O Museu Oscar Niemeyer é uma instituição viva e dinâmica, abrigada em um dos mais belos projetos assinados pelo arquiteto homônimo. Cada uma das exposições realizadas aqui ganha caráter único devido à genialidade das curvas e dos traços da construção. Ao entrar no MON, o visitante tem sempre uma experiência imersiva, já que o prédio por si só é uma grande obra de arte. 

De maneira similar, na mostra “Moiré Bereguedê”, o trabalho de Mano Penalva se funde e se confunde com o espaço. Uma instalação pode ser um biombo e um desenho funciona como parede. A arte pende do teto e inunda a sala expositiva, misturando-se às pessoas. 

Sua produção parte do deslocamento dos objetos do cotidiano. Por meio de diferentes mídias, como escultura, instalação, pintura, fotografia e vídeo, o artista convida o público a, mais do que apenas apreciar, sentir a sua arte.

O Museu, por sua vez, se apresenta como um espaço de pausa, de aconchego e de bem-estar. As exposições que realiza, como essa, bem como as ações e atividades que oferece, têm em comum o objetivo de proporcionar um descanso do apressado mundo digital. São possibilidadesde reflexão e reconexão com nós mesmos e com o outro que, ao observar uma mesma obra, cria um sentido de identidade e pertencimento. 

Com sua vocação para artes visuais, arquitetura e design, o Museu Oscar Niemeyer, por ser um espaço único, oferece perfeita sintonia a essa exposição.  

O MON, maior museu de arte da América Latina em área, destaca-se como ícone da arquitetura brasileira. Ele abriga referenciais importantes da produção artística nacional e internacional. Ao realizar a mostra “Moiré Bereguedê”, cumpre seu propósito de sensibilizar as pessoas. Faz parte da missão do Museu, além de colecionar e expor, proporcionar experiênciastransformadoras e diálogos entre público e arte.

A exposição “Moiré Bereguedê – Mano Penalva”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer, reúne esculturas, pinturas, colagens e vídeos da produção recente do artista. A curadoria é assinada por Felipe Scovino.

A produção de Mano Penalva parte do deslocamento dos objetos do contexto cotidiano. Com sua obra, o artista realça a ideia de que a exponencial proliferação de objetos e imagens não se destina a treinar a percepção ou a consciência, mas insiste em fundir-nos com eles.

O título da exposição sintetiza a relação conciliatória entre o vernacular e o industrial que particulariza a obra de Mano Penalva. Moiré não é só um efeito óptico gerado a partir da sobreposição de linhas demarcando um grid, mas um fenômeno muito presente na arte de tendência construtiva no Brasil, em particular, a partir dos anos 1950. Artistas como Hélio Oiticica e Lygia Pape apontaram a sua estrutura ortogonal simultaneamente ao fato de que a desconstruíram, respectivamente, em séries de obras como “Metaesquemas” (c. 1958) e “Ttéia” (1977–2002). Traçando um paralelo com o presente, Penalva também realiza operação semelhante, por exemplo, com as “Nuvens”, quando o grid se torna um plano tridimensional expansivo e maleável. Já bereguedê assinala o lugar do improviso, da espontaneidade e, significativamente, da coletividade e da festa.

A mostra se pauta sob o regime da confluência desses dois espaços que condensam, por um lado, as investigações geométricas da arte de vanguarda e a sua relação com a transparência e a vibração cromática, e, por outro, a experiência da rua, não só utilizando materiais do cotidiano como ripas, lonas, palha, o náilon das cadeiras de praia ou de bolsas, mas também a intensidade e o barulho da cidade, as culturas locais, a memória afetiva e, especialmente, a gambiarra ou a aproximação entre valor de uso e valor estético de um objeto ordinário por meio do improviso. Interessa ao artista a mixagem de culturas como a proximidade entre o muxarabi e sua arquitetura não impeditiva a um olho que perfura a matéria e a linguagem mágica e acidental das ruas.

Ainda no contexto arquitetônico, Penalva desenvolve tanto o arquétipo de uma praça quanto o de uma casa. A disposição das obras pelo espaço, criando corredores ou cômodos translúcidos com os “Alpendres” e “Cortinas”, assim como intervalos para o ócio por meio das “Camas de gato”, possibilita que o público percorra a exposição como se estivesse experenciando um ato contínuo de desaceleração do tempo e dos modos subjetivos de constituição de afeto.

A exposição “Moiré Bereguedê – Mano Penalva”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer, reúne esculturas, pinturas, colagens e vídeos da produção recente do artista. A curadoria é assinada por Felipe Scovino.
A produção de Mano Penalva parte do deslocamento dos objetos do contexto cotidiano. Com sua obra, o artista realça a ideia de que a exponencial proliferação de objetos e imagens não se destina a treinar a percepção ou a consciência, mas insiste em fundir-nos com eles.

Miçangas de madeira, fitilho e ripa de madeira
280×150cm
Coleção do artista

Miçanga de madeira, fitilho, chassi, cabo de aço, chumbeta e prego
220×100×10cm
Coleção do artista e Simões de Assis

Tecido, manta acrílica, miçangas de madeira, ilhós, tinta betume, ganchos e fio de aço
200×290×5cm
Coleção do artista

Faixa de náilon, ripas de madeira, tinta esmalte e miçangas
200×480×5cm
Coleção do artista

Miçangas de madeira, fitilho, ripa de madeira e suportes de ferro
300×300x30cm
Coleção do artista e Simões de Assis

Ripas de madeira, faixa de náilon, tinta esmalte, esfera imantada e chassi
80x90cm
Coleção do artista e Simões de Assis

Faixas de náilon, ripas de madeira e tinta esmalte
160×160 cm
Coleção do artista e Portas Vilaseca

Faixa de náilon, ripas de madeira, tinta esmalte e chassi
140×240×5cm

Faixa de náilon, tinta esmalte, chassi e ripas de madeira
225×225×6cm
Coleção do artista e Simões de Assis

El MON presenta la exposición del artista Mano Penalva

La exposición “Moiré Bereguedê – Mano Penalva”, un nuevo proyecto del Museo Oscar Niemeyer, se inaugurará el 25 de junio a las 19:00 h en la Sala 2. Presenta 71 obras, entre esculturas, pinturas, collages y videos, de su producción reciente. La curaduría es de Felipe Scovino.

El Museo Oscar Niemeyer es una institución viva y dinámica, ubicada en uno de los proyectos más bellos diseñados por el arquitecto homónimo. Al entrar al Museo, el visitante siempre vive una experiencia inmersiva, ya que el edificio en sí es una gran obra de arte.

De manera similar, en la exposición ‘Moiré Bereguedê’, la obra de Mano Penalva se fusiona con el espacio”, compara Juliana. “Una instalación puede funcionar como pantalla y un dibujo como pared. El arte cuelga del techo e inunda la sala de exposiciones, mezclándose con el público.

La producción de Mano Penalva surge del desplazamiento de los objetos de su contexto cotidiano. A través de diferentes medios como la escultura, la instalación, la pintura, la fotografía y el video, el artista invita al público a no solo apreciar, sino también a sentir su arte.

El curador explica que el título de la exposición sintetiza la relación conciliadora entre lo vernáculo y lo industrial, que caracteriza la obra de Mano Penalva. “Moiré no es solo un efecto óptico generado por la superposición de líneas que delimitan un grid, sino un fenómeno muy presente en el arte constructivista brasileño, particularmente desde la década de 1950 en adelante”, informa.

Artistas como Hélio Oiticica y Lygia Pape señalaron su estructura ortogonal al mismo tiempo que la deconstruían, respectivamente, en series de obras como “Metaesquemas” (c. 1958) y “Ttéia” (1977–2002). Estableciendo un paralelismo con la actualidad, Penalva también realiza una operación similar, por ejemplo, con “Nubes”, donde la cuadrícula se convierte en un plano tridimensional expansivo y maleable

“Bereguedê, por otro lado, señala el lugar de la improvisación, la espontaneidad y, significativamente, la colectividad y la celebración”, afirma Scovino.

Mano Penalva nació en Salvador en 1987 y vive y trabaja en São Paulo. Su obra surge del desplazamiento de objetos de su contexto cotidiano y refleja su interés por la antropología y la cultura material. A través de diversos medios, como la escultura, la instalación, la pintura, la fotografía y el video, Penalva propone nuevas agrupaciones estéticas basadas en estrategias de venta minorista, sus experiencias recopilando historias y observaciones del entorno que transita entre el hogar y la calle.

Con su obra, Penalva subraya la idea de que la proliferación exponencial de objetos e imágenes no busca entrenar la percepción ni la conciencia, sino fusionarnos con ellos.

Es licenciado en Comunicación Social por la Pontificia Universidad Católica de Río de Janeiro (2008). Durante siete años (2005-2011) asistió a cursos de arte gratuitos en el Parque Lage. Actualmente, forma parte de Massapê Projetos, una plataforma artística autogestionada que fomenta el pensamiento y la producción artística con sede en São Paulo, de la cual es creador.

En los últimos años, ha participado en diversas residencias artísticas: Casa Wabi – Puerto Escondido (México), 2021; Residencia Fountainhead – Miami (EE. UU.), 2020; LE26by / Galería Felix Frachon – Bruselas (Bélgica), 2019; AnnexB – Nueva York (EE. UU.), 2018; Residencia Artística Penthouse – Bruselas (Bélgica), 2018; R.A.T. – Residencia de Intercambio Artístico – Ciudad de México (México), 2017; Pop Center – Camelódromo Porto Alegre (Brasil), 2017.

Moiré Bereguedê - Mano Penalva

MON está junto a los principales museos de Brasil y del mundo en la plataforma Google Arts & Culture. Visita nuestras exposiciones en formato virtual. 

Descubre más sobre esta exposición en la plataforma Google Arts & Culture.

Adriana Almada, Tereza de Arruda, Ferran Barenblit, Margarida Saraiva, Windy Lv, Xiao Ge, Massimo Scaringella, Antonella Pisilli, Royce W. Smith

Mais uma vez, o maior museu de arte da América Latina abre as portas para abrigar a Bienal Internacional de Curitiba, que chega a sua 16ª edição e tem o Museu Oscar Niemeyer como a sua principal sede. Esta edição do evento se propõe a discutir temas relevantes atuais, como os limites da tecnologia em nossas vidas e as fronteiras entre o físico e o digital, apresentando a arte como espaço de pausa e reflexão.

Importantes artistas de diversos países e continentes compartilham suas formas de ver o mundo contemporâneo em instigantes mostras que acontecem simultaneamente em vários espaços do MON.

Mais uma vez, o maior museu de arte da América Latina abre as portas para abrigar a Bienal Internacional de Curitiba, que chega a sua 16ª ediçãoe tem o Museu Oscar Niemeyer como a sua principal sede. Esta edição do evento se propõe a discutir temas relevantes atuais, como os limites da tecnologia em nossas vidas e as fronteiras entre o físico e o digital, apresentando a arte como espaço de pausa e reflexão.

Importantes artistas de diversos países e continentes compartilham suas formas de ver o mundo contemporâneo em instigantes mostras que acontecem simultaneamente. Um dos destaques é a artista japonesa Chiharu Shiota, que tão bem aborda os espaços entre presença e ausência, memória e imaginação, corpo e arquitetura. 

Para o icônico Olho do MON ela propõe um conjunto de instalações inéditas concebidas especialmente para o local, transformando-o em uma experiência imersiva. Milhares de autorretratos enviados pelo público por cartas, ao serem pendurados, formam uma rede física, na qual os visitantes se deparam com tal paradoxo.

Sua poderosa obra, assim como de outros artistas asiáticos que participam da Bienal, também fazem um diálogo com a coleção daquele continente que pertence ao MON. Se o acervo é a alma do museu, o maior desafio de uma instituição é mantê-lo vivo, atuante, em permanente troca com o público. Entendemos que parte das obras apresentadas pela Bienal, que retrata diversas culturas do continente asiático, encontra eco em nossaimensa e significativa coleção de arte asiática.  

O visitante perceberá que existe um objetivo comum entre MON e Bienal: o de extrapolar paredes e fronteiras, sejam elas de espaço, tempo ou materialidade. Desta forma, temos aqui uma oportunidade única.

Mais uma vez, o maior museu de arte da América Latina abre as portas para abrigar a Bienal Internacional de Curitiba, que chega a sua 16ª edição e tem o Museu Oscar Niemeyer como a sua principal sede. Esta edição do evento se propõe a discutir temas relevantes atuais, como os limites da tecnologia em nossas vidas e as fronteiras entre o físico e o digital, apresentando a arte como espaço de pausa e reflexão.
Importantes artistas de diversos países e continentes compartilham suas formas de ver o mundo contemporâneo em instigantes mostras que acontecem simultaneamente em vários espaços do MON.

Mais uma vez, o MON se torna a principal sede da Bienal de Curitiba 

Com três décadas de história, a Bienal Internacional de Curitiba abre ao público, no dia 14 de junho, a sua 16ª edição no Museu Oscar Niemeyer e em diversos espaços culturais da cidade, reunindo mais de 300 artistas, de 38 países, dos cinco continentes em uma ampla programação de exposições, instalações, performances e ações urbanas. Com o tema “LIMIARES”, sob curadoria de Adriana Almada e Tereza de Arruda, a Bienal propõe reflexões sobre as transformações do mundo contemporâneo e os limites cada vez mais fluidos entre o humano e o tecnológico, o natural e o artificial, o físico e o digital. 

“Mais do que um conceito, LIMIARES é uma atitude curatorial: habitar a fronteira, permanecer no entre, criar a partir da incerteza, gerando novos caminhos”, afirmam as curadoras Adriana Almada e Tereza de Arruda.

Reconhecida como uma das principais plataformas de arte contemporânea da América Latina, a Bienal reafirma nesta edição seu papel como espaço de intercâmbio internacional, experimentação estética e reflexão crítica sobre o presente. A programação segue até 15 de novembro de 2026 e reúne artistas, pesquisadores, cientistas e estudantes em projetos que articulam pintura, instalação, performance, inteligência artificial, videoarte, fotografia, arte sonora e experiências em realidade aumentada.

O principal núcleo expositivo da Bienal acontece no Museu Oscar Niemeyer (MON), parceiro histórico da mostra e espaço indissociável de sua trajetória. A Bienal ocupará o Olho, a Torre, a Rampa, cinco salas expositivas e entressalas, aprofundando uma relação construída ao longo de mais de duas décadas e marcada por exposições emblemáticas da arte contemporânea internacional

Ao longo de sua história, o MON recebeu momentos marcantes da Bienal, como a performance de Marina Abramović em 2009; a grande mostra de arte cinética de Julio Le Parc no Olho, em 2015; a exposição coletiva de artistas chineses em 2017; e a apresentação da icônica escultura “Spider”, da franco-americana Louise Bourgeois, em 2019.

Mais uma vez, o maior museu de arte da América Latina abre as portas para abrigar a Bienal Internacional de Curitiba, que chega a sua 16ª edição e tem o Museu Oscar Niemeyer como a sua principal sede.

O grande destaque desta edição será a exposição “Poéticas da Memória e da Matéria”, com curadoria de Tereza de Arruda e protagonizada por Chiharu Shiota, um dos nomes mais relevantes da arte contemporânea mundial. Reconhecida por suas instalações imersivas construídas a partir de fios, objetos cotidianos e arquiteturas emocionais, a artista ocupará o Olho e os espaços Araucária 1 e Araucária 2 do MON com quatro obras inéditas e site-specific concebidas especialmente para Curitiba. A instalação principal utilizará cerca de 300 quilômetros de fios - distância equivalente ao trajeto entre Curitiba e Florianópolis - tornando-se a maior instalação site-specific da artista já realizada na América do Sul. 

Sua poderosa obra, assim como de outros artistas asiáticos que participam da Bienal, também fazem um diálogo com a coleção daquele continente que pertence ao MON.

A Bienal realizou uma chamada pública internacional para integrar cartas, desenhos e relatos pessoais enviados pelo público à obra de Shiota, ação que já mobilizou centenas de participantes. Em diálogo com a poética da artista japonesa radicada em Berlim, a Torre do MON reunirá obras de artistas brasileiros como Iêda Jardim, André Azevedo, Evandro Soares, James Kudo, Luiz Mauro e Marina Camargo.

Destaca-se também em LIMIARES o renomado artista espanhol Max Esteban, cuja produção artística se debruça na crítica da condição humana frente à tecnologia por meio da fotografia e da videoarte. Outro artista contemporâneo que se revelará ao público no MON é o chinês Xia Hang, reconhecido por suas esculturas mecânicas interativas feitas de aço inoxidável polido, que misturam a estética cyberpunk com o conceito lúdico de "brinquedos para adultos". 

O texto curatorial da 16ªBienal é assinado por Adriana Almada e Tereza de Arruda. A edição está estruturada a partir de diferentes eixos curatoriais, desenvolvidos por uma equipe internacional de curadores convidados que articulam núcleos expositivos próprios, muitas vezes conectados entre si por aproximações conceituais, territoriais e tecnológicas.

Crítica de arte, escritora e editora argentina radicada no Paraguai, Adriana Almada é reconhecida por sua forte atuação na investigação da arte contemporânea latino-americana. Ex-vice-presidente da Associação Internacional de Críticos de Arte (AICA), em Paris, foi condecorada pelo Governo da França com a Ordem das Artes e Letras. Dividindo a direção curatorial da Bienal, a historiadora da arte brasileira Tereza de Arruda traz a experiência de quem transita entre São Paulo e Berlim desde 1989, com projetos consolidados na Europa, Ásia e Américas e atuação junto à Bienal de Havana.

Entre os curadores convidados está o hispano-argentino Ferran Barenblit, conhecido internacionalmente por discutir o papel político e social das instituições culturais. Ex-diretor do MACBA, em Barcelona, Barenblitdivide com Adriana Almada a curadoria da exposição “Cartografia Provisória”, do artista espanhol Max Esteban, no MON. 

A conexão com a produção asiática contemporânea se estabelece com as curadoras chinesas Xiao Ge e Windy Lv, que trazem à Bienal um olhar marcado pelo rigor histórico e conceitual. No MON, propõem reflexões sobre meio ambiente, temporalidade e as transformações da experiência contemporânea a partir do diálogo entre arte, tecnologia e cultura visual do leste asiático.

Com passagem pela Bienal del Fin del Mundo (Argentina) e reconhecido por descobrir e impulsionar novos talentos das gerações emergentes, o italiano Massimo Scaringella assina a curadoria do eixo “Rifrações” ao lado de Antonella Pisilli. A mostra de videoarte reúne artistas mulheres da Guiana Francesa, África e Albânia.

Já o norte-americano Royce W. Smith, atual reitor do College of the Artsda California State University, Long Beach, assina o eixo “Camuflagens”, investigação coletiva sobre percepção, tecnologia, ocultamento e construção da realidade contemporânea.

Além do MON, a programação ocupa mais de dez instituições culturais em Curitiba. Entre elas o Museu Paranaense (MUPA), o Museu da Imagem e do Som do Paraná (MIS-PR), o Museu Alfredo Andersen, o Museu da Fotografia, o Museu da Gravura – Memorial de Curitiba, o Museu de Arte Indígena e o Museu Municipal de Arte (MuMA).

Essa presença urbana, antecipada pela Curitiba Art Week e pelo Circuito Universitário da Bienal de Curitiba (CUBIC5), também se manifesta no sistema de transporte público de Curitiba, referência internacional em mobilidade urbana. A Bienal promoverá ativações em 22 terminais de ônibus, 300 paradas urbanas e mais de 1.000 ônibus da cidade. Durante toda a programação, até 15 de novembro, obras de videoarte com curadoria de Flavio de Carvalho serão exibidas nas TVs do sistema integrado, enquanto ações em realidade aumentada ocuparão terminais e estações-tubo. Essa programação começa no dia 16 de julho.

A 16ª Bienal Internacional de Curitiba é realizada pelo Ministério da Cultura, Governo Federal - Do lado do povo brasileiro, MON, MAC Paraná e Paraná Festival - Secretaria de Estado da Cultura (SEEC) - Governo do Paraná. Apoio: Fundação Cultural de Curitiba (FCC) - Prefeitura de Curitiba. 

Acompanhe pelos sites www.16bienaldecuritiba.org, www.curitibaartweek.com e pelas redes sociais no Instagram @bienaldecuritiba @cubic.bienal e @curitibaartweek, no Facebook@bienaldecuritiba, no Linkedin @bienaldecuritiba e no TikTok@bienaldecuritiba

16ª Bienal Internacional de Curitiba

O MON está ao lado de grandes museus do Brasil e do mundo na plataforma Google Arts & Culture. Visite nossas exposições em formato virtual.

Conheça mais sobre esta exposição na plataforma Google Arts & Culture.

Transforme uma árvore em lenha que ela arderá; mas nunca mais lhe dará flores e frutos.
Rabindranath Tagore (1861–1941)

Estreitando laços institucionais, o Museu Oscar Niemeyer recebeu uma importante doação de obras africanas da Coleção Ivani e Jorge Yunes com cerca de 2.000 objetos – são máscaras, estatuetas, instrumentos musicais e uma grande variedade de outras obras das quais essas são apenas uma seleção. 

Como parte das comemorações da temporada cultural França-Brasil, o Museu apresenta, neste momento, intervenções ligadas à França e à sua região ultramarina, a Martinica. Em diálogo com o acervo, cada intervenção possui formas, gestos e narrativas próprias. 

De um lado, a instalação de vídeo-arte “Presenças: Corpos, Objetos e Memórias”, com curadoria da especialista franco-beninense Nadine Hounkpatin, reúne vídeos das artistas Tuli Mekondjo da Namíbia e da franco-camaronesa Josèfa Ntjam. As obras fundem filosofia, tecnologia e espiritualidade africanas, reimaginando a herança negra como um agente vivo de memória e resistência. 

Com apoio da Coleção Ivani e Jorge Yunes, a artista Rayana Rayo e o curador José Eduardo, do Acervo da Laje (Bahia) realizaram uma residência artística na Martinica, também em parceria com o Instituto Tomie Ohtake (SP) e o Glissant Art Fund. A experiência partiu dos conceitos de errância, crioulização e relação, formulados pelo filósofo Édouard Glissant. As obras afro-brasileiras de César Bahia (Salvador), que reverberam a herança formal e simbólica das culturas africanas, e as pinturas de Rayana Rayo (Recife), que investigam recipientes como metáforas do corpo e do abrigo, criam zonas de intersecção entre territorialidades e temporalidades. Essas “Errâncias entre Brasil, França, África e Caribe” articulam memória, origem e deslocamento, propondo uma escuta ampliada do legado africano e de seus desdobramentos no contexto brasileiro.

África, Expressões Artísticas de um Continente

A intervenção “Presenças: Corpos, Objetos e Memórias”, com curadoria de Nadine Hounkpatin e Renato Araújo, coloca em diálogo artefatos africanos ancestrais doados pela Coleção Ivani e Jorge Yunes ao Museu Oscar Niemeyer com obras em vídeo de Josèfa Ntjam e Tuli Mekondjo. O projeto explora as relações entre metamorfose, memória e identidade, reativando vestígios visíveis e invisíveis da herança africana. As obras contemporâneas insuflam nova vitalidade nos objetos antigos, que passam a atuar como mediadores de narrativas e futuros possíveis.

Mais do que um encontro estético, Hounkpatin reflete sobre o status da arte africana nos museus, questionando propriedade, transmissão e a noção de patrimônio compartilhado. Ao dar voz a artistas contemporâneos, constrói-se uma ponte entre passado e presente, memória coletiva e criação viva.

“Mélas de Saturne”, de Josèfa Ntjam (França/Camarões), é um vídeo especulativo que explora as histórias da diáspora negra sob uma lente pós-humana. Um avatar digital funde-se a um algoritmo que antecipa a integração entre vida orgânica e tecnológica, sugerindo novas formas de memória e identidade. Inspirando-se na iconografia espiritual da África Ocidental, especialmente em Mami Wata, Ntjam combina imagens mitológicas, arqueológicas e biológicas – máscaras, corais, formas marinhas híbridas e serpenteantes – criando uma cosmologia fluida. “Mélas”, do grego “melas” (“negro” ou “escuro”), evoca uma energia transformadora que desafia o tempo linear e as identidades fixas. A fragmentação torna-se força de resistência e renovação, reimaginando a herança africana não como relíquia, mas como agente vivo.

“Afrotekismo: o Museu Vivo do Afrotekismo”, de Tuli Mekondjo(Namíbia), é uma performance que conecta herança africana, memória corporal e futuros especulativos. Em ressonância com os artefatos ancestrais da Coleção Yunes, Mekondjo posiciona o corpo como um museu vivo, onde memória, ritual e tecnologia se entrelaçam. Ao mover-se pelo espaço público, ela ativa objetos e gestos como portadores de história e imaginação, desafiando os modelos museológicos ocidentais que desvinculam os artefatos da vida cultural. A obra imagina um futuro em que os sistemas de conhecimento africanos permanecem dinâmicos, móveis e autodefinidos – um arquivo vivo de resistência e renovação.

Errância, no pensamento do filósofo e poeta martinicano ÉdouardGlissant, é um modo de estar no mundo. Mais do que deslocamento, trata-se de um exercício de atenção à diferença e à opacidade, que transforma a experiência do exílio em consciência compartilhada: cada um carrega consigo fragmentos de outros lugares e saberes, e é nesse trânsito que se formam novas linguagens e pertencimentos. Ao questionar as raízes fixas, Glissant propõe uma visão dinâmica de memória, origem e ancestralidade. 

A partir do conceito de errância, organizou-se a mostra “A Terra, o Fogo, a Água e os Ventos – Por um Museu da Errância com ÉdouardGlissant”, em cartaz no Instituto Tomie Ohtake, que apresenta a coleção particular de arte de Glissant em diálogo com artistas contemporâneos. No contexto da mostra, Rayana Rayo e Zé di Cabeça realizaram uma residência artística na Maison du Diamant, na Martinica – casa onde Édouard Glissant viveu e escreveu parte de sua obra – em colaboração com o Édouard Glissant Art Fund e com o Institut du Tout-Monde. A partir dessa experiência, os artistas propuseram intervenções na Coleção de Arte Africana.

Os trabalhos apresentados nascem do trânsito entre objetos e paisagens. Em Rayana, a investigação sobre recipientes se desdobra: o vaso aparece como corpo-abrigo e como dispositivo de linguagem. Em Zé diCabeça, procedimentos de observação e escrita conectam território, canto e lembrança partilhada; diante de peças sem autoria individual definida, o artista propõe o diálogo da coleção com as esculturas de César Bahia. Suas máscaras e figuras de orixás reativam vínculos entre ancestralidade, ofício e a presença viva das divindades afro-brasileiras.

Em conjunto, as intervenções propõem um campo de passagens entre Brasil, África e Caribe, no qual o acervo é interlocutor e matéria de escuta. As obras fazem da errância uma forma de correspondência entre tempos, vozes e gestos, expandindo o território da coleção em direção a uma geografia viva de relações.

Errâncias: Entre Brasil, França, África e Caribe

José Eduardo Ferreira Santos 
Salvador, Brasil, 1974 – vive e trabalha em Salvador, Brasil.

José Eduardo Ferreira Santos é pedagogo, mestre em Psicologia, doutor em Saúde Pública e pós-doutor em Cultura Contemporânea. Nascido e criado no Subúrbio Ferroviário de Salvador, fundou, ao lado de sua esposa Vilma Santos, o Acervo da Laje: espaço cultural independente que funciona como casa, museu e escola, dedicado à preservação e valorização das expressões artísticas e culturais das periferias soteropolitanas. Durante a residência artística na Martinica, José Eduardo escreveu 27 cartas a Édouard Glissant, endereçadas à Maison du Diamant, casa onde o filósofo viveu e trabalhou. Nelas, traça paralelos entre Salvador e o Caribe, entre o Subúrbio Ferroviário e o arquipélago, entre os rios da Baía de Todos-os-Santos e as águas da ilha, tecendo fabulações sobre território, errância e pertencimento. Como intervenção na coleção, José Eduardo estabelece uma correspondência com César Bahia, escultor do Acervo da Laje e herdeiro de Otávio Bahia, artista que produzia divindades africanas em madeira no Subúrbio Ferroviário. César segue a tradição familiar, talhando troncos de jaqueira e pintando-os à mão em cores intensas, preservando a memória do ofício e a força ancestral de suas figuras. No encontro entre as cartas e as esculturas, entre Salvador e a Martinica, a intervenção faz do acervo um interlocutor ativo. As obras escutam, respondem e inventam continuidades entre África, Caribe e Brasil.

Rayana Rayo 
Pernambuco, Brasil, 1989, vive em Pernambuco, Brasil

A produção de Rayana Rayo é permeada pela vivência do clima e da maré, de mangues, restingas e ilhas da paisagem do Recife, sua cidade natal. Suas pinturas, de pinceladas espessas e cores afinadas em suas relações tonais, evocam atmosferas úmidas e topografias arredondadas, as quais são habitadas por elementos híbridos – entre ser vegetal, animal e onírico. São cenas que não comunicam narrativas lineares, preferindo fabular relações entre corpos, fragmentos e ambiências afetivas. Da mesma forma, ela não lida com a paisagem por meio da perspectiva ou da descrição, mas, sim, fazendo todos os elementos da composição emergirem da mesma matéria da pintura, tomando partido de suas propriedades sinestésicas (sua capacidade de evocar calor e odor, silêncio e desejo, vento e solidão). Para esta exposição, Rayo apresenta uma série de pinturas comissionadas que se articulam com uma seleção de recipientes – objetos usados para conter, guardar e reter água presentes na Coleção África. Essa justaposição propõe um diálogo entre as superfícies líquidas e os volumes contidos, entre o gesto pictórico e a materialidade das formas que, assim como suas pinturas, lidam com fluxos, retenções e permeabilidades.

No meio da viagem encontrei alguns flamboyants amarelos.

O flamboyant amarelo foi o meu primeiro espanto com a beleza na infância, no ir e vir da escola primária, na década de 1980.

O caminho da rua Nova Esperança até a Escola Machado de Assis, na Rua dos Ferroviários, final de linha do São João do Cabrito, era um espetáculo para os olhos por conta dos jardins e das belas árvores que enfeitavam o caminho.

Flamboyants e outras árvores floresciam de forma abundante, fazendo todo lugar parecer um jardim, e aquilo me encantava muito, mas ninguém sabe nos explicar o encantamento: ele simplesmente acontece. Até contar é difícil, porque está na esfera da magia pessoal, da delicadeza daquilo que a nossa alma guarda como tesouro.

E mais ainda por saber que aquelas árvores, plantas e jardins foram cultivados por mãos e corações que amavam árvores, plantas e jardins, das mulheres de todo o bairro.

A gente não se dá conta da importância da paisagem, das árvores, das plantas e dos jardins na imaginação e no imaginário de uma criança: é o início de tudo, onde perguntas são feitas, felicidades são vividas, inteligências e sensibilidades são aguçadas, enfim. A vida nasce de novo no encontro com o mundo exterior, externo a nós.

A paisagem educa. A árvore, com sua imponência e beleza, educa e encanta.

As plantas, nem se fala, elas carregam o mistério de dialogar o tempo todo com a vida e também de nos educar para o cuidado e o afeto.

Árvores, plantas e jardins educam para a sociabilidade. Para viver em sociedade, é preciso cultivar e cuidar das plantas, das árvores e dos jardins.

Cultura, curadoria, cuidado, elaboração, civilização, tudo isso e mais um infinito cabe dentro de um jardim.

Além da presença notável dos flamboyants amarelos e vermelhos, não posso deixar de registrar, Glissant, a plenitude dos crótons, que de tão antigos começam a perder a cor.

O encontro com essa diversidade botânica nos ensina que a natureza é brutalmente relacional. Sutilmente relacional. Entre as frestas, ela é relacional. A natureza dança nos vãos de luz e os ocupa com vida para o alto.

A natureza ocupa os vãos do esquecimento com vida.

A natureza é plena porque bebe das fontes que nossos olhos não enxergam.

E nós, para viver, bebemos de qual fonte?

A natureza é silentemente, silenciosamente relacional.

Escandalosamente relacional, mas sempre silenciosa e precisa; dinâmica e rizomática; sabedora dos caminhos que a raiz tem que fincar para ter saúde e vida plena.

“Ancestralidade” não é uma palavra vazia

Despedindo-me por aqui e agradecendo a Sylvie e a você por tudo, veio em mim a percepção de que precisamos cuidar mais da palavra “ancestralidade”, porque ela está se tornando uma palavra vazia, um adjetivo, usada como um gerundismo – um vício de linguagem, uma expressão esvaziada. 

Sei que todos querem ter ancestralidade, mas é preciso cuidado: nem tudo o que se tem se diz. 

Parcimônia, por favor. O mistério tem seus interditos, suas nuances e não pede espalhafatos. 

Nem sempre a última apresentação é a síntese da vida. É preciso se guardar. A lógica do vazio supõe falas e definições garbosas de si.

Vó sabia disso e me ensinava tudo em silêncio, segredo e afeto.

Evocar a ancestralidade a esmo, banalmente, é um perigo, pois é lançar esse conceito, essa presença em um vazio de sentido que nem permite que ela, a ancestralidade, se manifeste.

Eu não sei se você não sabe, mas ancestralidade não é vazio, eco, imaginação: ancestralidade é presença. E forte. E companheira. E amiga. E cuidadora dos nossos passos aqui, na Martinica. 

Quem tanto evoca ancestralidade se esquece de evocar presença. E ancestralidade é presença, e presença cuida.

Vamos repensar o jeito de nos apresentarmos ao mundo.

Eu chamo de ancestralidade as ancestralidades que têm nome e me deram colo, carinho, afeto, comida e amor… 

Ancestralidade genérica é alma penada… 

Ancestralidade é presença e não é um modismo vernacular transitório.

Ancestralidade é presença, de modo que, se você não entender, respeite.

Aqui, na residência Glissant, ela foi presença o tempo inteiro, sem precisar dizer essa palavra.

Tanto a presença quanto a ancestralidade devem educar pelo que são e por como se manifestam. Se isso se perde pelo uso vazio, é um sintoma desta geração que tenta apreender tudo em um conceito e não consegue. Quando não for possível, o silêncio também grita e evoca. É preciso reensinar a liturgia da evocação do sagrado, para que não se torne banal.

Renato Araújo, Nadine Hounkpatin, Ana Roman e Paulo Miyada

Uma nova ativação da exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente”, com obras do acervo do Museu Oscar Niemeyer (MON), é entregue ao público. “Intersecções contemporâneas - Ano da França no Brasil”, com curadoria de Renato Araújo, em cartaz na Sala 4, é um importante diálogo entre a arte africana tradicional e a sua transversalidade, que ganha cada vez mais espaço no contemporâneo.

A exposição se renova no ano Brasil-França, que celebra dois séculos de relações diplomáticas entre os dois países. Esta nova edição é uma parceria do MON com a Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY) e o Instituto Tomie Ohtake, ambos de São Paulo, e propõe um intercâmbio cultural e artístico.

A exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente” se renova no ano Brasil-França, que celebra dois séculos de relações diplomáticas entre os dois países. Numa parceria do Museu Oscar Niemeyer (MON) com a Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY) e o Instituto Tomie Ohtake, ambos de São Paulo, a nova edição dessa mostra propõe um intercâmbio cultural e artístico.

Apresentamos ao público, simultaneamente, dois projetos distintos, com curadoria geral de Renato Araújo. O primeiro consiste na instalação de dois vídeos das artistas Josèfa Ntjam e Tuli Mekondjo. A curadoria é Nadine Hounkpatin, nascida no Benin e radicada na França há muitos anos.

O segundo projeto, com curadoria de Paulo Miyada e Ana Roman, aborda o tema “Errâncias: Entre Brasil, França, África e Caribe”, a partir de residências oferecidas pelo Instituto Édouard Glissant, na Martinica, a artistas do mundo todo. A participação dos artistas brasileiros, RayanaRayo e José Eduardo Ferreira Santos resultou na criação de obras exibidas aqui.

Com esta ativação, o MON, como instrumento vivo de valorização e democratização da cultura, traz até o seu visitante um importante diálogo entre a arte africana tradicional e a sua transversalidade, que ganha cada vez mais espaço no contemporâneo.

Em sua terceira edição, a exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente” consolida um longo e criterioso processo que culminou na chegada de uma das mais importantes e significativas coleções de arte africana ao Museu Oscar Niemeyer.  

Entendemos que um museu existe a partir do seu acervo, mas é da interação entre o público e suas obras que são disseminados cultura e conhecimento.

Uma nova ativação da exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente”, com obras do acervo do Museu Oscar Niemeyer (MON), é entregue ao público. “Intersecções contemporâneas - Ano da França no Brasil”, com curadoria de Renato Araújo, em cartaz na Sala 4, é um importante diálogo entre a arte africana tradicional e a sua transversalidade, que ganha cada vez mais espaço no contemporâneo.
A exposição se renova no ano Brasil-França, que celebra dois séculos de relações diplomáticas entre os dois países. Esta nova edição é uma parceria do MON com a Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY) e o Instituto Tomie Ohtake, ambos de São Paulo, e propõe um intercâmbio cultural e artístico.

Exposição africana do MON ganha novo diálogo com o contemporâneo

A exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), com obras de seu acervo, ganha uma nova ativação: “Intersecções contemporâneas – Ano da França no Brasil”, que será inaugurada em 4 de dezembro, na Sala 4. A curadoria é de Renato Araújo.

Para Luciana Casagrande Pereira, secretária de Estado da Cultura, essa exposição é um exemplo de como a cooperação cultural pode gerar novas formas de diálogo e criação. “Quando obras, narrativas e sensibilidades circulam entre continentes, ampliamos nossa capacidade de reconhecer a diversidade como valor compartilhado”, diz. 

“Com esta ativação, o MON, como instrumento vivo de valorização e democratização da cultura, traz até o seu visitante um importante diálogo entre a arte africana tradicional e a sua transversalidade, que ganha cada vez mais espaço no contemporâneo”, afirma a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika.

A exposição se renova no ano Brasil-França, que celebra dois séculos de relações diplomáticas entre os dois países. Essa nova edição é uma parceria do Museu Oscar Niemeyer com a Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY) e o Instituto Tomie Ohtake, ambos de São Paulo, e propõe um intercâmbio cultural e artístico.

“Apresentamos ao público dois projetos distintos simultaneamente”, informa Juliana. O primeiro consiste na instalação de dois vídeos das artistas Josèfa Ntjam e Tuli Mekondjo. A curadoria é Nadine Hounkpatin, nascida no Benin e radicada na França há muitos anos.

O segundo projeto, com curadoria de Paulo Miyada e Ana Roman, aborda o tema “Errâncias: Entre Brasil, França, África e Caribe”, a partir de residências oferecidas pelo Instituto Édouard Glissant, na Martinica, a artistas do mundo todo. “A participação dos artistas brasileiros Rayana Rayo e José Eduardo Ferreira Santos resultou na criação de obras exibidas nesta exposição”, explica.

Em sua terceira edição, a exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente” consolida um longo e criterioso processo que culminou na chegada de uma das mais importantes e significativas coleções de arte africana ao Museu Oscar Niemeyer.  

“Como parte das comemorações da temporada cultural França-Brasil, o Museu apresenta, neste momento, intervenções ligadas à França e à sua região ultramarina, a Martinica”, informa o curador. “Em diálogo com o acervo, cada intervenção possui formas, gestos e narrativas próprias”, diz Araújo. 

Ele explica que uma das propostas apresenta a instalação de vídeo-arte “Presenças: Corpos, Objetos e Memórias”, com curadoria da especialista franco-beninense Nadine Hounkpatin e que reúne vídeos das artistas Tuli Mekondjo, da Namíbia, e Josèfa Ntjam, franco-camaronesa. “As obras fundem filosofia, tecnologia e espiritualidade africanas, reimaginando a herança negra como um agente vivo de memória e resistência”, diz.

Outra proposta entrega ao visitante o trabalho da artista Rayana Rayo e do curador José Eduardo, do Acervo da Laje (Bahia), que realizaram uma residência artística na Martinica, em parceria com o Instituto Tomie Ohtake (SP) e o Glissant Art Fund. 

“A experiência partiu dos conceitos de errância, crioulização e relação, formulados pelo filósofo Édouard Glissant”, diz o curador. As obras afro-brasileiras de César Bahia (Salvador), que reverberam a herança formal e simbólica das culturas africanas, e as pinturas de Rayana Rayo (Recife), que investigam recipientes como metáforas do corpo e do abrigo, criam zonas de intersecção entre territorialidades e temporalidades. 

“Essas ‘Errâncias entre Brasil, França, África e Caribe’ articulam memória, origem e deslocamento, propondo uma escuta ampliada do legado africano e de seus desdobramentos no contexto brasileiro”, conclui.

Áudio 1_Texto Institucional_Exposição Intersecções Contemporâneas_narração Rogele Caldeira_RC Audiovisual.mp3

Versão em áudio - África, Expressões Artísticas de um Continente

Áudio 2_Texto Curatorial_Exposição Intersecções Contemporâneas_narração Rogele Caldeira_RC Audiovisual.mp3

Versão em áudio - Presenças: Corpos, Objetos e Memórias

Áudio 3_Texto Curatorial_Exposição Intersecções Contemporâneas_narração Rogele Caldeira_RC Audiovisual.mp3

Versão em áudio - Errâncias: Entre Brasil, França, África e Caribe

Áudio 4_Texto Curatorial_Exposição Intersecções Contemporâneas_narração Rogele Caldeira_RC Audiovisual.mp3

Versão em áudio - Bio José Eduardo Ferreira Santos 

Áudio 8_Biografia José Eduardo Santos_Exposição Intersecções Contemporâneas_narração Rogele Caldeira_RC Audiovisual.mp3

Áudio 7_Biografia Rayana Rayo_Exposição Intersecções Contemporâneas_narração Rogele Caldeira_RC Audiovisual.mp3

Áudio 5_Carta a Glissant_Exposição Intersecções Contemporâneas_narração Rogele Caldeira_RC Audiovisual.mp3

Áudio 6_Carta a Glissant_Exposição Intersecções Contemporâneas_narração Rogele Caldeira_RC Audiovisual.mp3

África, Expressões Artísticas de um Continente
Intersecções contemporâneas - Ano da França no Brasil

Intersecções contemporâneas - Ano da França no Brasil

Ao realizar uma nova edição do “MON sem Paredes – Arte ao Ar Livre” o Museu Oscar Niemeyer cada vez mais utiliza a sua área externa como uma grande área de convivência voltada à arte – um presente à população.

Em consonância com o movimento da cidade de oferecer mais atrativos na região central, transformamos o entorno do Museu num amplo espaço cultural. Dessa forma, alcançamos cada vez mais pessoas, sejam moradores ou visitantes, fazendo com que a região respire arte.

Democrático e inclusivo, o projeto – inaugurado em 2024 – rompeu o limite físico das paredes do Museu e abraçou a população. A iniciativa se transformou num convite permanente para que o público externo se inspire e sinta-se instigado a entrar no MON.

Na mais recente edição, quatro grandiosas obras foram entregues à população. São elas: a escultura "Aurum", da artista Rizza Bomfim; as "Bancas Galerias", das artistas Mavi Morais, Maria Lynch, Atransälien e Yohana Oizumi; a escultura de Avaf (Assume Vivid Astro Focus), e o "Robô Interativo" dos arquitetos Dilva e Orlando Busarello, que resgata a memória afetiva de uma Curitiba de décadas atrás, quando a obra teve longa permanência no Centro da cidade, na Praça Osório.

Elas se juntam ao conjunto de obras anteriores, que ocupa a área externa do MON e que conta com trabalhos de artistas como Gustavo Utrabo, Artur Lescher, Rômmulo Conceição, Alexandre Vogler, Narcélio Grud e Joana Vasconcelos.

Entendemos que a arte no espaço público proporciona uma variedade de atividades interativas que nem sempre uma exposição museológica possibilita. Ao criar uma área urbana voltada à cultura, o “MON sem Paredes – Arte ao Ar Livre” permite muitas outras formas de expressão da criatividade artística.

O “Semeador” propõe uma reflexão sobre a vida e a passagem do tempo, através de um percurso elevado no solo que conecta o MON ao jardim. Construído a partir da repetição modular do piso projetado por Oscar Niemeyer, o trabalho busca borrar os limites entre o construído e o natural, ao misturar sementes típicas do Paraná com o cimento.

O caminho leva o visitante à obra “Ao Redor de uma Árvore”, criação que se materializa como um gesto de cuidado. Com uma estrutura metálica envolve o caule e aproxima o visitante  da copa em um aceno de respeito. A sustentação no chão é feita por quatro pilares finos, em referência a uma fala do filósofo Ailton Krenak, que diz: pisar suavemente sobre a terra é o que se busca.

ALEXANDRE VOGLER 
Maçaranduba | Coleção do artista.

A “Maca de Guarda” convida o visitante a se deitar sobre a superfície inclinada a 40°, com o corpo voltado para o céu. A proposta dialoga com a prática lúdica de criar imagens de anjo na neve, ao abrir braços e pernas, referência que complementa o título da obra.

O termo Maleme, do vocabulário afro-brasileiro, significa súplica, misericórdia ou ajuda, dirigida aos orixás, especialmente ao orixá Xangô. A posição do corpo, com o plexo e as pernas abertos e voltados ao alto, sugere uma orientação ecumênica e divina.

- Número máximo de pessoas: 1 pessoa por vez.

NARCÉLIO GRUD
Escultura em fibra de vidro com pintura em PU e arcos em aço inox

A obra propõe ser uma escultura e mobiliário de escalada, similar aos equipamentos de lazer encontrados em áreas de recreação infantil e parques públicos. Com uma composição circular em que o raio, o diâmetro e o centro se expandem de um globo para aros entrelaçados, formando uma espécie de cosmos das rotas órbitas planetárias, convida o visitante a perceber a arte por meio de novas aproximações do público com a escultura.

- Crianças abaixo de 8 anos devem ser supervisionadas por um adulto.

- Não é permitida a utilização por pessoas com mais de 14 anos.

- Em dias quentes, a estrutura absorve o calor. Use com cautela.

JOANA VASCONCELOS 
Ferro forjado, plantas de jasmim

A escultura “Té Danzante (PA)” produzida em ferro forjado, no formato de um bule de chá, cria conexões entre o natural e o industrial. Nas grades de ferro que dão forma ao bule apresenta padrões característicos das cercas e balaustradas que podem ser observadas em diferentes paisagens urbanas e rurais. A obra assume a forma de uma escultura-árvore que dialoga com o princípio de complementaridade e simbiose entre o natural e o industrial. 

Metal, vidro, concreto e pintura automotiva policromada

3° trabalho da série ‘’Estruturas Dissipativas” Acervo Museu Oscar Niemeyer

Obra desenvolvida pelo projeto “O Pequeno Colecionador”

A obra “Estruturas Dissipativas” é composta por duas estruturas metálicas a partir de um eixo perpendicular em uma plataforma central, uma chapa de vidro com altura de 3,5 metros atravessa a plataforma e estabelece um plano falso de simetria. Produzida em ferro e concreto montada de forma a dar acesso ao público, que poderá utilizá-lo a partir de suas próprias referências e experimentações.

- Crianças abaixo de 8 anos devem estar acompanhadas de um adulto.

- Número máximo de pessoas: 2 adultos ou 3 crianças na parte aérea.

O “Giroscópico” convida o visitante a girar sobre o próprio eixo, movimentando o entorno em uma experiência ao mesmo tempo lúdica e meditativa. A obra pode ser compreendida como um recipiente para o corpo, uma espécie de “metacasa” a partir da qual se observa o mundo. O movimento circular evoca a dança e rituais espirituais associados a outros estados mentais, além de remeter às memórias da infância.

- Número máximo de pessoas: 2 adultos ou 3 crianças por vez.

Esculturas sonoras em fibra de vidro com pintura PU 

As obras da série “Sempre em Pé” combinam diferentes conceitos, a partir do brinquedo João Teimoso/Sempre em Pé. Com interações que criam movimento e experiências sonoras, ressignifica o objeto e amplia suas possibilidades de uso, criando um ambiente onde a descoberta e o brincar andam juntos.

- Cuidado ao manusear as obras, evitando atingir pessoas ao redor.

Aço carbono, aço inox, concreto e pintura policromada – esmalte sintético sobre epóxi

O “Robô Interativo” foi idealizado pelos arquitetos Dilva e Orlando Busarello. O escorregador/robô resgata o imaginário e memória afetiva do público, em uma releitura do icônico brinquedo que esteve por décadas na Praça Osório, no centro de Curitiba. Originalmente concebido em 1971, a pedido do então prefeito Jaime Lerner, o projeto tinha como objetivo oferecer uma área de lazer e convivência para crianças e famílias na região central da cidade.

- Número máximo de pessoas: 1 criança por vez na escada, 5 crianças na parte alta e 1 criança por vez em cada ‘’braço’’ do escorregador.

- Em dias quentes a estrutura absorve calor. Use com cautela.

- Não é permitido escalar na estrutura.

Robô Interativo – Memória e Resgate Afetivo – 1971 – 2025, 2025

A escultura “Aurum”, da artista mineira Rizza Bomfim, apresenta curvas reflexivas que convidam o público a circular, atravessar e interagir. A artista trabalha com interferências no ambiente, pensando suas obras como joias urbanas, que não adornam somente o corpo, mas também o espaço.


- Em dias quentes a estrutura absorve calor - Não toque.

Madeira, aço, EPS, fibra de vidro, pintura automotiva e cordas

Próximo ao Giroscópico, a obra “Afenufu vivalulu amulufu fufulufu” é uma escultura autoportante com escorregador, balanço e outros elementos para interação das crianças.

- Número máximo de pessoas: 6 crianças por vez.

- Uso destinado a crianças de 3 a 12 anos acompanhadas de um adulto.

- Não é autorizado pular, correr ou saltar da escultura.

Uma nova edição do “MON sem Paredes – Arte ao Ar Livre” acaba de ser entregue ao público. Desta vez, a área externa do Museu Oscar Niemeyer passa a abrigar mais quatro grandiosas obras: a escultura Aurum, da artista Rizza Bomfim; as Bancas Galerias, das artistas Mavi Morais, Maria Lynch, Atransälien e Yohana Oizumi; a escultura de Avaf (Assume Vivid Astro Focus), e o Robô Interativo dos arquitetos Dilva e Orlando Busarello. A curadoria é de Marc Pottier.

Exposiciones actuales

Moiré Bereguedê

Bienal Internacional de Curitiba

África, Expressões Artísticas de um Continente

MON sem Paredes – Arte ao Ar Livre

O mundo lúdico dos Mangás e Animes

Ásia: a terra, os homens, os deuses

CONHEÇA NOSSA PROGRAMAÇÃO

Recibir noticias

Museo Oscar Niemeyer

Entradas