Arte y guerra parecen palabras antagónicas, pero aquí aparecen juntas en este interesante conjunto de 37 alfombras afganas, de la colección personal del curador Victor Nosek.

La exposición "Afganistán: alfombras de paz y de guerra", organizada por el Museo Oscar Niemeyer (MON), se basa en la colección permanente de obras del MON. A diferencia de otras instituciones culturales, la función de un museo, además de cuidar y ampliar su colección, es crear diálogos entre sus obras y las exposiciones que realiza. Esta es una de las propuestas del Museo.

Vale recordar que el MON cuenta con la colección de arte asiático más grande de América Latina, luego de la donación de miles de obras, años atrás, del diplomático y profesor Fausto Godoy, que marcó una nueva vocación curatorial.

Luego se abrió espacio en la colección, con énfasis también en las artes asiáticas, africanas y latinoamericanas, en línea con los grandes museos del mundo, diferenciándola de la tendencia eurocéntrica que domina la cultura occidental. Esta iniciativa posicionó al MON al nivel de los principales museos internacionales.

En este aspecto, acercamos ahora a nuestro público la antigua tradición del tapiz afgano que, en las últimas décadas, ha incorporado temas bélicos a sus diseños tradicionales. Ambos temas se presentan en esta exposición inédita, dividida en dos ejes: la paz y la guerra.

Más que apreciar la estética, la exposición nos sensibiliza ante la propuesta y nos lleva a percibir el mundo a través de la mirada provocadora de la denuncia. Ofrece a los visitantes esta experiencia única de buscar significado y reflexionar sobre un tema tan complejo a través de la belleza del arte.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer 

Afganistán es una de las regiones políticamente más sensibles del planeta. Enclavada entre gigantes tan diversos como Rusia, India, Pakistán, Irán y China, su situación geográfica no sólo la sitúa en el cruce de grandes civilizaciones sino también de algunas de las religiones más importantes del planeta: el islam, el hinduismo y el budismo, principalmente.

Afganistán es el hogar de una civilización muy antigua, que ya existía como dominio persa cuando Alejandro III de Macedonia, el Grande, viajó por la región y fundó, en 334 a. C., Balhk, uno de sus puestos de avanzada más avanzados en Asia. Parte de la población aún conserva huellas físicas de los antiguos griegos. Esta misma población, de hábitos igualmente ancestrales, está formada por un gran elenco de etnias y tribus resultantes de la ocupación por invasores de diversos orígenes: persas, griegos, mongoles, etc. – a lo largo de su historia, que han inseminado, tanto en la genética como en las arraigadas tradiciones, valores y conceptos que cada uno de ellos defiende con feroz celo.

 Orgullosas de sus raíces, estas etnias y tribus, que se dividen entre las corrientes suníes y chiítas del Islam –en torno al 90% son suníes y el 10% chiíes, a grandes rasgos–, no aceptan la preponderancia de ninguna otra sobre ellas, por grande que sea. puede serlo numéricamente, aunque actualmente los talibanes suníes, de etnia pastún, dominan el gobierno y la vida pública y oprimen otros aspectos étnicos y religiosos. Los afganos aceptan aún menos la interferencia de otras culturas y recuerdan el período en el que dos de los imperios más grandes del siglo XIX, el ruso y el británico, compitieron en la región por la hegemonía sobre Asia Central, que la historia registró como la “Grande”. Jogo” (el “Gran Juego”).

 Fue este mismo espíritu de resistencia el que se encendió en diciembre de 1979 cuando la Unión Soviética, respondiendo al llamamiento del gobierno comunista entonces en el poder en Afganistán, invadió el país para apoyarlo en la lucha contra los insurgentes muyahidines, formados por grupos que se rebelaron contra la opresión del credo marxista, que entendían como una degradación de los valores del Islam.Esto se debe a que los soviéticos intentaron imponer sus conceptos seculares, cerraron las mezquitas e impidieron el culto público.

 La resistencia dio un giro dramático cuando los soviéticos abandonaron Afganistán en 1991, durante la disolución de la Unión Soviética, dejando espacio para la intensificación de los enfrentamientos entre los feroces grupos militantes que se habían refugiado en las montañas que conforman la accidentada geografía del país. Al mismo tiempo, las tropas occidentales de la Organización del Tratado del Atlántico Norte (OTAN), encabezadas por Estados Unidos, ocuparon el país tras los ataques a las Torres Gemelas de Nueva York el 11 de septiembre de 2001, que, bajo el liderazgo de Osama bin Laden, fueron perpetrados por Al Qaeda, una de las corrientes más feroces de los muyahidines.

 Después de varios episodios políticos que se sucedieron desde entonces, con la salida de las tropas occidentales en agosto de 2021, los talibanes llegaron al poder en Kabul. Parte de la población que se resiste a sus designios ha estado buscando refugio en otras partes del planeta, incluido Brasil, que ya cuenta con alrededor de cinco mil refugiados.

“Afganistán: alfombras de paz y de guerra” es la nueva creación del Museo Oscar Niemeyer (MON). La exposición podrá verse a partir del 24/10, en la Torre do Olho (planta baja y primera). La curaduría es del coleccionista Victor Nosek, con la colaboración del profesor y diplomático Fausto Godoy.

 La exposición reúne 37 alfombras procedentes de Afganistán que representan escenas de paz y guerra y reflejan diferentes momentos del panorama sociopolítico y cultural de ese país. La exposición también contará con 19 joyas afganas que forman parte de la vida cotidiana de las personas en las regiones donde se fabricaron las alfombras.

Donde las estrellas se encuentran con las flores

Las alfombras de guerra tribales afganas son parte de la tradición del “arte como retrato de la guerra”.

Son una actualización dramática de esta tradición. Representaban la guerra ruso-afgana y fueron producidos por distintas tribus pastoriles seminómadas, cuyo modo de vida se mantuvo sin cambios durante siglos.

Construidos en las tierras altas cuando la nieve se derritió, donde los afganos habían ido en busca de pastos para sus rebaños, y en sus hogares fijos durante el invierno.

Las alfombras “vivas” son el resultado de esta forma de vida.

La lana de alta calidad se teñía con tintes naturales recogidos durante la migración anual. Los tejedores, en el silencio de las tiendas, libres de interferencias, utilizaban simples telares horizontales fijados al suelo. Los temas tradicionales, desarrollados de memoria, sin dibujo previo, son característicos de cada artista. Creado preferentemente para uso personal, el excedente se vende y las ganancias se destinan a la compra de joyas de cornalina, piedras utilizadas contra el mal de ojo.

Al principio, en tímidas apariciones dentro de los temas tradicionales, tanques, helicópteros, aviones y granadas pronto ocuparon toda la composición. Tribales y contemporáneas, las alfombras de guerra de esta exposición pertenecen a los primeros diez años de esa guerra, entre 1970 y 1980, cuando el nomadismo pastoril todavía era posible. ¡La llegada del hambre endémica y la aniquilación de los rebaños hicieron inviable el nomadismo y la consiguiente producción de alfombras “vivas” de calidad!

¡Que esta exposición contribuya a la reflexión y la humanidad alcance finalmente la paz y el progreso al que está destinada!

Afganistán - alfombras de paz y de guerra

déc. 1980
Alfombra tejida manualmente en telares horizontales, utilizando lana de oveja y camello teñida de forma natural. En los cordones laterales se utiliza crin y cola de caballo.
129 x 92 cm

déc. 1960/70
Alfombra tejida manualmente en telares horizontales, utilizando lana de oveja y camello teñida de forma natural. En los cordones laterales se utiliza crin y cola de caballo.
210 x 109 cm

déc. 1960/70
Alfombra tejida manualmente en telares horizontales, utilizando lana de oveja y camello teñida de forma natural. En los cordones laterales se utiliza crin y cola de caballo.
194 x 102 cm

déc. 1980
Alfombra tejida manualmente en telares horizontales, utilizando lana de oveja y camello teñida de forma natural. En los cordones laterales se utiliza crin y cola de caballo.
152 x 92 cm

déc. 1980
Alfombra tejida manualmente en telares horizontales, utilizando lana de oveja y camello teñida de forma natural. En los cordones laterales se utiliza crin y cola de caballo.
143 x 98 cm

El MON organiza exposición de alfombras afganas

 “Afganistán: alfombras de paz y de guerra” es la nueva creación del Museo Oscar Niemeyer (MON). La exposición podrá verse a partir del 24/10, en la Torre do Olho (planta baja y primera). La curaduría es del coleccionista Victor Nosek, con la colaboración del profesor y diplomático Fausto Godoy.

“Hoy, un museo no es sólo un lugar de preservación, sino un espacio de diálogo y reflexión. El Museo Oscar Niemeyer ejemplifica este papel con una colección que abarca desde arte hasta piezas históricas y antropológicas, ampliando las barreras físicas de lo que constituye un espacio museístico”, afirma Luciana Casagrande Pereira, secretaria de Estado de Cultura de Paraná.

“Nuestro objetivo también es ampliar las referencias culturales. Así, el MON resalta la riqueza de las culturas asiáticas y africanas, que conforman una de las mayores colecciones especializadas de América, presentada tanto en exposiciones de larga duración como en giras por Paraná”, dice la secretaria.

La directora presidente de MON, Juliana Vosnika, comenta que la exposición es una oportunidad para que los visitantes vean de cerca la antigua tradición del tapiz afgano. “Cabe recordar que el MON cuenta con la colección de arte asiático más grande de América Latina, luego de la donación de miles de obras, hace años, por parte del diplomático y profesor Fausto Godoy, que marcó una nueva vocación curatorial”, comenta.

Luego se abrió espacio en la colección, con énfasis también en las artes asiáticas, africanas y latinoamericanas, en línea con los grandes museos del mundo, diferenciándolo de la tendencia eurocéntrica que domina la cultura occidental. Esta iniciativa posicionó al Museo Oscar Niemeyer al nivel de los principales museos internacionales.

“En este aspecto, acercamos ahora a nuestro público la antigua tradición del tapiz afgano que, en las últimas décadas, ha incorporado temas bélicos a sus diseños tradicionales”, dice Juliana. Ambos temas se presentan en esta exposición inédita, dividida en dos ejes: la paz y la guerra.

Fausto Godoy, quien durante aproximadamente dos años se desempeñó como embajador de Brasil en Afganistán, habla de la importancia política de la exposición, y el curador Victor Nosek explica que las alfombras que reflejan el tema de la paz son las más antiguas y representan escenas pastorales de naturaleza en general o formas geométricas.

Tribales y contemporáneas, las alfombras de guerra reflejan el período comprendido entre 1970 y 1980 y se exhibirán por separado en la primera planta de la Torre. “Necesitamos mirarlos, entender esa estética y reflexionar sobre cómo es posible crear belleza en la guerra”, provoca Godoy.

Recuerda que Afganistán es una de las regiones políticamente más sensibles del planeta. “Atrapada entre gigantes tan diversos como Rusia, India, Pakistán, Irán y China, su ubicación geográfica no sólo la sitúa en el cruce de grandes civilizaciones, sino también de algunas de las religiones más importantes del planeta: el islam, el hinduismo y el budismo, principalmente”, afirma.

El coleccionista y curador de la exposición explica que las alfombras tribales de guerra afganas forman parte de la tradición: el arte como retrato de la guerra. "Son una actualización dramática de esta tradición", informa Nosek.

Según él, estas piezas representan los primeros años de la guerra ruso-afgana y fueron producidas por diferentes tribus pastoriles seminómadas, cuyo modo de vida se mantuvo inalterado durante siglos. “Que esta exposición contribuya a la reflexión y la humanidad alcance finalmente la paz y el progreso al que está destinada”, afirma el curador.

MON está junto a los principales museos de Brasil y del mundo en la plataforma Google Arts & Culture. Visita nuestras exposiciones en formato virtual. Descubre más sobre esta exposición en la plataforma Google Arts & Culture.

Mucho más que un simple objeto de contemplación, el arte es una poderosa herramienta para transformar la percepción, superar los estándares establecidos y buscar nuevos valores.

Este es el caso de la exposición "Oro Puro", presentada por el Museo Oscar Niemeyer, una sugerente colección de obras que une a diseñadores de diferentes países en una reflexión universal común: la relación de la humanidad con la naturaleza.

El supraciclaje ha cobrado fuerza en todo el mundo al proponer diferentes enfoques para procesar materiales desechados y crear productos nuevos y valiosos. Además de dar a conocer técnicas de producción alternativas, vemos ejemplos de lo que se puede hacer aquí.

No es casualidad que, además de esta exposición, el MON presente simultáneamente otras exposiciones que abordan el mismo tema. La reinterpretación está presente en las salas adyacentes, tanto con el artista mexicano Gabriel de la Mora como con el artista brasileño Barrão, ambos artistas con enfoques de debate similares.

En esta exposición, en diálogo con la colección permanente del Museo, se presentan siete obras de diseño de la colección, ofreciendo a los visitantes la oportunidad de comparar. Al exhibirlas juntas, revelan que no existe diferencia estética ni funcional entre las que utilizan materiales convencionales o reciclados.

Entendemos que lo urgente no es la presentación de soluciones mágicas, sino una invitación a reflexionar sobre el tema, a través de una reflexión íntima y necesaria. Como espacio vital de intercambio, el museo nos permite a cada uno este momento, algo que el arte hace posible.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Directora-Presidenta del Museo Oscar Niemeyer

Oro puro o: Por qué vale la pena prestar más atención a la basura doméstica

“El Bayern de Múnich juega hoy con camisetas hechas con basura”. Este fue el titular del periódico Bild en noviembre de 2016, durante la previa del partido del campeonato alemán de la Bundesliga entre el Bayern y el 1899 Hoffenheim. Por supuesto, no se refería a camisetas de segunda mano hechas con ropa vieja, sino, como decía el informe, a camisetas hechas íntegramente con “residuos oceánicos”: “de 28 botellas de plástico extraídas del mar”. El informe continuaba: “Con estas camisetas, el proveedor de ropa deportiva Adidas y la organización ambientalista Parley quieren advertirnos sobre la contaminación marina. Cada año, se vierten al mar 20 millones de toneladas de residuos plásticos, y tardan la asombrosa cifra de 600 años en descomponerse”.¹

Aunque esta iniciativa no estuvo motivada únicamente por preocupaciones medioambientales y Adidas probablemente también tenía importantes intereses de marketing, este uso de recursos es un ejemplo del desarrollo cada vez más dinámico de las tecnologías de reciclaje, así como de los altos niveles de aceptación y valoración de los productos reciclados disponibles.

No siempre fue así. No hace mucho, la palabra "reciclaje" evocaba imágenes de papel color cáscara de papas o de pavimentos triturados, considerados soluciones provisionales o materiales sustitutos que nunca debían utilizarse cuando se debían considerar criterios estéticos. Esto ha cambiado radicalmente. Casi a diario, leemos sobre productos innovadores fabricados íntegramente con plástico “upcycled”, vaqueros viejos, porcelana, caucho y muchos otros materiales, que aparecen no solo en las páginas de negocios, sino también en las secciones de "investigación y tecnología". Esto significa que los productos mencionados no son solo artículos semielaborados o básicos como papel higiénico o ladrillos², sino también artículos sofisticados de las industrias del mueble y textil, productos donde tanto la calidad técnica como la estética son cruciales para el éxito comercial.

La silla Hudson de Philippe Starck y la silla Aeron de Herman Miller son prototipos de esta estrategia. Estas dos sillas, junto con muchos otros productos reciclados, se fabrican reutilizando materiales que se habían utilizado previamente para fabricar prácticamente el mismo tipo de producto, devolviéndolos primero a su estado original (pasta, líquido, polvo o fibra), incluso si luego se transforman de nuevo en sillas en su nueva forma. Por lo tanto, en cuanto a los procesos de producción, estos productos no difieren mucho del conocido papel reciclado de color gris-marrón; sin embargo, los textiles modernos de un proveedor de ropa deportiva y los sencillos suministros de oficina de una fábrica de papel son mundos aparte.

La mejora estética es un desarrollo clave y un factor diferenciador clave. En la feria de tecnología e informática Cebit de 2017, la empresa japonesa Epson presentó equipos que utilizan el proceso PaperLab. El primer paso consiste en triturar el papel viejo impreso, que posteriormente se transforma en papel nuevo a una velocidad de 720 hojas por hora, prácticamente sin necesidad de agua.³

Es seguro asumir que no pasará mucho tiempo antes de que máquinas descentralizadas como las de Epson se apliquen a otros campos y tecnologías de producción en los hogares. Un ejemplo son las impresoras 3D, que ya se utilizan ampliamente. Pueden alimentarse con residuos domésticos bien separados y finamente molidos (en nuestros propios hogares) y luego producir lo que se necesite, desde repuestos hasta pequeñas reparaciones. Las habilidades de programación necesarias no serán un problema, ya que la generación Minecraft ya las domina.

Pero aún no hemos llegado tan lejos. Actualmente, estas tecnologías de reciclaje se siguen utilizando de forma centralizada, o al menos dentro del ámbito de influencia de las empresas que fabrican estos productos (Adidas, Emeco, Herman Miller, Epson). Esto significa que el acceso sigue siendo relativamente limitado y, a menudo, bastante caro. El alto costo de este tipo de proceso y su impacto en el precio final para el consumidor se puede apreciar en el caso del intento de transformar uno de los contaminantes ambientales más importantes de las últimas décadas en un producto ecológico. Original Food, con sede en Friburgo, Alemania, quería producir cápsulas de café compostables como alternativa a las cápsulas de Nespresso con alto contenido de aluminio, que generan alrededor de 4.000 toneladas de residuos al año.⁴ Esta iniciativa de Original Food parece una buena noticia, pero el problema es que la cápsula ecológica es un 20 % más cara que el producto de Nestlé y, además, carece del encanto del “mujeriego” George Clooney. Lanzar un nuevo producto podría ser más sencillo.

A pesar de las dificultades, estos ejemplos demuestran que, con las adaptaciones tecnológicas y los equipos adecuados, el cambio es posible. Los avances actuales y su creciente aceptación indican que, tarde o temprano, procesos como estos transformarán el principio de reutilización en —si no el— estándar para la adquisición de materias primas.

Es cierto que los programas políticos y financieros tienen el mayor poder de cambio en este campo, no las grandes ideas de los diseñadores. En los ejemplos de camisetas de fútbol, muebles o cápsulas de café fabricadas con materiales reciclados que se citan aquí, los productos son sustitutos que se ven exactamente igual que los productos "ecológicamente no correctos", salvo por una composición material apenas perceptible o invisible. En otras palabras, el éxito de estos productos se basa únicamente en una idea política y moral, o en un marco económico o regulatorio.

Esto es muy diferente en el caso de los productos que reconstruyen objetos cotidianos de bajo costo, los llamados "materiales encontrados". Estos productos no devuelven la materia prima a su estado original mediante procesos técnicos para generar un producto completamente nuevo. En cambio, dejan los materiales encontrados prácticamente como están, en su forma y composición final. Si bien esta estrategia no se ajusta perfectamente a la definición de la Ley Alemana de Gestión de Residuos⁵ o, dicho de otro modo, no se corresponde con nuestra comprensión del proceso de reciclaje, esta forma de reutilización es una alternativa muy atractiva a la adquisición industrial de materiales secundarios, al menos desde una perspectiva de diseño.

El objetivo de la exposición "Pure Gold" es demostrarlo. Presenta un total de 76 ejemplos de 53 diseñadores de Europa, Latinoamérica, Norte de África y Oriente Medio, Asia Oriental, África Subsahariana, Asia Meridional y el Sudeste Asiático, con un claro denominador común. Con distintos grados de perfección, todas estas obras se realizan íntegramente a mano o con la ayuda de herramientas muy sencillas, utilizando materiales usados y desgastados, ya sean desechos o los materiales más económicos disponibles. Esto se traduce en bajos costos de equipo y operación. Obras como las que se muestran aquí pueden crearse en pequeños talleres, en estructuras industrialmente subdesarrolladas o incluso en un banco de trabajo doméstico.

En resumen: la reutilización aquí es mucho menos fundamental y, por lo tanto, mucho menos compleja. El valor añadido de los materiales usados proviene solo parcialmente de las cualidades puramente físicas del material original. También se debe al aprovechamiento de las características físicas, compositivas, estructurales o simplemente estéticas de un producto seleccionado deliberadamente o encontrado al azar. Mientras que el reciclaje industrial busca generar una cantidad de productos idénticos (como es la única manera de fabricar una camiseta de fútbol como la del Bayern), estas estrategias de “as found” se centran más en aprovechar cualidades específicas ya conocidas o previamente pasadas por alto, como la maleabilidad, el color, la firmeza, la textura o la estructura del material, y en añadir matices en un nuevo contexto. A veces, esto llega tan lejos que los materiales se exhiben casi de forma demostrativa, y su contexto y función originales solo pueden discernirse con un buen trabajo de investigación. Probablemente nadie se daría cuenta de que los contenedores de Waltraud Münzhuber no son más que cintas de vídeo tejidas de varias "películas favoritas". Igualmente difícil sería identificar la Styrene Lamp de Paul Cocksedge, una composición geométrica precisa pero sencilla hecha de tazas de café de poliestireno termomoldeadas. El origen de los Taburetes Free Range de El Último Grito tampoco es inmediatamente reconocible; estos objetos arrugados son cajas de cartón hábilmente moldeadas y comprimidas.

Sobre todo, es la diversidad de materiales encontrados lo que convierte a esta fuente en una alternativa realista a la reutilización de materias primas estandarizadas y de alto consumo energético. Entre los materiales encontrados se incluyen todo tipo de papel, cartón corrugado, vidrio, neumáticos, corcho, jeans,, madera de construcción, cestas de plástico, tablas de madera, lana, revestimientos de heladeras, bolsas de plástico, chinelas, cinta adhesiva y de PVC, chatarra de acero, bolsos baratos y mucho más. Si añadimos a esta lista los atributos característicos —después de todo, son las características físicas y estéticas las que hablan a favor o en contra del uso de un material—, podemos hacernos una idea aproximada del inmenso potencial imaginativo que esta fuente prácticamente inagotable de residuos aparentemente inútiles ofrece para el diseño contemporáneo y futuro.

Por supuesto, esta forma de diseño y producción no es realmente nueva. Se asemeja al principio del ready-made en las artes visuales, al adhocism propagado por Charles Jencks a principios de la década de 1970⁶, a diversos aspectos del movimiento DIY (hazlo tú mismo) desde la década de 1960 hasta la actualidad, o a las prácticas de los hippies en las décadas de 1960 y 1970.

También podemos recordar cómo objetos cotidianos fueron improvisados en tiempos de escasez, provenientes de situaciones completamente diferentes, pero realizados y utilizados con el mismo impulso y principios de diseño que las obras presentadas en esta exposición.⁷

Sin embargo, a diferencia de estos "movimientos", (quizás con la excepción de los objetos creados por necesidad), el desarrollo actual del diseño impulsado por el reciclaje (o reciclaje impulsado por el diseño) que se muestra en esta exposición carece de urgencia misionera y no viene con ninguna ideología abstracta e idealista. En cambio, estas obras surgen de una mezcla de curiosidad e imaginación, una mirada analítica y, a menudo, una paciencia increíble, combinada con artesanía y un sólido conocimiento de las "materias primas" utilizadas. Es probable que sea precisamente esta combinación de técnica pragmática y talento artístico la que ha permitido que este fenómeno se extienda por todo el mundo. Esto también significa que estas obras manuales e "improvisadas" no son menos significativas que las tecnologías desarrolladas para la producción en masa y el reciclaje en serie.

Sin duda, considerando los 320.000 vasos de café descartables que se desechan cada hora (!) tan solo en Alemania⁸, no se puede subestimar la importancia del reciclaje industrial. Esto también se aplica al hecho de que la producción manual puede realizarse de forma sencilla, con herramientas básicas, y aun así producir resultados excepcionales, como demuestra esta exposición. La calidad no solo reside en el diseño, sino también, con una artesanía adecuada, en su valor económico.

El diseñador Stuart Haygarth es una figura destacada en este sentido.⁹ La lámpara Drop, creada por él en 2007, está hecha de cientos de bases de botellas de plástico cuidadosamente limpias, reorganizadas en una forma que evoca gotas de agua, la idea central del diseño del producto. La producción y el material demuestran que este producto podría fabricarse en cualquier parte del mundo, siempre que haya suficientes botellas de plástico disponibles, y estas se encuentran en nuestras playas de todo el mundo.

La única razón por la que este ejemplo clásico de upcycling excepcional no puede incluirse en esta exposición es su precio, varios miles de libras esterlinas. Esto demuestra que no estamos tan lejos del valor del oro que sugiere el título de esta exposición, sobre todo si observamos con atención toda la basura que nos rodea.

1 Bild, 5 de noviembre de 2016, pág. 1, pág. 14.

2 Véase Neue Zürcher Zeitung, edición internacional, 22 de febrero de 2017, págs. 38/39.

3 Véase Frankfurter Allgemeine Zeitung, 23 de marzo de 2017, pág. 19.

4 Véase Frankfurter Allgemeine Sonntagszeitung, 19 de marzo de 2017, pág. 24.

5. El “reciclaje” se define como “cualquier proceso de aprovechamiento que transforme los residuos en productos o materiales para su uso original o para otros fines. Esto incluye el uso y procesamiento de materiales orgánicos destinados a ser utilizados como combustible o para relleno” (§ 3, párrafo 25, Ley de Gestión de Residuos de Alemania).

6 Charles Jencks, Nathan Silver, Adhocism, Nueva York, 1973.

7 Véase Werkbund-Archiv, Blasse Dinge, Werkbund und Waren 1945 – 1949. Eine Ausstellung des Werkbund-Archivs im Martin-Gropius-Bau vom 12.8. – 8.10.1989, revista de exposición, Berlín, sin fecha.

8 El número 320.000 está tomado de Barbara Kuchler, “About the Verhältnisse der anderen Leben”, en el Frankfurter Allgemeine Zeitung, 26 de noviembre de 2016.

9 Stuart Haygarth, www.stuarthaygarth.com/.

Upcycling en América Latina: una larga tradición 

Reutilizar materiales baratos o basura para crear nuevos objetos y prolongar su vida útil ha formado parte de la cultura material latinoamericana desde hace mucho tiempo. Si bien en algunas partes del mundo como Europa esta práctica surge de la conciencia ambiental, en estos países surge de una inventiva dictada por la necesidad de supervivencia. Históricamente, la pobreza ha marginado a vastos grupos de población de la sociedad de consumo. La falta de acceso a bienes industrializados ha llevado a las personas a usar sus propias manos para crear y fabricar objetos que satisfagan sus necesidades cotidianas.

Hasta la década de 1970, la población brasileña era predominantemente rural. La creación de objetos para uso familiar o comunitario dependía de elementos naturales locales como materia prima. La paja se transformaba en cestas para transportar provisiones, hamacas para dormir o para techos; la arcilla se moldeaba en recipientes para almacenar agua o platos para comer; ramas y troncos de árboles, combinados con pieles de animales, daban lugar a muebles. En el país conocido por tener la mayor biodiversidad del mundo, abundan las materias primas para satisfacer las diferentes exigencias de resistencia, ligereza, durabilidad y adaptación al clima local en diversos tipos de objetos.

Con la creciente urbanización, los materiales derivados de los residuos industriales se incorporaron a los materiales disponibles en la naturaleza. Los desechos de los ricos se convirtieron en materia prima para las clases populares. Así, reutilizar los restos, por muy "contaminados" que parecieran, se convirtió en una práctica cotidiana. Otra práctica común era desmantelar objetos de sus funciones originales para adaptarlos a nuevos usos.

La arquitecta italiana Lina Bo Bardi (1914-1992), quien llegó a Brasil en la década de 1940 y permaneció allí hasta el final de su vida, documentó estas prácticas con admiración, familiarizándose con ellas a finales de la década de 1950 cuando comenzó a trabajar en el estado de Bahía, en la región noreste del país, más pobre que la industrializada São Paulo donde había vivido hasta entonces. Lina quedó encantada por las colchas hechas con retazos de tela y los utensilios creados con envases de aluminio reciclado. Entre los objetos paradigmáticos que recopiló durante sus viajes se encontraban lámparas de queroseno utilizadas para iluminar hogares sin electricidad, hechas de basura; irónicamente, algunas usaban bombillas fundidas como contenedores de combustible.

Otro intelectual profundamente interesado en estas prácticas fue el diseñador Aloísio Magalhães (1927-1982). En la década de 1970, creó el Centro Nacional de Referencia Cultural, que documentó estas iniciativas locales. Aloísio se inspiró en una pregunta del entonces ministro de Industria y Comercio, Severo Gomes, quien cuestionó la falta de carácter distintivo de los productos brasileños. Según el diseñador, esto se debía al desconocimiento de la cultura material brasileña.

Como director del Centro, Aloísio realizó investigaciones sobre textiles, producción cerámica, etiquetas de bebidas, marcas populares, artesanía indígena y reciclaje de residuos industriales, entre otros temas, todo con el objetivo de explorar la identidad del diseño y productos brasileños.

El Centro fue una institución pública que buscó cuestionar la lógica funcionalista dominante en el diseño institucionalizado de la época, fuertemente influenciado por el modelo de la Escuela de Ulm (HfG Ulm) en Alemania, que inspiró la primera escuela de diseño de Brasil: la Escola Superior de Desenho Industrial (ESDI), fundada en Río de Janeiro en 1963. El currículo de la ESDI seguía el modelo de Ulm, del cual provenían algunos profesores. La adopción de este estilo internacional se volvió dominante no solo en la ESDI, sino también en las escuelas creadas posteriormente y en la práctica diaria de los diseñadores.

A finales de los años ochenta y principios de los noventa, comenzaron a llegar a Brasil ecos de la preocupación por el "reciclaje en el diseño", principalmente desde Europa, junto con iniciativas ambientales contra el consumismo excesivo y el deseo de poseer cada vez más cosas, acorde con el estilo de vida occidental. Expresiones como la "cultura del Kleenex" comenzaron a representar críticamente esta mentalidad, al igual que el "usar y descartar". Estos movimientos comenzaron a cuestionar incluso el uso de la palabra "descartar". Después de todo, ¿qué se descarta realmente? Si ya no está en casa, sigue formando parte de la ciudad, del país y, en última instancia, del mundo. Los buques de carga transportan residuos compactados desde países altamente industrializados a lugares distantes del hemisferio sur, intentando "eliminar" sus basuras. Sin embargo, permanecen "dentro" del planeta. Necesitábamos empezar a ver la basura como el único recurso creciente del planeta, como predijo el pensador estadounidense Buckminster Fuller.

Irónicamente, estos ecos internacionales llegaron a América Latina en un momento en que muchos países de la región, incluido Brasil, experimentaban un gran auge económico, lo que debilitaba las iniciativas de reciclaje de base. Así, a través de los movimientos ambientalistas internacionales, impulsados por la creciente crisis ecológica, las iniciativas de reutilización adquirieron un nuevo significado, ahora como posturas ideológicas, casi como manifiestos sobre el futuro del planeta.

Las ideas de algunos segmentos del diseño del hemisferio norte también influyeron en Latinoamérica, como se aprecia, por ejemplo, en la exposición “Conscious, Simple – Consciously Simple”, con curaduría de Volker Albus y presentada en 1998 por el IFA. En mayo de 1999, llegó al Museo de la Casa Brasileña de São Paulo. Albus presentó una cultura alternativa de productos concebidos, producidos y utilizados de forma conscientemente simple, lo que impactó a los brasileños acostumbrados al pragmatismo industrial de la Escuela de Ulm.¹

En noviembre de ese mismo año, en la exposición "Nuevos Alquimistas" en el Itaú Cultural, reuní objetos resultantes de la valorización de materiales baratos o reciclados. En el mismo espacio, creaciones vernáculas realizadas por personas sin formación académica de diversas partes del país compartieron espacio con el trabajo de diseñadores con formación, quienes se inspiraron tanto en la cultura tradicional brasileña como en las nuevas ideas surgidas de los debates en el hemisferio norte. Muchos de los diseñadores que participaron en la exposición se refirieron a sus abuelos como "maestros del reciclaje": personas capaces de reutilizarlo todo, de convertir la basura en oro.

Como escribí en el catálogo: “Reciclar, reutilizar y recontextualizar se han convertido en parte de nuestra vida cotidiana, y no solo en el mundo de los objetos. El diseño gráfico ha cambiado con la capacidad de escanear y distorsionar imágenes mediante computadoras. En la moda, desde el grunge hasta la alta costura, ha llegado a las calles. Los samplers están muy presentes en el mundo del pop, y otros movimientos musicales se apropian de elementos de la cultura tradicional local y de otros mundos. La dictadura del “buen gusto” ya no existe en ningún ámbito. La recirculación de información, formas y sonidos marca nuestra vida cotidiana. En el mundo de los objetos, los matices de cada país no importan: existe una crítica común al modelo de progreso adoptado por la sociedad industrial”.²

Los diseñadores latinoamericanos seleccionados para "Pure Gold" revelan esta doble influencia: la del diseño vernáculo interno y la de los movimientos sociales que impactan el diseño internacional. Brunno Jahara y Domingos Tótora, de Brasil, y el Colectivo Ático de Diseño, de Argentina, son figuras relativamente recientes en la escena, y si bien comparten visiones similares del diseño contemporáneo, cada uno sigue caminos diferentes.

Domingos Tótora comienza diseñando el material con el que trabajará, desarrollado a partir de envases de cartón desechados. No se trata simplemente de reutilizar, ya que implica un proceso completamente nuevo para transformar el material. El cartón se mezcla con agua y pegamento, luego se prensa y se moldea, adquiriendo resistencia. Solo entonces adopta las formas imaginadas por el diseñador.

La trayectoria de Brunno Jahara consiste en recontextualizar piezas de plástico o cerámica muy económicas, fabricadas en grandes series. En el proceso de desplazamiento y reensamblaje, genera nuevos usos y, sobre todo, nuevos significados. Se trata de objetos listos (ready-mades).

Por su parte, la curadora Luján Cambariere, en el Colectivo Ático de Diseño, parte de antigüedades e invita a los diseñadores a recrear las piezas, insertándolas en nuevos repertorios.

Ninguno de los tres diseñadores oculta el origen de sus objetos, pero tampoco los expone explícitamente. Sus objetos no pretenden ser manifiestos ni declaraciones: no son estridentes. Todos demuestran una gran habilidad para transformar entornos mediante métodos y recursos económicos. Es más, revelan inventiva y capacidad para ofrecer soluciones, incluso en condiciones que distan mucho de ser ideales y tecnológicamente sofisticadas. La forma trasciende la función, incorporando diferentes funcionalidades. Jahara y Ático de Diseño manejan con maestría recursos como el humor y la ironía, mientras que Tótora opta por una poesía silenciosa y clara.

Todos estos objetos nos invitan, como consumidores, a conciliar el consumo y la vida comunitaria con el placer estético y el deseo de un mundo mejor.

Adélia Borges
Curadora | Región Latinoamericana | São Paulo, Brasil.

1 Conscious, Simple – Consciously Simple. The Emergence of an Alternative Product Culture, Institut für Auslandsbeziehungen (ifa), Stuttgart 1998.

2 “Novos alquimistas,” en Consumo Cotidiano/Arte, São Paulo, Itaú Cultural, 1999.

El Goethe-Institut es el instituto cultural internacional de la República Federal de Alemania. Desde su fundación en Alemania en 1951, su misión ha sido fomentar el intercambio cultural, la educación y el diálogo social en el contexto internacional, así como apoyar la enseñanza y el aprendizaje del alemán en diálogo con el mundo, promoviendo la diversidad, la comprensión y la confianza, fomentando el acceso a la lengua alemana y apoyando el libre desarrollo de la cultura y la ciencia. La institución cree en el potencial del intercambio cultural internacional, alimentado y fortalecido por las conexiones entre artistas, activistas, pensadores académicos, investigadores, mentes creativas y colaboraciones institucionales. En este contexto, el Goethe-Institut reafirma su compromiso con los planes de acción de la Agenda 2030 de las Naciones Unidas, promoviendo los 17 Objetivos de Desarrollo Sostenible mediante iniciativas culturales, educativas y ambientales que fomentan la equidad, la diversidad y la sostenibilidad global.

Cada año se celebran alrededor de 20.000 eventos culturales en todo el mundo en colaboración con sus socios. A través de programas de residencia, colaboraciones y coproducciones, el instituto fomenta la creación de redes globales entre profesionales de la cultura.

En la actualidad, el Goethe-Institut São Paulo desarrolla y apoya una amplia gama de eventos culturales, difundiendo y actualizando temas locales presentes en la escena alemana contemporánea, además de mapear los problemas más urgentes de Brasil a través de sus proyectos.

"¡ORO PURO – RECICLADO! ¡ACTUALIZADO!" es una exposición del Institut für Auslandsbeziehungen e.V. (ifa) en colaboración con el Museo Oscar Niemeyer y el Goethe-Institut São Paulo.

El supraciclaje es la práctica que mejor representa la alianza del diseño contemporáneo con una creciente conciencia ecológica. A diferencia del reciclaje tradicional, el supraciclaje transforma materiales desechados o en desuso en productos de mayor valor, tanto funcional como estético. Es una forma creativa de dar nueva vida a objetos que de otro modo serían considerados basura, promoviendo el consumo consciente, la originalidad y la responsabilidad ambiental. En el mundo del diseño, el supraciclaje no solo reduce el impacto ambiental, sino que también inspira soluciones únicas con historias e identidad propias. Materiales previamente desechados adquieren nuevas formas, con la huella del tiempo y su propia narrativa. Esta práctica permite al diseñador-creador explorar contrastes, texturas y simbolismos únicos, transformando lo ordinario en extraordinario. El resultado son piezas emblemáticas, llenas de personalidad, que rompen con los cánones estéticos convencionales y provocan una reflexión sobre el consumo, el descarte, la memoria y el significado.

Esperamos que la exposición inspire nuevas formas de crear, combinadas con la preocupación por el impacto ambiental.

Las piezas seleccionadas de la colección del Museo Oscar Niemeyer se inspiran en una filosofía de diseño más o menos tradicional.

Precisamente por eso se integraron en la colección de muebles upcycled.

Al presentar ambos enfoques de diseño en paralelo, los visitantes pueden apreciar que no existe una diferencia formal o estilística significativa entre el uso de materiales convencionales —como madera, plástico o cuero— y el trabajo con materiales usados o reciclados.

Esta yuxtaposición deliberada busca fomentar una comprensión y apreciación más profunda de la estética que se esconde detrás de las piezas "PURE GOLD".

La exposición "ORO PURO – ¡RECICLADO! ¡ACTUALIZADO!" es una sugerente colección de obras que reúne a 53 diseñadores de diversos países en una reflexión universal: la relación de la humanidad con la naturaleza. Un total de 76 obras se presentan en la Sala 2 del MON. Es una exposición del ifa - Institut für Auslandsbeziehungen e.V., en colaboración con el Museo Oscar Niemeyer y el Goethe-Institut São Paulo. El concepto y la concepción fueron concebidos por Volker Albus, profesor de la Universidad de Artes y Diseño de Karlsruhe, Alemania. La conceptualización latinoamericana fue creada por la investigadora e historiadora del diseño Adélia Borges.

Basura voluminosa, residuos, materiales baratos: ¡oro puro!

Al menos, así lo creen muchos diseñadores a la vanguardia de esta transformación. "PURE GOLD – UPCYCLED! UPGRADED!" explora el tema de la eliminación y presenta diferentes maneras de transformar materiales desechados en productos valiosos.

Con la industrialización global y el aumento del consumo, el upcycling se ha convertido en una cuestión urgente. Por ello, el Institut für Auslandsbeziehungen (ifa) aborda este tema a través de una exposición de diseño, una plataforma digital, talleres y conferencias. El proyecto se basa en la ética, la responsabilidad, la colaboración internacional y la cocreación.

La exposición "PURE GOLD" consta de dos partes complementarias: la exposición física y material, y una plataforma virtual que sirve como espacio para el diálogo, el debate y el intercambio de conocimientos.

Los materiales presentados en los ejemplos son, en su mayoría, fácilmente accesibles prácticamente desde cualquier lugar y, básicamente, “gratuitos”. Sin embargo, a menudo se consideran basura sin valor. Lo mismo ocurre con las técnicas empleadas para transformarlos: habilidades artesanales a menudo basadas en métodos tradicionales, que acaban cargando con el estigma de estar obsoletas.

El objetivo de esta exposición es desafiar las etiquetas negativas asociadas a la reutilización y promover una nueva percepción de las materias primas y, en consecuencia, una renovada apreciación de los productos creados a partir de ellas.

En colaboración con siete curadores de Europa, América Latina, Norte de África y Oriente Próximo, Asia Oriental, África Subsahariana, Asia Meridional y el Sudeste Asiático, el ifa ha reunido 76 obras de 53 diseñadores. Juntos, demuestran cómo es posible añadir valor y significado en diversos contextos culturales.

En cada etapa de la gira internacional, se realizan talleres con diseñadores y creadores locales. Los resultados se publican en la plataforma digital en forma de guías paso a paso, invitando al público a continuar el diálogo y el intercambio de conocimientos. A lo largo del proyecto se añadirá información y materiales adicionales sobre los temas de los talleres.

En cada lugar que visita, el ifa también invita a diseñadores locales a presentar su trabajo junto con la exposición “PURE GOLD”.

Tábuas antigas clareadas, envernizadas e tingidas, ou cortadas, provenientes de madeireiras ou lojas de materiais de construção e bricolagem. Tábuas curtas e longas, largas e estreitas são montadas como estão, entre três, quatro ou cinco suportes de alumínio fundido e depois unidas mecanicamente para formar mesas. Especiais e sempre únicas

Fotografia: Marjan Van Aubel  - James Michael Shaw

El aserrín es en realidad un polvo sin forma definida. Al añadirse a la resina, esta mezcla se transforma en una espuma de madera moldeable y muy duradera. Por un lado, se alisa para formar asientos y respaldos, y por el otro, se moldea en formas redondeadas y amorfas que se colocan y fijan entre las barras.

Marjan van Aubel (RU/HOL) & James Michael Shaw (RU)

La inspiración surgió de las barras de acero sobrantes en las obras. Estas barras son económicas y resistentes, y tienen una estructura lineal.

Chanclas. Una sola suela, una tira en forma de V. Eso es todo. Y por eso son muy baratas. Se usan en la playa y cerca del agua, donde a menudo se dejan tiradas, arrastradas por la corriente, y luego se traen de vuelta. Después se recogen, se pegan y se cortan en forma de lámparas, cestas y pequeños muebles.

El producto se fabrica mediante el proceso tradicional de fabricación de calzado con tela multicapa, una antigua artesanía china. La técnica se basa en capas de algodón y utiliza emulsión para endurecerlo, seguido de la costura con hilo de lino. Sin embargo, este diseño utiliza texturas superficiales suaves y agradables para la piel que reemplazan las telas ásperas originales, lo que hace que la silla sea más práctica.

Pure Gold

O MON está ao lado de grandes museus do Brasil e do mundo na plataforma Google Arts & Culture. Visite nossas exposições em formato virtual.

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El MON realiza exposición del mexicano Gabriel de la Mora

La exposición “Veemente”, del artista mexicano Gabriel de la Mora, es el logro más reciente del Museo Oscar Niemeyer (MON). La exposición, que podrá visitarse en la Sala 1 a partir del 8 de mayo, tendrá curadoría de Marcello Dantas. Hay 70 obras, entre instalaciones, lienzos con técnica mixta y esculturas, la mayoría de las cuales fueron producidas entre 2000 y 2025.

El conjunto presenta no sólo la estética del artista y su evolución, sino también la diversidad y peculiaridad de los materiales utilizados, que van más allá de los soportes y pigmentos tradicionales. En el proceso creativo, transforma objetos encontrados en materias primas para obras de arte únicas, evocando el concepto ready-made.

820 Fragmentos de alas de mariposa Hypolimnas pandarus sobre cartón de museo
30 x 30 x 2 cm
Galería Simões de Assis

Palos de madera
28,6 x 22,3 x 15 centímetros
Colección privada

Paneles electrónicos sobre papel de museo
41 x 35 x 4 centímetros
Colección privada

Polvo acumulado en el estudio del artista.
10 x 10 x 10 centímetros
Colección privada

Acrílico sobre plumas de pavo real sobre cartón de museo.
30 x 30 x 4 centímetros
Colección privada

El MON celebra una nueva exposición internacional

 La exposición “Veemente”, del artista mexicano Gabriel de la Mora, es la realización más reciente del Museo Oscar Niemeyer (MON). La exposición se inaugurará el 8 de mayo, en la Sala 1, con curadoría de Marcello Dantas.

 Son 70 obras, entre instalaciones, lienzos con técnicas mixtas y esculturas, la mayoría realizadas entre 2000 y 2025. El conjunto presenta no sólo la estética del artista y su evolución, sino también la diversidad y peculiaridad de los materiales utilizados, que van más allá de los soportes y pigmentos tradicionales.

 “El arte de Gabriel de la Mora provoca una reflexión fundamental sobre nuestro tiempo y nos invita a dar un nuevo sentido a lo cotidiano, a mirar más de cerca aquello que descartamos u olvidamos”, afirma la secretaria de Estado de Cultura, Luciana Casagrande Pereira. “Es una exposición que aborda temas contemporáneos y refuerza el compromiso del MON de brindar al público experiencias impactantes vinculadas a los debates sobre el arte global”.

 La directora ejecutiva del MON, Juliana Vosnika, comenta que el artista desafía nuestra mirada y percepción con sus pinturas, instalaciones y esculturas realizadas a partir de elementos inusuales y descartados. “Nada en su intensa y extensa obra es obvio. Todo es resultado de una mirada perspicaz a la naturaleza humana, sus sentimientos y sensaciones”, afirma.

 En el proceso creativo, el artista transforma objetos encontrados en materia prima para obras de arte únicas, evocando el concepto ready-made. “Siempre hay un mensaje, que aborda la sostenibilidad, el paso del tiempo y el ciclo de la vida, traducido en obras llenas de belleza y movimiento”, afirma Juliana.

 El curador Marcello Dantas explica que la práctica de Gabriel de la Mora implica una investigación de los materiales, explorando los límites físicos y conceptuales de un proceso de recolección y reconstrucción. “A primera vista, sus obras pueden parecer abstractas, escultóricas o incluso minimalistas. Sin embargo, una mirada más atenta revela que nada es lo que parece”, afirma Dantas.

 “Sus obras están compuestas de elementos inesperados: mechones de cabello, fragmentos de espejos, cáscaras de huevo, suelas de zapatos, alas de mariposa y otros rastros de la vida cotidiana”, dice el curador. “Su técnica denota un proceso casi obsesivo que transforma la materia prima en nuevas formas, patrones y texturas. La repetición continua del gesto artesanal —a veces restaurador, a veces destructivo— revela un método que desafía la experiencia visual y sensorial del espectador”, añade.

Marcello Dantas es un curador premiado con amplia actividad en Brasil y en el exterior. Trabaja en la frontera entre el arte y la tecnología, produciendo exposiciones y múltiples proyectos que brindan experiencias inmersivas a través de los sentidos y la percepción. En los últimos años, ha trabajado en el diseño de varios museos, como el Museo de la Lengua Portuguesa, Japan House (SP), Museo de la Naturaleza (PI), Museo de la Ciudad de Manaus, Museu da Gente Sergipana (Aracaju, SE), Museo del Caribe y el Museo del Carnaval (Barranquilla, Colombia). Ha realizado exposiciones individuales de algunos de los nombres más importantes del arte contemporáneo a nivel mundial, como Ai Weiwei, Anish Kapoor, Laurie Anderson, Michelangelo Pistoletto, Rebecca Horn y Tunga. También fue director artístico del Pabellón de Brasil en la Expo Shanghai 2010, del Pabellón de Brasil en Río+20 y de la Estación Pelé en Berlín durante el Mundial de 2006.

Nació en 1968, en la Ciudad de México, donde vive y trabaja. Gabriel de La Mora se graduó de Arquitectura en la Universidad Anáhuac del Norte y tiene una maestría en Pintura por el Pratt Institute de Nueva York. Centra su práctica artística en el uso y reutilización de objetos desechados u obsoletos, que parecen haber cumplido su vida útil. Muy interesado en la deconstrucción y fragmentación de un objeto o material a lo largo del tiempo, apuesta por la reconstrucción a partir de prácticas basadas en el paso del tiempo y los procesos, haciendo eco del concepto ready-made.

Veemente - Gabriel de la Mora

MON realiza exposición de arte africana con piezas recién incorporadas a su colección

La exposición “África, Expresiones Artísticas de un Continente”, realizada por el Museo Oscar Niemeyer, presentada por la Copel y posibilitada por el gobierno del Estado de Paraná, podrá ser vista por el público a partir de 31 de agosto, en la Sala 4. Es una gran donación realizada por la Colección Ivani y Jorge Yunes (CIJY) al MON. 

En total, son aproximadamente 1.700 obras de una de las más importantes y significativas colecciones de objetos de arte africana del siglo 20, que pasan a pertenecer a la colección del Museo Oscar Niemeyer y, consecuentemente, al Estado de Paraná.

África, Expressões Artísticas de um Continente

Transforme uma árvore em lenha que ela arderá; mas nunca mais lhe dará flores e frutos.

Rabindranath Tagore (1861-1941), poeta bengali

A antiga metáfora da fertilidade relacionada à força vital e à potência das árvores, com as suas raízes profundas, o seu caule como alicerce, as suas ramificações como desdobramentos de si, seu legado como flores e frutos simbólicos, nunca foi tão adequada quanto ao ser aplicada às permanentes ligações com a nossa Mãe África. Se pensarmos então nas metáforas da gigantesca árvore baobá, desde as referências históricas mais severas associadas à escravidão pela chamada “árvore do esquecimento” até as mais suaves, como a da famosa árvore do livro O Pequeno Príncipe, os aprendizados daí decorrentes seriam análogos: “Tu te tornas eternamente responsável por aquilo que cativas”, como disse Saint-Exupéry.

Se as expressões artísticas surgem dos sentidos, o legado das civilizações surge das mãos. E como são belas as manifestações dos povos; como são belas as artes da África! O amor e a ânsia pelo belo, o amor e o temor à natureza e aos deuses e o destemido apreço à civilização foram tão caros às nações africanas que indistintamente distribuíram e reputaram a todos os aspectos da existência, contraditórios ou não, alguma forma de manifestação artística.

As artes demarcam as formas de um tempo. A exposição de longa duração “África, Expressões Artísticas de um Continente” apresenta, assim, um dos pontos essenciais da transição do desenvolvimento das artes africanas mais antigas, desde a sua retirada do continente e a posterior descontextualização de seus significados intrínsecos, vistos no mundo moderno e contemporâneo a partir de uma ênfase em suas formas artísticas. Antes restrita aos museus europeus enquanto objetos de culturas milenares ditas tradicionais, hoje as obras legadas da África puderam se conformar ao fazer artístico da atualidade, oferecendo ao mundo todo a chamada “arte tradicional africana contemporânea”, como é conhecida pelos especialistas. Essas obras são instrumentos de modernização recentes e autênticos das artes populares africanas ou ainda reproduções modernas das antigas peças destinadas sobretudo aos mercados emergentes nos trópicos.

Estreitando os laços institucionais, o Museu Oscar Niemeyer (MON) recebeu esta importante doação de obras africanas da Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY). Ao longo de mais de cinquenta anos, o casal adquiriu obras que abrangem cinco continentes. Essa doação engloba cerca de 1700 objetos advindos da África: são máscaras, estatuetas, bustos, miniaturas, objetos do cotidiano, instrumentos musicais e um grande número de outras peças. De maneira positiva, eles integram hoje o acervo do Museu Oscar Niemeyer, o qual parabenizamos por ter dado esse passo oportuno, enriquecendo a sua coleção e ao mesmo tempo todo o legado africano no Paraná e no Brasil. Convidamos a todos, então, a fazerem parte ativa nessa imersão pela arte da África, observando as suas formas naquilo que elas mesmas possam surpreender e permitir uma fruição equivalente a outras no universo artístico, sem determinações estanques, dando um passo a mais nesse diálogo. 

Da grande árvore da África geraram-se múltiplos frutos e novos legados. Não foi por acaso que, assim como a maioria dos povos subsaarianos, os assírios, os egípcios, gregos e romanos, os maias, os incas, os astecas e basicamente todas as grandes civilizações desenvolveram uma cultura do uso de máscaras e fizeram representações em esculturas. Com a exposição de objetos de heranças culturais tão distintas, encontramos aqui um importante ponto em comum: dentro do museu, essas artes são elevadas a uma mesma plataforma artística, igualando a arte africana ao patamar da arte mundial. Eis uma maneira de honrar a ancestralidade visual do passado e de abrir os novos plantios, rotas e perspectivas dessa arte no futuro.

A exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer, apresentada pela Copel, poderá ser vista pelo público a partir de 26 de agosto, na Sala 4. É um recorte da grandiosa doação feita pela Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY) ao MON. 

“La llegada de la colección de arte africana es parte de un proceso de consolidación del marco referencial del MON, que establece como diferencial de la institución prioritariamente coleccionar arte paranaense y brasileña y expandir su mirada no eurocéntrica para el arte latinoamericano, asiático y africano”, explica la directora-presidente del MON, Juliana Vosnika. “Buscamos constantemente aumentar la colección, porque ese es el alma de un museo, su esencia”, comenta.

Juliana recuerda que, en 2018, el MON fue el museo escogido por sus condiciones técnicas, capacidad de gestión y credibilidad de la institución para recibir una donación de casi 3 mil obras de arte asiática. Donadas por el diplomático y profesor Fausto Godoy y provenientes de varios países de ese continente, parte de las obras puede ser vista por el visitante del MON en la exposición “Asia: la Tierra, los Hombres, los Dioses”, en la Sala 5.

El museo más grande de arte de América Latina en área construida, con 35 mil metros cuadrados, el MON triplicó su colección en los últimos años. Desde que fue inaugurado, en 2002, y hasta 2015, el MON contaba con cerca de 3 mil obras. Actualmente, posee más de 9.300 obras en su colección. 

Según el curador de la exposición “África, Expresiones Artísticas de un Continente”, Renato Araújo da Silva, las obras donadas al MON fueron adquiridas durante más de 50 años por el matrimonio Ivani y Jorge Yunes, dueños de una de las mayores colecciones de arte de Brasil. 

“Con la exhibición de objetos de patrimonios culturales tan diferentes, encontramos aquí un importante punto en común: dentro del Museo, esas artes se elevan a una misma plataforma artística, equiparando el arte africano al nivel del arte mundial”, dice. “Aquí hay una forma de honrar la ancestralidad visual del pasado y de abrir los nuevos plantíos, rutas y perspectivas de este arte en el futuro”, comenta Renato.

Parte de la exposición son: máscaras, esculturas, bustos y cabezas de bronce, miniaturas metálicas, objetos cotidianos e instrumentos musicales. 

Las obras tienen su origen en países como Costa de Marfil, Mali, Nigeria, Camerún, Gabón, Angola, República Democrática del Congo y Mozambique, entre otros. 

Renato Araújo da Silva es historiador en Filosofía por la Universidad de São Paulo y coautor, entre otros trabajos publicados, del libro “África en Artes”. Curador e investigador, actuó em el Museo Afro y realizó oras exposiciones en museos, como el de Arte Sacra de São Paulo.

“África, Expresiones Artísticas de un Continente”
Sala 4

africa-pt-br.pdf

A exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer, apresentada pela Copel, poderá ser vista pelo público a partir de 26 de agosto, na Sala 4. É um recorte da grandiosa doação feita pela Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY) ao MON.

ÁFRICA - EXPRESSÕES ARTÍSTICAS DE UM CONTINENTE

A mostra “África, Expressões Artísticas de um Continente” é um recorte da doação de aproximadamente 1.700 peças de arte africana contemporânea, a partir da parceria do MON e da Coleção Ivani e Jorge Yunes. Assista ao recado do curador da exposição, Renato Araújo, e visite a Sala 4 do MON.  ⠀⠀⠀⠀⠀ Exposição apresentada pela COPEL @copel_energia. #ArteAfricana#MuseuOscarNiemeyer

África, Expressões Artísticas de um Continente no MON!

África, Expressões Artísticas de Um Continente. O nascer de um novo legado para a arte, para você.  ⠀⠀⠀⠀⠀  Em cartaz na Sala 4 do Museu Oscar Niemeyer.  ⠀⠀⠀⠀⠀  Exposição apresentada pela COPEL @copel_energia. #MuseuOscarNiemeyer#ÁfricaNoMON

#emcartaz | África, Expressões Artísticas de Um Continente

#emcartaz | África, Expressões Artísticas de Um Continente

Para el Museo Oscar Niemeyer, el arte y los artistas paranaenses juegan un papel importante y están siempre presentes en las exposiciones y en la colección permanente de la institución.

Aquí los visitantes podrán disfrutar de una selección del trabajo del artista curitibense Teca Sandrini, desde la década de 1960 hasta la actualidad. Su exposición “Eternal Feminine”, presentada por MON, reúne más de 100 pinturas, dibujos, grabados y esculturas.

Con gran sensibilidad, las mujeres son retratadas por ella de diferentes maneras, en diferentes contextos y épocas, así como sus sentimientos, sensaciones y emociones.

Los artistas a menudo dan pistas, a través de sus obras, sobre su manera de ver la vida. Teca siempre ha sido una aguda observadora del mundo que la rodea, lo que queda claro, implícita y explícitamente, en su obra.

El resultado es una vasta producción, ya presentada en ciudades de Brasil y del mundo, que integra varias colecciones.

Los museos son espacios vivos y de conocimiento cuya misión es promover el diálogo constante entre los artistas y el público. Al acercar la exposición de este artista a sus compatriotas y a todos los visitantes, MON transmite un sentido de pertenencia y de aprecio por la cultura local.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

“Eterno Feminino” es una selección de la obra de la artista curitibana Teca Sandrini, desde la década de 1960 hasta la actualidad, con curaduría de Maria José Justino, y se exhibe en la Sala 7. Las pinturas, dibujos, grabados y esculturas presentan tres etapas de su carrera: “Polacas”, “Fragmentos” y “Manchas”.

 La primera aborda signos de la vida doméstica mostrando a mujeres realizando sus tareas cotidianas. En “Fragmentos”, que roza el surrealismo y la abstracción, la atención se centra en cajones y sillas. En “Manchas”, la artista juega con las formas.

Esta exposición consolida la preferencia de Teca Sandrini por la pintura como un lenguaje oblicuo sobre la realidad, un conocimiento que habla a través del silencio de las mujeres, sus deseos y ensoñaciones. En las diversas técnicas y lenguajes que experimentó, siempre estuvo presente la estructura diagonal, que el Barroco veía como la mejor manera de expresar el movimiento y la vida.

Además de las zonas de transición, Sandrini tiene al menos tres fases principales. En LAS POLACAS, la joven gorda, recluida en una plaza y rodeada por todos lados de trastos, signos de la vida doméstica cotidiana, oscila entre lo ingenuo y lo mordaz. Son mujeres inmersas en las tareas, en los trastos –ollas, sartenes, cajones–, en una locura organizada. Ni heroínas ni víctimas, sólo amas de casa atrapadas en sus tareas rutinarias.

Más tarde, en un flirteo con el surrealismo, los animales se entrelazan con los seres humanos, quienes poco a poco se desvanecen y dan paso al objeto hasta que, finalmente, se rinden. En la saturación de objetos, Teca siente la necesidad de vaciarse... Esta es la fase de FRAGMENTOS. La mujer se esconde y da paso a cajones y sillas: un lugar de secretos, de lo guardado y de la espera.

Surge un coqueteo con la abstracción. Pero no se trata de una abstracción pura: el lado emocional del expresionista no desaparece. Cambia la forma femenina y los animales por la violencia de los colores y la concentración en el fragmento.

La dificultad galopante de la visión inaugura la fase STAINS, en la que el artista permite jugar con las formas. La materia concreta y la geometría se funden con las emociones de la vida, disfrazadas de manchas, espontaneidad y expresividad, acercándose al all-over. Los colores fuertes dan paso a grandes manchas y, en las luces que se desvanecen, el blanco emerge como luz. Surge una nueva pintura no narrativa.

La teca de hoy se perfila en manchas. A excepción del recorrido por las Marías, que parece un concierto con todas las mujeres del pasado, sus cuadros son reminiscencias de vida. Hay que perder el paraíso terrenal para vivirlo verdaderamente, decía Bachelard. La pérdida de parte de la visión agudiza la mirada e intensifica el deseo de ver el mundo. Su pintura sigue siendo el ejercicio de una religión profana, porque está inmersa en el mundo;ontológico, porque está inmerso en la inmensidad del lenguaje del arte; íntimo y, por lo tanto, verdadero. Metáfora de la resistencia, poética de la mirada, elogio de la mano.

Óleo sobre tela
300 x 300 cm (cada 150 x  150) quadríptico
Acervo Teca Sandrini

Giz de cera, nanquim e tinta a óleo sobre papel
Dimensões variáveis
Acervo Teca Sandrini

Óleo sobre tela
130 x 160 cm
Acervo Teca Sandrini

Nanquim e pastel oleoso sobre papel
73 x 105 cm
Acervo Teca Sandrini

El Museo Oscar Niemeyer inaugura exposición de la artista Teca Sandrini

Una selección de la obra de la artista curitibana Teca Sandrini, desde la década de 1960 hasta la actualidad, se reúne en la exposición “Eterno Feminino” (Eterno Femenino), inaugurada por el Museo Oscar Niemeyer (MON). 126 pinturas, dibujos, grabados y esculturas, con curaduría de Maria José Justino, se exhibirán en la Sala 7 a partir del 3 de julio a las 19:00 h.

“Valorar la producción de artistas paranaenses, especialmente de mujeres con trayectorias tan potentes como Teca Sandrini, es reafirmar nuestro compromiso con la memoria, la diversidad y la fuerza del arte hecho en Paraná”, afirma la secretaria estatal de Cultura, Luciana Casagrande Pereira.

“El arte y los artistas paranaenses desempeñan un papel fundamental y están siempre presentes en las exposiciones y en la colección permanente del MON”, afirma la directora ejecutiva de la institución, Juliana Vosnika. “Con la exposición de este artista, el Museo Oscar Niemeyer fomenta un sentido de pertenencia y aprecio por la cultura local”, añade Juliana.

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