verificar que os únicos países asiáticos que mantinham total independência eram o Império do Japão e o Reino do Sião, hoje Tailândia; os demais eram colônias ou vassalos das potências europeias e, no caso das Filipinas, dos Estados Unidos. Porém, antes de emergirem como elemento maior nas relações internacionais, essas ex-colônias tiveram que absorver o impacto e administrar o desafio da liberdade que tão traumaticamente alcançaram, sobretudo no que toca às fronteiras forjadas de forma artificial e arbitrária pelos colonizadores.

Já neste início de século, a emergência da Ásia nos obriga a conhecer as suas civilizações, a sua história e os seus valores, a fim de melhor convivermos com o planeta indissoluvelmente interconectado. Fica a pergunta: será, em última instância, que os valores ancestrais perdurarão numa Ásia cada vez mais imbricada com o Ocidente... e vice-versa? Quão “inegociáveis” são esses valores? A resposta é certamente difícil e nunca deixará de ser incompleta. Não obstante, essa equação precisa ser resolvida se quisermos encontrar um padrão razoável de convivência entre os indivíduos e os povos. 

Neste processo, talvez a melhor solução seja buscar entender o fenômeno sem parti pris, sem verdades absolutas, hierarquia de conceitos civilizatórios ou imposição de valores, abrindo-se espaço para o diálogo construtivo. Não é um projeto fácil, contaminado que está pela intransigência e pelo fanatismo dogmático. Daí a necessidade cada vez maior de buscarmos encontrar as raízes do problema, que, para mim, estão na impermeabilidade dos espíritos à convivência com a alteridade. É este, em suma, o objetivo da ala asiática do MON, renovada e voltada para as diversas interpretações do colonialismo no continente. 

FAUSTO GODOY // Curador da exposição e doador da coleção

Com o tema “Colonialismo”, a terceira edição da exposição “Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses” aborda o impulso hegemônico e mutante de um grupo sobre outro, que tem sido a tônica da curva das civilizações. A mostra traz ao público um recorte das cerca de 3 mil obras de arte asiáticas pertencentes ao acervo do MON e promove a reflexão sobre as diversas interpretações do colonialismo na Ásia.

Guerra Sino Japonesa: Capitão Asakawa Migita Toshihide (1862 – 1925)

Recipiente com inscrições do Alcorão 

Disputada por otras instituciones de Brasil y por coleccionistas del exterior, la colección asiática, con aproximadamente 3 mil obras de arte, pertenece al MON – y a los paranaenses. En esta nueva edición, la propuesta es abordar el “Colonialismo” en ese continente.

“La colección asiática representa un hito para la colección MON y también para el Paraná como depositario de esa colección importantísima. Estoy segura de que esta nueva edición de las obras volverá a conmover al público”, comenta la superintendente-general de Cultura, Luciana Casagrande Pereira. 

Para el secretario de Comunicación Social y de Cultura, João Debiasi, las celebraciones de los 20 años del MON son eventos ganadores a la altura. “La colección Asia es un tesoro que el Estado de Paraná guarda con mucho orgullo. Esta exposición es una forma de que el MON siga sorprendiendo a los paranaenses y a los turistas”, agrega.

El principal objetivo del MON, con la relectura, es facilitar diálogos entre culturas y territorios, a través del arte, según Juliana. “El tema Colonialismo es actual, de extrema importancia, y nos permite, al analizar la historia, reflexionar sobre el proceso de descolonización, que viene cada vez más con nova comprensión social y política”, dice. 

No por casualidad, el Museo presente, lado a lado, diferentes culturas que, al mismo tiempo en que conversan, demuestran su singularidad y nos permiten una interesante visión del mundo. “El mundo ha cambiado y los museos, como instrumentos de lectura e interpretación, también han cambiado. Si ya prevalecía la cultura eurocéntrica, si ya se trataba a los colonizados como pueblos sin historia y sin pasado, el movimiento actual es todo lo contrario.” 

Juliana también recuerda que la colección asiática dialoga con el arte contemporáneo, ya inspiró artistas y estuvo presente en otras exposiciones recientes del MON, como “Travesía del Desastre”, del artista francés François Andes, y “Afinidades”.

Esta es la tercera edición de la exposición “Asia: la Tierra, los Hombres, los Dioses”, que fue inaugurada inicialmente en marzo de 2018 y renovada en febrero de 2020. 

Con el tema “Colonialismo”, el curador Fausto Godoy aborda “el impulso hegemónico – y mutante – de un grupo sobre otro, que ha sido la tónica de la curva de las civilizaciones”. Esta nueva edición de la exposición trae al público una reflexión sobre las distintas interpretaciones del colonialismo en ese continente. 

“La aventura humana y la convivencia con el extranjero, lo diferente, toma diferentes formas, ya sea un acercamiento generoso y solidario, ya sea una distancia xenófoba y prejuiciosa. El equilibrio del ‘camino del medio’, que predica el Budismo, exige una gran capacidad de comprensión con respecto a quienes no comparten nuestras raíces, nuestros valores y nuestra historia”, comenta el curador.

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