“Agujero en el Cielo” es el nombre de la inédita exposición del artista Túlio Pinto, realizada por el Museo Oscar Niemeyer. Son 32 esculturas e instalaciones repartidas por el espacio expositivo del Ojo y del Espacio Araucária.

Las obras expuestas, algunas de ellas de gran tamaño, ponen en diálogo materiales de distintas valencias, materialidades y naturalezas, cuestionando las categorías de orden y funcionalidad.

Según la curadora de la exposición, Roberta Stubs: “Mover nuestro cuerpo entre sus esculturas e instalaciones es transitar por un tiempo y un espacio interrumpidos, donde las leyes de la física, regidas aquí por una lógica diferente, dan paso a un encantamiento en estado de alerta”.

Buraco no Céu é uma imagem de pensamento que nos convoca a atravessar mundos e a abrir um canal de passagem entre universos muitas vezes dissonantes. É na potência do entremundos que as esculturas e instalações de Tulio Pinto criam um universo muito próprio, no qual um sistema singular de forças e matérias se conjugam num frágil equilíbrio. O risco da queda e do caos é aqui empurrado para o limite de um ordenamento calculado para se manter limítrofe. É nessa fronteira entre ordem e desordem que o artista instaura um campo de tensão no qual a materialidade do aço, da pedra, do vidro, do concreto, do mármore e do corpo entram em órbita. Explorando a potência do tridimensional, Tulio Pinto faz com que esses elementos díspares estabeleçam entre si certa cumplicidade que surpreende pela tensa aliança firmada entre naturezas de múltiplas valências. 

Hábil em acionar uma força empática entre diferentes materiais, o artista desloca a funcionabilidade das coisas, extrai volume do vazio e insere a performance do tempo no pensamento formalista. Bolhas de vidro amparam imensas vigas de aço que atravessam o espaço. Placas de ferro e mármore se equilibram entre pedras, roldanas e cabos de sustentação. Andaime, escada, cadeiras e mesas se impõem destituídas de função. 

Estar diante dos trabalhos de Tulio Pinto é dividir um estado de suspensão com materialidades sólidas que parecem flutuar. Mover nosso corpo entre suas esculturas e instalações é transitar num tempo e espaço interrompido, onde as leis da física, regidas aqui por outra lógica, cedem lugar a um encantamento em estado de alerta, posto que atravessado pela iminência da queda. 

“Buraco no Céu” figura aqui como uma fuga de um colapso que não se efetiva justamente por performar outras leis que traem a certeza do visível e fundam outros mundos. 

“Buraco no Céu" é o nome da exposição inédita do artista Túlio Pinto, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer. São 33 esculturas e instalações espalhadas pelo espaço expositivo do Olho e pelos Espaços Araucária 1 e Araucária 2. As obras da mostra, algumas com grandes dimensões, colocam em diálogo materiais de diferentes valências, materialidades e naturezas, colocando em questão as categorias de ordem e funcionalidade. Segundo a curadora da mostra, Roberta Stubs: “Mover nosso corpo entre suas esculturas e instalações é transitar num tempo e espaço interrompido, onde as leis da física, regidas aqui por outra lógica, cedem lugar a um encantamento em estado de alerta”.

Aço corten e vidro soprado
90 x 143 x 147 cm
Coleção artista

Vigas H, vidro soprado e cabos de aço
135 x 400 x 400 cm
Coleção artista

vigas H e vidro soprado
195 x 186 x 34 cm
Coleção artista

Aço corten e mármore
210 x 350 x 270 cm
Coleção artista

El Museo Oscar Niemeyer inaugura, el 22 de junio, la inédita exposición “Agujero en el Cielo”, del artista visual Túlio Pinto. Realizada por el MON, en el espacio del Ojo, reúne 32 esculturas e instalaciones, algunas de ellas de gran tamaño, que exploran el poder de lo tridimensional. La curaduría es de Roberta Stubs.

“El visitante se dará cuenta de que esta exposición es casi una ilusión óptica en la que el artista promueve un diálogo insólito entre materiales de distintas valencias. Hace que lo pesado parezca ligero, lo frágil se vuelve fuerte”, dice la directora-presidenta del Museo, Juliana Vosnika.

“Mármol y acero están uno al lado del otro, las vigas de hierro parecen flotar y coexistir con láminas de vidrio, en una construcción casi poética”, dice. Como en un truco de ilusionismo, el público puede sentirse hipnotizado por el escenario y probablemente se verá inducido a una mirada reflexiva.

Según Juliana, cuando el artista nos sorprende con la posibilidad de equilibrio y armonía entre agentes de naturalezas opuestas, su obra cumple el rol, así como la institución que la alberga y la acerca al público. “Una de las funciones del arte es instigar y transformar a las personas”, comenta.

Para la secretaria de Estado de Cultura, Luciana Casagrande, la nueva exposición consolida al Ojo como un espacio expositivo cada vez más diverso e interesante para el público. “En cada exposición, el visitante tiene una experiencia diferente. Es un privilegio para el Estado contar con un espacio tan noble y democrático al mismo tiempo. Ahora le toca a Túlio Pinto, un artista premiado y reconocido internacionalmente, dejar aquí su huella”, dice.

La Curadora de la muestra comenta que la exposición “nos llama a cruzar mundos y abrir un canal entre universos muchas veces disonantes”. Para ella, estar frente a la obra de Túlio Pinto es compartir un estado de suspensión con materialidades sólidas que parecen flotar.

“Mover nuestro cuerpo entre sus esculturas e instalaciones es transitar por un tiempo y un espacio interrumpidos, donde las leyes de la física, regidas aquí por una lógica diferente, dan paso a un encantamiento en estado de alerta”, dice Roberta.

Vigas de acero que cruzan el espacio y placas de vidrio que hacen equilibrio entre piedras y cables de apoyo. Estar frente a las obras de Túlio Pinto es como caminar en un jardín suspendido compuesto de materialidades sólidas que parecen flotar en el tiempo y el espacio.

Elementos dispares construyen entre sí una cierta complicidad que sorprende por la tensa alianza que se establece entre naturalezas disonantes como la piedra, el hierro, el vidrio, el aire, el mármol y el cuerpo. Hábil en la creación de estructuras casi arquitectónicas, el artista establece campos de tensión que cuestionan las categorías de orden y funcionalidad.

Sólidas y transparentes, algunas obras adquieren un aire de opacidad cuando se invierten por el riesgo de caída (o incluso de rotura) que amenaza la estabilidad de los diferentes pesos y medidas que componen las obras. Túlio Pinto sorprende con el dominio que ejerce sobre materialidades rígidas como el acero, el vidrio y el concreto. Un dominio que viene dado por la fuerza de la flexibilidad de los materiales llevada al límite.

En muchas obras, está la resistencia del vidrio estirada al extremo por la rigidez del acero. A simple vista, es el aire el que parece soportar el peso de estas vigas rígidas o bloques que flotan frente a la vista. Al desplazar funciones y provocar otros órdenes, las obras de Túlio Pinto borran la superficie de las apariencias e introducen dudas e incertidumbres en el lugar del pensamiento lineal.

Túlio Pinto (Brasília, 1974) se graduó en Artes Visuales con énfasis en escultura en la Universidad Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS, 2009). Vive y trabaja entre Porto Alegre y São Paulo. Entre sus exposiciones, se destacan: “13ª Bienal del Mercosur: Trauma, Sueño, Fuga” (Porto Alegre, 2022); “Encuentros Divergentes” (Museo de Arte Contemporáneo de Sorocaba, Sorocaba, 2021); “Glass and Concrete” (Marta Herford Museum, Herford, Alemania, 2020); “Momentum” (MARGS – Museo de Arte do Rio Grande do Sul, Porto Alegre, 2019); “Onloaded: Túlio Pinto” (Phoenix Institute of Contemporary Art – phICA, Phoenix, Arizona /EE.UU, 2015); “Bienal de Vancouver” (Vancouver, Canadá, 2014); “De Territorios, Abismos e Intenciones” (Proyecto RS Contemporáneo – Santander Cultural Porto Alegre, Porto Alegre, 2013); “CEP: Cuerpo, Espacio y Camino” (9ª Red Nacional Funarte, 2013); “ Salvaje – Digesting Europe Piece by Piece” (Traneudstillingen Exhibition Space, Copenhague, Dinamarca, 2012); “Transposición” (Galería Augusto Meyer – Casa de Cultura Mário Quintana, Porto Alegre, 2012); “Nueva Escultura Brasileña” (Caixa Cultural Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 2011); entre otras. Su obra forma parte de colecciones nacionales e internacionales, entre ellas: Usina de Arte, Pernambuco; Instituto Figueiredo Ferraz, Ribeirão Preto; Museo de Arte Contemporáneo de Paraná, Curitiba; Museo de Arte Contemporáneo do Rio Grande do Sul, Porto Alegre; MARGS – Museo de Arte do Rio Grande do Sul, Porto Alegre; Museo Nacional de Brasília; Museo de Arte de Ribeirão Preto; Fundación Pablo Atchugarry, Uruguay; Fundación Maria Cristina Masaveu Peterson, Madrid, España; Marta Herford Museum, Herford, Alemania; Piramidón, Centre d'Art Contemporani, Barcelona, Spain. En los últimos años realizó residencias artísticas en países como Ucrania, Canadá, Portugal, EE. UU, Reino Unido y Holanda.

TULIO PINTO_PT-br.pdf

“Buraco no Céu" é o nome da exposição inédita do artista Túlio Pinto, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer. São 33 esculturas e instalações espalhadas pelo espaço expositivo do Olho e pelos Espaços Araucária 1 e Araucária 2.

As obras da mostra, algumas com grandes dimensões, colocam em diálogo materiais de diferentes valências, materialidades e naturezas, colocando em questão as categorias de ordem e funcionalidade.

Segundo a curadora da mostra, Roberta Stubs: “Mover nosso corpo entre suas esculturas e instalações é transitar num tempo e espaço interrompido, onde as leis da física, regidas aqui por outra lógica, cedem lugar a um encantamento em estado de alerta”.

Buraco no Céu - Túlio Pinto

O MON está ao lado de grandes museus do Brasil e do mundo na plataforma Google Arts & Culture. Visite nossas exposições em formato virtual.

Conheça mais sobre esta exposição na plataforma Google Arts & Culture.

Quanto mais um autor se aproxima da experiência de si mesmo, maiores são suas chances de tocar o universal. É no espaço-tempo de pesquisa, ensino e criação que este encontro entre observações, estudos, sonhos, técnica e imaginação, temperados com uma certa dose de ousadia inventora, se processa. O ateliê é o local-instante, sem definição geográfica ou temporal precisa, que concentra os meios facilitadores de uma gama de atividades articuladas, tendo como resultante um objeto-performance, a serviço da criação.

Toda exposição é um tempo especial na vida do artista em que o trabalho autoral se apresenta para o diálogo com o público; tempo de compartilhar indagações, explorar os caminhos que elas nos propõem e, muito mais do que distribuir certezas, abrir espaço para as incertezas. Do diálogo permanente, da contestação e contraponto nascem as novas perguntas de uma espiral sem fim, eternamente em busca de mais conhecimento, sentido e significado. 

No caso da artista Norma Grinberg, trata-se de um perpétuo movimento, orquestrado pela razão e pela alma, no qual o barro é transformado pelo trabalho manual, pelas ferramentas, pela química, pelo fogo, subordinados à sensibilidade da artista. Em suas próprias palavras:

“Desde aquela experiência primeira com a cerâmica, continuo avançando no meu trabalho de investigação, descobrindo, além das suas potencialidades como matéria, suas aplicações e desdobramentos significativos na arte. Como artista, sei que as bases de uma produção ‘consistente’, tanto em matéria quanto em significado e amplitude interpretativa, são a liberdade e a consciência da experimentação. Isso implica registros e trocas de informações entre os que compartilham uma linguagem (...) não posso e não quero me esquivar do papel lúdico e rico de investigadora da linguagem artística, vasculhando seus meandros.”

É este percurso, que vai da matéria mais bruta e primordial aos sonhos mais elevados, que você é convidado a explorar e conhecer.

No ditado popular paraibano – “O primeiro artesão foi Deus que, depois de criar o mundo, pegou o barro e fez Adão”. Não por acaso, o mito de criação dos humanos em quase todas as culturas passa pelo barro (humus). Primeiro, a forma a partir do pó da terra e, depois, o sopro da vida.

A história da cerâmica começa com a descoberta do fogo, elemento fundamental para a transformação do barro amorfo e permeável em material resistente e insolúvel. O fogo era protegido em buracos e daqueles revestidos com barro nasceram os primeiros potes. As artes cerâmicas acompanham os seres humanos desde seus primeiros passos na pré-história, situando-se na interface entre a produção de objetos para uso cotidiano e esculturas de valor ritual e sagrado. Potes, deusas e deuses sempre andaram lado a lado. 

Nada é mais intenso nas artes cerâmicas do que o caminho do amorfo até a forma. Por mais que se dominem as técnicas, há sempre uma dose de acaso e mistério quando se tem em mãos um pedaço de barro e se começa a prepará-lo para a modelagem. Amassar repetidas vezes, eliminar bolhas de ar, encontrar a consistência exata fazem parte da boa técnica e são também etapas de um ritual de preparação para o primeiro embate entre criador e criatura, em que o principal elemento é a coragem de criar. 

Estas proposições estão plenamente representadas nos “Bichos”, “Humanoides” e “Capselas” de Norma Grinberg. São obras que constituem, ao mesmo tempo, registro e recriação de seu universo experiencial. Frutos de inúmeras viagens pelo Brasil e pelo mundo, contém impressões sobre os animais do Pantanal, referências dos povos originários, arcos góticos, construções sagradas e figuras humanas inspiradas nos arquétipos cicládicos. Elementos que, ao longo de sua trajetória artística, nem sempre linear, vêm se decompondo, recompondo e transmutando em novas possibilidades, ao sabor dos desafios contemporâneos. Tudo muda, tudo pode mudar...

Do amorfo à forma: os mitos de criação dos humanos 

A transformação da argila bruta em elementos cerâmicos se faz pela interação dos 4 elementos: terra, água, fogo e ar. Para os índios americanos, a argila participa de um embate entre forças de um povo celeste contra um povo da água, ou mundo subterrâneo. 

Na obra de Norma Grinberg, a conexão entre estas forças primordiais é re(a)presentada por alternância e sobreposição de elementos empilhados em estruturas verticais, ao modo de torres fincadas na terra e cujo cume busca, eternamente, tocar os céus. São módulos que se decompõem, multiplicam e se recompõem em alegorias simbólicas desenvolvidas através de toda a carreira da artista. As obras verticais têm sido apresentadas em grandes espaços livres e nos levam constantemente a interrogar sobre os limites entre a escultura e a arquitetura de ambientes.

Os “Humanoides” nascidos por volta de 1994 vêm desde essa época se transmutando em forma e significado, abrindo espaço para uma gama sem fim de narrativas que passam pelos mitos de origem da diversidade sociocultural dos humanos até as questões contemporâneas que estas mesmas características nos propõem. 

A instalação “Babel” trata explicitamente deste tema. Segundo narrativas bíblicas, querendo atingir os poderes e saberes de Deus, os humanos construíram uma enorme torre de tijolos (de novo, a argila como constituinte). Foram castigados por sua ousadia com o aparecimento de muitas línguas, incompreensíveis de uns para os outros – era o aparecimento das diferenças entre os povos. Humanos, assim como os elementos cerâmicos “Humanoides”, são iguais em termos de estrutura e, ao mesmo tempo, tão diferentes em termos de cores, posições, influências e interferências. Humanos continuam, desde os tempos bíblicos, sempre em busca de uma organização que lhes permita aprender a conviver criativamente, e esta obra nos leva diretamente à reflexão: o que nos faz, ao mesmo tempo, tão iguais e tão diferentes?

Humanos e a ligação entre a terra e o céu 

“Eles não sabem nem sonham
Que o sonho comanda a vida
E que sempre que o homem sonha
O mundo pula e avança
Como bola colorida
Entre as mãos de uma criança”

Em tempos tão invadidos pelo pragmatismo, é sempre bom lembrar das palavras de Júlio Verne: “Tudo que um homem pode imaginar, um outro pode realizar.”

Os elementos cerâmicos, nas visões de Norma Grinberg, ocupam o espaço tridimensional com a leveza e desenvoltura do voo dos pássaros e dos sonhos de todos os humanos. Contemplar estes trabalhos pede à imaginação liberdade de pensar o nunca pensado e recolocar o sonho no comando da vida criativa, quer seja no campo da ciência, no território da arte e até mesmo da espiritualidade mais profunda.

“Voos e Flutuantes” são convites para transcender a materialidade e a lógica do possível em busca daquilo que se movimenta (ainda hoje) no território dos sonhos. São obras que se re(-)inventam a cada instalação, elementos nascidos livres da forma perfeita e definida, lúdicos e, por isso mesmo, capazes de desafiar a percepção e os  sentidos a cada espaço-tempo em que se apresentam. 

É do movimento entre o sonho e a realidade, entre as forças do céu e as forças da terra, mediados pela argila, que se faz a criação nas artes cerâmicas e na vida. Sonhar não é preciso (exato), mas é preciso (necessário). “Voos e Flutuantes” não cumprem outra missão além de abrir portais para o sonho e a imaginação. 

“Da pura sensação à intuição da beleza, do prazer e da dor ao amor e ao êxtase místico e à morte – todas as coisas que são fundamentais, todas as coisas que para o espírito humano têm o mais profundo significado, podem ser apenas experimentadas, e não exprimidas. O resto é sempre, em qualquer lugar, silêncio. Depois do silêncio, aquilo que mais se aproxima de exprimir o inexprimível é a música.” (Aldous Huxley)

En “Perpetuo Movimiento”, Norma Grinberg presenta su trabajo, investigaciones y experiencias en el campo del arte cerámico. El camino de la forma amorfa a la más sofisticada está orquestado por la razón y el alma. De esta manera, el barro es transformado por el trabajo manual, por las herramientas, por la química, por el fuego, subordinados a la sensibilidad del artista. Son objetos modulares, instalaciones bidimensionales y tridimensionales, que invitan al público a un diálogo permanente entre la imaginación, el sueño y la materialidad.

Uma trajetória artística de décadas, que se funde a experiências e inspirações coletadas num contínuo movimento entre localidades e culturas, chega ao público nesta inédita exposição realizada pelo Museu Oscar Niemeyer.

A artista Norma Grinberg convida o visitante a dialogar com sua permanente pesquisa, que propõe uma atualização de linguagem. Inspirada no Concretismo, na Bauhaus e no Minimalismo, sugere, com seu trabalho, a contemporaneidade de instalações e seus desdobramentos, como intervenções no espaço arquitetônico, por exemplo.

Inspirada nas correntes minimalista e construtivista, marcadas por cores limitadas, formas geométricas simples e compreensão universal, suas esculturas propõem a participação do espectador. Obras que ocupam o espaço tridimensional, com a leveza e a desenvoltura do voo dos pássaros, por exemplo, facilmente envolvem quem as observa. 

Por mais especialista que seja nos processos técnicos, a artista visivelmente não se opõe ao inevitável acaso que surge nas criações. Ao transformar argila bruta em obras cerâmicas de arte, conta com a interação dos elementos terra, água, ar e fogo, o que, por si só, traz a força do imponderável.

Reconhecida e premiada no Brasil e no exterior, mistura em seu repertório materiais diversos como argamassa armada, ferro, alumínio, areia, madeira e resinas, mantendo a cerâmica como protagonista. Em comum, obras cheias de originalidade e contemporaneidade levam o público ao perpétuo movimento de indagação. 

O MON, como elemento vivo e pulsante, tem como missão proporcionar experiências transformadoras ao expor múltiplas linguagens artísticas. Ao facilitar o acesso de seus visitantes à grandiosa obra de Norma Grinberg, cumpre o importante papel de sensibilizar pela arte.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente | Museu Oscar Niemeyer 

Cerámica Gres esmaltado (1153 °C)
Colección del artista

La exposición de la artista Norma Grinberg es el logro más reciente del MON

El Museo Oscar Niemeyer (MON) realiza la exposición “Perpetuo Movimiento”, de la artista Norma Grinberg. La inauguración será el 4 de julio, en la Sala 3. La curaduría es de Daisy Grisolia.

“Una trayectoria artística de décadas, que se fusiona con experiencias e inspiraciones recogidas en un movimiento continuo entre lugares y culturas, llega al público en esta exposición inédita realizada por el MON”, dice la directora-presidenta de la institución, Juliana Vosnika.

La exposición incluye paneles, esculturas, objetos e instalaciones, frutos de la creatividad e innovación del artista, reflejando en el espacio una trayectoria de experimentación e investigación estética. En total, la muestra reúne alrededor de 30 conjuntos de obras producidas a partir de sus vivencias y encantamientos alrededor del mundo.

Inspirada en corrientes minimalistas y constructivistas, marcadas por colores limitados, formas geométricas simples y comprensión universal, sus esculturas proponen un diálogo permanente con el visitante. Obras que ocupan el espacio tridimensional, con la ligereza y la soltura del vuelo de los pájaros, por ejemplo, envuelven fácilmente a quien las observa.

Reconocida y premiada en Brasil y en el exterior, Norma Grinberg mezcla en su repertorio diferentes materiales como Argamasa armada, hierro, aluminio, arena, madera y resinas, manteniendo la cerámica como protagonista.

“El MON, como elemento vivo y palpitante, tiene la misión de brindar experiencias transformadoras al exponer múltiples lenguajes artísticos. Al facilitar el acceso de sus visitantes a la gran obra de Norma Grinberg, cumple la importante función de dar a conocer el arte”, explica el director-presidente del Museo.

Luciana Casagrande Pereira Ferreira, secretaria de Estado de Cultura, dice que, como gran apreciadora de las artes visuales, está muy contenta de que el MON sea sede de una exposición con obras de Norma Grinberg.

“Ciertamente, esta exposición deleitará e impactará positivamente al espectador. Y como secretaria de Cultura, creo que una vez más la misión del MON, en exaltar los lenguajes del arte y el diseño, queda clara en esta iniciativa. La obra de Norma es una representación muy consistente de la escultura brasileña aquí y en el exterior”, dice la secretaria de Estado de Cultura.

Norma Grinberg es una de las mayores figuras nacionales de la escultura en cerámica. La artista cuenta con premios y menciones honoríficas y sus obras se encuentran en colecciones privadas y colecciones de museos nacionales e internacionales.

Según la curadora Daisy Grisolia , “cada exposición es un momento especial en la vida del artista en el que la obra autoral se presenta para dialogar con el público; tiempo para compartir preguntas, explorar los caminos que proponen y, mucho más que repartir certezas, dar cabida a las incertidumbres”.

“En el caso de la artista Norma Grinberg, se trata de un perpetuo movimiento, orquestado por la razón y el alma, en el que el barro es transformado por el trabajo manual, por las herramientas, por la química, por el fuego, subordinados a la sensibilidad del artista”, dice la curadora.

La propia artista define este proceso de la siguiente manera: “Desde aquella primera experiencia con la cerámica, sigo avanzando en mi trabajo de investigación, descubriendo, además de su potencial como material, sus aplicaciones y desarrollos significativos en el arte. Como artista, sé que los cimientos de una producción ' consistente', tanto en materia como en sentido y amplitud interpretativa, son la libertad y la conciencia de experimentación. Esto implica registros e intercambios de información entre quienes comparten un lenguaje (…), no puedo ni quiero eludir el rol lúdico y rico de investigadora del lenguaje artístico, recorriendo sus meandros”.

En la exposición “Perpetuo Movimiento”, el público tendrá la oportunidad de explorar y conocer este camino, que va desde la materia más cruda y primordial hasta los sueños más elevados.

Em Perpétuo Movimento Norma Grinberg, apresenta seu trabalho, pesquisa e experiências no campo da arte cerâmica. O percurso do amorfo à forma mais sofisticada é orquestrado pela razão e pela alma. Neste caminho o barro é transformado pelo trabalho manual, pelas ferramentas, pela química, pelo fogo, subordinados à sensibilidade da artista. São objetos modulares, instalações bi e tridimensionais convidando o público a um diálogo permanente entre a imaginação, o sonho e a materialidade.

Perpétuo Movimento - Norma Grinberg

Ao realizar a exposição “O Feminino na Obra de Victor Brecheret”, o Museu Oscar Niemeyer apresenta ao seu público um conjunto inspirador que permite não apenas contemplar, mas refletir. 

A finalidade da arte é expressar sentimentos, pensamentos e convicções por meio de valores estéticos. É o que acontece nesta potente mostra, em que o espectador encontra mais de 100 obras de Brecheret, tão importante nome no cenário nacional e internacional das artes visuais.

São esculturas e desenhos que alternam materiais e técnicas variadas, como bronze e mármore, bico de pena e caneta tinteiro, produzidos ao longo de décadas. Seus trabalhos têm como característica o desenhar com poucas linhas, límpidas e leves. Imagens femininas tomam forma a partir de poucos traços.

Nesta incrível seleção de obras temos o privilégio de encontrar a última realizada pelo artista, em 1955: a escultura em bronze “Retrato de Marisa”, uma oportunidade única de contemplação.

Maior museu de arte da América Latina em área construída, o MON abriga referenciais importantes da produção artística nacional e internacional em seu respeitado acervo de mais de 14 mil obras. Famoso por seu imenso Vão-livre e pelo prédio icônico do Olho, é um espaço único, obra escultural com a assinatura do arquiteto homônimo, e que realiza significativas mostras, como a de Brecheret. 

Em constante busca para se tornar cada vez mais vivo e atuante, nacional e internacionalmente, o MON oferece mais uma grande realização. Exposições como esta justificam a nossa busca incessante em trazer cada vez mais visitantes para essa fruição de conhecimento, beleza e reflexão promovida pelo Museu. 

Juliana Vellozo Almeida Vosnika 
Diretora-presidente | Museu Oscar Niemeyer

O Instituto Victor Brecheret (IVB) tem grande satisfação em apresentar a exposição “O Feminino na Obra de Victor Brecheret”, em parceria com o Museu Oscar Niemeyer (MON) e que tem como tema a mulher pela criatividade de Victor Brecheret.

A mostra reúne parte importante da obra do artista, trazendo uma seleção de esculturas dedicadas ao gênero feminino e que compreende mais de três décadas de inspiração e cuidadosa execução.

A exposição é de grande abrangência temporal. Nela são apresentadas peças do período de 1918 a 1955, com destaque para as várias fases e tendências de sua trajetória.

As esculturas são de vários períodos e diversos materiais, como mármore, pedra de frança, gesso, pedra granítica rolada pelo mar, bronze patinado e bronze polido. Oitenta desenhos acompanham as esculturas e levam o público a perceber os passos iniciais da criação artística.

O artista não só procura a figura, as superfícies, os volumes, a composição, mas, sobretudo, as resultantes de sua criatividade dedicada e intensa, que, ao moldar a matéria, faz dela emanar a alma feminina e os valores simbólicos, históricos e estéticos da mulher universal.

Estão expostas, entre outras, obras significativas da época em que o escultor ganhou projeção na Escola de Paris, quando conquistou seu espaço definitivo na escultura mundial.

O repertório desta exposição, em sua riqueza e diversidade, realizada em torno da figura da mulher, é extremamente revelador da alta qualidade da arte de Brecheret, que, aliada a uma percepção e sensibilidade, permite aos que a veem mergulhar em profundidade e extensão na alma feminina.

Dessa forma, o IVB realiza sua missão principal, contribuindo significativamente para a divulgação e compreensão da vida e obra de Brecheret. 

Fica mais uma vez evidenciada, com mais esta exposição, a riqueza de leituras e entendimentos que a obra escultórica de Victor Brecheret oferece aos pesquisadores, estudiosos, colecionadores, estudantes e público em geral.

Há que se registrar a seriedade e competência das pessoas e entidades envolvidas na realização desta mostra, às quais o Instituto Victor Brecheret deseja expressar seu maior agradecimento.

Victor Brecheret Filho
Presidente | Instituto Victor Brecheret

As esculturas do corpo nu de mulher remontam à pré-história, como totem e fetiche. Na Antiguidade Clássica, a escultura de nu feminino ou masculino foi considerada a mais perfeita representação do ser humano, bem como no Renascimento e no Neoclassicismo.

As vanguardas, cubismo e futurismo, infundiram o maquinismo ao corpo humano, transformando-o em volumes e planos. Nos anos 1920, a Art Déco mescla a geometria tubista com as influências orientais, entre outras, elementos presentes em “Mulher Ajoelhada”, em bronze polido. Nos anos 1930 e 1940, suas esculturas mostram maior naturalismo, sob uma discreta disciplina geométrica e maior sensualidade, como nos bronzes “Mulher Reclinada” (década de 1930) e “Adolescente Reclinada” (década de 1940).

De início, o artista realiza fortes alegorias, mulheres catalizadoras da tensão dramática. Na fase da Escola de Paris, ele aborda o tema mitológico das três Graças ou Cárites, símbolo da harmonia. Cria uma versão moderna e inovadora, como alegorias das três raças humanas. Numa época em que se expandiam teorias racistas, Brecheret propõe a harmonia e igualdade entre elas, unindo as três alegorias pelos ombros em um eixo central. Na mesma época, realiza outra “Três Graças”, em bronze polido, rara composição abstrata geométrica. Nos anos 1950, retoma o mesmo tema e solução técnica, mas usando formas orgânicas e primitivas cobertas de incisões evocadas da arte indígena. Com a mesma orientação realiza “Filha da Terra Roxa”, c. 1947-48, e “A Índia Escondida por um Grande Peixe”, c. 1948, da “Série das Pedras”; ele representa o mito do boto que revela o sagrado feminino que gera a vida, talhando incisões no granito, que completam as marcas de erosão do mar. Atingindo um alto grau de monumentalidade, o bronze “Morena” (1951) simboliza as mulheres do povo original da terra brasileira. Na década anterior, integrando a paisagem urbana da cidade de São Paulo, as duas monumentais “Graça I” e “Graça II” marcam presença do feminino na cidade.

A relação da mulher com o ser masculino é tema raro, aparece no início dos anos 1930 em “O Beijo”, marcante escultura. Com volumes de poderosa expressão plástica, configura um casal apaixonado, de formas estilizadas naturalistas. Incute uma atmosfera de romantismo na suave inclinação da figura masculina em relação à mulher. “O Beijo”, de bronze polido, é outra versão do mesmo tema onde há uma fusão unindo o feminino e o masculino, formando um sólido geométrico oval.

Nos anos 1920, em Montparnasse, Brecheret viveu a atmosfera alegre do bairro, vários dancings e cabarés. Assistiu a espetáculos dos Bailados Suecos e Russos. “Dançarina”, da década de 1920, em bronze polido, da “Série das Dançarinas”, apresenta a visão maquinista do corpo, um efeito de deslizar rítmico, elegante, acentuado pela posição das mãos em arabesco e dos pés em ponta de uma dança oriental.

Nessa época, a figura da mulher também se relaciona à música. Brecheret executa várias “Tocadoras de Guitarra”, instrumento da moda das bandas americanas. “A Tocadora de Guitarra”, em bronze polido, é um típico exemplo do maquinismo do corpo feminino, uma arquitetura de corpos geométricos que se ajustam como peças de engrenagens de uma máquina.

Os retratos, esculturas relacionadas à comemoração individual, têm numerosa presença na obra de Brecheret. “Despertar da Glória”, c. 1923, é um retrato idealizado de Simone Bordat, noiva do escultor, nos anos em Paris. No início da década de 1930, sua crescente fama nas exposições lhe valeu várias encomendas importantes. Um exemplo é “O Retrato da Marquesa Soriano de La Gandara”, realizado, a meio corpo, no estilo Art Déco, com volumes lisos e sintéticos, dotado de introspecção sutil e serena. Da mesma época, “Máscara de Jovem”, c. 1930-1934, em bronze, é uma composição sintética de expressão suave e tranquila. O retrato póstumo “Dama Paulista (Olívia Guedes Penteado)”, de 1934, representa a mecenas do artista como figura reclinada e graciosa, participando do banquete da vida, segundo o mito etrusco. Em “Retrato de Juranda”, c. 1939, o escultor retrata a jovem esposa, captando o caráter juvenil, de expressão alegre, modelando uma interpretação naturalista e poética. Na série de retratos de belas mulheres da década de 1940, é exemplo “Itacy Pellegini”, c. 1943. Sua última obra foi um retrato feminino, o de sua sobrinha, “Retrato de Marisa”, de 1955. Nesse trabalho encontram-se as qualidades de tantos retratos feitos: pureza, limpidez de volumes, simplicidade e força plástica das formas sob uma ordenação rigorosa.

O tema feminino e religioso na escultura de Brecheret aparece desde sua fase inicial. O bronze “Soror Dolorosa”, de 1920, foi inspirado no livro de poemas homônimo de Guilherme de Almeida. A composição dramática e tensa, bastante moderna, dispõe frente a frente a cabeça da mulher mística, contemplando o rosto do Cristo sacrificado. Nos anos 1920, em Paris, o artista desenvolveu uma produção de arte religiosa mais intensa e exaltada pela crítica. O tema de predileção foi a Virgem Maria, como em “Fuga para o Egito”, em bronze polido. As figuras Art Déco são estilizadas e elegantes. Na década de 1950, retoma a arte religiosa e compõe várias obras com o tema da Virgem com o Filho, como em “Virgem com o Menino”. A composição é sintética, os volumes são rusticamente definidos e os detalhes, por meio das incisões, com figuras de animais e grafismos. “Virgem da Anunciação”, de 1955, uma das suas últimas obras sacras, composta da Virgem adolescente e do Arcanjo Gabriel, retoma a delicadeza e a elegância das Madonas dos anos 1920. O tema do feminino é tratado com simplicidade, segundo uma perspectiva bastante espiritual. Destaca-se a monumental “Portadora de Perfume (Madeleine aux Parfums)”, de 1924, que teve destaque no Salão de Outono daquele ano em Paris.

Constituem a maioria. Como uma imagem poderosa, as figuras femininas ocupam sozinhas a folha de papel. Às vezes dividem espaços da folha com outras figuras em posturas diferentes. 

As mais antigas, da década de 1930, realizadas com lápis grafite, têm uma apresentação estática, como deusas clássicas. Nos anos 1940 e 1950, o desenho de Brecheret mudou, infundindo uma dinâmica naturalista nos corpos femininos.

Codifica um tipo de mulher de cintura fina, seios altos, quadris ondulantes e generosos. O tratamento do rosto não tem importância, e sim os elementos sensuais do corpo; também os membros, como as mãos e os pés, não são apresentados. Em alguns desenhos, a figura feminina é associada a um elemento de interesse, como um pássaro nas mãos.

Outro tema de preferência bastante recorrente nos desenhos são os dorsos femininos. A parte posterior do corpo feminino é apresentada em posturas leves e sinuosas.

Em alguns casos, os dorsos inclinam-se sensualmente em curva, destacando-se os volumes carnudos da base da coluna. Em outros dorsos, os braços são elevados ou afastados do tronco.

Destaca-se que a visão dos dorsos nus femininos foi um motivo erótico visual e literário bastante comum entre os gregos.

Os desenhos de figuras nuas de perfil ou três quartos mostram movimentos. A disposição das partes do corpo denota o desencadeamento de uma ação. As posturas são elegantes e parecem flutuar no ar. Como o artista não desenvolve as finalizações – pés, mãos e cabeças –, algumas imagens parecem sair da folha de papel, direcionando-se para cima ou para os lados.

Os nus femininos reclinados, entre os desenhos de Brecheret, têm uma apresentação especial – quando sozinhos, ocupam toda a extensão longitudinal da folha. Há nessas composições um inegável valor monumental dos grandes nus femininos que povoam a história da arte e que o artista também realizou em esculturas. 

A figura é poderosa, tem os seios empinados, a cabeça atirada para trás, uma erótica sinalização de prazer. As linhas fluidas e finas desenham a cintura delgada, que antecede as grandes curvas dos quadris e a sinuosidade das coxas.

Os raros desenhos que mostram mulheres em relacionamento amoroso com o masculino são enigmáticos. Criam situações de amor poético e suave, portanto idílico. Curiosamente, dois deles apresentam situações de triângulo amoroso, entre duas mulheres e um homem. 

Um casal de noivos caminha de mãos dadas, trocando olhares embevecidos; no plano de trás percebe-se uma figura feminina que inclina a cabeça dolorosamente. Há uma sensualidade sutilmente presente, com a nudez dos corpos masculino e feminino.

Um casal dançando, um entretenimento amoroso leve, erótico pela nudez dos corpos, suavizado pelos gestos das mãos em arabesco e os olhares semicerrados, denotando a intensidade da emoção interior.

Há vários desenhos que abordam o sagrado feminino, segundo a figuração de mulheres santas, relacionados à sua produção de arte sacra, vinculada à religião católica. 

Admirava a estatuária medieval das igrejas nos anos 1920, em Paris. Os desenhos com o tema “Fuga para o Egito”, da segunda metade da década de 1920, referem-se a essa fase. 

Geralmente, Maria é desenhada como mãe que protege o Filho, seja sob os traços estilizados da art déco no período parisiense, enquanto que é desenhada com formas orgânicas e com pequenos símbolos do primitivismo, na fase da arte indígena, dos anos 1940 e 1950.

Vários desenhos de Brecheret trazem a dualidade do sagrado e do profano, isto é, imagens de nus femininos junto a figuras sacras. À primeira vista, pode-se pensar em uma oposição, a imagem de uma mulher nua e o sagrado das figuras santas. Uma análise mais profunda, em que se apresentam íntimos os dois elementos, pode revelar outro entendimento. 

De fato, a essência do pensamento do artista em relação à mulher segue o arquétipo pré-histórico da sacralidade, que é inerente à imagem da mulher nua, tema presente em toda a sua produção de desenhos. Exemplarmente, podem-se observar os desenhos de figuras nuas em torno do Cristo Crucificado, bem como a marcante composição do frade tonsurado que olha com fervor e devoção o pequeno nu feminino que eleva e traz junto a si a palma da mão.

“Lo Femenino en la obra de Victor Brecheret” presenta esculturas y dibujos que alternan materiales y técnicas variadas, como el bronce y el mármol, la pluma y la tinta, producidos durante décadas por este artista imprescindible en el panorama nacional e internacional. La curaduría de Daisy Peccinini reúne más de 100 obras, con esculturas relacionadas con el eterno femenino, simbolismo de la Tierra, la Gran Madre, la diosa Gaia, Geia, de los griegos. Las obras de Brecheret se caracterizan por dibujar con pocas líneas, limpias y ligeras, imágenes femeninas que toman forma a partir de unos pocos trazos.

A exposição apresenta a arte de Brecheret, relacionada ao eterno feminino. Na psique do artista, ganham forma em suas obras os humores, os sentimentos, as intuições, a capacidade de amar e a sensibilidade à natureza. 

As pequenas, médias e grandes esculturas desta exposição são predominantemente nus femininos relacionados ao simbolismo feminino da Terra, a grande Mãe, a deusa Gaia – Geia, dos gregos, o elemento primordial e latente de uma potencialidade geradora ilimitada. 

Em diversos materiais e pertencentes a diferentes momentos de seu percurso artístico, desencadeiam um especial convite a vivenciar não só a estética das formas, na presença material dos corpos femininos, mas captar a atmosfera anímica das obras que o seu criador imprimiu na matéria. 

Os significados são múltiplos, desde o foco no corpo feminino às alegorias, aos retratos, ao amor, ao ritmo, à música e às figuras sacras. Estabelecem um diálogo entre corpos extremamente forte, entre as peças e o visitante, oferecendo o prazer do sensível, desencadeado por sua presença física, no mesmo espaço. Caminhar em torno das esculturas cria sensações visuais, emocionais e sensíveis da forma, luz-cor, somadas à contemplação do significado. 

Os desenhos de Brecheret se apresentam na condição de sua singularidade, como de uma expressão autônoma de criação artística, independentes das esculturas expostas. Os 80 desenhos, em sua maioria, datam das últimas décadas de sua vida (1935-1955), predominando os anos 1940-1950. Constituem-se na materialização inicial da ideia. 

Desenhava de forma contínua quase compulsiva, sem modelos. Os corpos femininos guardam uma sensualidade natural e leve, e se estruturam mediante poucos traços, límpidos e longos, realizados em grafite, bico de pena e caneta-tinteiro; poucos apresentam hachuramentos. Agrupados em sete conjuntos, os desenhos proporcionam ao percurso do olhar perceber a sua intensa necessidade de criar formas.

As esculturas e os desenhos guardam latências, emanações intangíveis do arquétipo feminino, provenientes da psique do artista.

Bronze
341 x 100 x 87 cm
Acervo da Pinacoteca do Estado de São Paulo

Bronze
38 x 13 x 17 cm 
Coleção particular

Grafite sobre papel
33 x 22 cm
Coleção particular

Bronze
47 x 77 x 33 cm 
Coleção particular

Dama Paulista (Olivia Guedes Penteado), 1934

Bronze
75 x 17 x 14 cm
Coleção particular

Caneta-tinteiro sobre papel
32,5 x 22,5 cm
Coleção particular

Nu Reclinado, Posando para Dois Escultores e Templo Grego ao Fundo, déc. 1950

Mármore de Carrara
75 x 41 x 31 cm 
Acervo Museu de Arte Brasileira – MAB FAAP

Retrato da Marquesa Soriano de la Gandara, início déc. 1930

Bronze
37 x 15 x 13 cm
Coleção particular

Caneta-tinteiro sobre papel
30 x 21 cm
Coleção particular

El Museo Oscar Niemeyer (MON) realiza la exposición “Lo Femenino en la Obra de Victor Brecheret”, que podrá verse en la Sala 1 a partir del 22 de septiembre. Con curaduría de Daisy Peccinini, la exposición presenta más de 100 obras de este importante nombre en el escenario nacional e internacional de las artes visuales.

“La finalidad del arte es expresar sentimientos, pensamientos y convicciones a través de valores estéticos. Esto es lo que sucede en esta potente exposición”, afirma la directora-presidenta del MON, Juliana Vosnika. “Exposiciones como ésta justifican nuestra incesante búsqueda por acercar cada vez más visitantes a este fruto del conocimiento, belleza y reflexión que promueve el Museo”.

La secretaria de Cultura, Luciana Casagrande Pereira Ferreira, ve cada exposición como una jornada que ayuda a construir el MON como una de las instituciones culturales más importantes del continente. “Esta perspicacia en acercar lenguajes, épocas y propuestas diferentes enriquece la trayectoria de la institución. Ahora le toca al gran maestro Victor Brecheret encantar y seducir la mirada del espectador. Paraná recibe con gran honor esta nueva sección de sus obras”, afirma la secretaria.

La exposición “Lo Femenino en la Obra de Victor Brecheret” reúne esculturas y dibujos que alternan materiales y diversas técnicas, como el bronce y el mármol, la pluma y la tinta, producidos a lo largo de décadas. Sus obras se caracterizan por dibujar con pocas líneas, limpias y ligeras. Las imágenes femeninas toman forma con unos pocos trazos.

En esta increíble selección de obras, tenemos el privilegio de encontrar la última realizada por el artista, en 1955: la escultura en bronce “Retrato de Marisa”, una oportunidad única de contemplación. También forma parte del conjunto el retrato de “Juranda Brecheret”, esposa del escultor, en el momento de su matrimonio.

La curadora habla de la exposición, que presenta el arte de Brecheret relacionado con lo eterno femenino. “En la psique del artista, toma forma en sus obras los estados de ánimo, sentimientos, intuiciones, la capacidad de amar y la sensibilidad hacia la naturaleza”, dice Daisy.

Según ella, las esculturas pequeñas, medianas y grandes de esta exposición son predominantemente desnudos femeninos relacionados con el simbolismo femenino de la Tierra, la Gran Madre, la diosa Gaia, Geia, de los griegos, el elemento primordial y latente de una potencialidad generativa ilimitada.

Los dibujos de Brecheret se presentan en su condición de singularidad, como expresión autónoma de la creación artística, independiente de las esculturas expuestas. Los 80 dibujos, en su mayor parte, datan de las últimas décadas de su vida y constituyen la materialización inicial de la idea. “Las esculturas y los dibujos guardan latencias, emanaciones intangibles del arquetipo femenino, provenientes de la psique del artista”, concluye la curadora.

La exposición “Lo Femenino en la Obra de Victor Brecheret” es una asociación entre el Museo Oscar Niemeyer y el Instituto Victor Brecheret (IVB).

Lo Femenino en la obra de Victor Brecheret

MON está junto a los principales museos de Brasil y del mundo en la plataforma Google Arts & Culture. Visita nuestras exposiciones en formato virtual.

Descubre más sobre esta exposición en la plataforma Google Arts & Culture.

Uma cadeira. Uma cadeira como qualquer outra cadeira de qualquer outra instituição pública brasileira. Uma cadeira como as cadeiras das escolas públicas, como as cadeiras das cadeias públicas. Uma cadeira como as cadeiras da Colônia Juliano Moreira, cujos portões Arthur Bispo do Rosário cruzou, em 25 de janeiro de 1939, para viver internado a maior parte da sua vida. Uma cadeira incorporada no universo criativo de um dos mais expressivos artistas brasileiros do século XX, na mais pungente resposta à loucura cometida pela sociedade brasileira em todos os espaços manicomiais do país. 

Durante toda a sua vida, este ex-marinheiro, ex-boxeador, ex-funcionário da “Light” e usuário do sistema de saúde mental diagnosticado como esquizofrênico paranoide apresentou-nos, através de objetos, instalações, assemblages, dos bordados e da escrita, um mundo onírico extremamente organizado e hierarquizado. A sua cela no Núcleo Ulisses Vianna passou a ser ateliê e espaço de investigação, onde ele defendia os seus trabalhos com obstinação, pois via como missão catalogar “todo o material existente na Terra dos Homens” para salvá-lo no dia do Juízo Final. Através de um simples fio azul, desfiado durante anos num ato de subversão e lucidez contra a prisão manicomial, iniciou uma obra cujo único marco temporal parece ter sido a sua visão, alguns dias antes do Natal de 1938. “O tempo é o espaço vazio”, diz em seus falatórios Stella do Patrocínio, que também viveu durante anos encarcerada na Colônia Juliano Moreira. No entanto, é neste tempo/espaço que Arthur Bispo do Rosário deixou-nos, ao morrer em 5 de julho de 1989, uma obra que quanto mais o tempo avança, mais se mostra atemporal.

No Museu Oscar Niemeyer, o impacto dessa obra também se reflete nos bordados, poemas, fotografias, instalações e videoperformances dos artistas contemporâneos convidados a integrar a presente exposição, tecendo um diálogo com a obra de Arthur Bispo do Rosário e com o próprio território do antigo hospital psiquiátrico. 

E não podemos deixar de perguntar: como encarar e explicar a obra genial de Arthur Bispo do Rosário, criada num sistema manicomial que via como regra a exclusão do indivíduo, diante de nossa frágil capacidade para entender e respeitar a menor diferença?

A resposta a essa pergunta talvez esteja perdida entre os extremos a que a própria racionalidade humana nos levou no século XX, num ponto entre as grandes revoluções científicas, tecnológicas e médicas e as mais assustadoras brutalidades a que fomos capazes de chegar: a sensibilidade de um olhar que, simplesmente, elevou uma cadeira a alguns centímetros do chão.

Guilherme Gontijo Flores 
O que eu guardo me guardo aqui
2023

o que se empilha aqui é só um mapa
que vai ficar ligeiramente bem 

maior que o mundo um mapa-mundi não
um mapa-mundo pra fazer um mundo-

mapi e aqui fazer cruzar aqui
votos destroyers misses mais a miss

universo e mais aquela carrada 
de bois e bois mais ruas e cidades

países e pessoas e pedaços
de ruas e cidades e países

e pedaços de coisas nomes coisas
como países e pessoas dias

dias e dias neste mapa um mapa
guarda dias um mapa de pessoas

uma faixa de fichas arquivadas
manto de escombros pelo mato adentro

um mapa-lista mapa-lastro mapa-
colônia-engenho-jacarepaguá

empregos números e tempos mapa
de tempo vivo rastro dessas formas

mapa de cola forte quase mala 
de mão universal dúvida e deus

coisas e bois onde aportar depois 
ruas misses pedaços e países

com ilhas ilhas e ilhas bois e dias 
aqui se empilha e vai caber o mundo

Guilherme Gontijo Flores 
O que se empilha aqui é só um mapa
2023

Poema: O que se empilha aqui é só um mapa

A Natureza da Vida, Pavilhão 10, onde viveu Arthur Bispo do Rosário, 
 Colônia Juliano Moreira, 2016 

Sonhei em mergulhar neste lugar. Em 2002, conheci a Colônia Juliano Moreira e visitei os pavilhões que abrigaram Arthur Bispo do Rosário. Senti a necessidade de performar ali e mais de uma década se passou até a oportunidade se realizar. Fui convidada para participar da programação da exposição “Das Virgens em Cardumes e da Cor das Auras”, com o projeto Grassa Crua em Residência Artística no Museu Bispo do Rosário. Entre as atividades do projeto, busquei o momento para realizar o sonho nas celas de Bispo. A performance “A Natureza da Vida” é constituída de ações realizadas em locais diversos. São ações em parques, praças e outros lugares públicos, onde sou fotografada, quase sempre nua, discutindo os padrões impostos às nossas corpas dissidentes e abjetas. Uma corpa que ocupa os espaços se posicionando e colocando-se presente e visível. O que conduz o trabalho é a proposição que faço como ativadora da obra, no agenciamento de olhares e lugares, trazendo a cada ação um sentido, na passagem e sensações de meu corpo naquele momento-lugar. Nas celas no Pavilhão 10, muita energia adensada. Fazer aquelas fotografias, pelas quais tanto esperei, foi forte. Um arrepio no corpo, aquele chão muito sujo e molhado, o pavilhão grande e com espaços de convivências como a passagem da entrada, o pátio de sol, as celas, o refeitório e as celas com suas latrinas no chão. As paredes-peles com algumas inscrições nos davam pistas de tantas dores entranhadas no lugar e as grades nas janelas explicitamente me falavam das violências de um passado muito próximo e do que se anunciava como presságios ruins com os ares daquele momento. Incômodos, muitas emoções, estar ali nua, despojada de qualquer artifício, pele-corpa em contato direto com o lugar, absorvendo tanto sofrimento e também sentindo aquele lugar onde, mesmo com tudo o que acontecia, Bispo produziu sua arte maravilhosa que me diz tanto, assim como me trazia as emoções de outros artistas que passaram por ali como Stella do Patrocínio, Arlindo Oliveira, Patrícia Ruth e outros tantos que eu estava conhecendo de perto. Tudo isto me atravessava a pele e atingia direto no coração. Assim surgiram essas imagens da performance fotografadas pelas artistas que me acompanharam nessa experiência. 

A Natureza da Vida por Fernanda Magalhães

Arthur Bispo do Rosário, Antônio Bragança, Eduardo Hargreaves, Fernanda Magalhães, Guilherme Gontijo Flores, Leonardo Lobão, Marlon de Paula, Paulo Nazareth, Rick Rodrigues e Stella do Patrocínio.

Con más de 100 obras, la exposición "Sonidos de Bispo do Rosário" realizada por el Museo Oscar Niemeyer pone en diálogo el legado del reconocido artista con artistas que tuvieron sus procesos creativos influenciados por Bispo do Rosário.

Obras como instalaciones, objetos, collages, ensamblajes y estandartes, características de Arthur Bispo do Rosário, dialogan con la obra visual de Antônio Bragança, Stella do Patrocínio, Leonardo Lobão, Paulo Nazareth, Marlon de Paula, Rick Rodrigues, Eduardo Hargreaves, Fernanda Magalhães e Guilherme Gontijo Flores.

Ao realizar a exposição “Sonoridades de Bispo do Rosário”, o Museu Oscar Niemeyer propõe ao espectador uma profunda reflexão sobre o que é arte e o seu papel transformador.

Celebrado e reconhecido postumamente no Brasil e no exterior, num processo incomum, ausente de formação acadêmica, Bispo do Rosário produziu a partir de materiais inusitados, transformando sua genialidade em instalações surpreendentes, comparáveis à obra de Marcel Duchamp ao mostrar que a arte é possível também a partir da simplicidade de objetos do cotidiano.

Suas criações, tão relevantes e atuais neste século 21, não foram feitas num ateliê, mas dentro de uma instituição psiquiátrica. Impulsionado por uma força interior e por sua intensa criatividade e originalidade, rompeu paradigmas e apresentou grande potência semântica.

Centenas de exposições nacionais e internacionais feitas ao longo das últimas décadas em torno do seu trabalho mostram o incrível alcance de sua obra. Bispo do Rosário foi tema de livros, filmes e peças de teatro.

Evocando os aspectos sonoros e poéticos presentes na obra do artista, os diversos objetos, instalações, colagens, assemblages e estandartes aqui presentes dialogam com a obra visual, performática e poética de outros artistas que integram a exposição, deixando evidente o impacto de seu legado no cenário da arte contemporânea.

O singular fazer artístico de Bispo do Rosário permitiu que ele transcendesse barreiras e oferecesse uma nova perspectiva sobre a realidade, exatamente o que acreditamos ser um dos mais importantes papéis da arte. 

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente
Museu Oscar Niemeyer

Com mais de 100 obras, a exposição "Sonoridades de Bispo do Rosário" realizada pelo Museu Oscar Niemeyer coloca o legado do renomado artista em diálogo com artistas que tiveram seus processos criativos influenciados por Bispo do Rosário.

Montagem, costura, bordado e escrita
Coleção Museu Bispo do Rosário Arte Contemporânea 

Montagem, carpintaria, pintura, costura e escrita
Coleção Museu Bispo do Rosário Arte Contemporânea

Costura, bordado, escrita
Coleção Museu Bispo do Rosário Arte Contemporânea

Montagem, carpintaria, pintura, revestimento, costura, bordado e escrita
Coleção Museu Bispo do Rosário Arte Contemporânea

Montagem, carpintaria, costura, bordado e escrita
Coleção Museu Bispo do Rosário Arte Contemporânea

Museo Oscar Niemeyer realiza exposición del artista Bispo do Rosário

La exposición “Sonidos de Bispo do Rosário”, que se inaugurará el 4 de julio, en la Sala 6 del Museo Oscar Niemeyer (MON), reúne más de 100 obras. La exposición pone en diálogo el legado de Arthur Bispo do Rosário con otros artistas cuyos procesos creativos fueron influenciados por él y por la convivencia en la Colônia Juliano Moreira, donde Bispo do Rosário pasó la mayor parte de su vida como interno. La curaduría es de Luiz Gustavo Carvalho.

“Con la realización de esta exposición, el MON propone al espectador una profunda reflexión sobre lo que es el arte y su papel transformador”, comenta la directora general del Museo, Juliana Vosnika.

“Célebre y póstumamente reconocido en Brasil y en el exterior, en un proceso insólito, carente de formación académica, Bispo do Rosário produjo a partir de materiales inusitados, transformando su genialidad en instalaciones sorprendentes, comparables a la obra de Marcel Duchamp al mostrar que el arte también es posible a partir de la sencillez de los objetos cotidianos”, afirma.

Evocando los aspectos sonoros y poéticos presentes en la obra del artista, los diversos objetos, instalaciones, collages, ensamblajes y estandartes presentes en la exposición dialogan con la obra visual, performativa y poética de otros artistas que integran la exposición, haciendo evidente el impacto de su legado en la escena del arte contemporáneo.

Ellos son: Antônio Bragança, Stella do Patrocínio, Leonardo Lobão, Paulo Nazareth, Marlon de Paula, Rick Rodrigues, Eduardo Hargreaves, Fernanda Magalhães y Guilherme Gontijo Flores.

Arthur Bispo do Rosário (1909-1989) fue interno en la Colônia Juliano Moreira (RJ), uno de los hospitales psiquiátricos más grandes del país en el siglo pasado, durante la mayor parte de su vida. Cargó con varios estigmas de marginación social aún vigentes en nuestra sociedad -negro, pobre, loco, asilado en un manicomio- y logró, en su genialidad, subvertir la lógica excluyente propuesta, a partir de su obra.

Su celda en el Núcleo Ulisses Vianna, en lugar de ser un lugar de encierro, se convirtió en un estudio y espacio de investigación. “Defendió sus trabajos con obstinación (...). En un mundo ensordecido por el caos de la normalidad y en el que las voces se apagan, Arthur Bispo do Rosário ve la necesidad de gritar”, explica Carvalho.

Durante años, el artista deshizo los uniformes azules del manicomio, en un acto de subversión y lucidez contra la prisión del manicomio, para luego transformarlos, bordando, rebordando, uniendo, reparando, escribiendo, ocultando y creando catálogos y cartografías que van más allá de las fronteras entre lo real y lo imaginario, lo visible y lo invisible, lo consciente y lo inconsciente.

“No podemos dejar de preguntarnos: ¿cómo es posible que una persona que pasó décadas encarcelada en un sistema de asilo que tenía como regla la exclusión del individuo nos haya dejado una obra de singular importancia, a nivel mundial, a mediados del siglo XX?”, pregunta el curador de la exposición.

Cientos de exposiciones nacionales e internacionales celebradas en las últimas décadas en torno a su trabajo muestran el increíble alcance de su obra. Bispo do Rosário ha sido tema de libros, películas y obras de teatro, entre otras vertientes artísticas.

Com mais de 100 obras, a exposição "Sonoridades de Bispo do Rosário" realizada pelo Museu Oscar Niemeyer coloca o legado do renomado artista em diálogo com artistas que tiveram seus processos criativos influenciados por Bispo do Rosário. Obras como instalações, objetos, colagens, assemblages e estandartes, características de Arthur Bispo do Rosário, dialogam com a obra visual de Antônio Bragança, Stella do Patrocínio, Leonardo Lobão, Paulo Nazareth, Marlon de Paula, Rick Rodrigues, Eduardo Hargreaves, Fernanda Magalhães e Guilherme Gontijo Flores.

Exposiciones actuales

Agujero en el Cielo

Perpetuo Movimiento

Lo Femenino en la obra de Victor Brecheret

Sonoridades

CONHEÇA NOSSA PROGRAMAÇÃO

Recibir noticias

Museo Oscar Niemeyer

Entradas