O Museu Oscar Niemeyer é um espaço vivo de diálogo, pesquisa e constante troca entre profissionais dos setores artístico e educacional com o público. 

Nossa proposta com o projeto “Antes e Agora, Longe e Aqui Dentro”, que culminou nesta inédita exposição, é gerar conteúdo educativo para o MON, a partir de um mergulho em seu rico e diversificado acervo, visando estabelecer diálogos entre o Museu e a arte contemporânea brasileira.

Entendemos que a coleção permanente de um museu é o seu coração. É importante destacar que o acervo do MON conta atualmente com 14 mil obras de arte, tendo quintuplicado de tamanho nos últimos anos e sendo cada vez mais valorizado. Prova disso é que cerca de metade das exposições realizadas pela instituição, como esta, trata de apresentá-lo ao público.

O projeto, mais do que isso, faz parte da ampla proposta educativa do Museu. Partiu de uma pesquisa coordenada pela professora e curadora Galciani Neves, junto com a equipe do MON, que teve início em 2023.

Por meio de estudos e da realização de um seminário, foi escolhida uma centena de obras produzidas por dezenas de artistas que compõem o nosso acervo. São trabalhos considerados relevantes tanto para o contexto de produção artística da cidade de Curitiba quanto para a história da arte do Estado do Paraná e do Brasil e que, assim, celebram a diversidade e a importância encontradas no Museu.

Ao aproximar tais obras – realizadas por artistas, tempos e linguagens tão distintas –, sugerimos uma convivência diversa. É uma maneira instigante de convidar o visitante a uma imersão na coleção permanente da instituição.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika 
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

Para chegar até aqui você percorreu caminhos – espontâneos, com uma rota predeterminada, com pausas, com surpresas pelo trajeto percorrido... Caminhar pela cidade ou no interior de prédios como este são movimentos que nos modificam ao mesmo tempo em que modificamos cada lugar pelo qual passamos. Essa é a dinâmica das paisagens, os sujeitos as constituem e elas interagem com os sujeitos. A caminhada é uma partilha de tempo com o espaço. Os laços singulares que criamos em deslocamentos de um lugar para outro passam a integrar o que somos e a se localizar como pequenos lampejos de memória nos lugares. Trata-se de um movimento de muitos fluxos: nosso corpo se move ao mesmo tempo em que mobilizamos lugares.

Nesta mostra, propomos que a experiência de estar com os trabalhos inclua também gestos de criar percursos, pois a mostra se espalha por 11 espaços do Museu. Não há uma rota específica. Há pequenas observações por onde ela continua, que você pode seguir quando quiser e se a curiosidade surgir.

Os caminhos que você criar para ver os trabalhos também integram as experiências de visitar a mostra. Esses modos de circular pelo Museu podem entrelaçar os trabalhos e provocar relações não previstas, deixando rastros dessa experiência. Além disso, o próprio Museu, ou seja, seu espaço físico e as obras, assim como pessoas que aqui circulam e você também, fazem parte desses percursos. Percursos que se transmutam em pequenas paisagens temporárias que você vai avistar enquanto deriva por aí.

Os trabalhos que desenvolvo abordam as violências sobre as corpas dissidentes. O projeto “A Natureza da Vida” acontece a partir do ano 2000, com ações e performances realizadas em locais públicos em que poso, quase sempre nua, para fotos e vídeos realizadas por diferentes fotógrafas(os) que participam das ações e seus múltiplos olhares constroem o trabalho. Questões do corpo através de um posicionamento político, discutindo padrões, estética e as diversidades integram o trabalho. 

Foi durante uma viagem que, pelas redes, acompanhei notícias sobre o corte de árvores do Bosque Central de Londrina para passar uma rua. A resistência de jornalistas e artistas da cidade criou o Grupo Ocupa Londrina, que se aliou à ONG MAE para manter os resquícios da mata original que sobrevive no coração da cidade. Somando nesse ativismo coletivo, propus um varal de fotografias para que todos pudessem participar e se posicionar. Assim que retornei, em meio a tantas manifestações, realizei a performance em meio aos troncos caídos e ao solo revolvido pelos grandes equipamentos. Esta ação foi determinante para o trabalho. As imagens, realizadas como protesto, foram expostas junto com poemas, desenhos, charges e outras fotos produzidas por diversas(os) artistas da cidade. A corpa gorda aqui extrapola o próprio discurso para se somar a um corpo social que se expressa publicamente em favor de uma causa coletiva e se coloca a serviço de todes, se posicionando nua perante a violência. 

Depois de longa luta, a obra foi embargada e o lugar, transformado em área de preservação permanente (APA). Infelizmente, dez anos depois, durante a pandemia, o poder público revogou a APA, transformou o bosque em praça e este foi “urbanizado”. Apesar disso, por enquanto, a abertura da rua não foi novamente cogitada.

Trazemos aqui outras fotografias que envolvem essa performance, momentos que resultaram no trabalho e são sua força criadora. O jornalista Guto Rocha enfrenta o trator e convoca artistas para defenderem o bosque. Fotografia por Gina Mardones; Graziela Diez e Luciano Pascoal fotografando a performance; fotografia por Camila Fujita; Varal de Fotografia durante o Ocupa Londrina; fotografias por Graziela Diez e Fernanda Magalhães.

La naturaleza de la vida - Fernanda Magalhães

“Fábrica (Campo de Batalha)” apresenta um atravessamento de histórias, pessoas e paisagens cujas distâncias correspondem a mais de 200 anos: a do extermínio de uma comunidade Kaingáng (1796) e de uma classe operária (a partir dos anos 1940) em um território ocupado e controlado por uma grande fábrica de papel, na cidade de Telêmaco Borba/PR. “Campo de Batalha” é uma expressão militar que designa um território escolhido previamente e preparado como uma armadilha para a qual o inimigo é encaminhado através da persuasão, ou outra forma subliminar.

 A história “oficial” registra a transmissão e manutenção do poder econômico como os nomes dos fazendeiros da região desde antes do extermínio Kaingáng e nos permite considerar os donos da fábrica como sucessores dos donatários do século XVIII. Da outra parte da história, a dos indígenas e dos operários, os relatos e imagens são praticamente inexistentes. Haveria alguma relação entre a população da região, os trabalhadores da fábrica e os Kaingáng? Esses fios soltos algum dia foram parte de uma mesma trama? 

Na margem direita do Rio Tibagi está a sede da Fazenda Monte Alegre, pertencente às famílias proprietárias da fábrica de papel. O local onde construíram a indústria, sua sede administrativa e a vila operária foi denominado Vila Harmonia, apesar de, por mais de 150 anos, ter sido chamado de Mortandade. A alteração do nome foi uma tentativa de apagar a história de extermínio de uma comunidade Kaingáng.

Por volta de 1796, a mando do fazendeiro José Félix, dono do maior latifúndio dos Campos Gerais, um grupo Kaingáng, habitantes originários da região, foi cercado e assassinado. Contavam que o sangue era tanto que correu em filetes até um rio afluente do Tibagi. Os corpos dos homens, mulheres e crianças ficaram amontoados e por muitos dias observaram corvos sobrevoando-os. Como retribuição pelo extermínio praticado, José Felix recebeu uma grande extensão de terras que denominou Fazenda Monte Alegre. O rio e a localidade da chacina ficaram conhecidos como Mortandade, até que, em 1941, por sugestão dos donos da fábrica, passou a chamar-se Harmonia.

“Evitemosacidentes”. O espaçamento entre as letras não deixa claro qual é a mensagem. Que nós, fábrica + trabalhadores, “Evitemos acidentes”; ou que vocês, os trabalhadores, “Evitem os acidentes”. Essa névoa que recobre o texto também se faz presente na relação entre a fábrica e os trabalhadores. Uma névoa de promessas e ameaças. O discurso da fábrica sempre foi o do desenvolvimento, da tecnologia, do progresso e das oportunidades. Sua construção no meio do “nada”, afinal, os que antes ali habitaram foram assassinados, expulsos ou apagados da história pelo latifúndio, projetou também aos trabalhadores uma imagem de transformação. 

Entre os anos 1942-78, mais de 60% dos trabalhadores da fábrica eram da própria região – em sua imensa maioria, trabalhadores rurais, analfabetos ou com ensino primário incompleto, cujas vidas estavam isoladas e abandonadas. O desejo sempre latente de estar em comunidade, partilhar o mundo e melhorar as condições materiais de vida embaralhou-se com o discurso da fábrica. Uma confusão que poucos, pouco a pouco, buscaram desfazer através da criação de um sindicato que representasse os interesses dos trabalhadores frente aos dos donos da fábrica. 

Através da sabotagem e intervenção militar-patronal na organização sindical após 31 de março de 1964, bem como as dificuldades impostas nas negociações coletivas, as promessas se revelaram ameaças. O vapor da caldeira, os gazes tóxicos, o ruído das máquinas e o perigo das mesmas impregnavam-se no corpo dos trabalhadores. Uma experiência que lhes ensinou a ler o texto e a enxergar uma exclamação no final, “Evitem os acidentes!”.

Fábrica (campo de batalla) - Felipe Prando

Ailton Krenak, Alice Yamamura, Aline van Langendonck, Amélia Toledo, Américo Vespúcio, Anita Malfatti, Ayrson Heráclito, Burle Marx, Cícero Dias, Didonet Thomaz, Dorothea Wiedemann, Edu Simões, Efigênia Rolim, Espedito Rocha, Felipe Prando, Fernanda Castro, Fernanda Magalhães, Georgia Kyriakakis, Gustavo Caboco, Gustavo Magalhães, João Groff, João Urban, Julia Kater, Juliana Stein, Juraci Dorea, Kamikia Kisedje, Leonor Botteri, Lia Chaia, Martín Chambi, Maya Weishof, Miguel Bakun, Milla Jung, Oscar Niemeyer, Paulo Bruscky, Raphaela Melsohn, Raquel Garbelotti, Regina Parra, Regina Vater, Rosana Paulino, Tiago Sant’ana, Tomie Ohtake, Tony Camargo, Vera Chaves Barcellos y Willian Santos

Em um diálogo entre seu acervo e a arte contemporânea brasileira, o Museu Oscar Niemeyer (MON) realiza a exposição “Antes e agora, longe e aqui dentro”, na Sala 11 e espalhada em diversos espaços do Museu. São mais de 100 obras de 44 artistas diferentes, dos quais se destacam os artistas nucleares Cícero Dias, Miguel Bakun, Amelia Toledo, Efigênia Rolim, Rosana Paulino e Gustavo Caboco. 

Nesta mostra, com curadoria de Galciani Neves, pinturas, desenhos, fotos, esculturas, vídeos, áudios e instalações, reunindo técnicas variadas, discutem as relações entre corpo e território e os muitos modos de habitar, ser e registrar paisagens.

Esta mostra e três ciclos de seminários integram o projeto “Mvúka” – processo de pesquisa experimental que vem sendo realizado no acervo do MON, em parceria com as equipes do Educativo, Design, Arquitetura, Comunicação, Acervo e Produção do museu. “Mvúka”, no Banto, tronco linguístico que dá origem a mais de 400 línguas africanas, significa aglomeração ruidosa de pessoas em festa. No Brasil, para os povos originários, muvuca é uma técnica de plantio ancestral que consiste na mistura de sementes de diversas espécies. As diferenças entre os ciclos das espécies de sementes restauram as matas, criam um ambiente de cooperação e garantem a biodiversidade do lugar.

Essa proposta artística se vale da mvúka/muvuca como fundamento. Tentamos dialogar com os contextos em que a palavra circula para articular modos de nos aproximar e compartilhar trabalhos de artistas, tempos de produção, linguagens, processos de criação, camadas de leitura provenientes de outros campos de conhecimento, privilegiando uma convivência entre obras de arte e modos de pensar e estar no mundo. Dessa maneira, assim como na mvúka/muvuca, elaboramos uma atmosfera de exposição que celebra o estar junto na diversidade, na polifonia, no encontro das singularidades.

Tendo como título “Antes e agora, Longe e aqui dentro”, a mostra apresenta trabalhos que discutem as relações indissociáveis entre corpo e território e os muitos modos de habitar, ser e registrar paisagens, propondo paisagens: aquilo que avistamos ao longe, que definimos como um recorte de um lugar, o que está perto demais (como a palma da mão) ou a distância entre duas pessoas, uma construção de partilha com o tempo e o lugar.

A mostra se organiza a partir dos trabalhos e contextos de produção de seis artistas, com obras da coleção permanente do MON: Gustavo Caboco, Rosana Paulino, Efigênia Rolim, Miguel Bakun, Cícero Dias e Amélia Toledo. Seus trabalhos geraram constelações conceituais com outros 40 artistas. Assim, como numa mvúka, se aglomeram e nos perguntam: como praticamos nossas ações nas paisagens e nos lugares que vemos? As paisagens estão em fluxo e podem definir nossos modos de existir? Diante dessas indagações, podemos pensar junto com os muitos povos originários que habitam o Brasil: corpo e lugar não conhecem hierarquias, pois confundem-se e, por isso, coexistem, sendo um parte do outro. Ou, como diria o poeta, professor, líder quilombola Nêgo Bispo (1959-2023, Piauí): “O ser humano não pode ser entendido como criador, mas como criatura da natureza, do lugar onde é e habita. Quando somos conscientes de que vivemos graças às “biointerações” entre espécies e a terra, temos condições de nos vincular aos territórios e às paisagens, habitando-os e respeitando-os na mesma intensidade que nos vemos como parte deles”. Assim, as paisagens não são apenas abstrações de lugares, mas instâncias ativas que nos constituem como seres e desenham os nossos modos de existir.

Fotografia | Impressão fotográfica sobre papel, 1/5

Fotografia | Reprodução fotográfica em preto e branco sobre papel fotográfico

Vai o Carrinho com Cavaleiro e Anjinhos, 2017

Escultura | Escultura de madeira com adereços de material reciclado

O Museu Oscar Niemeyer (MON) realiza uma exposição inédita, “Antes e agora, longe e aqui dentro”, que será inaugurada no dia 29 de fevereiro, na Sala 11 e em diversos espaços, como Pátio das Esculturas, hall térreo, rampa e Parcão, entre outros.

A mostra resulta de um projeto que teve início no ano passado, cuja proposta é estabelecer diálogos entre o acervo do MON e a arte contemporânea brasileira, além de gerar conteúdo para o setor Educativo do Museu. Atualmente, a coleção permanente da instituição conta com 14 mil obras de arte.

A exposição tem curadoria da professora e pesquisadora Galciani Neves e apresenta mais de 100 obras realizadas por 44 artistas. Entre elas estão pinturas, desenhos, fotos, esculturas, vídeos, áudios e instalações, reunindo técnicas variadas. 

A diretora-presidente do Museu, Juliana Vosnika, explica que metade das exposições realizadas pelo MON apresenta obras de seu diverso e rico acervo, que quintuplicou de tamanho nos últimos anos e vem sendo cada vez mais valorizado. 

“O MON é um espaço vivo de diálogo, pesquisa e constante troca entre profissionais dos setores artístico e educacional com o público”, comenta Juliana. “Esta nova proposta culmina com essa inédita exposição de obras do acervo, o que torna a coleção permanente do Museu cada vez mais acessível ao visitante”, explica. 

“Antes e agora, longe e aqui dentro” faz parte da ampla proposta educativa do MON. No ano passado, como parte do projeto, foi realizado um seminário no Museu, com a presença da artista e pesquisadora Glicéria (Célia) Tupinambá e do crítico de fotografia e pesquisador do campo da cultura visual Ronaldo Entler.

Seis artistas, com obras presentes na coleção permanente da instituição, foram selecionados para serem eixos do projeto. São eles: Cícero Dias, Miguel Bakun, Amelia Toledo, Efigênia Rolim, Rosana Paulino e Gustavo Caboco.

A partir de uma ampla pesquisa, foram escolhidas mais de uma centena de obras, produzidas por 44 artistas. São trabalhos considerados relevantes tanto para o contexto de produção artística da cidade de Curitiba quanto para a história da arte do Estado do Paraná e do Brasil e que, assim, tentam celebrar a diversidade do acervo do Museu e sua importância.

A proposta principal é gerar conteúdo educativo, a partir de um mergulho no acervo. “Tendo como título ‘Antes e agora, longe e aqui dentro’, a mostra apresenta trabalhos que discutem as relações indissociáveis entre corpo e território e os muitos modos de habitar, ser e registrar paisagens, propondo paisagens: aquilo que avistamos ao longe, que definimos como um recorte de um lugar, o que está perto demais (como a palma da mão) ou a distância entre duas pessoas, uma construção de partilha com o tempo e o lugar”, explica a curadora.

Em um diálogo entre seu acervo e a arte contemporânea brasileira, o Museu Oscar Niemeyer (MON) realiza a exposição “Antes e agora, longe e aqui dentro”, na Sala 11 e espalhada em diversos espaços do Museu. São mais de 100 obras de 44 artistas diferentes, dos quais se destacam os artistas nucleares Cícero Dias, Miguel Bakun, Amelia Toledo, Efigênia Rolim, Rosana Paulino e Gustavo Caboco. 

Nesta mostra, com curadoria de Galciani Neves, pinturas, desenhos, fotos, esculturas, vídeos, áudios e instalações, reunindo técnicas variadas, discutem as relações entre corpo e território e os muitos modos de habitar, ser e registrar paisagens.

antes e agora, longe e aqui dentro

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Não é exagero chamá-lo de mestre. Com esta mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer, German Lorca, Mestre da Fotografia, o MON confirma sua vocação de, entre outras vertentes artísticas, colecionar e expor fotos, levando-as até o nosso imenso e interessado público espectador.

O premiado fotógrafo brasileiro German Lorca dedicou a maior parte dos seus quase 100 anos de vida (1922-2021) a registrar com suas câmeras cenas, flagrantes e personagens que só poderiam ter sido descobertos por ele. 

Imprimiu marca própria em tudo que fez, revelando imagens inovadoras, o que tornou sua obra inconfundível. Rompeu os limites da fotografia utilizando com maestria técnicas de sombra e luz, buscando sempre novos e diferentes enquadramentos. 

Esta exposição é um testemunho de décadas eternizadas graças ao seu olhar sensível. Sua singular percepção para revelar cenas do cotidiano, de maneira incomum, o alçou à categoria de fotógrafo-artista. 

Sua obra foi incluída nos mais importantes acervos do mundo, como o do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA), entre muitos outros. Aqui no MON, sete fotografias suas fazem parte da coleção permanente do Museu, enriquecendo o nosso acervo.

A mostra “German Lorca, Mestre da Fotografia” nos faz viajar no tempo e no espaço. São imagens geniais que têm poesia, que tocam e inspiram, que permitem um diálogo silencioso com cada visitante. Refletir e admirar é a proposta.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer 

O Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA) é considerado um dos museus mais importantes do mundo. Possui obras da década de 1940 e 1950 de German Lorca e duas da icônica série Aeroporto, da década de 1960. Participar da coleção de fotógrafos notáveis do MoMA marca o reconhecimento de German Lorca no contexto da arte mundial. 

Em março de 2021, o museu fez uma grande exposição com foco no Foto Cine Clube Bandeirante, importante formador de fotógrafos brasileiros, frequentado por German Lorca no final dos anos 1940 e início dos anos 1950. As obras de Lorca foram um grande destaque na exposição. 

O Foto Cine Clube Bandeirante, criado em São Paulo no ano de 1939, foi de extrema importância para a disseminação da informação sobre a técnica e a formação de fotógrafos amadores e profissionais. Entre 1949 e 1952, German Lorca participou do Clube. Lá, quebrou as normas da fotografia tradicional, ganhando destaque entre os participantes. Tanto nas excursões fotográficas promovidas pelo grupo, quanto nos salões que participava, as imagens irreverentes e inovadoras de Lorca se destacavam. Eram um contraponto à construção pictórica vigente.

PRIMEIROS TEMPOS: FOTO CINE CLUBE BANDEIRANTE 

German Lorca foi pioneiro em instaurar uma nova visualidade à fotografia brasileira. Explorava planos inusitados e ângulos diferenciados. Experimentava.

Além das imagens figurativas, que buscavam a personalidade do retratado – ou as criava – muitas vezes dava um caráter Expressionista à fotografia. Outras vezes, procurava o Abstracionismo em suas imagens. Flertou com o Concretismo informal, em voga na década de 1950 e 1960. Cortes e enquadramentos, tanto na captura da foto quanto no ato da revelação, mostravam que, em seu laboratório próprio, utilizava técnicas artesanais inovadoras e de difícil manejo.

Lorca encanta-se com o computador e, junto a um assistente, testava as infinitas possibilidades de recriar as imagens, alterando corte, textura e destacando principalmente as cores. Houve uma imagem em especial que o impressionou. Em uma piscina, deparou-se com um colchão inflável em uma manhã de sol. Seus olhos atentos perceberam que a falta total de vento e movimento criou um instante perfeito: parecia que o colchão flutuava no ar e a água não existia. Fez a imagem, mas achou que as cores não correspondiam à magia do momento. Posteriormente, com o assistente do estúdio, foi alterando a imagem até chegar à famosa versão final: “Levitação na Piscina”. Foi assim que resolveu resgatar suas antigas imagens coloridas e produzir novas. 

German Lorca amava Nova Iorque. Esteve lá várias vezes, e em três delas (1967, 1978 e 1984), retratou em preto e branco, de forma fiel, com seu olhar arguto, as figuras que representavam a cidade, algumas vezes tendo como pano de fundo seus principais símbolos. Conseguiu criar um painel muito significativo dos diversos tipos de nova-iorquinos: crianças, jovens, muitos idosos e até turistas. Um grande mosaico social de personagens de uma das principais cidades dos Estados Unidos.

Era o ano de 2014. German Lorca, aos 92 anos, precisou ficar recluso em sua casa devido a uma pequena questão de saúde. Criativo e irrequieto como sempre foi, achou um modo de, sentado próximo à janela da sala, registrar a luz do sol e as formas e sombras que ela causava ao entrar pelas frestas e pelas cortinas. O resultado é um ensaio belíssimo, feito com sua Leica Digital. Um verdadeiro estudo sobre luz e ambiente que ele mesmo denominou, poeticamente, de A Geometria das Sombras.

German Lorca nos impressiona e sobrepõe passado e presente. Convidado em 2018, após completar 70 anos de carreira, a documentar novamente alguns locais de suas fotos icônicas da cidade de São Paulo, surpreende-nos  com a mesma maestria. Aos 96 anos, encara o desafio, sobe a ladeira, procura os mesmos ângulos. Na imagem que fez no Quarto Centenário do aniversário de São Paulo, na inauguração do Parque Ibirapuera, com sua avó e seu filho andando em direção ao prédio da OCA como abduzidos por uma nave espacial, ele reencontra a mesma magia. Fotografa, mais de 60 anos depois, sua sobrinha e o filho pequeno, resgatando a mesma emoção.

Nos anos 1950, com a chegada das montadoras automobilísticas ao Brasil, um grande mercado de publicidade começou a surgir. Os grandes magazines de bens de consumo também estavam investindo. Lorca aliou sua liberdade experimental à curiosidade sobre as técnicas para pesquisar novidades e gerar imagens de impacto para os anúncios. Ao congelar cenas em movimento através dos novos flashes eletrônicos, Lorca gerou imagens publicitárias inovadoras e diferenciadas. Assim como nas imagens autorais, na fotografia comercial o artista sempre fazia a percepção da magia estar presente. Por isso era tão procurado pelas agências, também novas no Brasil, e cresceu com elas. 

La exposición "Germán Lorca, maestro de la fotografía" recorre la trayectoria artística del fotógrafo, reconocida nacional e internacionalmente. Remontándose a sus primeros trabajos como fotógrafo aficionado en 1947, la exposición presenta alrededor de 160 fotografías, así como cámaras y otros objetos personales.

Comisariada por Adriana Rede y José Henrique Lorca, hijo del fotógrafo, la exposición está organizada en ocho secciones que ponen de relieve la mirada afectuosa del fotógrafo sobre el mundo. A lo largo de su carrera, Lorca experimentó con diferentes tipos de fotografía, desde la analógica a la digital, manteniendo siempre su lenguaje único en las escenas que registraba.

GERMAN LORCA, MESTRE DA FOTOGRAFIA
German Lorca foi um dos poucos fotógrafos a vivenciar a fotografia de modo pleno em suas mais diversas modalidades: de amador a profissional, do analógico ao digital, das câmeras aos smartphones. Com uma visão peculiar sobre os mais diversos temas, estabeleceu de maneira única sua linguagem.

No final dos anos 1940, Lorca acompanhou um novo movimento, o alvorecer de uma estética moderna na fotografia brasileira. Afiliou-se ao Foto Cine Clube Bandeirante, na capital de São Paulo, hoje objeto de estudo internacional por seu vanguardismo. Com um olhar único, capaz de conjugar fotografia e arte – diferentemente da fotografia convencional pictórica – em sua longa trajetória artística, por mais de 70 anos, German Lorca sempre foi livre ao fotografar. Sem receio das críticas, manteve-se fiel a si próprio. 

Quando a fotografia moderna tomou impulso e veio revolucionar a cena brasileira, Lorca se destacou com seus cortes e enquadramentos, tanto na captura da foto quanto no processo de revelação. Passou por uma fase chamada "concreta", quando do movimento concretista nos anos 1950. Explorou planos inusitados, ângulos diferenciados, mas o “concretismo" de Lorca não foi exatamente intencional, foi livre e gerou obras belíssimas. 

Na fotografia publicitária, foi pioneiro. Incessantemente atrás de novidades, com audácia nas buscas cromáticas, nos ângulos ousados e temas irreverentes e provocativos, conquistou o mercado publicitário, que iniciava no Brasil. 

Com o olhar inquieto, aproveitou seus raros momentos de intervalo para realizar registros autorais, sempre conseguindo o melhor ângulo da cena que seu olhar escolhia. Com trajetória reconhecida, nacional e internacionalmente, nunca parou; seguiu com seu olhar atento, formando gerações de fotógrafos que se inspiraram, não só em sua técnica, mas em seu jeito afetivo de olhar o mundo. Chamavam-no de mestre. Sempre atemporal, seguiu fotografando até os últimos dias de sua vida extraordinária. Vemos, ao observar o seu trabalho, nosso olhar pousar entre o real e o imaginário. Cada instante como um momento cúmplice. 

Adriana Rede e José Henrique F. Lorca
Curadoria

German Lorca, Mestre da Fotografia é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer (MON), em cartaz na Sala 1. A exposição tem curadoria de Adriana Rede e José Henrique Lorca, filho do fotógrafo.

Pigmento mineral sobre base de celulose
61 x 46,5 cm

Pigmento mineral sobre base de celulose
50 x 41,6 cm

Pigmento mineral sobre base de celulose
36 x 34,7 cm

Crianças com travesseiro - Anúncio Extra 1972

Pigmento mineral sobre base de celulose
35 x 31,6 cm

Pigmento mineral sobre base de celulose
34,4 x 35 cm

Pigmento mineral sobre base de celulose
43,9 x 61 cm

El MON acoge una nueva exposición inedita de Germán Lorca

La exposición "Germán Lorca, maestro de la fotografía" es la última novedad del Museo Oscar Niemeyer (MON). Curada por Adriana Rede y José Henrique Lorca, hijo del fotógrafo, la muestra estará abierta al público a partir del 5 de julio en la Sala 1.

"Germán Lorca es simplemente uno de los grandes nombres de la fotografía brasileña", afirma la Secretaria de Estado de Cultura de Paraná, Luciana Casagrande Pereira. "Nuestra expectativa para esta exposición de Lorca en el MON es que sea un hito para el Museo debido a la grandeza de su carrera, que merece ser vista, revista y conocida por el público en general aquí en Paraná".

Según la directora-presidenta del Museo Oscar Niemeyer, Juliana Vosnika, la exposición nos hace viajar en el tiempo y en el espacio. "Son imágenes brillantes que tienen poesía, que conmueven e inspiran, que permiten un diálogo silencioso con cada visitante".

Comenta que, "con esta exposición, MON confirma su vocación, entre otras labores artísticas, de coleccionar y exponer fotografías, acercándolas al inmenso e interesado público espectador".

El brasileño Germán Lorca (1922-2021) fue uno de los pocos que experimentó plenamente la fotografía en sus más diversas formas: del aficionado al profesional, de la analógica a la digital, de las cámaras a los smartphones. Con una visión peculiar de los temas más variados, estableció su lenguaje de forma única.

Su obra forma parte de las colecciones más importantes del mundo, como la del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), entre muchas otras. Siete de sus fotografías forman parte de la colección permanente del Museo Oscar Niemeyer.

Dividida en secciones, la exposición incluye una retrospectiva de su obra, que se remonta a sus primeros trabajos como fotógrafo aficionado en 1947. Hay unas 160 fotografías, además de cámaras y otros objetos personales. La exposición recorre la trayectoria de Lorca como artista y profesional de la fotografía, a lo largo de más de 70 años, con una dedicación excepcional, obteniendo varios premios y reconocimientos en Brasil y en el extranjero. 

"Su obra constituye una parte importante de la historia de la fotografía brasileña, acompañando un nuevo movimiento, una nueva forma de expresión fotográfica y los albores de una estética moderna en nuestra fotografía brasileña", afirman los curadore.

A finales de los años 40, Lorca se unió al Foto Cine Clube Bandeirante de São Paulo, hoy objeto de estudio internacional por su vanguardismo. "Cuando la fotografía moderna despegó y revolucionó el panorama brasileño, él destacó por sus cortes y encuadres, tanto al captar la foto como al revelarla", explican Adriana y José Henrique. 

Lorca pasó por una fase llamada "concreta", en la que exploró planos inusuales y ángulos diferentes. En la fotografía publicitaria fue un pionero. Incesantemente en busca de novedades, con audaces búsquedas de color, ángulos atrevidos y temas irreverentes y provocadores, conquistó el mercado publicitario, que apenas comenzaba en Brasil. 

Su carrera ha sido reconocida tanto a nivel nacional como mundial y nunca se ha detenido. Continuó con su atenta mirada, formando a generaciones de fotógrafos que se inspiraron no sólo en su técnica, sino en su afectiva manera de mirar el mundo. "Siempre intemporal, siguió fotografiando hasta los últimos días de su extraordinaria vida", explican los curadores.  

Las ocho nucleos que componen la exposición son: "Lorca en la colección del MoMA", "Primeros tiempos: Foto Cine Clube Bandeirante", "Una mirada libre", "Y se hizo el color", "Nueva York y sus personajes", "La geometría de las sombras", "El tiempo superpuesto" y "El mago de los anuncios".

German Lorca, Mestre da Fotografia é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer (MON), em cartaz na Sala 1. A exposição tem curadoria de Adriana Rede e José Henrique Lorca, filho do fotógrafo.
Dividida em núcleos, apresenta uma retrospectiva de sua obra, incluindo desde seus primeiros trabalhos como fotógrafo amador, em 1947. São cerca de 160 fotografias, além de câmeras e outros itens pessoais. 
A mostra percorre a trajetória de Lorca como artista e profissional na fotografia, por mais de 70 anos, com excepcional dedicação, conquistando diversas premiações e reconhecimento, no Brasil e no exterior. 

Germán Lorca, maestro de la fotografía

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Mais do que comemorar o centenário deste artista curitibano, que é um dos principais nomes das artes do Estado e do País, a mostra “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), passa a ser um local de referência a Poty Lazzarotto.

A partir de agora, certamente, os visitantes do MON, em especial as centenas de estudantes das redes pública e particular que diariamente frequentam o Museu, poderão saber mais e conhecer melhor esse gênio das artes.

Também é uma oportunidade para o espectador se aprofundar na vida e obra de Poty. Ao proporcionar uma imersão em tão vasto conteúdo, reunido aqui, o MON instiga o público a aumentar repertório ao lançar um novo olhar sobre este artista ímpar. 

Recentemente, o Museu incorporou ao seu acervo a maior coleção já doada à instituição: aproximadamente 4 mil obras de arte assinadas por ele. Um recorte disso pode agora ser visto nesta exposição. Assim, o eixo central deste prédio se transforma em palco para as maiores coleções recebidas pelo MON, ao lado das mostras de arte asiática e africana.

A doação da obra de Poty, generosamente feita pela família do artista, trouxe ao Museu, em 2022, mais de 3 mil desenhos e 366 gravuras, além de tapeçarias, entalhes, serigrafias e esculturas. São obras que enriquecem ainda mais o acervo do MON, que nos últimos anos quintuplicou de tamanho, consolidando o Museu como um dos mais importantes da América Latina. 

Ser a instituição que guarda o legado de Poty é motivo de orgulho, alegria e responsabilidade. Nesta mostra, compartilhamos com o visitante um pouco desses sentimentos, traduzidos pelos traços inconfundíveis do artista. Pertencimento aqui tem nome e sobrenome: Poty Lazzarotto.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika 
Diretora-presidente
Museu Oscar Niemeyer

“A alma se expressa com mais claridade através do rosto (Simmel).” Essa profundidade encontramos nos retratos de Poty. São imagens expressivas e agitadas: têm existência real, não há espaço para impessoalidade. Ícones que surpreendem a realidade natural e social, vão do realismo à caricatura. São traços certeiros, linhas econômicas que sintetizam em pequenos detalhes a personalidade do retratado. O macambúzio Bakun contrasta com os enérgicos autorretratos do artista. Poty, ao olhar para si mesmo, revela a individualidade de um homem firme, direto, dado a poucos devaneios – e humano, demasiadamente humano.

Nascido em modesta casa de madeira no Capanema, criado nos trilhos da ferrovia que passava em frente à sua casa, com um pai ferroviário, mãe cozinheira e avô marceneiro, Poty desenvolveu uma paixão pelos trabalhadores humildes acalentada em toda a sua vida, mesmo depois de viver em metrópoles como o Rio de Janeiro e Paris. Seus desenhos e gravuras traduzem a paixão pelo trabalhador, tanto pelo operário no dia a dia do trabalho árduo, em especial o ferroviário, pelas carrocinhas de polaca, pelas vendedoras ambulantes, pelos motoristas dos bondes abertos e pelos donos de botecos, como pelo homem simples no cotidiano: nas festas de igreja, nas sociedades operárias, no Cine Morgenau, no jogo de truco, todos celebrando a vida. O trabalho é visto por Poty muito mais como realização do que penúria e alienação. Encontramos nessa poética do trabalho a energia de São Francisco, os traços corajosos de Goya e a ternura de Käthe Kollwitz. Delicadeza e cunho social, dignidade e humanidade.

Poty celebra a sabedoria indígena que cultua a natureza e os mitos. Colhe, no meio das inúmeras línguas e dos ricos rituais, o artista nato, seja nas cestarias, nos bancos, nos arcos e nas flechas, na pintura corporal, nas máscaras e até nos simples nós e na arquitetura das ocas. Os desenhos de Poty realizados no Alto Xingu, na ainda extensa Floresta Amazônica dos anos 1960 (1967/68), são um elogio à natureza, ao bom selvagem de Rousseau. Fazem jus a essa imaginação intelectual e instintiva transbordante dos nativos.

“O mundo profano é o universo das interdições, enquanto o mundo sagrado corresponde ao das transgressões (Bataille).” Os santos de Poty são muito conhecidos, em especial São Francisco, por ele desenhado, talhado e gravado inúmeras vezes. Os vestígios do sagrado, a comunicação com o transcendental presente na alma de Poty, o conduzem a uma religião no sentido de religar, do latim religare, que celebra o entendimento humano. Desse modo, não precisa necessariamente estar vinculado a uma religião louvando aos deuses para ser religioso. A aura, se existe, é aquela que envolve a ligação ao outro, a prática do humanismo. Inspirado em São Francisco, Poty celebra a natureza e a pessoa humana.

Mergulhar nos desenhos e gravuras de Poty é viajar no cotidiano da provinciana Curitiba. Desde as cenas das carrocinhas das polacas, trabalhadores indo ao ofício de bicicleta, desastres na ferrovia, brigas nos botecos, as enchentes no centro da cidade, os meninos soltando pipas, o Circo dos Irmãos Queirolo e o glorioso regresso de Didi Caillet até a procissão dos meninos correndo atrás do trolley do padre Maurício, que distribuía balas para atrair os pequenos para o Santo Ofício. Também estendeu seu olhar a outras paragens: seus traços escorregam por cenas marítimas da Bahia, pelas igrejas e santos de Ouro Preto, pelas esculturas das catedrais de Chartres e de Paris. Eterno viajante, Poty une a Curitiba nostálgica à descoberta do mundo.

Desde o início da sua atividade artística, Poty sempre foi um narrador, criando imagens para contar histórias. Ainda criança, fez histórias em quadrinhos inspiradas nos modelos norte-americanos; já adolescente, criou imagens de violência e fantasia, inspiradas em autores como Edgar Allan Poe e William Shakespeare. O cinema, também uma forma de narração através de imagens, foi outra influência decisiva na sua obra: ainda criança, frequentava o antigo cinema do Clube Morgenau e depois desenhava as cenas que ficavam marcadas na sua memória. Poty tornou-se ilustrador de livros ainda jovem: desde 1943 e até o fim da vida, ilustrou mais de 170 títulos de autores brasileiros e estrangeiros. Com seu amor pelo cinema, também realizou uma magistral série de desenhos à maneira de cartazes de clássicos do cinema – o desenho como extensão da sétima arte.

“Na galeria dos nossos grandes (mas muito poucos) ilustradores de nossos livros (numerosos, mas ainda muito poucos), nunca a fusão verbo-ícone atinge tão intrínseca adequação: nunca um ilustrador, entre nós, foi tão ilustrador, tão capaz de dizer o que as palavras não sabiam ou não podiam.” (Antônio Houaiss)

O primeiro mural público de Poty foi o da Praça 19 de Dezembro, por ocasião do Centenário da Emancipação do Paraná, em 1953, em estilo mais realista. Desde então, realizou um grande número de obras públicas, que estão presentes em várias cidades brasileiras, tendo chegado também à Europa, com trabalhos no Algarve, em Portugal, e em Paris. Para o artista, os murais públicos eram uma extensão da gravura, pela sua capacidade de levar a sua arte a um público mais amplo. Na sua obra pública, Poty emprega sofisticadas técnicas de montagem e articulação dos elementos figurativos para representar a história humana, o desenvolvimento das cidades, das artes, dos saberes e das tecnologias. Para quem passeia por Curitiba, fica o convite para encontrar, na cidade, os murais de Poty: como a chuva e os pinheiros, eles são parte da paisagem curitibana.

“Cabe a cada menino guardar, para todo o sempre, um instante daquele voo de silêncio e fúria, de ruído e paz...” (Valêncio Xavier)

La exposición “Vías y Trazos – Poty 100 años”, realizada por el Museo Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, una muestra de la donación de 4 mil piezas realizada por la familia del artista al Museo, en 2022. Con curaduría de Maria José Justino y Fabricio Vaz Nunes, celebra el centenario de Poty Lazzarotto (1924-1998).

En la exposición, las obras se organizaron en torno a nueve núcleos temáticos presentes en la trayectoria artística de Poty, representando sus diferentes facetas: el Narrador, el Trabajo, el Xingu, lo Sagrado, la Guerra, la Vida Cotidiana, el Viajero, el Muralista y el Retratista.

Poty, artista curitibano? Não: Poty, artista do mundo. Esta é a premissa desta exposição: mostrar um dos mais importantes artistas de Curitiba em sua dimensão universal. Comemoramos o centenário de nascimento de Poty Lazzarotto trazendo ao público uma ampla seleção das suas obras recentemente doadas ao MON pelo Sr. João Geraldo Lazzarotto, irmão do artista. Nesta mostra, as peças foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na sua obra, representativos das diferentes facetas do artista: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista. Mas Poty, o piá do Capanema que amava o cinema e as histórias em quadrinhos, é ainda mais que tudo isso. Através do desenho, seu principal meio de expressão, abordou os mais variados temas, passou por diferentes estilos, sempre buscando levar a arte ao seu mais importante destino: o povo. Na sua atividade artística incessante e obstinada, deu a ver o mundo real do trabalho e a realidade social; recriou, em imagens, o universo criativo da literatura; em seus murais, plasmou a grande aventura da história universal. Sempre buscando a divulgação popular da arte, foi da gravura à ilustração, do desenho minúsculo ao mural monumental. Na simplicidade do desenho, com a sua visão humana e pungente da experiência humana em todas as suas dimensões, Poty criou um vasto imaginário coletivo: em seus trilhos e traços, viajamos ao mundo.

A exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

MON realiza gran exposición celebrando los cien años de Poty Lazzarotto

El Museo Oscar Niemeyer (MON) presenta la gran exposición “Vías y Trazos – Poty 100 años”, para celebrar el centenario de Poty Lazzarotto (1924-1998). Con curaduría de Maria José Justino y Fabricio Vaz Nunes, la exposición reúne aproximadamente 500 obras, una muestra de la donación de 4 mil piezas que hizo la familia del artista al Museo, en 2022. La inauguración será el día 11/4, a las 19h, en la Sala 6.

"Poty, en su centenario, sigue siendo actual e incomparable, y esta nueva exposición refuerza la importancia del artista para la identidad cultural de Paraná. Estoy segura de que la exposición en el Museo Oscar Niemeyer presentará su obra única a miles de personas y también a las nuevas generaciones", afirma Luciana Casagrande Pereira, Secretaria de Estado de Cultura de Paraná.

“Más que celebrar el centenario de este artista curitibano, que es uno de los principales nombres de las artes en el Estado y el País, la exposición se convierte en un lugar de referencia para Poty Lazzarotto”, afirma la directora-presidente del MON, Juliana Vosnika.

“A partir de ahora, los visitantes del MON, especialmente los cientos de estudiantes de escuelas públicas y privadas que visitan diariamente el Museo, seguramente podrán saber más y conocer mejor a este genio de las artes”, comenta.

La exposición es también una oportunidad para que el espectador profundice en la vida y obra de Poty. “Al proporcionar una inmersión en un vasto contenido, reunido aquí, el MON anima al público a aumentar su repertorio echando una nueva mirada a este artista único”, dice Juliana.

La premisa de la exposición, según los curadores, es ir más allá de las fronteras regionales y presentar a Poty en su dimensión universal. “En su incesante y obstinada actividad artística recreó, en imágenes, el universo creativo de la literatura; en sus murales creó la gran aventura de la historia universal”, informan. “Buscando siempre la difusión popular del arte, pasó del grabado a la ilustración, del diminuto dibujo a los murales monumentales”.

En la exposición, las obras se organizaron en torno a nueve núcleos temáticos presentes en la trayectoria artística de Poty, representando sus diferentes facetas: el Narrador, el Trabajo, el Xingu, lo Sagrado, la Guerra, la Vida Cotidiana, el Viajero, el Muralista y el Retratista. “Pero Poty, el muchacho de Capanema que amaba el cine y los cómics, es aún más que todo eso”, dicen los curadores.

El 29 de marzo, día del aniversario de Curitiba y, casualmente, fecha de nacimiento del artista Poty Lazzarotto – el MON recibió la mayor colección jamás donada a la institución: aproximadamente 4.500 piezas. En el año 2022.

Esta colección cuenta con más de 3 mil dibujos y 366 grabados, además de tapices, tallado, serigrafías y esculturas, entre otros. La donación fue realizada directamente por el hermano del artista, João Lazzarotto.

Son obras que enriquecen aún más la colección del MON, que en los últimos años ha quintuplicado su tamaño, consolidando al Museo como uno de los más importantes de América Latina.

En esta exposición se puede ver una muestra de la amplia colección de Poty.

Así, el eje central del edificio del Museo se convierte en el escenario de las mayores colecciones recibidas por el MON, junto con exposiciones de arte asiático y africano.

Poty Lazzarotto (Curitiba, 1924-1998) siguió su camino a partir el dibujo, para luego profundizar en el grabado, del que se convirtió en maestro, siendo creador del primer curso de grabado en el Museo de Arte de São Paulo (Masp). Gran parte de su producción es biográfica y abarca desde recuerdos infantiles alrededor de vías y vagones de tren hasta registros de tipos de curitibanos y los entornos que ellos habitan.

Poty es directo y contundente en sus dibujos y grabados. Fue con esta característica espontánea que ilustró varias obras de la literatura brasileña, como Os sertões, de Euclides da Cunha, y Grande Sertão: Veredas, de Guimarães Rosa. Tampoco podía dejar de dar vida a los controversiales curitibanos retratados en las historias de otro ícono paranaense, Dalton Trevisan.

Como si su presencia en la literatura no fuera suficiente, Poty dejó su huella en toda Curitiba a través de sus monumentos o paneles de azulejos y concreto visto, práctica que comenzó con el panel “Desarrollo Histórico de Paraná”, de 1953, en la Plaza 19 de Dezembro. Otros ejemplos de esta producción son los paneles de la calle Nestor de Castro, en los que muestra, por un lado, el escenario de una Curitiba que ya no existe, y, por el otro, la evolución de la ciudad, surgida en medio del pinar, habitada por inmigrantes, y que se destaca en el ámbito del urbanismo.

La colección donada al Museo Oscar Niemeyer abarca toda esta producción. En ella podemos encontrar originales tantas veces reproducidos en libros y otras publicaciones sobre el artista, entramos en contacto con los dibujos realizados por él en su expedición al Xingu, en 1967, y nos adentramos en la intimidad de un Poty casi desconocido. Además, todavía encontramos bocetos, proyectos y estudios, y podemos ver la evolución del trazo, desde su juventud hasta su madurez. De este modo, la colección constituye un verdadero material etnográfico sobre el artista.

Donada al MON por la familia de Poty Lazzarotto, la colección se compone también, por supuesto, de obras consumadas, dibujos, xilografías, litografías, grabados en metal, tallado en madera y bloques de concreto: miles de piezas que dan claro testimonio de la versatilidad del artista. 
A través de Poty, tomamos conciencia del arte que se hacía y se hace en Paraná.

Preservar no sólo el legado de este artista, sino su memoria, es ante todo un deber, una tarea asumida y realizada adecuadamente, ahora, por el Museo Oscar Niemeyer.

A exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

Na mostra, as obras foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na trajetória artística de Poty, representativos das suas diferentes facetas: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista.  

rilhos e Traços – Poty 100 anos

Ao realizar esta inédita exposição do brasileiro Efrain Almeida, o Museu Oscar Niemeyer traz um jardim para o interior da sala expositiva. Aqui certamente haverá uma troca silenciosa entre artista e visitante.

Com seus pássaros, casas, ninhos, árvores e diversos outros animais, Efrain nos conecta a uma natureza íntima, o que pode ser um antídoto ao esquecimento e às efemeridades contemporâneas. Esculturas, instalações, pinturas e bordados evocam cenas simples que nos fazem entrar em contato com a nossa essência.

Cada obra ganha significado próprio a partir do olhar singular do espectador, confirmando a vocação mais genuína do fazer artístico: a de provocar reflexão.

 Seu trabalho intimista e simbólico é sempre sensível. Atento, transforma imagens banais em inquietante arte. De maneira inusitada, demonstra nas obras o que muitas vezes escapa aos nossos apressados olhares. 

O MON tem o propósito de sensibilizar as pessoas pela arte. Ao oferecer experiências múltiplas, como a apresentação do interessante trabalho desse artista, propicia ao espectador uma leitura mais plural sobre si mesmo e sobre o mundo. 

Numa feliz coincidência, a exposição “O Jardim” acontece simultaneamente à instalação do projeto “MON sem Paredes”, em que o Museu rompe o seu limite físico. Com um parque de esculturas interativas na área externa, o MON abraça o público e o convida a entrar.

Maior museu de arte da América Latina, com 35 mil metros quadrados de área construída, o prédio do MON é resultado de uma ousada proposta desenhada pelo mestre Niemeyer. 

Transformado em museu, o que seria apenas um edifício, é um espaço vivo, habitado pela arte. E, para que seu conteúdo jamais esteja aquém da beleza do prédio, que é imensa, é preciso sempre encantar o público. Esse é o papel de exposições como esta. 

Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

MON realiza exposición inédita del artista Efrain Almeida

La exposición “El Jardín – Efrain Almeida”, realizada por el Museo Oscar Niemeyer (MON), se inaugurará el día 20/06, en la Sala 2. Son alrededor de 40 obras que incluyen esculturas, instalaciones, pinturas y bordados, en una muestra de diferentes periodos de la producción del artista. La curaduría es de Bitu Cassundé.

Desarrollada especialmente para el MON, la exposición sitúa la naturaleza como centro y destaca núcleos que activan las dimensiones de lo sagrado, lo cotidiano y la vida, utilizando la metáfora del jardín, un territorio de recuerdos y afectos originados en la casa de los padres del artista, en el interior de Ceará.

A exposição monográfica O Jardim apresenta um recorte de diferentes períodos da produção do artista cearense Efrain Almeida. Desenvolvida especialmente para o Museu Oscar Niemeyer (MON), a exposição traz a natureza como centro e evidencia núcleos que acionam as dimensões do sagrado, do cotidiano e da vida, recorrendo à metáfora do jardim — um território de memórias e afetividades oriundas da casa dos pais do artista, no Sítio Olho d'Água dos Facundos, na cidade de Boa Viagem, no sertão do Ceará. O conjunto apresentado compreende também a transição que se estabelece nos projetos escultóricos do artista, da produção em madeira ao bronze, além de contemplar outras técnicas trabalhadas por ele, como pintura, bordado e desenho.

A exposição dá prosseguimento à pesquisa que se inicia em 2020 e se desdobra no documentário “Ensaio para outros Instantes” (2021) e na exposição Encarnado (2023), apresentada no Centro Cultural do Cariri, no Crato (CE). Ambos os trabalhos discutem o corpo, o sagrado e o território a partir de Canindé e Juazeiro do Norte, importantes centros religiosos daquele estado.

Nesse novo momento, O Jardim se debruça sobre o gesto biográfico que se anuncia por meio de uma fauna e de uma flora íntimas de um corpo-natureza — em que diferentes ciclos compõem as relações que se estabelecem entre a sobrevivência e a existência, entre a vida e a morte, entre a camuflagem e o mimetismo. Cardeais, beija-flores, mariposas e corrupiões materializam deslocamentos, trânsitos, fluxos e o desejo de sobrevivência em outras paisagens, processos de um corpo-pássaro que se relacionam à vida de tantos corpos migratórios Brasil adentro. São ações e processos naturais que se organizam com o objetivo único de estabelecer um modo de existir e de coexistir.

Lugar de articulação de uma intrincada trama biológica — onde o sistema de hábitos e repetições coexistem num jogo de trocas, acordos e diálogos —, o jardim de Efrain Almeida alia a dimensão biográfica às relações entre vida e arte tão fecundas no território poético do artista. Aqui os lugares mais simples são potenciais espaços para as grandes transformações que o tempo inteiro vemos presentes na natureza, onde tudo se renova, reinventa, reproduz e regenera.

Bronze e óleo
8 x 11 x 9 cm
Edição de 3 + 2 AP, 3/3
Coleção do artista

"Pensar en la naturaleza a través del arte es una magnífica manera de concientizar a las personas sobre su importancia, y Efrain Almeida desarrolla una obra poética en torno a este tema como pocos", afirma la Secretaria de Estado de Cultura, Luciana Casagrande Pereira. “Es un honor para Paraná recibir, en el MON, esta exposición individual que seguramente nos conmoverá y nos conectará no sólo con la naturaleza, sino también con la cultura popular del interior de Brasil", comenta.

La directora presidente del MON, Juliana Vosnika, explica que con esta exposición sin precedentes, el Museo Oscar Niemeyer incorpora un jardín a la sala de exposiciones. “Aquí seguramente habrá un intercambio silencioso entre artista y visitante”, afirma.

Ella destaca que, “en una feliz coincidencia”, la exposición “El Jardín” se realiza simultáneamente con la instalación del proyecto “MON sin Paredes”, en el que el Museo rompe su límite físico. Con un parque de esculturas interactivas en el área exterior, MON abraza al público y lo invita a entrar.

“Con sus pájaros, casas, nidos, árboles y diversos animales más, Efrain nos conecta con una naturaleza íntima, que puede servir como antídoto al olvido y lo efímero contemporáneo. Esculturas, instalaciones, pinturas y bordados evocan escenas sencillas que nos hacen entrar en contacto con nuestra esencia”, afirma Juliana.

El curador Bitu Cassundé explica que la exposición, además de presentar diferentes períodos de la producción de Efrain, también abarca la transición que se establece en los proyectos escultóricos del artista. “Abarca desde la producción de madera hasta el bronce, además de abarcar otras técnicas que trabajó, como la pintura, el bordado y el dibujo”, comenta.

La exposición continúa la investigación iniciada en 2020 y se desarrolla en el documental “Ensayo para otros instantes” (2021) y la exposición Encarnado (2023), presentada en el Centro Cultural do Cariri, en Crato (CE). “Ambas obras abordan el cuerpo, lo sagrado y el territorio de Canindé y Juazeiro do Norte, importantes centros religiosos de ese estado”, informa Cassundé.

Las exposiciones individuales recientes de Efrain Almeida incluyen “Encarnado”, Centro Cultural do Cariri Sérvulo Esmeraldo – Crato (2023); “El Sexto Día”, Museo de Arte Sacro de São Paulo – São Paulo (2022); “La Memoria de la Mano”, MCO Arte Contemporânea – Porto, Portugal (2018) y “Trance”, James Harris Gallery – Seattle, Estados Unidos (2017). También participó de exposiciones colectivas: “Nunca solo esta mente, nunca solo este mundo”, Carpintaria – Río de Janeiro (2023); “I Could Eat You”, Fortes d’Aloia & Gabriel + Madragoa + CLEARING, Casa da Cultura da Comporta – Comporta, Portugal (2022); “Crónicas cariocas”, Museo de Arte do Rio (MAR) – Río de Janeiro (2022) y “Engraved Into the Body”, Tanya Bonakdar Gallery – Nueva York, Estados Unidos (2021).

Efrain Almeida tiene obras en importantes colecciones públicas, entre ellas Caixa Geral de Depósitos (Culturgest) – Lisboa, Portugal; Centro Gallego de Arte Contemporáneo (CGAC) – Santiago de Compostela, España; Fundación ARCO – Madrid, España; Instituto Inhotim – Brumadinho; Museo de Arte Contemporáneo de Niterói (MAC) – Niterói; Museo de Arte Moderno Aloísio Magalhães (MAMAM) – Recife; Museo de Arte Moderno de São Paulo (MAM) – São Paulo; Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro (MAM Rio) – Río de Janeiro; Museum of Modern Art (MoMA) – Nueva York; Pinacoteca del Estado de São Paulo – São Paulo; Toyota Municipal Museum of Art – Toyota Aichi, Japón; y The Polyclinic – Seattle.

El Museo Oscar Niemeyer (MON) es un patrimonio estatal vinculado a la Secretaría de Estado de Cultura. La institución alberga importantes referentes de la producción artística nacional e internacional en las áreas de artes visuales, arquitectura y diseño, además de grandes colecciones asiáticas y africanas. En total, la colección cuenta con aproximadamente 14 mil obras de arte, alojadas en un espacio de más de 35 mil metros cuadrados de área construida, lo que convierte al MON en el museo de arte más grande de América Latina.

Exposición “El Jardín – Efrain Almeida”
A partir del 20/06
Sala 2
www.museuoscarniemeyer.org.br

La exposición “El Jardín – Efrain Almeida”, realizada por el Museo Oscar Niemeyer (MON), se inaugurará el día 20/06, en la Sala 2. Son alrededor de 40 obras que incluyen esculturas, instalaciones, pinturas y bordados, en una muestra de diferentes periodos de la producción del artista. La curaduría es de Bitu Cassundé.

Desarrollada especialmente para el MON, la exposición sitúa la naturaleza como centro y destaca núcleos que activan las dimensiones de lo sagrado, lo cotidiano y la vida, utilizando la metáfora del jardín, un territorio de recuerdos y afectos originados en la casa de los padres del artista, en el interior de Ceará.

El Jardín – Efrain Almeida

A subjetividade da obra de Elizabeth Jobim nos leva a um passeio que inclui desenhos, pinturas, costuras e tridimensionalidade. De maneira poética, sem necessidade das palavras, ela nos fala sobre o tempo e o acaso. Com sua obra, evoca reflexões profundas.

Nesta nova realização do Museu Oscar Niemeyer (MON), “O Tempo das Pedras”, o visitante tem a oportunidade de ver de perto várias décadas reunidas no trabalho desta que é uma das mais importantes artistas visuais contemporâneas.

São mais de cem obras com variadas técnicas, como nanquim, grafite ou acrílica sobre papel; óleo sobre tela; tecido e óleo sobre linho costurado; carvão sobre papel e concreto pigmentado, madeira e granito, entre outras, o que demonstra sua versatilidade e domínio.

Com dezenas de exposições individuais e participações em coletivas, dentro e fora do Brasil, Elizabeth Jobim possui obras espalhadas pelo mundo. Seus trabalhos estão em coleções públicas de instituições como o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio), o Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM), o Museu de Arte do Rio (MAR), a Pinacoteca do Estado de São Paulo e The Bronx Museum (Nova York).

Sua trajetória teve início nos idos de 1980, ao participar da histórica exposição “Como Vai Você, Geração 80?”, no Parque Lage, e segue em curva ascendente até a atualidade. Muitos pontos altos desse caminho podem ser vistos agora reunidos nessa exposição.

Num sutil diálogo entre arquitetura e arte, sua obra ganha ainda mais potência aqui, abrigada num dos mais icônicos prédios projetados pelo gênio Oscar Niemeyer. Por vocação, o MON se dedica às artes visuais, à arquitetura e ao design. Ao realizar exposições tão significativas como esta, está cumprindo o seu papel.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika 
Diretora-Presidente
Museu Oscar Niemeyer

La exposición “Elizabeth Jobim – El Tiempo de las Piedras”, realizada por el Museo Oscar Niemeyer, ofrece a los visitantes la oportunidad de conocer la obra de varias décadas de una de las más importantes artistas visuales contemporáneas.

En diálogo con la arquitectura, el uso de diferentes materiales en los lienzos, esculturas en granito y cemento pigmentado revelan la implicación del público con los colores.

Son más de cien obras que reúnen diversas técnicas, como la tinta, el grafito o el acrílico sobre papel; óleo sobre lienzo; tela y óleo sobre lino cosido; carboncillo sobre papel y concreto pigmentado, madera y granito. La curaduría es de Taisa Palhares.

A exposição “Elizabeth Jobim – O Tempo das Pedras” reúne pela primeira vez uma parte significativa dos trabalhos da artista carioca Elizabeth Jobim, dos desenhos realizados nos anos 1980 até a produção mais recente, com a intenção de evidenciar a singularidade de sua poética. Na primeira sala, encontram-se as séries Laocoonte e Rapto das Sabinas (1987-1989), que surgem no contexto da “Geração 80” e se destacam pela gestualidade solta aliada ao movimento simultâneo de construção e desconstrução das figuras, em que a artista capta a tridimensionalidade pela fragmentação do corpo no espaço. O mesmo exercício perceptivo subjaz aos pequenos desenhos e pinturas de pedras e tubos de tinta, assim como na montagem organizada a partir de partes ou fragmentos de pedras desenhadas com tinta acrílica azul a se expandir pela parede. 

Na sequência, é remontada a pintura-mural Aberturas, que Jobim realizou a convite da V Bienal do Mercosul (2005). Um marco em sua trajetória, a instalação explora as relações entre a percepção, a linha gráfica e o limite dos objetos em embate com o próprio espaço arquitetônico. Desde então, seu trabalho dialoga explicitamente com a arquitetura, muitas vezes rompendo os limites entre desenho, escultura e pintura, como no conjunto Blocos (2013). O elemento fragmentado da percepção reaparece na impossibilidade de reter uma visão única das pinturas com volumes que dialogam com o branco da parede, a sugerir simultaneamente a continuidade e a descontinuidade do olhar.  

Na última sala, o exercício de observação e equilíbrio reaparece nas esculturas recentes em pedra e cimento pigmentado. Na qualidade de matéria mineral, as pedras são a imagem do tempo e do acaso, posto que suas formas nunca se repetem e resultam de um processo lento de solidificação. Por fim, são expostas as últimas telas costuradas em tecido realizadas por Jobim, nas quais a linha gráfica transforma-se no fio que amalgama cores e texturas dissonantes. 

2001
Nanquim sobre papel
163 x 124 x 3,5 cm

2016
Óleo sobre linho
110 x 440 x 4,5 cm (quatro partes)

1997
Nanquim sobre papel
147 x 200 x 5 cm

1987 - 1989
Paintstick sobre papel (óleo)
140 x 100 cm

MON realiza exposición de la artista Elizabeth Jobim

En la exposición “Elizabeth Jobim – El Tiempo de las Piedras”, la más reciente exposición del Museo Oscar Niemeyer (MON), los visitantes tienen la oportunidad de conocer la obra de varias décadas de una de las más importantes artistas visuales contemporáneas.

La exposición se inaugurará el 25 de abril, en la Sala 3, con curaduría de Taisa Palhares. Son más de cien obras con diversas técnicas, como la tinta, el grafito o el acrílico sobre papel; óleo sobre lienzo; tela y óleo sobre lino cosido; carboncillo sobre papel y concreto pigmentado, madera y granito.

"Elizabeth Jobim es una referencia para muchas generaciones de artistas, y su exposición en el Museo Oscar Niemeyer ofrecerá sin duda un amplio panorama de sus producciones a lo largo de una extensa e importante trayectoria", afirma la Secretaria de Estado de Cultura, Luciana Casagrande Pereira. “Una oportunidad imperdible para entrar en contacto con la obra de una de las artistas más importantes del escenario contemporáneo nacional e internacional”, destaca.

Según la directora-presidente del MON, Juliana Vosnika, “la subjetividad de la obra de Elizabeth Jobim nos lleva a un viaje que incluye dibujos, pinturas, costura y tridimensionalidad”, afirma. “De manera poética, sin necesidad de palabras, nos habla del tiempo y del azar; su obra evoca profundas reflexiones”, señala.

Con decenas de exposiciones individuales y participaciones en muestras colectivas, dentro y fuera de Brasil, Elizabeth Jobim tiene obras repartidas por todo el mundo. Sus obras se encuentran en colecciones públicas de instituciones como el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro (MAM Rio), el Museo de Arte Moderno de São Paulo (MAM), el Museo de Arte de Río (MAR), la Pinacoteca del Estado de São Paulo y The Bronx Museum of the Arts (Nueva York).

Su carrera comenzó en 1980, cuando participó de la histórica exposición “Como Vai Você, Geração 80?”, en el Parque Lage, y continúa en una curva ascendente hasta el día de hoy. Muchos aspectos destacados de este camino se pueden ver en la exposición “El Tiempo de las Piedras”.

“Mi interés se orienta en torno a un eje que es el paso del espacio al plano y viceversa”, explica la artista. “El trabajo parte, en los años 1980, del diseño de observación de esculturas, que repercutirán en las grandes instalaciones con pinturas en el espacio, en las que el público es envuelto por el color”, dice Elizabeth Jobim.

Ella informa que, en los bloques, el pigmento se materializa en el espacio, en diálogo con la arquitectura. En la última sala, se produce una conversación entre diferentes materiales tanto en los lienzos cosidos como en las esculturas en granito y cemento pigmentado. “El ‘Tiempo de las Piedras’ impregna todo este recorrido, con la acertada elección de la curadora Taisa Palhares”, concluye.

Elizabeth Jobim nació en 1957, en Río de Janeiro. Se graduó en Comunicación Visual en la Pontificia Universidad Católica de Río de Janeiro (PUC-Rio), en 1981, y obtuvo su maestría en Artes Plásticas (MFA) en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. Fue profesora de Dibujo y Pintura en la Escuela de Artes Visuales del Parque Lage (Río de Janeiro), en 1994 y 2010.

Entre sus exposiciones colectivas se destacan: Salão Nacional de Artes Plásticas, en el MAM Rio (Río de Janeiro, 1982/1983); Como Vai Você, Geração 80?, en el Parque Lage (Río de Janeiro, 1984); Rio Hoje, en el MAM Rio (Río de Janeiro, 1989); Panorama da Arte Atual Brasileira, en el MAM (São Paulo, 1990); Arte Contemporânea Brasileira, en la Galería Nacional de Bellas Artes (Beijing, China, 2001); Caminhos do Contemporâneo – 1952/2002, en el Palacio Imperial (Río de Janeiro, 2002) y 5ª Bienal do Mercosul (Porto Alegre, 2005); Art in Brasil 1950-2011 – Europalia 2011, en el Palais des Beaux-Arts, (Bruselas, 2011); (de)(re)construct, en el Bronx Museum of the Arts (Nueva York, 2015); Mulheres na Coleção, en el MAR (Río de Janeiro, 2018).

Entre las exposiciones individuales se encuentran: Pinturas e Desenhos, en la Galería Raquel Arnaud (São Paulo, 1997); Aberturas, en el Palacio Imperial (Río de Janeiro, 2006); Endless Lines, en la Lehman College Art Gallery (Nueva York, 2008); Em Azul, en la Estación Pinacoteca, (São Paulo, 2010); Blocos, en el MAM Rio (Río de Janeiro, 2013); In This Place, Henrique Faria Fine Art (Nueva York, 2017); Ensaios, Galería Raquel Arnaud (São Paulo, 2018); Jazida, Museu do Açude (Río de Janeiro, 2018), Variações, en el Palacio Imperial (Río de Janeiro, 2019); Frestas, Lurixs (Río de Janeiro, 2019).

Elizabeth Jobim - O Tempo das Pedras

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Domício Pedroso's artistic career is marked by erudition and diversity: cultural animator, regional director of Funarte, exhibition photographer, curator, and, fundamentally, painter and engraver. Deep in the language of painting, a specialist in engraving, and a pioneer in artistic and commercial screen printing, he taught different techniques and worked on planning and assembling exhibitions (expography), in addition to carrying out brilliant curations.

This exhibition aims to provide a retrospective of his artistic production and his role in Brazilian cultural life. The exhibition highlights the artistic energy of paintings, drawings, and prints on themes from Seas to Favelas and Urban Agglomerates (in which the artist achieves a certain degree of abstraction). It covers his vast artistic production, from the 1950s to recent times, revealing the singularity of Domício's poetics, originally constructed in the gap between realism, cubism, and abstraction.

"Domício Pedroso, a Tessitura Urbana como Poesia" es la nueva exposición del Museo Oscar Niemeyer. Curada por Fernando Bini y Maria José Justino, la exposición reúne alrededor de 85 obras que presentan una muestra representativa de la vasta producción del artista. Expuesta en la Sala 7.
La exposición se divide en cuatro áreas: "París y los viajes, las marinas", "Autorretratos y retratos", "Caserones y villas" y "Nueva figuración: caminos hacia la abstracción". Las obras presentan una gran variedad de técnicas, como óleo sobre lienzo, sobre plancha y sobre papel; serigrafía, tinta sobre papel y acrílico sobre lienzo.

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