El artista contemporáneo Eder Santos, pionero del arte multimedia enBrasil, presenta su nueva exposición en el Museo Oscar Niemeyer: lamuestra individual “De aquello que se nos escapa”.

Reconocido internacionalmente por desarrollar proyectos que fusionanartes visuales, cine, teatro, video y nuevos medios, el artista reúne 12 obras que trazan un panorama de su diversa producción, en un espacio que investiga las relaciones entre imagen, memoria, tecnología y percepción.

Su obra, al presentarse en el MON, adquiere una dimensión aún más significativa. La arquitectura de Oscar Niemeyer, conocida por su relaciónentre monumentalidad, movimiento y espacio, establece un diálogo singular con una obra que también concibe el espacio como material de creación.

La exposición transforma la Sala 11 en una propuesta de experiencias, donde imágenes y sonidos dialogan con la arquitectura e invitan al visitante a explorar la muestra de forma no lineal. Más que una retrospectiva o una colección de obras, la exposición propone un encuentro entre diferentes tiempos y lenguajes.

Fuera del museo, la videoinstalación “Iluminada” llega al público y loinvolucra en el espacio exterior. La obra fomenta un interesante diálogo entre la exposición y el proyecto “El MON sin muros: Arte al aire libre”, así como con la arquitectura del edificio.

Al combinar tecnología, memoria y sensibilidad, Eder Santos refuerza lacapacidad del arte para generar nuevas percepciones sobre lo que nos rodea y sobre lo que llevamos en nuestra esencia. De este modo, el MON invita al público a explorar este territorio de imágenes transformadoras.

A obra de Eder Santos incita-nos a retirar as lentes através das quais observamos diariamente um mundo cada vez mais monocromático para enxergarmos o que não se vê. A tecnologia fria do vídeo é metamorfoseada por um olhar sensível e por um trabalho de edição e manipulação da imagem que não se submete a nenhuma linearidade e alcança proporções vertiginosas – barravento.

Se as referências à produção cinematográfica brasileira permeiam a produção do artista de maneira perene, “Barravento Novo” é uma reverência de um dos pioneiros da arte multimídia ao Cinema Novo. Criada em colaboração com o artista nipo-estadunidense Bruce Yonemoto a partir do filme homônimo de Glauber Rocha, a videoinstalação propõe uma justaposição que confronta o passado e o presente da história brasileira, assim como as tecnologias cinematográficas. No espaço expositivo, as cenas filmadas em 35 mm pelo cineasta baiano são sobrepostas às imagens digitais em 4K do artista mineiro. Os universos de Cota e Firmino, personagens principais do filme de 1962, confluem avultados na atuação hipnotizante de Camila Pitanga, protagonista da videoinstalação de 2017, que incorpora, ao mesmo tempo, Cota e Firmino – barravento.

Esquivando-se da mimese, Eder Santos segue à risca o grito de Firmino: a independência de “Barravento Novo” transparece na virtuosística edição que acompanha a fala final de Antônio Pitanga  – homenagem ao primeiro protagonista negro do cinema brasileiro e também à estética de edição glauberiana – e ressoa no barravento que integra a paisagem sonora da obra. O détournement existente na videoinstalação preserva, entretanto, a estética e a narrativa contidas no primeiro longa-metragem de Glauber Rocha e realça alguns debates e tensões próprios do cinemanovismo brasileiro, os quais permanecem atuais na terceira década do século XXI. 

Assim como a herança cultural e religiosa africana na Bahia não se restringe a “Barravento”na obra de Glauber Rocha, a vocação transatlântica também atravessa grande parte do universo artístico de Eder Santos. A videoescultura “Oxalá” demanda-nos um tempo kairótico para desvelar paisagens evocadas pelo voo plácido do orixá e a intermitente dança das penas, convidando o espectador a uma experiência imersiva no espaço expositivo, emcontraponto à cadência cíclica e acelerada do ritmo de Xangô que coabita a galeria. 

Há ainda um vínculo estreito que une os universos de Glauber Rocha e Eder Santos. Ambos, “com câmeras nas mãos e ideias nas cabeças”, são extremamente engajados e críticos em relação à sociedade docilizada, cujo lema principal se resume às palavras “trabalhar, consumir e morrer”. Retratando a violência e a precariedade do terceiro mundo e refletindo sobre as complexas relações entre opressor e oprimido, “Barravento” foi o marco inicial de um movimento que seria fortemente censurado pela Ditadura Militar no Brasil. Dado muito significativo, “Barravento Novo” nasceu 55 anos depois, em um momento em que a democracia novamente era ameaçada e a cultura mais uma vez perseguida. E se, no filme de Glauber Rocha, Aruan aponta para o oceano Atlântico em direção à África ao gritar “Nós temos que reagir!”, a obra punk barroca de Eder Santos procura nas paisagens do nosso entorno a resposta ao grito de Firmino, recordando-nos que a arte se encontra sempre abarravento.

La primera exposición del artista de Minas Gerais, Eder Santos, en el Museo Oscar Niemeyer reúne doce videoinstalaciones y videoesculturascreadas entre 2003 y 2024. La exposición, titulada “De aquello que se nos escapa”, cuenta con la curaduría de Luiz Gustavo Carvalho. Pionero del arte multimedia en Brasil, el artista es reconocido internacionalmente por desarrollar proyectos que fusionan artes visuales, cine, teatro, video y nuevos medios. La exposición transforma la Sala 11 en un espacio de experiencias, donde imágenes y sonidos interactúan con la arquitectura e invitan al visitante a explorar la muestra de forma no lineal.

Eder Santos pertence a uma geração que encontrou no vídeo não apenas um novo suporte, mas a possibilidade de diluir os limites entre cinema, televisão e artes visuais. Um dos pioneiros da videoarte no Brasil, o artista fez da imagem eletrônica um campo permanente de experimentação, transformando-a em uma matéria capaz de ocupar os mais diversos corpos, objetos e espaços. Mais do que transitar entre linguagens e territórios distintos, sua obra parece, desde os anos 1980, interessada pelo momento em que os espaços limiares se tornam porosos.

A primeira exposição do artista mineiro no Museu Oscar Niemeyer reúne videoinstalações e videoesculturas criadas entre 2003 e 2024 em torno dessa condição movediça. Cartas, garrafas, fios, aquários e mares atravessam o espaço expositivo e instauram uma geografia fluida, na qual a fronteira deixa de ser entendida como uma linha estanque de separação para converter-se em espaço de passagem, no qual toda trajetória comporta também a possibilidade do extravio. 

Em um processo criativo que o aproxima da essência benjaminiana do brincar, Eder Santos constrói uma poética da instabilidade que refuta a transmissão de mensagens inequívocas. Entre uma margem e outra, entre um instante e o seguinte, entre aquilo que procuramos em vão reter e aquilo que inevitavelmente nos escapa, sua obra habita um interstício que se contrapõe à cadência cíclica e acelerada da contemporaneidade, exigindo-nos o gesto de permanecer, esperar e abandonar por alguns instantes a urgência da compreensão imediata. Talvez olhar uma imagem seja justamente aprender a deixá-la partir.

El Museo Oscar Niemeyer (MON) presenta la exposición del artista contemporáneo Eder Santos

El Museo Oscar Niemeyer (MON) presenta la exposición del artista contemporáneo Eder Santos, pionero del arte multimedia en Brasil. La exposición, titulada “De aquello que se nos escapa”, se inaugurará el 3 de septiembre a las 18:00 h en la Sala 11. El curador es Luiz Gustavo Carvalho.

Reconocido internacionalmente por desarrollar proyectos que fusionan artes visuales, cine, teatro, video y nuevos medios, el artista reúne en esta exposición 12 obras que trazan un panorama de su diversa producción, en un espacio que investiga las relaciones entre imagen, memoria, tecnología y percepción.

La exposición transforma la Sala 11 en un espacio de experiencias, donde imágenes y sonidos dialogan con la arquitectura e invitan a los visitantes a explorar la muestra de forma no lineal. Más que una retrospectiva o una colección de obras, la exposición propone un encuentro entre diferentes tiempos y lenguajes.

Fuera del museo, la videoinstalación “Iluminado” llega al público y lo involucra en el espacio exterior. La obra propicia un interesante diálogo entre la exposición y el proyecto “El MON sin muros – Arte al aire libre”, así como con la arquitectura del edificio.

“La primera exposición del artista de Minas Gerais en el Museo Oscar Niemeyer reúne videoinstalaciones y videoesculturas creadas entre 2003 y 2024 en torno a esta condición fluida”, explica el curador. “Letras, botellas, cables, acuarios y mares atraviesan el espacio expositivo y establecen una geografía fluida, en la que la frontera deja de entenderse como una línea divisoria infranqueable para convertirse en un espacio de paso, donde cada trayectoria incluye también la posibilidad de perderse”, afirma Carvalho.

Nacido en Belo Horizonte (MG), Eder Santos es reconocido como uno de los pioneros del arte multimedia en Brasil. Activo desde la década de 1980, su trayectoria está estrechamente ligada al surgimiento del videoarte en el país y a la incorporación de los medios audiovisuales como lenguaje central en las artes visuales.

Su obra forma parte de las colecciones de instituciones como el MoMA(Nueva York), el Centro Pompidou (París), el Museo de Arte Moderno de São Paulo, el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro y la Colección Cultural de Itaú, entre otras. Ha participado en bienales y festivales nacionales e internacionales, como el Festival Videobrasil, la Bienal de São Paulo y el Festival Mundial de Video (Ámsterdam). Paralelamente a su producción en artes visuales, ha desarrollado una premiada trayectoria cinematográfica con cortometrajes, largometrajes y series de televisión.

De aquello que se nos escapa

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“Vitrina, joyas de oro, me giré hacia 
el otro lado. 
Descubrí que mi tesoro estaba en labasura 
reciclada.”

Efigênia Rolim es la protagonista de la primera exposición de homenaje a artistas de la colección, organizada por el Museo Oscar Niemeyer en el espacio ubicado al final del túnel, en el sótano. A partir del 3 de septiembre, el público podrá visitar la exposición “Efigênia Rolim: La poética del desecho”, que reúne esculturas pertenecientes a la colección permanente del MON, como “Guinea y las tres Marías”, “El carro va con caballeros y angelitos” y “Chamán (instrumento musical)”, además de un video sobre la artista.

La obra de Efigênia Rolim surge de gestos sencillos e íntimos y de un ritual empírico y persistente de reorganización del mundo a partir de lo desechado.

Nacida en Minas Gerais, la artista y narradora se hizo conocida en Curitiba tras mudarse a lacapital de Paraná, donde comenzó a producir y la integró a su vida cotidiana y a su escenaartística.

Efigênia solía decir que cuando veía un envoltorio de caramelo brillando al sol en la calle, quedaba encantada por esa sencilla belleza, vislumbrando en el papel infinitas posibilidadesde creación.

A lo largo de las décadas, la artista ha construido un lenguaje único que transforma losdesechos —papel, plástico, fragmentos de la vida cotidiana— en composiciones vibrantes, donde el color, el ritmo y la repetición se convierten en formas de resistencia y reinvención.

Lejos de cualquier jerarquía entre materiales “nobles” y “ordinarios”, Efigênia afirma una estética de la supervivencia, en la que cada elemento porta memoria, tiempo y posibilidad. Sus obras revelan no solo un refinamiento formal —visible en la meticulosa organización de las superficies— sino también un principio ético: el rechazo al desecho como rechazo al olvido.

Esta exposición de homenaje, compuesta por obras de la colección del Museo Oscar Niemeyer, propone un encuentro con el poder de su práctica artística. Al reunir un pequeñoconjunto de obras, la exposición invita a la mirada a detenerse. Cada pieza, en su densidad, se expande más allá de sus límites físicos, sugiriendo narrativas que transitan por lo cotidiano, laprecariedad y la imaginación. En su obra, existe una dimensión casi musical: patrones que se repiten y varían, creando una cadencia única, a la vez rigurosa e intuitiva. Celebrar la obra de Efigênia Rolim es reconocer una trayectoria que desafía los límites entre el arte y la vida. Aquí, lo que permanece se reinventa y, al reinventarse, insiste en permanecer.

Escultura de madera con adornos de diversos materiales reciclados
80 x 40 x 9 cm
Colección del Museo Oscar Niemeyer - Obra adquirida mediante el programa Sou Patrono 2018

Escultura de madera con adornos de materiales reciclados
30 x 30 x 40 cm
Colección del Museo Oscar Niemeyer - Obra adquirida mediante el programa Sou Patrono 2018

Vai o carrinho com cavaleiros e anjinhos, 2017

El Museo Oscar Niemeyer (MON) lleva a cabo su primera exposición en homenaje a la artista Efigênia Rolim. 

El Museo Oscar Niemeyer (MON) presenta su primera exposición en homenaje a artistas que forman parte de la colección del MON. El nuevoespacio, ubicado al final del túnel, se inaugurará el 3 de septiembre con la exposición “Efigênia Rolim: La poética del desecho”.

La exposición reúne esculturas de la colección permanente del MON, como “Guinea y las tres Marías”, “Va el carro con caballeros y angelitos” y “Chamán (instrumento musical)”, además de un video sobre la artista.

Nacida en Minas Gerais en 1931, la artista y narradora se dio a conocer enCuritiba tras mudarse a la capital de Paraná, que la acogió y la integró a suvida cotidiana y a su escena artística. Efigênia Rolim falleció en marzo de 2026.

Su obra surge de gestos sencillos e íntimos y de un ritual empírico y persistente de reorganización del mundo a partir de lo desechado. Efigênia solía contar que, al ver un envoltorio de caramelo en la calle brillando al sol, quedaba cautivada por esa sencilla belleza, vislumbrando en el papel infinitas posibilidades creativas.

A lo largo de décadas, la artista construyó un lenguaje único que transforma los desechos —papeles, plásticos, fragmentos de la vida cotidiana— encomposiciones vibrantes, donde el color, el ritmo y la repetición se convierten en formas de resistencia y reinvención.

Lejos de cualquier jerarquía entre materiales ‘nobles’ y ‘ordinarios’, Efigênia afirma una estética de la supervivencia, en la que cada elemento porta memoria, tiempo y posibilidad. Sus obras revelan no solo unrefinamiento formal —visible en la meticulosa organización de lassuperficies— sino también un principio ético: el rechazo al desecho como rechazo al olvido.

Esta exposición de homenaje propone un encuentro con el poder de su obra artística. Al reunir una pequeña colección de obras, la exposición invita al espectador a detenerse. Cada pieza, en su densidad, se expande más allá de sus límites físicos, sugiriendo narrativas que transitan por lo cotidiano, laprecariedad y la imaginación. Su producción posee una dimensión casimusical: patrones que se repiten y varían, creando una cadencia única, a lavez rigurosa e intuitiva.

Celebrar a Efigênia Rolim es reconocer una trayectoria que desafía loslímites entre el arte y la vida. Aquí, lo que permanece se reinventa y, al reinventarse, insiste en permanecer.

La poética del desecho

Más que una exposición, “El reverso de la página contiene la otra cara”, de la artista brasileña Juliana Stein, presentada en el Museo Oscar Niemeyer, ofrece a los visitantes una experiencia de lectura y reflexión. Docentes, estudiantes, personas mayores de 60 años y el público en general serán invitados a reflexionar sobre la idea de la vida como un libro: para continuar, es necesario retomar la lectura constantemente. La exposición también inaugura un nuevo espacio expositivo, la Sala 12, junto al túnel, en el sótano del MON.

Más que una exposición, “El reverso de la página contiene la otra cara”, de la artista Juliana Stein, presentada en el Museo Oscar Niemeyer (MON), propone al visitante una experiencia de lectura y experiencias compartidas. Docentes, estudiantes, personas mayores de 60 años y el público en general serán invitados a reflexionar sobre la idea de la vida como un libro: para continuar, es necesario retomar la lectura constantemente.

 La exposición también inaugura un nuevo espacio expositivo, la Sala 12, ubicada junto a uno de los entornos más emblemáticos del MON: el icónico túnel que conecta el edificio principal con el Ojo. Más que una nueva sala, este espacio nace como un lugar de posibilidades, diseñado para acoger diferentes narrativas, lenguajes artísticos y experiencias culturales.

 En el museo de arte más grande de Latinoamérica, donde la arquitectura ya forma parte de la experiencia del visitante, el nuevo espacio amplía las formas en que las obras, los artistas y el público interactúan. Su ubicación privilegiada, en un punto de gran afluencia de público, transforma el recorrido por el Museo en una nueva oportunidad para el descubrimiento, convirtiendo el arte en una invitación constante a observar, reflexionar y dejarse cautivar.

 La inauguración de esta sala representa un paso más en la misión del MON de ofrecer espacios dinámicos y acogedores para la producción artística contemporánea, valorando la diversidad de expresiones y promoviendo nuevas conexiones entre la colección, las exposiciones temporales y sus visitantes.

 Bienvenidos a este nuevo capítulo en la historia del Museo Oscar Niemeyer. Este es otro espacio que amplía horizontes, inspira encuentros y reafirma el compromiso del MON con el arte, la arquitectura y la cultura.

Nueva sala de exposiciones en el MON con la artista Juliana Stein

 El Museo Oscar Niemeyer (MON) inaugurará una nueva sala de exposiciones el 6 de agosto con la muestra “El reverso de la página contiene la otra cara”, de la artista Juliana Stein. Se trata de la Sala 12, ubicada junto a la entrada del túnel en el sótano.

 La exposición se basa en el libro de artista homónimo y propone una experiencia de lectura y vivencia para el visitante. Se invita a docentes, estudiantes, personas mayores de 60 años y al público en general a reflexionar sobre la idea de la vida como un libro: para continuar, es necesario volver siempre a la lectura.

 Más que un simple espacio de exposición, la nueva sala se abre como un lugar de posibilidades, diseñado para acoger diferentes narrativas, lenguajes artísticos y experiencias culturales.

Juliana Stein nació en Passo Fundo (RS), se graduó en Psicología por la UFPR en 1992 y vivió dos años en Florencia y Venecia para estudiar historia del arte, técnica de acuarela y dibujo. Desde finales de la década de 1990, se ha dedicado a la fotografía, consolidando una sólida trayectoria en Brasil y en el extranjero. Ha participado en la 55.ª Bienal Internacional de Venecia y en la 29.ª Bienal de São Paulo, además de exponer en la Galería Crone de Berlín, la Galería ShangART de Shanghái y el Carreau du Temple de París.

 Sus obras han formado parte de otras exposiciones en el Museo, como “No está claro hasta que anochece”, en 2017, y “Afinidades II – ¡Ellas!”, en 2022.

Exposición “El reverso de la página contiene la otra cara”, de la artista Juliana Stein.
Sala 12
A partir del 6 de agosto
www.museuoscarniemeyer.org.br

El reverso de la página contiene la otra cara

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Adriana Almada, Tereza de Arruda, Ferran Barenblit, Margarida Saraiva, Windy Lv, Xiao Ge, Massimo Scaringella, Antonella Pisilli, Royce W. Smith

Mais uma vez, o maior museu de arte da América Latina abre as portas para abrigar a Bienal Internacional de Curitiba, que chega a sua 16ª edição e tem o Museu Oscar Niemeyer como a sua principal sede. Esta edição do evento se propõe a discutir temas relevantes atuais, como os limites da tecnologia em nossas vidas e as fronteiras entre o físico e o digital, apresentando a arte como espaço de pausa e reflexão.

Importantes artistas de diversos países e continentes compartilham suas formas de ver o mundo contemporâneo em instigantes mostras que acontecem simultaneamente em vários espaços do MON.

Mais uma vez, o maior museu de arte da América Latina abre as portas para abrigar a Bienal Internacional de Curitiba, que chega a sua 16ª ediçãoe tem o Museu Oscar Niemeyer como a sua principal sede. Esta edição do evento se propõe a discutir temas relevantes atuais, como os limites da tecnologia em nossas vidas e as fronteiras entre o físico e o digital, apresentando a arte como espaço de pausa e reflexão.

Importantes artistas de diversos países e continentes compartilham suas formas de ver o mundo contemporâneo em instigantes mostras que acontecem simultaneamente. Um dos destaques é a artista japonesa Chiharu Shiota, que tão bem aborda os espaços entre presença e ausência, memória e imaginação, corpo e arquitetura. 

Para o icônico Olho do MON ela propõe um conjunto de instalações inéditas concebidas especialmente para o local, transformando-o em uma experiência imersiva. Milhares de autorretratos enviados pelo público por cartas, ao serem pendurados, formam uma rede física, na qual os visitantes se deparam com tal paradoxo.

Sua poderosa obra, assim como de outros artistas asiáticos que participam da Bienal, também fazem um diálogo com a coleção daquele continente que pertence ao MON. Se o acervo é a alma do museu, o maior desafio de uma instituição é mantê-lo vivo, atuante, em permanente troca com o público. Entendemos que parte das obras apresentadas pela Bienal, que retrata diversas culturas do continente asiático, encontra eco em nossaimensa e significativa coleção de arte asiática.  

O visitante perceberá que existe um objetivo comum entre MON e Bienal: o de extrapolar paredes e fronteiras, sejam elas de espaço, tempo ou materialidade. Desta forma, temos aqui uma oportunidade única.

Mais uma vez, o maior museu de arte da América Latina abre as portas para abrigar a Bienal Internacional de Curitiba, que chega a sua 16ª edição e tem o Museu Oscar Niemeyer como a sua principal sede. Esta edição do evento se propõe a discutir temas relevantes atuais, como os limites da tecnologia em nossas vidas e as fronteiras entre o físico e o digital, apresentando a arte como espaço de pausa e reflexão.
Importantes artistas de diversos países e continentes compartilham suas formas de ver o mundo contemporâneo em instigantes mostras que acontecem simultaneamente em vários espaços do MON.

Mais uma vez, o MON se torna a principal sede da Bienal de Curitiba 

Com três décadas de história, a Bienal Internacional de Curitiba abre ao público, no dia 14 de junho, a sua 16ª edição no Museu Oscar Niemeyer e em diversos espaços culturais da cidade, reunindo mais de 300 artistas, de 38 países, dos cinco continentes em uma ampla programação de exposições, instalações, performances e ações urbanas. Com o tema “LIMIARES”, sob curadoria de Adriana Almada e Tereza de Arruda, a Bienal propõe reflexões sobre as transformações do mundo contemporâneo e os limites cada vez mais fluidos entre o humano e o tecnológico, o natural e o artificial, o físico e o digital. 

“Mais do que um conceito, LIMIARES é uma atitude curatorial: habitar a fronteira, permanecer no entre, criar a partir da incerteza, gerando novos caminhos”, afirmam as curadoras Adriana Almada e Tereza de Arruda.

Reconhecida como uma das principais plataformas de arte contemporânea da América Latina, a Bienal reafirma nesta edição seu papel como espaço de intercâmbio internacional, experimentação estética e reflexão crítica sobre o presente. A programação segue até 15 de novembro de 2026 e reúne artistas, pesquisadores, cientistas e estudantes em projetos que articulam pintura, instalação, performance, inteligência artificial, videoarte, fotografia, arte sonora e experiências em realidade aumentada.

O principal núcleo expositivo da Bienal acontece no Museu Oscar Niemeyer (MON), parceiro histórico da mostra e espaço indissociável de sua trajetória. A Bienal ocupará o Olho, a Torre, a Rampa, cinco salas expositivas e entressalas, aprofundando uma relação construída ao longo de mais de duas décadas e marcada por exposições emblemáticas da arte contemporânea internacional

Ao longo de sua história, o MON recebeu momentos marcantes da Bienal, como a performance de Marina Abramović em 2009; a grande mostra de arte cinética de Julio Le Parc no Olho, em 2015; a exposição coletiva de artistas chineses em 2017; e a apresentação da icônica escultura “Spider”, da franco-americana Louise Bourgeois, em 2019.

Mais uma vez, o maior museu de arte da América Latina abre as portas para abrigar a Bienal Internacional de Curitiba, que chega a sua 16ª edição e tem o Museu Oscar Niemeyer como a sua principal sede.

O grande destaque desta edição será a exposição “Poéticas da Memória e da Matéria”, com curadoria de Tereza de Arruda e protagonizada por Chiharu Shiota, um dos nomes mais relevantes da arte contemporânea mundial. Reconhecida por suas instalações imersivas construídas a partir de fios, objetos cotidianos e arquiteturas emocionais, a artista ocupará o Olho e os espaços Araucária 1 e Araucária 2 do MON com quatro obras inéditas e site-specific concebidas especialmente para Curitiba. A instalação principal utilizará cerca de 300 quilômetros de fios - distância equivalente ao trajeto entre Curitiba e Florianópolis - tornando-se a maior instalação site-specific da artista já realizada na América do Sul. 

Sua poderosa obra, assim como de outros artistas asiáticos que participam da Bienal, também fazem um diálogo com a coleção daquele continente que pertence ao MON.

A Bienal realizou uma chamada pública internacional para integrar cartas, desenhos e relatos pessoais enviados pelo público à obra de Shiota, ação que já mobilizou centenas de participantes. Em diálogo com a poética da artista japonesa radicada em Berlim, a Torre do MON reunirá obras de artistas brasileiros como Iêda Jardim, André Azevedo, Evandro Soares, James Kudo, Luiz Mauro e Marina Camargo.

Destaca-se também em LIMIARES o renomado artista espanhol Max Esteban, cuja produção artística se debruça na crítica da condição humana frente à tecnologia por meio da fotografia e da videoarte. Outro artista contemporâneo que se revelará ao público no MON é o chinês Xia Hang, reconhecido por suas esculturas mecânicas interativas feitas de aço inoxidável polido, que misturam a estética cyberpunk com o conceito lúdico de "brinquedos para adultos". 

O texto curatorial da 16ªBienal é assinado por Adriana Almada e Tereza de Arruda. A edição está estruturada a partir de diferentes eixos curatoriais, desenvolvidos por uma equipe internacional de curadores convidados que articulam núcleos expositivos próprios, muitas vezes conectados entre si por aproximações conceituais, territoriais e tecnológicas.

Crítica de arte, escritora e editora argentina radicada no Paraguai, Adriana Almada é reconhecida por sua forte atuação na investigação da arte contemporânea latino-americana. Ex-vice-presidente da Associação Internacional de Críticos de Arte (AICA), em Paris, foi condecorada pelo Governo da França com a Ordem das Artes e Letras. Dividindo a direção curatorial da Bienal, a historiadora da arte brasileira Tereza de Arruda traz a experiência de quem transita entre São Paulo e Berlim desde 1989, com projetos consolidados na Europa, Ásia e Américas e atuação junto à Bienal de Havana.

Entre os curadores convidados está o hispano-argentino Ferran Barenblit, conhecido internacionalmente por discutir o papel político e social das instituições culturais. Ex-diretor do MACBA, em Barcelona, Barenblitdivide com Adriana Almada a curadoria da exposição “Cartografia Provisória”, do artista espanhol Max Esteban, no MON. 

A conexão com a produção asiática contemporânea se estabelece com as curadoras chinesas Xiao Ge e Windy Lv, que trazem à Bienal um olhar marcado pelo rigor histórico e conceitual. No MON, propõem reflexões sobre meio ambiente, temporalidade e as transformações da experiência contemporânea a partir do diálogo entre arte, tecnologia e cultura visual do leste asiático.

Com passagem pela Bienal del Fin del Mundo (Argentina) e reconhecido por descobrir e impulsionar novos talentos das gerações emergentes, o italiano Massimo Scaringella assina a curadoria do eixo “Rifrações” ao lado de Antonella Pisilli. A mostra de videoarte reúne artistas mulheres da Guiana Francesa, África e Albânia.

Já o norte-americano Royce W. Smith, atual reitor do College of the Artsda California State University, Long Beach, assina o eixo “Camuflagens”, investigação coletiva sobre percepção, tecnologia, ocultamento e construção da realidade contemporânea.

Além do MON, a programação ocupa mais de dez instituições culturais em Curitiba. Entre elas o Museu Paranaense (MUPA), o Museu da Imagem e do Som do Paraná (MIS-PR), o Museu Alfredo Andersen, o Museu da Fotografia, o Museu da Gravura – Memorial de Curitiba, o Museu de Arte Indígena e o Museu Municipal de Arte (MuMA).

Essa presença urbana, antecipada pela Curitiba Art Week e pelo Circuito Universitário da Bienal de Curitiba (CUBIC5), também se manifesta no sistema de transporte público de Curitiba, referência internacional em mobilidade urbana. A Bienal promoverá ativações em 22 terminais de ônibus, 300 paradas urbanas e mais de 1.000 ônibus da cidade. Durante toda a programação, até 15 de novembro, obras de videoarte com curadoria de Flavio de Carvalho serão exibidas nas TVs do sistema integrado, enquanto ações em realidade aumentada ocuparão terminais e estações-tubo. Essa programação começa no dia 16 de julho.

A 16ª Bienal Internacional de Curitiba é realizada pelo Ministério da Cultura, Governo Federal - Do lado do povo brasileiro, MON, MAC Paraná e Paraná Festival - Secretaria de Estado da Cultura (SEEC) - Governo do Paraná. Apoio: Fundação Cultural de Curitiba (FCC) - Prefeitura de Curitiba. 

Acompanhe pelos sites www.16bienaldecuritiba.org, www.curitibaartweek.com e pelas redes sociais no Instagram @bienaldecuritiba @cubic.bienal e @curitibaartweek, no Facebook@bienaldecuritiba, no Linkedin @bienaldecuritiba e no TikTok@bienaldecuritiba

16ª Bienal Internacional de Curitiba

Ao realizar uma nova edição do “MON sem Paredes – Arte ao Ar Livre” o Museu Oscar Niemeyer cada vez mais utiliza a sua área externa como uma grande área de convivência voltada à arte – um presente à população.

Em consonância com o movimento da cidade de oferecer mais atrativos na região central, transformamos o entorno do Museu num amplo espaço cultural. Dessa forma, alcançamos cada vez mais pessoas, sejam moradores ou visitantes, fazendo com que a região respire arte.

Democrático e inclusivo, o projeto – inaugurado em 2024 – rompeu o limite físico das paredes do Museu e abraçou a população. A iniciativa se transformou num convite permanente para que o público externo se inspire e sinta-se instigado a entrar no MON.

Na mais recente edição, quatro grandiosas obras foram entregues à população. São elas: a escultura "Aurum", da artista Rizza Bomfim; as "Bancas Galerias", das artistas Mavi Morais, Maria Lynch, Atransälien e Yohana Oizumi; a escultura de Avaf (Assume Vivid Astro Focus), e o "Robô Interativo" dos arquitetos Dilva e Orlando Busarello, que resgata a memória afetiva de uma Curitiba de décadas atrás, quando a obra teve longa permanência no Centro da cidade, na Praça Osório.

Elas se juntam ao conjunto de obras anteriores, que ocupa a área externa do MON e que conta com trabalhos de artistas como Gustavo Utrabo, Artur Lescher, Rômmulo Conceição, Alexandre Vogler, Narcélio Grud e Joana Vasconcelos.

Entendemos que a arte no espaço público proporciona uma variedade de atividades interativas que nem sempre uma exposição museológica possibilita. Ao criar uma área urbana voltada à cultura, o “MON sem Paredes – Arte ao Ar Livre” permite muitas outras formas de expressão da criatividade artística.

O “Semeador” propõe uma reflexão sobre a vida e a passagem do tempo, através de um percurso elevado no solo que conecta o MON ao jardim. Construído a partir da repetição modular do piso projetado por Oscar Niemeyer, o trabalho busca borrar os limites entre o construído e o natural, ao misturar sementes típicas do Paraná com o cimento.

O caminho leva o visitante à obra “Ao Redor de uma Árvore”, criação que se materializa como um gesto de cuidado. Com uma estrutura metálica envolve o caule e aproxima o visitante  da copa em um aceno de respeito. A sustentação no chão é feita por quatro pilares finos, em referência a uma fala do filósofo Ailton Krenak, que diz: pisar suavemente sobre a terra é o que se busca.

ALEXANDRE VOGLER 
Maçaranduba | Coleção do artista.

A “Maca de Guarda” convida o visitante a se deitar sobre a superfície inclinada a 40°, com o corpo voltado para o céu. A proposta dialoga com a prática lúdica de criar imagens de anjo na neve, ao abrir braços e pernas, referência que complementa o título da obra.

O termo Maleme, do vocabulário afro-brasileiro, significa súplica, misericórdia ou ajuda, dirigida aos orixás, especialmente ao orixá Xangô. A posição do corpo, com o plexo e as pernas abertos e voltados ao alto, sugere uma orientação ecumênica e divina.

- Número máximo de pessoas: 1 pessoa por vez.

NARCÉLIO GRUD
Escultura em fibra de vidro com pintura em PU e arcos em aço inox

A obra propõe ser uma escultura e mobiliário de escalada, similar aos equipamentos de lazer encontrados em áreas de recreação infantil e parques públicos. Com uma composição circular em que o raio, o diâmetro e o centro se expandem de um globo para aros entrelaçados, formando uma espécie de cosmos das rotas órbitas planetárias, convida o visitante a perceber a arte por meio de novas aproximações do público com a escultura.

- Crianças abaixo de 8 anos devem ser supervisionadas por um adulto.

- Não é permitida a utilização por pessoas com mais de 14 anos.

- Em dias quentes, a estrutura absorve o calor. Use com cautela.

JOANA VASCONCELOS 
Ferro forjado, plantas de jasmim

A escultura “Té Danzante (PA)” produzida em ferro forjado, no formato de um bule de chá, cria conexões entre o natural e o industrial. Nas grades de ferro que dão forma ao bule apresenta padrões característicos das cercas e balaustradas que podem ser observadas em diferentes paisagens urbanas e rurais. A obra assume a forma de uma escultura-árvore que dialoga com o princípio de complementaridade e simbiose entre o natural e o industrial. 

Metal, vidro, concreto e pintura automotiva policromada

3° trabalho da série ‘’Estruturas Dissipativas” Acervo Museu Oscar Niemeyer

Obra desenvolvida pelo projeto “O Pequeno Colecionador”

A obra “Estruturas Dissipativas” é composta por duas estruturas metálicas a partir de um eixo perpendicular em uma plataforma central, uma chapa de vidro com altura de 3,5 metros atravessa a plataforma e estabelece um plano falso de simetria. Produzida em ferro e concreto montada de forma a dar acesso ao público, que poderá utilizá-lo a partir de suas próprias referências e experimentações.

- Crianças abaixo de 8 anos devem estar acompanhadas de um adulto.

- Número máximo de pessoas: 2 adultos ou 3 crianças na parte aérea.

O “Giroscópico” convida o visitante a girar sobre o próprio eixo, movimentando o entorno em uma experiência ao mesmo tempo lúdica e meditativa. A obra pode ser compreendida como um recipiente para o corpo, uma espécie de “metacasa” a partir da qual se observa o mundo. O movimento circular evoca a dança e rituais espirituais associados a outros estados mentais, além de remeter às memórias da infância.

- Número máximo de pessoas: 2 adultos ou 3 crianças por vez.

Esculturas sonoras em fibra de vidro com pintura PU 

As obras da série “Sempre em Pé” combinam diferentes conceitos, a partir do brinquedo João Teimoso/Sempre em Pé. Com interações que criam movimento e experiências sonoras, ressignifica o objeto e amplia suas possibilidades de uso, criando um ambiente onde a descoberta e o brincar andam juntos.

- Cuidado ao manusear as obras, evitando atingir pessoas ao redor.

Aço carbono, aço inox, concreto e pintura policromada – esmalte sintético sobre epóxi

O “Robô Interativo” foi idealizado pelos arquitetos Dilva e Orlando Busarello. O escorregador/robô resgata o imaginário e memória afetiva do público, em uma releitura do icônico brinquedo que esteve por décadas na Praça Osório, no centro de Curitiba. Originalmente concebido em 1971, a pedido do então prefeito Jaime Lerner, o projeto tinha como objetivo oferecer uma área de lazer e convivência para crianças e famílias na região central da cidade.

- Número máximo de pessoas: 1 criança por vez na escada, 5 crianças na parte alta e 1 criança por vez em cada ‘’braço’’ do escorregador.

- Em dias quentes a estrutura absorve calor. Use com cautela.

- Não é permitido escalar na estrutura.

Robô Interativo – Memória e Resgate Afetivo – 1971 – 2025, 2025

A escultura “Aurum”, da artista mineira Rizza Bomfim, apresenta curvas reflexivas que convidam o público a circular, atravessar e interagir. A artista trabalha com interferências no ambiente, pensando suas obras como joias urbanas, que não adornam somente o corpo, mas também o espaço.


- Em dias quentes a estrutura absorve calor - Não toque.

Madeira, aço, EPS, fibra de vidro, pintura automotiva e cordas

Próximo ao Giroscópico, a obra “Afenufu vivalulu amulufu fufulufu” é uma escultura autoportante com escorregador, balanço e outros elementos para interação das crianças.

- Número máximo de pessoas: 6 crianças por vez.

- Uso destinado a crianças de 3 a 12 anos acompanhadas de um adulto.

- Não é autorizado pular, correr ou saltar da escultura.

Com a proposta de reconstruir um saber histórico entre imagem e observador, o letreiro em neon, “Plas Ayiti”, ilumina a noite e se destaca na paisagem urbana, momento em que, simbolicamente, as diferenças parecem se apagar. A obra aborda as relações entre corpo e lugar, entre habitar e existir em paisagens em constante fluxo. A instalação foi realizada inicialmente para a Praça Tiradentes em Curitiba, fixada no topo do edifício Nossa Senhora da Luz, o projeto neon contextualiza a presença dos imigrantes haitianos em Curitiba, que de 2012 a 2014, definiram a praça como um ponto de encontro e a ela deram o nome em seu idioma.

A instalação “Passagem”, do artista argentino radicado no Brasil, Alfi Vivern, evoca um trecho do seu conterrâneo, o escritor Jorge Luis Borges, ao dizer que “não sabemos nada, mas podemos imaginar que há uma aventura além da morte.”

Com cerca de 5,2 metros de altura, a obra do artista Sergius Erdelyi chama a atenção pelo tamanho. É construída cuidadosamente em madeira, a partir da Araucaria angustifolia. Você já viu uma cadeira em proporções tão diferentes? 

A “Cadeira do Mestre” (sem data) está localizada no gramado, ao lado do acesso ao estacionamento dos fundos. A escultura instiga a imaginação a criar novas narrativas para esse item do cotidiano. 

Sergius Erdelyi (1919-2015) nasceu na cidade de Novi Sad, hoje Sérvia. Foi inventor, empresário, ecologista, filantropo e artista. Seus trabalhos artísticos envolvem esculturas, pinturas, tapeçarias e vitrais.

O que é esta “árvore industrial”? A obra “Palmeira” (2007) integra a série “In Natura”, composta por 37 esculturas em forma de árvores, criadas pela artista a partir de chapas de metal cortadas a laser. O conjunto esteve exposto em 2007 no MON. Nessa série, Elizabeth Titton une arte e indústria, garantindo precisão, qualidade e novas possibilidades para a escultura.

Com obras em bronze, vidro e aço enferrujado e policromado, cada escultura alia a arte à indústria, com o objetivo de criar um contraponto entre o processo industrial e a intenção de obra de arte. A criação resulta em uma peça durável e que reflete a preocupação da artista com o acesso público à arte.

As obras evocam as memórias afetivas da artista e marcam o desenvolvimento de suas experiências com a escultura desde a década de 1970. 

Elizabeth Titton nasceu em São Paulo (SP), em 1949, e mudou-se para Curitiba em 1957. É graduada em Administração de Empresas pela Universidade Federal do Paraná (UFPR), formada em Pintura pela Escola de Música e Belas Artes do Paraná, em 1982, onde também foi professora de 1990 a 2006. É Mestre em Educação pela UFPR (2000).

“Não Pare de Olhar” faz parte da série “Não Pare Sobre os Olhos”, realizada pela artista Eliane Prolik entre 2003 e 2004. Apropriando-se de placas de sinalização urbana, a artista estimula a reflexão sobre diversos temas pertinentes à civilização, como liberdade, condicionamento, automatismo, alienação, informação e comunicação. “Não Pare de Olhar”, em específico, é um convite para que se leia, mas que ao fazê-lo “não pare sobre os olhos”, ou seja, perceba o que está além do visível.

Eliane Prolik, nascida em Curitiba, em 1960, é graduada em Pintura, com especialização em História da Arte do século XX, pela Escola de Música e Belas Artes do Paraná (EMBAP).

A escultura “Pássaro Rocca” (2004), do artista pernambucano Francisco Brennand, é inspirada pelos contos “Simbá, o Marujo” e “Abd al-Rahman, a História do Rocca do Magrebe”, da coleção “As Mil e Uma Noites”.

O animal, que na escultura tem forma sinuosa que se prolonga dos ninhos, é apresentado nas narrativas como um ser gigante, capaz de levantar um elefante, que protege a sua região de invasores. O explorador veneziano Marco Polo também mencionou a ave em seus escritos e acredita-se que o, agora extinto, Aepyornis (ave-elefante) serviu de referência para essa espécie mitológica.

Além do Museu, outras versões da peça de cerâmica vitrificada podem ser encontradas na Oficina Francisco Brennand, em estações de metrô em São Paulo e em prédios do Recife.

Francisco Brennand (1927-2019) nasceu em Recife (PE) e iniciou sua formação artística em 1942, ao receber de Abelardo da Hora (1924-2014) aulas de modelagem. Em 1971, Brennand começou a restaurar uma velha olaria de propriedade paterna, próxima a Recife, transformando-a em atelier e local permanente de exposição, a Oficina Francisco Brennand.

A escultura do artista pernambucano Francisco Brennand é um dos destaques no espelho d'água do MON. Produzida com cerâmica vitrificada e com cerca de 4 metros de comprimento e 2 metros de altura, a obra já foi exposta no gramado, no espelho d’água e na área interna e faz parte do acervo do Museu. 

Francisco Brennand (1927–2019) começou na pintura, mas foi por influência paterna que ele conheceu a cerâmica. O processo criativo da cerâmica é minucioso, sendo a queima uma das etapas cruciais para a forma das esculturas, em uma relação íntima de criação. Suas peças, como a “Serpente”, assumem espécies de “guardas" de sua “cidadelas”, marcando presença tanto no MON quanto na Oficina Francisco Brennand, no Recife, e outros lugares pelo Brasil.

A instalação do artista cearense Eduardo Frota reúne sete peças de 2,84 metros de altura. Além de provocar a curiosidade, as obras convidam o visitante a experimentar os sentidos, entre os vazios e o ritmo cíclico. As estruturas são compostas por anéis de compensado de madeira, unidos por cola e pinos.

Os “Cones” revelam contrastes de tamanho e formas, são construídos com anéis de compensado de madeira, unidos por cola e pinos. De longe, parecem leves e pequenos, porém, ao se aproximar é possível perceber a monumentalidade nos detalhes. 

Eduardo Frota nasceu em Fortaleza (CE), em 1959. Mudou-se para o Rio de Janeiro em 1978; nessa cidade iniciou seus estudos de arte frequentando a Escolinha de Arte do Brasil e a Oficina do Corpo de Artes Visuais do Parque Lage. Em 1986 licenciou-se em Educação Artística pelas Faculdades Integradas Bennet. Dedica-se à escultura em grande escala, como cones e carretéis realizados com madeira. Vive e trabalha em Fortaleza.

“Interferência Ecológica” faz parte de uma série de esculturas iniciada pelo artista Elvo Benito Damo na década de 1970 que tinham como suporte a madeira, o ferro e o cimento. Essas esculturas representavam uma crítica contra o desmatamento e a destruição da natureza.

Desde sua invenção, há mais de cinco mil anos, a roda simboliza o progresso Nesta obra, no entanto, simboliza, o embate entre a madeira e o metal, as consequências desse progresso. 

A escultura foi realizada em 1985, a convite do arquiteto paulistano Roberto Luiz Gandolfi, para compor a fachada do Edifício Citibank (1984), permanecendo no local até 2019.

Elvo Benito Damo nasceu em Caçador (SC), em 1948. Após se mudar para Curitiba em 1971, formou-se em Pintura e Licenciatura em Desenho pela Escola de Música e Belas Artes do Paraná e foi aluno de Francisco Stockinger (1919-2009). Está à frente do Atelier Livre de Escultura da Fundação Cultural de Curitiba desde 1976. Suas obras também podem ser vistas em espaços públicos de Curitiba (PR) como as esculturas do Cacique Tindiquera, no Parque Tingui e em frente à Catedral de Curitiba, e o Monumento ao Centenário da Imigração Italiana, em Santa Felicidade

Alexandre Vogler , Artur Lescher , ATRANSÄLIEN, AVAF, Gustavo Utrabo , Narcélio Grud , Maria Lynch, Mavi Morais, Orlando Busarello, Rizza, Rommulo Conceição  e Yohana Oizumi

Uma nova edição do “MON sem Paredes – Arte ao Ar Livre” acaba de ser entregue ao público. Desta vez, a área externa do Museu Oscar Niemeyer passa a abrigar mais quatro grandiosas obras: a escultura Aurum, da artista Rizza Bomfim; as Bancas Galerias, das artistas Mavi Morais, Maria Lynch, Atransälien e Yohana Oizumi; a escultura de Avaf (Assume Vivid Astro Focus), e o Robô Interativo dos arquitetos Dilva e Orlando Busarello. A curadoria é de Marc Pottier.

Mais do que nunca, a arte no espaço público se destaca como uma das melhores maneiras de levar arte ao público. Convidar artistas para criar obras, instalações ou esculturas utilizando os espaços dos jardins, parques e praças também permite uma variedade de atividades interativas que nem sempre uma exposição museológica permite.

O MON sempre buscou para ampliar seu público e oferecer muitas propostas que possam fazer com que os curitibanos e paranaenses se apropriem do “seu” Museu. Por isso foi criado o importante projeto “MON sem Paredes – Arte ao Ar Livre”.

Desde a criação do projeto, o Museu Oscar Niemeyer já aproximou o visitante de artistas como Gustavo Utrabo, Mariana Palma, Artur Lescher, Rômmulo Conceição, Alexandre Vogler, Narcélio Grud, Joana Vasconcelos, Rizza Bomfim, Mavi Morais, Maria Lynch, Atransälien, Yohana Oizumi, Avaf, Dilva e Orlando Busarello.

Ao criar ligações entre os espaços exteriores e as salas expositivas do Museu, este novo projeto permite mostrar outras formas de expressão da criatividade artística, bem como apresentar projetos para variados públicos, incluindo todas as gerações de famílias. Trabalhar ao ar livre também permite dimensões ilimitadas de obras, percursos e jogos em que todos serão bem-vindos, sem restrições de tempo.

Uma nova edição do “MON sem Paredes – Artistas Conquistam os Jardins do MON” acaba de ser entregue ao público. Desta vez, a área externa do Museu Oscar Niemeyer passa a abrigar mais quatro grandiosas obras: a escultura Aurum, da artista Rizza Bomfim; as Bancas Galerias, das artistas Mavi Morais, Maria Lynch, Atransälien e Yohana Oizumi; a escultura de Avaf (Assume Vivid Astro Focus), e o Robô Interativo dos arquitetos Dilva e Orlando Busarello. A curadoria é de Marc Pottier.

Rizza
Fundição em latão
Coleção Rizza Furletti Bomfim

Orlando Busarello e Dilva Busarello
Aço carbono, aço inox, concreto e pintura policromada – esmalte sintético sobre epóxi
Acervo Museu Oscar Niemeyer

Robô Interativo – Memória e Resgate Afetivo 1971 – 2025, 2025

Joana Vasconcelos
Ferro forjado, plantas de jasmim
Acervo Museu Oscar Niemeyer

Artur Lescher
Aço inoxidável e aço-carbono
Acervo Museu Oscar Niemeyer

Museu Oscar Niemeyer realiza nova edição do “MON sem Paredes” 

O Museu Oscar Niemeyer entrega ao público uma nova edição do “MON sem Paredes – Arte ao Ar Livre”. A curadoria é de Marc Pottier e a inauguração será no dia 28 de novembro, às 17h.

Nesta nova edição, quatro grandiosas obras são entregues à população. São elas: a escultura "Aurum", da artista Rizza Bomfim; as Bancas Galerias, das artistas Mavi Morais, Maria Lynch, Atransälien e Yohana Oizumi; a escultura de Avaf (Assume Vivid Astro Focus), e o "Robô Interativo" dos arquitetos Dilva e Orlando Busarello, que resgata a memória afetiva de uma Curitiba de décadas atrás, quando a obra teve longa permanência no Centro da cidade, na Praça Osório.

Ao realizar uma nova edição do “MON sem Paredes – Arte ao Ar Livre” o Museu Oscar Niemeyer cada vez mais utiliza a sua área externa como uma grande área de convivência voltada à arte. 

Entendemos que a arte no espaço público proporciona uma variedade de atividades interativas que nem sempre uma exposição museológica possibilita. Ao criar uma área urbana voltada à cultura, o ‘MON sem Paredes’ permite muitas outras formas de expressão da criatividade artística. 

O curador explica que o MON sempre quis trabalhar para ampliar seu público e oferecer muitas propostas que possam fazer com que os curitibanos e paranaenses se apropriem do Museu. “Por isso foi criado o importante projeto ‘MON sem Paredes”, diz Pottier. 

Ele lembra que a iniciativa, na edição anterior, já aproximou os visitantes de artistas como Gustavo Utrabo, Mariana Palma, Artur Lescher, Rômmulo Conceição, Alexandre Vogler, Narcélio Grud e Joana Vasconcelos. 

Marc Pottier também fala sobre os objetivos do projeto. “O MON trabalha para ampliar seu público e oferecer muitas propostas que possam fazer com que os curitibanos e paranaenses se apropriem do ‘seu’ Museu. Por isso, o ‘MON sem Paredes’ é tão importante”, comenta.

V3 - Giroscópico - Audiodescrição Réplica Tátil.mp3

MON sem paredes

Desde que a grandiosa coleção asiática, com mais de três mil peças, foi doada ao Museu Oscar Niemeyer, várias exposições já foram realizadas com tais obras, permitindo que o público conheça mais desse patrimônio de imenso valor histórico e artístico que pertence ao Paraná.

Ao entregar a mostra “O Mundo Lúdico dos Mangás e Animes”, o MON confirma que esta é mais uma das incontáveis vertentes desse acervo surpreendente, que nos revela o continente asiático em sua extensão geográfica, pluralidade étnico-religiosa e exuberância artística ao longo de milhares de anos de história.

Nesta exposição, trazemos aos nossos visitantes uma expressão da arte japonesa contemporânea que alcançou e conquistou boa parte do mundo: os populares mangás e animes.

Aqui, eles são apresentados em mais de 100 pinturas, desenhos e esculturas, dividindo espaço com os tradicionais bonecos Ningyos. Estes, no Japão, são objetos cheios de significados milenares, presentes que desejam longevidade, saúde e fertilidade às crianças.

Ao realizar esta exposição que apresenta tão importante dimensão simbólica e estética da cultura japonesa, o MON convida a uma reflexão sobre as manifestações culturais de diferentes regiões e países e o que nos aproxima como indivíduos e como sociedade.

As animações japonesas têm origem no cinema, porém ganharam espaço próprio e definitivo na televisão mundial a partir da década de 1960. Desde então continuam encantando gerações.

O anime se refere a uma animação que pode ser desenhada tanto à mão como por computador. As primeiras animações comerciais japonesas datam de 1917, influenciadas pelas técnicas ocidentais. No entanto, foi somente na década de 1960, com o trabalho do célebre artista de mangá (mangaká) Osamu Tezuka, frequentemente chamado de "Deus do Mangá", que o anime começou a tomar forma como um fenômeno cultural distinto. Nesse momento, eles eram desenhados sobre uma folha de acetato. O artista fazia o esboço sobre uma folha de papel, com as indicações pertinentes, e o assistente o transferia para o celuloide.

Esse estilo de arte atual surgiu na década de 1960 e popularizou-se nas décadas seguintes, atraindo um grande público doméstico. Os animes passaram a partir de então a serem vistos nas salas de cinema. Foram posteriormente apresentados em transmissões de televisão; depois diretamente em aparelhos domésticos e pela internet. Além das obras originais, eles são muitas vezes adaptações de mangás e até mesmo de videogames. Classificados em vários gêneros – comédia, terror, drama, ficção científica etc. – eles visam públicos amplos e diversos.

Na década de 1980, o anime tornou-se um grande sucesso popular no Japão, com o lançamento de produções como “Gundam”, “Macross”, “Dragon Ball”, e de gêneros como robô real, ópera espacial e cyberpunk. O filme “Akira”, de 1988, tornou-se um sucesso internacional, e “A Viagem de Chihiro” dividiu o primeiro prêmio no Festival de Cinema de Berlim de 2002, ganhando o Oscar de Melhor Filme de Animação em 2003.

Assim como os mangás, os animes são uma forma de arte e expressão da criatividade de seus autores, tanto no que diz respeito à forma quanto ao fundo, pois na maioria das vezes o mesmo criador responde pela trama e pelo desenho. Dentre eles, títulos como “Attack on Titan”, “One Piece”, “Fullmetal Alchemist: Brotherhood”, “Death Note”, “Dragon Ball” e “Akira” são constantemente citados como os melhores e mais populares, tanto pelos fãs como pela crítica.  

A indústria de animes se reparte atualmente em mais de 430 estúdios de produção, incluindo grandes nomes como o Studio Ghibli, Gainax e Toei Animation. 

Os animes têm sido um sucesso internacional ainda maior após a introdução das dublagens em exibições televisionadas. Esse aumento de popularidade deu origem a produções não japonesas que empregam o mesmo estilo de arte do anime.

Os mangás (漫画) são histórias em quadrinhos ou romances gráficos, semelhantes aos nossos antigos gibis, enquanto os animes tinham a princípio o formato de celuloide. A maioria dos mangás segue os estilos desenvolvidos pelos artistas japoneses que criaram os ukyio-es (浮世絵), termo que significa "imagem do mundo flutuante", um gênero de arte que se tornou muito popular entre a classe mercantil de Tóquio no período Edo (séculos XVII-XIX). Eram xilogravuras que retratavam temas do quotidiano urbano, tais como atores do teatro kabuki, cortesãs, lutadores de sumô, paisagens, contos folclóricos etc.

O termo “mangá” é utilizado para se referir às histórias em quadrinhos japonesas. Vários deles deram origem aos  animes (アニメ), criados por cartunistas e desenhados anteriormente sobre um suporte de acetato, como nesta mostra, e agora criados por computadores, no formato de filmes e vídeos. 

As raízes dos mangás são mais antigas. Elas têm origem no período Nara (séc. VIII EC), quando surgiram os primeiros rolos de pintura no Japão, chamados de emakimono (絵巻物). Esses rolos continham pinturas acrescidas de textos que descortinavam uma história à medida que eram desenrolados sobre uma superfície. No início, esse estilo seguia os padrões chineses que inspiraram a arte produzida no Japão naquela época. Foi a partir da metade do século XII que apareceram os primeiros emakimonostipicamente japoneses. 

No período Edo (1603–1868) esses rolos foram substituídos por livros. Inicialmente, as estampas eram destinadas a ilustrar os textos, mas rapidamente surgiram os ”livros para ver” em oposição aos “livros para ler”. A partir de meados do século XIX, chegou ao Japão o humor gráfico dos ilustradores europeus. Em 1861, o cartunista britânico Charles Wirgman instalou-se em Yokohama, nas vizinhanças de Tóquio. Ele vai exercer grande influência sobre os artistas locais. Wirgman criou um jornal satírico, o The Japan Punch, e passou a ensinar técnicas ocidentais de desenho e pintura para um grande número de artistas japoneses.

Influenciados pelo The Japan Punch, Kanagaki Robun e Kawanabe Kyosaicriaram a primeira revista de mangá em 1874, a Eshinbun Nipponchi, que não alcançou sucesso popular e foi encerrada após três edições. Entretanto, as técnicas trazidas pelos europeus alavancaram uma lenta, mas segura, produção dos artistas nativos, especialmente Rakuten Kitazawa, cujo mangá  “Tagosaku to Mokube no Tokyo Kenbutsu”  (田吾作と杢兵衛の東京見物), de 1902, é considerado o primeiro mangá no sentido moderno. 

Diversas séries comparáveis às de além-mar surgem na década de 1930 até a metade dos anos quarenta, quando a imprensa foi submetida à censura do governo durante a Segunda Guerra Mundial, assim como todas as atividades culturais e artísticas. Findo este período conturbado, sob a ocupação americana os mangakás  (autores de mangás) passaram a sofrer a influência das histórias em quadrinhos ocidentais, sobretudo as americanas, que eram traduzidas e difundidas em grande quantidade na imprensa cotidiana. 

A exposição inédita: “O Mundo Lúdico dos Mangás e Animes”, com curadoria de Fausto Godoy, é a nova realização do Museu Oscar Niemeyer, na Sala 10. A mostra reúne mais de 100 pinturas, desenhos e esculturas, com obras que pertencem ao acervo do MON. É um mergulho no universo dessa expressão da arte japonesa contemporânea que alcançou e conquistou boa parte do mundo. A exposição também propõe um diálogo com tradições antigas, como os bonecos Ningyos, que estavam expostos anteriormente no local.

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