Adriana Almada, Tereza de Arruda, Ferran Barenblit, Margarida Saraiva, Windy Lv, Xiao Ge, Massimo Scaringella, Antonella Pisislli, Royce W. Smith

Un año más, el museo de arte más grande de Latinoamérica abre sus puertas para acoger la Bienal Internacional de Curitiba, que celebra su 16.ª edición, con el Museo Oscar Niemeyer como sede principal. Esta edición busca abordar temas de actualidad relevantes, como los límites de la tecnología en nuestras vidas y las fronteras entre lo físico y lo digital, presentando el arte como un espacio para la reflexión.

Importantes artistas de diversos países y continentes comparten sus visiones del mundo contemporáneo en exposiciones que invitan a la reflexión y que se desarrollan simultáneamente en diferentes espacios del MON.

Un año más, el museo de arte más grande de Latinoamérica abre sus puertas para acoger la Bienal Internacional de Curitiba, que celebra su 16.ª edición, con el Museo Oscar Niemeyer como sede principal. Esta edición del evento busca abordar temas de actualidad relevantes, como los límites de la tecnología en nuestras vidas y las fronteras entre lo físico y lo digital, presentando el arte como un espacio para la reflexión.

Importantes artistas de diversos países y continentes comparten sus visiones del mundo contemporáneo en exposiciones que invitan a la reflexión y que se desarrollan simultáneamente. Una de las propuestas más destacadas es la de la artista japonesa Chiharu Shiota, quien aborda con maestría los espacios entre presencia y ausencia, memoria e imaginación, cuerpo y arquitectura.

Para el emblemático Ojo del MON (Museo Oscar Niemeyer), propone una serie de instalaciones originales concebidas especialmente para el lugar, transformándolo en una experiencia inmersiva. Miles de autorretratos enviados por el público a través de cartas, al ser expuestos, conforman una red física en la que los visitantes se topan con esta paradoja.

Su poderosa obra, al igual que la de otros artistas asiáticos que participan en la Bienal, dialoga con la colección del MON procedente de ese continente. Si la colección es el alma del museo, el mayor reto para una institución es mantenerla viva, activa y en constante intercambio con el público. Entendemos que algunas de las obras presentadas por la Bienal, que retratan diversas culturas del continente asiático, encuentran eco en nuestra inmensa e importante colección de arte asiático.

El visitante percibirá que existe un objetivo común entre el MON y la Bienal: trascender muros y fronteras, ya sean espaciales, temporales o materiales. De este modo, tenemos aquí una oportunidad única. 

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Presidenta-Directora del Museo Oscar Niemeyer

Un año más, el museo de arte más grande de Latinoamérica abre sus puertas para acoger la Bienal Internacional de Curitiba, que celebra su 16.ª edición, con el Museo Oscar Niemeyer como sede principal. Esta edición busca abordar temas de actualidad relevantes, como los límites de la tecnología en nuestras vidas y las fronteras entre lo físico y lo digital, presentando el arte como un espacio para la reflexión.
Importantes artistas de diversos países y continentes comparten sus visiones del mundo contemporáneo en exposiciones que invitan a la reflexión y que se desarrollan simultáneamente en diferentes espacios del MON.

Un año más, el MON se convierte en la sede principal de la Bienal de Curitiba.

Con tres décadas de historia, la Bienal Internacional de Curitiba inaugura su 16.ª edición el 14 de junio en el Museo Oscar Niemeyer y en diversos espacios culturales de la ciudad, reuniendo a más de 300 artistas de 38 países de los cinco continentes en un amplio programa de exposiciones, instalaciones, performances y acciones urbanas. Bajo el lema “UMBRALES”, con curaduría de Adriana Almada y Tereza de Arruda, la Bienal propone reflexiones sobre las transformaciones del mundo contemporáneo y las fronteras cada vez más difusas entre lo humano y lo tecnológico, lo natural y lo artificial, lo físico y lo digital.

“Más que un concepto, UMBRALES es una actitud curatorial: habitar la frontera, permanecer en el espacio intermedio, crear a partir de la incertidumbre, generar nuevos caminos”, afirman las curadoras Adriana Almada y Tereza de Arruda.

Reconocida como una de las plataformas líderes del arte contemporáneo en Latinoamérica, la Bienal reafirma en esta edición su papel como espacio de intercambio internacional, experimentación estética y reflexión crítica sobre el presente. El programa se extiende hasta el 15 de noviembre de 2026 y reúne a artistas, investigadores, científicos y estudiantes en proyectos que articulan pintura, instalación, performance, inteligencia artificial, videoarte, fotografía, arte sonoro y experiencias de realidad aumentada.

El núcleo principal de la Bienal se desarrolla en el Museo Oscar Niemeyer (MON), aliado histórico de la exposición y espacio inseparable de su trayectoria. La Bienal ocupará el Ojo, la Torre, la Rampa, cinco salas de exposición y espacios interconectados, profundizando una relación construida a lo largo de más de dos décadas y marcada por exposiciones emblemáticas de arte contemporáneo internacional.

A lo largo de su historia, el MON ha acogido momentos significativos de la Bienal, como la performance de Marina Abramović en 2009; la importante exposición de arte cinético de Julio Le Parc en el Ojo en 2015; la exposición colectiva de artistas chinos en 2017; y la presentación de la icónica escultura “Araña” de la artista franco-estadounidense Louise Bourgeois en 2019.

“Una vez más, el museo de arte más grande de Latinoamérica abre sus puertas para acoger la Bienal Internacional de Curitiba, que celebra su 16.ª edición y tiene como sede principal el Museo Oscar Niemeyer”, comenta la directora general del MON, Juliana Vosnika.

El punto culminante de esta edición será la exposición “Poética de la Memoria y la Materia”, con curaduría de Tereza de Arruda y que presenta a Chiharu Shiota, una de las figuras más importantes del arte contemporáneo a nivel mundial. Reconocida por sus instalaciones inmersivas construidas con cables, objetos cotidianos y arquitectura emocional, la artista ocupará los espacios Ojo, Araucária 1 y Araucária 2 del MON (Museo de Arte Contemporáneo) con cuatro nuevas obras específicas para el lugar, concebidas especialmente para Curitiba. La instalación principal utilizará aproximadamente 300 kilómetros de cable —una distancia equivalente al viaje entre Curitiba y Florianópolis—, convirtiéndose así en la mayor instalación específica para un sitio que la artista haya creado en Sudamérica.

“Su poderosa obra, al igual que la de otros artistas asiáticos que participan en la Bienal, también dialoga con la colección de ese continente perteneciente al MON”, añade Juliana.

La Bienal lanzó una convocatoria pública internacional para integrar cartas, dibujos y relatos personales enviados por el público en la obra de Shiota, una iniciativa que ya ha movilizado a cientos de participantes. En diálogo con la poética de la artista japonesa afincada en Berlín, la Torre MON reunirá obras de artistas brasileños como Iêda Jardim, André Azevedo, Evandro Soares, James Kudo, Luiz Mauro y Marina Camargo. 

También participa en UMBRALES el reconocido artista español Max Esteban, cuya producción artística se centra en la crítica de la condición humana frente a la tecnología a través de la fotografía y el videoarte. Otro artista contemporáneo que se dará a conocer al público en el MON es el artista chino Xia Hang, reconocido por sus esculturas mecánicas interactivas de acero inoxidable pulido, que fusionan la estética ciberpunk con el concepto lúdico de "juguetes para adultos".

El texto curatorial de la 16.ª Bienal está firmado por Adriana Almada y Tereza de Arruda. La edición se estructura en torno a diferentes ejes curatoriales, desarrollados por un equipo internacional de curadores invitados que articulan sus propios núcleos expositivos, a menudo conectados entre sí por similitudes conceptuales, territoriales y tecnológicas.

La crítica de arte, escritora y editora argentina radicada en Paraguay, Adriana Almada, es reconocida por su sólida labor de investigación sobre el arte latinoamericano contemporáneo. Exvicepresidenta de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA) en París, fue condecorada por el gobierno francés con la Orden de las Artes y las Letras. Compartiendo la dirección curatorial de la Bienal, la historiadora de arte brasileña Tereza de Arruda aporta la experiencia de una persona que ha residido entre São Paulo y Berlín desde 1989, con proyectos consolidados en Europa, Asia y América, y participación en la Bienal de La Habana.

Entre los curadores invitados se encuentra el hispano-argentino Ferran Barenblit, conocido internacionalmente por sus análisis sobre el papel político y social de las instituciones culturales. Exdirector del MACBA de Barcelona, Barenblit comparte la curaduría de la exposición "Cartografía Provisional" del artista español Max Esteban en el MON con Adriana Almada.

La conexión con la producción asiática contemporánea se establece con los curadores chinos Xiao Ge y Windy Lv, quienes aportan a la Bienal una perspectiva marcada por el rigor histórico y conceptual. En el MON, proponen reflexiones sobre el entorno, la temporalidad y las transformaciones de la experiencia contemporánea a través del diálogo entre el arte, la tecnología y la cultura visual del este de Asia.

Con experiencia en la Bienal del Fin del Mundo (Argentina) y reconocido por descubrir y promover nuevos talentos de las generaciones emergentes, el italiano Massimo Scaringella cura la sección "Rifracciones" junto a Antonella Pisislli. Esta exposición de videoarte reúne a artistas mujeres de la Guayana Francesa, África y Albania.

Por su parte, el estadounidense Royce W. Smith, actual decano de la Facultad de Artes de la Universidad Estatal de California, Long Beach, cura la sección "Camuflajes", una investigación colectiva sobre la percepción, la tecnología, el ocultamiento y la construcción de la realidad contemporánea.

Una Bienal que se extiende por toda la ciudad.

Además del MON, el programa ocupa más de diez instituciones culturales en Curitiba. Entre ellos se encuentran el Museo Paranaense (MUPA), el Museo de la Imagen y el Sonido de Paraná (MIS-PR), el Museo Alfredo Andersen, el Museo de Fotografía, el Museo del Grabado – Memorial de Curitiba, el Museo de Arte Indígena y el Museo Municipal de Arte (MuMA).

Esta presencia urbana, anticipada por la Semana del Arte de Curitiba y el Circuito Universitario de la Bienal de Curitiba (CUBIC5), también se manifiesta en el sistema de transporte público de Curitiba, un referente internacional en movilidad urbana. La Bienal promoverá actividades en 22 terminales de autobuses, 300 paradas de autobús urbano y más de 1000 autobuses de la ciudad. Durante todo el programa, hasta el 15 de noviembre, se exhibirán obras de videoarte con curaduría de Flavio de Carvalho en las pantallas del sistema integrado, mientras que acciones de realidad aumentada ocuparán terminales y estaciones de metro. Este programa comienza el 16 de julio.

La 16.ª Bienal Internacional de Curitiba está organizada por el Ministerio de Cultura del Gobierno Federal, en representación del pueblo brasileño, el Ministerio de Cultura (MON), el Ministerio de Cultura y Asuntos Culturales de Paraná (MAC Paraná) y el Festival de Paraná, dependientes de la Secretaría de Cultura del Estado (SEEC) del Gobierno de Paraná. Cuenta con el apoyo de la Fundación Cultural de Curitiba (FCC) y la Alcaldía de Curitiba.

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16ª Bienal Internacional de Curitiba

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Transforma un árbol en leña que arderá; pero nunca más te dará flores y frutos. Rabindranath Tagore (1861–1941)

Estrechando lazos institucionales, el Museo Oscar Niemeyer recibió una importante donación de obras africanas de la Colección Ivani y Jorge Yunes con cerca de 2.000 objetos – son máscaras, estatuillas, instrumentos musicales y una gran variedad de otras obras de las cuales estas son solo una selección.

Como parte de las conmemoraciones de la temporada cultural Francia-Brasil, el Museo presenta, en este momento, intervenciones ligadas a Francia y a su región ultramarina, la Martinica. En diálogo con el acervo, cada intervención posee formas, gestos y narrativas propias.

De un lado, la instalación de video-arte "Presencias: Cuerpos, Objetos y Memorias", con curaduría de la especialista franco-beninense Nadine Hounkpatin, reúne videos de las artistas Tuli Mekondjo de Namibia y de la franco-camerunesa Josèfa Ntjam. Las obras fusionan filosofía, tecnología y espiritualidad africanas, reimaginando la herencia negra como un agente vivo de memoria y resistencia.

Con apoyo de la Colección Ivani y Jorge Yunes, la artista Rayana Rayo y el curador José Eduardo, del Acervo da Laje (Bahia) realizaron una residencia artística en Martinica, también en asociación con el Instituto Tomie Ohtake (SP) y el Glissant Art Fund. La experiencia partió de los conceptos de errancia, criollización y relación, formulados por el filósofo Édouard Glissant.

Las obras afro-brasileñas de César Bahia (Salvador), que reverberan la herencia formal y simbólica de las culturas africanas, y las pinturas de Rayana Rayo (Recife), que investigan recipientes como metáforas del cuerpo y del abrigo, crean zonas de intersección entre territorialidades y temporalidades. Estas "Errancias entre Brasil, Francia, África y Caribe" articulan memoria, origen y desplazamiento, proponiendo una escucha ampliada del legado africano y de sus desdoblamientos en el contexto brasileño.

África, Expresiones Artísticas de un Continente

La intervención "Presencias: Cuerpos, Objetos y Memorias", con curaduría de Nadine Hounkpatin y Renato Araújo, pone en diálogo artefactos africanos ancestrales donados por la Colección Ivani y Jorge Yunes al Museo Oscar Niemeyer con obras en vídeo de Josèfa Ntjam y Tuli Mekondjo. El proyecto explora las relaciones entre metamorfosis, memoria e identidad, reactivando vestigios visibles e invisibles de la herencia africana. Las obras contemporáneas insuflan nueva vitalidad en los objetos antiguos, que pasan a actuar como mediadores de narrativas y futuros posibles. Más que un encuentro estético, Hounkpatin reflexiona sobre el estatus del arte africano en los museos, cuestionando propiedad, transmisión y la noción de patrimonio compartido. Al dar voz a artistas contemporáneos, se construye un puente entre pasado y presente, memoria colectiva y creación viva.

"Mélas de Saturne", de Josèfa Ntjam (Francia/Camerún), es un vídeo especulativo que explora las historias de la diáspora negra bajo una lente post-humana. Un avatar digital se fusiona con un algoritmo que anticipa la integración entre vida orgánica y tecnológica, sugiriendo nuevas formas de memoria e identidad. Inspirándose en la iconografía espiritual de África Occidental, especialmente en Mami Wata, Ntjam combina imágenes mitológicas, arqueológicas y biológicas – máscaras, corales, formas marinas híbridas y serpenteantes – creando una cosmología fluida. "Mélas", del griego "melas" ("negro" o "oscuro"), evoca una energía transformadora que desafía el tiempo lineal y las identidades fijas. La fragmentación se convierte en fuerza de resistencia y renovación, reimaginando la herencia africana no como reliquia, sino como agente vivo.

"Afrotekismo: el Museo Vivo del Afrotekismo", de Tuli Mekondjo (Namibia), es una performance que conecta herencia africana, memoria corporal y futuros especulativos. En resonancia con los artefactos ancestrales de la Colección Yunes, Mekondjo posiciona el cuerpo como un museo vivo, donde memoria, ritual y tecnología se entrelazan. Al moverse por el espacio público, ella activa objetos y gestos como portadores de historia e imaginación, desafiando los modelos museológicos occidentales que desvinculan los artefactos de la vida cultural. La obra imagina un futuro en que los sistemas de conocimiento africanos permanecen dinámicos, móviles y autodefinidos – un archivo vivo de resistencia y renovación.

Errancia, en el pensamiento del filósofo y poeta martiniqués Édouard Glissant, es un modo de estar en el mundo. Más que desplazamiento, se trata de un ejercicio de atención a la diferencia y a la opacidad, que transforma la experiencia del exilio en conciencia compartida: cada uno lleva consigo fragmentos de otros lugares y saberes, y es en ese tránsito que se forman nuevas lenguas y pertenencias. Al cuestionar las raíces fijas, Glissant propone una visión dinámica de memoria, origen y ancestralidad.

A partir del concepto de errancia, se organizó la muestra "La Tierra, el Fuego, el Agua y los Vientos – Por un Museo de la Errancia con Édouard Glissant", en cartel en el Instituto Tomie Ohtake, que presenta la colección particular de arte de Glissant en diálogo con artistas contemporáneos. En el contexto de la muestra, Rayana Rayo y Zé di Cabeça realizaron una residencia artística en la Maison du Diamant, en Martinica – casa donde Édouard Glissant vivió y escribió parte de su obra – en colaboración con el Édouard Glissant Art Fund y con el Institut du Tout-Monde.

A partir de esa experiencia, los artistas propusieron intervenciones en la Colección de Arte Africana. Los trabajos presentados nacen del tránsito entre objetos y paisajes. En Rayana, la investigación sobre recipientes se desdobla: el vaso aparece como cuerpo-abrigo y como dispositivo de lenguaje. En Zé di Cabeça, procedimientos de observación y escritura conectan territorio, canto y recuerdo compartido; ante piezas sin autoría individual definida, el artista propone el diálogo de la colección con las esculturas de César Bahia. Sus máscaras y figuras de orixás reactivan vínculos entre ancestralidad, oficio y la presencia viva de las divinidades afro-brasileñas.

Errancias: Entre Brasil, Francia, África y el Caribe

José Eduardo Ferreira Santos
Salvador, Brasil, 1974 – vive y trabaja en Salvador, Brasil.

José Eduardo Ferreira Santos es pedagogo, máster en Psicología, doctor en Salud Pública y postdoctor en Cultura Contemporánea. Nacido y criado en el Suburbio Ferroviario de Salvador, fundó, junto a su esposa Vilma Santos, el Acervo da Laje: espacio cultural independiente que funciona como casa, museo y escuela, dedicado a la preservación y valorización de las expresiones artísticas y culturales de las periferias soteropolitanas.

Durante la residencia artística en Martinica, José Eduardo escribió 27 cartas a Édouard Glissant, dirigidas a la Maison du Diamant, casa donde el filósofo vivió y trabajó. En ellas, traza paralelos entre Salvador y el Caribe, entre el Suburbio Ferroviario y el archipiélago, entre los ríos de la Bahía de Todos los Santos y las aguas de la isla, tejiendo fabulaciones sobre territorio, errancia y pertenencia.

Como intervención en la colección, José Eduardo establece una correspondencia con César Bahia, escultor del Acervo da Laje y heredero de Otávio Bahia, artista que producía divinidades africanas en madera en el Suburbio Ferroviario. César sigue la tradición familiar, tallando troncos de jaqueira y pintándolos a mano en colores intensos, preservando la memoria del oficio y la fuerza ancestral de sus figuras.

En el encuentro entre las cartas y las esculturas, entre Salvador y Martinica, la intervención hace del acervo un interlocutor activo. Las obras escuchan, responden e inventan continuidades entre África, Caribe y Brasil.

Rayana Rayo
Pernambuco, Brasil, 1989, vive en Pernambuco, Brasil

La producción de Rayana Rayo está permeada por la vivencia del clima y de la marea, de manglares, restingas e islas del paisaje de Recife, su ciudad natal. Sus pinturas, de pinceladas espesas y colores afinados en sus relaciones tonales, evocan atmósferas húmedas y topografías redondeadas, las cuales son habitadas por elementos híbridos – entre ser vegetal, animal y onírico. Son escenas que no comunican narrativas lineales, prefiriendo fabular relaciones entre cuerpos, fragmentos y ambientes afectivos.

De la misma forma, ella no lidia con el paisaje por medio de la perspectiva o de la descripción, sino que hace que todos los elementos de la composición emerjan de la misma materia de la pintura, tomando partido de sus propiedades sinestésicas (su capacidad de evocar calor y olor, silencio y deseo, viento y soledad).

Para esta exposición, Rayo presenta una serie de pinturas comisionadas que se articulan con una selección de recipientes – objetos usados para contener, guardar y retener agua presentes en la Colección África. Esta yuxtaposición propone un diálogo entre las superficies líquidas y los volúmenes contenidos, entre el gesto pictórico y la materialidad de las formas que, así como sus pinturas, lidian con flujos, retenciones y permeabilidades.

En medio del viaje encontré algunos flamboyants amarillos. 

El flamboyant amarillo fue mi primer asombro con la belleza en la infancia, en el ir y venir de la escuela primaria, en la década de 1980. 

El camino de la calle Nova Esperança hasta la Escuela Machado de Assis, en la Rua dos Ferroviários, final de línea del São João do Cabrito, era un espectáculo para los ojos debido a los jardines y las bellas árboles que adornaban el camino. 

Flamboyants y otras árboles florecían de forma abundante, haciendo que todo lugar pareciera un jardín, y aquello me encantaba mucho, pero nadie sabe explicarnos el encantamiento: simplemente sucede. Hasta contar es difícil, porque está en la esfera de la magia personal, de la delicadeza de aquello que nuestra alma guarda como tesoro.

Y más aún al saber que aquellas árboles, plantas y jardines fueron cultivados por manos y corazones que amaban árboles, plantas y jardines, de las mujeres de todo el barrio. 

No nos damos cuenta de la importancia del paisaje, de las árboles, de las plantas y de los jardines en la imaginación y en el imaginario de un niño: es el inicio de todo, donde preguntas son hechas, felicidades son vividas, inteligencias y sensibilidades son aguzadas, en fin. La vida nace de nuevo en el encuentro con el mundo exterior, externo a nosotros. 

El paisaje educa. La árbol, con su imponencia y belleza, educa y encanta. 

Las plantas, ni hablar, ellas llevan el misterio de dialogar todo el tiempo con la vida y también de educarnos para el cuidado y el afecto. 

Árboles, plantas y jardines educan para la sociabilidad. Para vivir en sociedad, es preciso cultivar y cuidar las plantas, las árboles y los jardines. 

Cultura, curaduría, cuidado, elaboración, civilización, todo eso y más un infinito cabe dentro de un jardín.

Además de la presencia notable de los flamboyants amarillos y rojos, no puedo dejar de registrar, Glissant, la plenitud de los crotons, que de tan antiguos comienzan a perder el color. 

El encuentro con esa diversidad botánica nos enseña que la naturaleza es brutalmente relacional. Inútilmente relacional. Entre las grietas, ella es relacional. La naturaleza danza en los vanos de luz y los ocupa con vida para arriba. 

La naturaleza ocupa los vanos del olvido con vida. 

La naturaleza es plena porque bebe de las fuentes que nuestros ojos no ven. 

Y nosotros, para vivir, ¿de qué fuente bebemos? 

La naturaleza es silenciosamente, silenciosamente relacional. Escandalosamente relacional, pero siempre silenciosa y precisa; dinámica y rizomática; sabedora de los caminos que la raíz tiene que fincar para tener salud y vida plena. 

La naturaleza es la metáfora de la vida. 

Y la metáfora de la vida es la relación.

Despidiéndome por aquí y agradeciendo a Sylvie y a usted por todo, vino a mí la percepción de que necesitamos cuidar más la palabra "ancestralidad", porque se está convirtiendo en una palabra vacía, un adjetivo, usada como un gerundismo – un vicio de lenguaje, una expresión esvaziada.

Sé que todos quieren tener ancestralidad, pero es preciso cuidado: no todo lo que se tiene se dice. 

Parsimonia, por favor. El misterio tiene sus interdictos, sus matices y no pide alharacas. 

No siempre la última presentación es la síntesis de la vida. Es preciso guardarse. La lógica del vacío supone hablas y definiciones garbosas de sí. 

Abuela sabía eso y me enseñaba todo en silencio, secreto y afecto.

Evocar la ancestralidad a la ligera, banalmente, es un peligro, pues es lanzar ese concepto, esa presencia en un vacío de sentido que ni permite que ella, la ancestralidad, se manifieste. 

Yo no sé si usted no sabe, pero ancestralidad no es vacío, eco, imaginación: ancestralidad es presencia. Y fuerte. Y compañera. Y amiga. Y cuidadora de nuestros pasos aquí, en Martinica.

Quien tanto evoca ancestralidad se olvida de evocar presencia. Y ancestralidad es presencia, y presencia cuida. 

Vamos a repensar el modo de presentarnos al mundo. 

Yo llamo ancestralidad a las ancestralidades que tienen nombre y me dieron colo, cariño, afecto, comida y amor...

Ancestralidad genérica es alma en pena... 

Ancestralidad es presencia y no es un modismo vernacular transitorio. 

Ancestralidad es presencia, de modo que, si usted no entiende, respete. 

Aquí, en la residencia Glissant, ella fue presencia todo el tiempo, sin necesidad de decir esa palabra. 

Tanto la presencia como la ancestralidad deben educar por lo que son y por cómo se manifiestan. Si eso se pierde por el uso vacío, es un síntoma de esta generación que intenta aprehender todo en un concepto y no lo consigue. Cuando no sea posible, el silencio también grita y evoca. Es preciso reenseñar la liturgia de la evocación del sagrado, para que no se vuelva banal.

Renato Araújo, Nadine Hounkpatin, Ana Roman e Paulo Mivada

Una nueva activación de la exposición "África, Expresiones Artísticas de un Continente", con obras del acervo del Museo Oscar Niemeyer (MON), es presentada al público. "Intersecciones contemporáneas - Año de Francia en Brasil", con curaduría de Renato Araújo, en exhibición en la Sala 4, es un importante diálogo entre el arte africano tradicional y su transversalidad, que gana cada vez más espacio en el contemporáneo. 

La exposición se renueva en el año Brasil-Francia, que celebra dos siglos de relaciones diplomáticas entre los dos países. Esta nueva edición es una asociación del MON con la Colección Ivani y Jorge Yunes (CIJY) y el Instituto Tomie Ohtake, ambos de São Paulo, y propone un intercambio cultural y artístico.

La exposición "África, Expresiones Artísticas de un Continente" se renueva en el año Brasil-Francia, que celebra dos siglos de relaciones diplomáticas entre los dos países. En una asociación del Museo Oscar Niemeyer (MON) con la Colección Ivani y Jorge Yunes (CIJY) y el Instituto Tomie Ohtake, ambos de São Paulo, la nueva edición de esta muestra propone un intercambio cultural y artístico.

Presentamos al público, simultáneamente, dos proyectos distintos, con curaduría general de Renato Araújo. El primero consiste en la instalación de dos videos de las artistas Josèfa Ntjam y Tuli Mekondjo. La curaduría es de Nadine Hounkpatin, nacida en Benín y radicada en Francia hace muchos años.

El segundo proyecto, con curaduría de Paulo Miyada y Ana Roman, aborda el tema "Errancias: Entre Brasil, Francia, África y Caribe", a partir de residencias ofrecidas por el Instituto Édouard Glissant, en Martinica, a artistas de todo el mundo. La participación de los artistas brasileños, RayanaRayo y José Eduardo Ferreira Santos, resultó en la creación de obras exhibidas aquí.

Con esta activación, el MON, como instrumento vivo de valorización y democratización de la cultura, trae hasta su visitante un importante diálogo entre el arte africano tradicional y su transversalidad, que gana cada vez más espacio en el contemporáneo.

En su tercera edición, la exposición "África, Expresiones Artísticas de un Continente" consolida un largo y criterioso proceso que culminó en la llegada de una de las más importantes y significativas colecciones de arte africano al Museo Oscar Niemeyer.

Entendemos que un museo existe a partir de su acervo, pero es de la interacción entre el público y sus obras que se diseminan cultura y conocimiento.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

Una nueva activación de la exposición "África, Expresiones Artísticas de un Continente", con obras del acervo del Museo Oscar Niemeyer (MON), es presentada al público. "Intersecciones contemporáneas - Año de Francia en Brasil", con curaduría de Renato Araújo, en exhibición en la Sala 4, es un importante diálogo entre el arte africano tradicional y su transversalidad, que gana cada vez más espacio en el contemporáneo. 
La exposición se renueva en el año Brasil-Francia, que celebra dos siglos de relaciones diplomáticas entre los dos países. Esta nueva edición es una asociación del MON con la Colección Ivani y Jorge Yunes (CIJY) y el Instituto Tomie Ohtake, ambos de São Paulo, y propone un intercambio cultural y artístico.

Exposición Africana en el MON crea un nuevo diálogo con lo contemporáneo

La exposición “África, Expresiones Artísticas de un Continente”, presentada por el Museo Oscar Niemeyer (MON) con obras de su colección, se encuentra en una nueva fase de activación: “Intersecciones Contemporáneas – Año de Francia en Brasil”, que se inaugurará el 4 de diciembre en la Sala 4. La curaduría es de Renato Araújo.

Para Luciana Casagrande Pereira, Secretaria de Estado de Cultura, esta exposición es un ejemplo de cómo la cooperación cultural puede generar nuevas formas de diálogo y creación. “Cuando obras, narrativas y sensibilidades circulan entre continentes, ampliamos nuestra capacidad de reconocer la diversidad como un valor compartido”, afirma.

“Con esta activación, el MON, como instrumento vivo para la apreciación y la democratización de la cultura, acerca a sus visitantes un importante diálogo entre el arte tradicional africano y su transversalidad, que gana cada vez más espacio en el mundo contemporáneo”, afirma la directora general del MON, Juliana Vosnika. 

La exposición se renueva en el marco del Año Brasil-Francia, que celebra dos siglos de relaciones diplomáticas entre ambos países. Esta nueva edición es una colaboración entre el Museo Oscar Niemeyer, la Colección Ivani y Jorge Yunes (CIJY) y el Instituto Tomie Ohtake, ambos en São Paulo, y propone un intercambio cultural y artístico.

“Presentamos dos proyectos distintos al público simultáneamente”, informa Juliana. El primero consiste en la instalación de dos videos de los artistas Josèfa Ntjam y Tuli Mekondjo. La curaduría es Nadine Hounkpatin, nacida en Benín y residente en Francia desde hace muchos años.

El segundo proyecto, con curaduría de Paulo Miyada y Ana Roman, aborda el tema “Andanzas: Entre Brasil, Francia, África y el Caribe”, basado en las residencias que ofrece el Instituto Édouard Glissant en Martinica a artistas de todo el mundo. “La participación de los artistas brasileños Rayana Rayo y José Eduardo Ferreira Santos dio lugar a la creación de las obras que se exhiben en esta exposición”, explica.

En su tercera edición, la exposición “África: Expresiones Artísticas de un Continente” consolida un largo y meticuloso proceso que culminó con la llegada de una de las colecciones más importantes y significativas de arte africano al Museo Oscar Niemeyer.

“En el marco de las celebraciones de la temporada cultural Francia-Brasil, el Museo presenta intervenciones vinculadas a Francia y su región de ultramar, Martinica”, informa el curador. “En diálogo con la colección, cada intervención tiene sus propias formas, gestos y narrativas”, afirma Araújo.

Explica que una de las propuestas presenta la instalación de videoarte “Presencias: Cuerpos, Objetos y Memorias”, con curaduría de la especialista franco-beninesa Nadine Hounkpatin, que reúne videos de los artistas Tuli Mekondjo, de Namibia, y Josèfa Ntjam, de Franco-Camerún. “Las obras fusionan filosofía, tecnología y espiritualidad africanas, reimaginando la herencia negra como un agente vivo de memoria y resistencia”, afirma.

Otra propuesta presenta al visitante la obra de la artista Rayana Rayo y el curador José Eduardo, del Acervo da Laje (Bahía), quienes realizaron una residencia artística en Martinica, en colaboración con el Instituto Tomie Ohtake (São Paulo) y el Fondo de Arte Glissant.

“La experiencia surgió de los conceptos de vagabundeo, criollización y relación, formulados por el filósofo Édouard Glissant”, explica el curador. Las obras afrobrasileñas de César Bahia(Salvador), que reverberan la herencia formal y simbólica de las culturas africanas, y las pinturas de Rayana Rayo (Recife), que investigan los contenedores como metáforas del cuerpo y el refugio, crean zonas de intersección entre territorialidades y temporalidades.

“Estas ‘Andanzas entre Brasil, Francia, África y el Caribe’ articulan memoria, origen y desplazamiento, proponiendo una escucha más amplia del legado africano y su despliegue en el contexto brasileño”, concluye.

África, Expresiones Artísticas de un Continente
Intersecciones contemporáneas - Año de Francia en Brasil

Intersecciones Contemporáneas – Año de Francia en Brasil

La exposición "Asia: La Tierra, Los Hombres, Los Dioses" se renueva con el objetivo de alcanzar públicos cada vez más grandes y democratizar aún más el acceso al acervo del Museo Oscar Niemeyer.

Esta nueva edición incluye un homenaje a los 130 años de las relaciones Brasil/Japón y exhibe obras inéditas, donadas recientemente al MON por Maria Ligaya, viuda del saudoso diplomático Edmundo Fujita.

El mayor museo de arte de América Latina, el MON, vio su acervo quintuplicar de tamaño en los últimos años. En esta trayectoria, es inmensa la importancia de la colección de arte asiático, donada al MON por el diplomático Fausto Godoy.

La llegada de aproximadamente tres mil obras de arte, años atrás, coincidió con el momento de redefinición del marco referencial del acervo del MON, que pasó a dar énfasis también a las artes asiática, africana y latinoamericana, tornándolo más plural.

Disputada por otras instituciones de Brasil y por coleccionadores del exterior, la colección asiática que pertenece al MON - y a los paranaenses - permite innumerables lecturas y abordajes, como la que entregamos con esta muestra.

El mundo cambió, y los museos, como instrumento de lectura e interpretación, también cambiaron. La propuesta del MON es facilitar los diálogos entre culturas y territorios por medio del arte. No por casualidad, el Museo presenta aquí, lado a lado, culturas diversas que, al mismo tiempo en que conversan, demuestran su singularidad y nos permiten una interesante visión de mundo.

El visitante ciertamente percibe la transdisciplinariedad entre obras, colecciones y exposiciones. La fuerza del conjunto presentada por el Museo instiga y comprueba que el conocimiento, múltiple y transversal, atraviesa culturas, territorios y épocas.

Las relaciones diplomáticas entre Brasil y Japón tuvieron inicio con la firma del Tratado de Amistad, Comercio y Navegación, que los dos imperios, en aquella época, firmaron el 5 de noviembre de 1895. Según su texto, el objetivo era "establecer relaciones diplomáticas y definir los términos de amistad, comercio y navegación entre los dos países".

Desde entonces, la amistad entre sus pueblos ganó ímpetu, a excepción de un breve hiato, en 1942, durante la Segunda Guerra Mundial, cuando los dos gobiernos adoptaron posiciones antagónicas en el campo de batalla y rompieron las relaciones. Con su restablecimiento, en 1952, ellas ganaron renovado ímpetu.

Los contactos entre los dos pueblos son, sin embargo, más antiguos. Los primeros de ellos se forjaron a través de los navegadores portugueses que llegaron a Japón en 1543, y fundaron la ciudad-puerto de Nagasaki. A partir de entonces, y hasta 1638, el comercio entre ambos se hizo por medio de las escalas de los navíos en los puertos de Brasil, que la historia registró como el "comercio de Nanban". Muchos productos japoneses fueron aquí comercializados durante ese período.

Sin embargo, esos contactos fueron interrumpidos entre los siglos XVII y XIX, debido a la política de aislamiento llamada sakoku (鎖国 - "país cerrado"), decretada por el Shogunato Tokugawa, que entonces gobernaba el imperio y buscaba mantener su estabilidad ante la amenaza que sentía de las influencias externas, sobre todo la conversión de la población por los misioneros católicos. El cristianismo fue entonces prohibido y combatido.

A partir de 1603, el país entró en un período de aislamiento, limitando su comercio a los chinos, holandeses y coreanos, y aún así en puertos específicamente destinados para tal fin. No obstante, el comercio tuvo prosiguimiento, por un corto período, por intermedio de la colonia portuguesa de Macao.

Sin embargo, a partir de 1868, después de la llamada "Restauración Meiji", cuando el emperador retomó el poder del Shogunato, el país dio inicio al proceso de industrialización acelerada, que impulsaría la reanudación de sus relaciones con varias naciones y lo encaminaría a convertirse en la cuarta mayor potencia económica del planeta en este siglo.

Fue en ese escenario que Brasil y Japón establecieron formalmente sus relaciones, al firmar el Tratado de Amistad en 1895. En 1897, misiones diplomáticas fueron abiertas en las capitales de cada nación. Y, en junio de 1908, llegó al puerto de Santos el navío Kasato Maru, trayendo 790 inmigrantes japoneses.

Este fue el primero de muchos otros que arribaron a nuestro país trayendo más inmigrantes. Entre 1908 y 1941, más de 190.000 de ellos aquí llegaron en busca de oportunidades; cabe recordar que en aquel período Japón enfrentaba graves problemas económicos y de superpoblación, y Brasil carecía de mano de obra para sus cultivos.

Al principio, esos inmigrantes se destinaron a las plantaciones de café del Estado de São Paulo, sobre todo, para contornar la crisis dejada por el éxodo de los ex-esclavizados de las tierras de sus ex-patrónes y por la desistencia de los inmigrantes italianos que habían sido reclutados para esa tarea. Posteriormente, ellos se dispersaron por varias regiones y sectores de la economía. Hoy, ocupan posiciones de destaque en nuestra sociedad.

En julio de 1959, el primer ministro Nobusuke Kishi se convirtió en el primer jefe de gobierno japonés en visitar Brasil. Su visita fue precedida por la del príncipe Tomohito de Mikasa, en 1958.

En reciprocidad, en septiembre de 1976, el presidente Ernesto Geisel hizo una visita de Estado a Japón. Posteriormente, el entonces príncipe heredero Akihito aquí estuvo, en dos ocasiones - 1967 y 1978. Desde entonces, se cuentan en número de 12 las visitas de las más altas autoridades de Japón a Brasil - reciprocadas por ocho jefes de Estado brasileños a aquel país. Esa es la prueba evidente del interés mutuo.

Reside en el área económico-comercial uno de los pilares de nuestras relaciones. Uno de sus grandes momentos fue la creación del Programa de Cooperación Nipo-Brasileña para el Desarrollo Agrícola de los Cerrados (Prodecer), instituido en 1979, como fruto de la visita del presidente Geisel a Japón. Su objetivo era transformar la región del Cerrado en área productiva por medio de la cooperación técnica y financiera entre los dos países.

El Prodecer implementó iniciativas de colonización y desarrollo agrícola en diversos estados, como Minas Gerais, Mato Grosso y Goiás, contribuyendo al aumento de la producción de granos y la generación de empleos. Su gran heredero es la Empresa Brasileña de Investigación Agropecuaria (Embrapa), de la cual todos nosotros, brasileños, tanto nos orgullecemos.

Las relaciones comerciales entre Brasil y Japón son robustas y crecientes, con un intercambio comercial de US$ 11 mil millones en 2024. Brasil exporta productos agrícolas y minerales, como carne, celulosa y mineral de hierro, mientras importa bienes de transformación y tecnología, tales como vehículos y sus piezas, y equipos electrónicos.

Las inversiones japonesas en Brasil son significativas, abarcando sectores como el automotriz y el agronegocio, ahora con una perspectiva de fortalecimiento por medio de asociaciones en descarbonización y bioenergía.

Pero es en las relaciones entre las personas que reside el apanágio de nuestra amistad: la comunidad nikkei, en nuestro suelo, y la comunidad brasileña residente en Japón añaden el elemento humano a la ecuación, solidificando nuestra asociación. En un proceso pendular entre los dos países, esas comunidades enfrentan desafíos y buscan soluciones para universos culturalmente distantes, a pesar de las historias compartidas.

Brasil abriga la mayor comunidad de descendientes de japoneses fuera de Japón - cerca de dos millones. En el sentido inverso, de acuerdo con datos oficiales de las autoridades japonesas, los brasileños documentados llegan a 286.557 personas, constituyendo la tercera mayor comunidad de extranjeros en aquel país, detrás apenas de los coreanos y chinos. Sin embargo, el informe indica que el número total de brasileños, inclusive los sin documentación, puede pasar de los 500 mil, estimación considerada conservadora.

Esas situaciones muchas veces no ocurren, evidentemente, sin percances personales y colectivos, una vez que las similitudes físicas entre los japoneses y sus descendientes en nuestro suelo no corresponden, en la mayoría de los casos, a una percepción unívoca de civilizaciones muy distintas: esa es la radiografía de la aventura de compartir el planeta!

No obstante, la solidez de nuestra amistad y el resultado de la integración de individuos y familias en ambos universos es el mejor ejemplo de la consolidación armoniosa de esos vínculos, lo que debería ser seguido por todos los países y culturas para el bien de la humanidad!

Fausto Godoy
Embajador
Donador y curador de la Colección Asiática del Museu Oscar Niemeyer

El kabuki es una de las cuatro formas tradicionales del teatro japonés, siendo las otras el noh, el kyogen y el bunraku (teatro de marionetas). Se desarrolló durante los más de 250 años de paz del período Edo (1600-1868).

El kabuki combina música, drama y danza, a menudo utilizando trajes de época. Sus tipos de espectáculos incluyen piezas históricas (jidaimono) y piezas contemporáneas (sewamono). Una de sus características principales es el hecho de que todos los actores son hombres, incluidos los que hacen los papeles femeninos (onagatas).

El kabuki se desarrolló con el apoyo de las clases medias japonesas, en oposición a las tradiciones del teatro noh, una forma de entretenimiento hecha principalmente para las clases altas.

Muy popular entre la población urbana, con el tiempo el kabuki se desarrolló como una forma de arte definida, con importancia, volcada hacia la preservación de la tradición, llegando algunas piezas a utilizar los mismos figurines por varios siglos.

El local principal del teatro kabuki en Japón - Kabukiza - se encuentra en Tokio.

En 1974, Folha de S.Paulo destacó a Edmundo Sussumu Fujita como el "joven nissei que rompió la barrera del Itamaraty" al ser aprobado en el prestigioso Instituto Rio Branco del Ministerio de Relaciones Exteriores de Brasil. Nipo-brasileño nacido en São Paulo, hijo de Yoshiro Fujita, de Assai (Paraná), y de Chiyoko Yamamuro, de Registro (São Paulo), él eligió la carrera diplomática, rompiendo con tradiciones y expectativas familiares.

A lo largo de 40 años de servicio, Edmundo y su esposa, Maria Ligaya, vivieron 25 años en centros geopolíticos como Londres, Tokio, Moscú, Nueva York, Yakarta y Seúl. Asia, sin embargo, siempre fue su gran pasión: cárce de antiguas civilizaciones, hoy transformada en una región moderna y pujante sin renunciar a sus tradiciones milenarias.

En esas experiencias, construyeron puentes entre culturas y, de forma espontánea, se convirtieron en coleccionistas accidentales. La colección reúne esculturas, porcelanas, pinturas, lacas, muebles, vestimentas y otros objetos adquiridos en ferias, mercados de pulgas y anticuarios de Asia, sobre todo de Japón, Corea e Indonesia. Cada pieza guarda memorias personales y colectivas, traduciendo la diplomacia como práctica de intercambio cultural.

Inspirados por el ejemplo del embajador Fausto Godoy - que donó su valioso acervo al Museo Oscar Niemeyer (MON) -, Edmundo y Maria Ligaya comparten ahora este conjunto de objetos como instrumentos de aprendizaje, memoria y aproximación entre Brasil y Asia.

Colección Embajador Edmundo Sussumu Fujita y María Ligaya

La nueva edición de la exposición “Asia: La Tierra, la Gente, los Dioses”, que presenta obras de la colección del Museo Oscar Niemeyer, incluye un homenaje al 130.º aniversario de las relaciones entre Brasil y Japón. Con curaduría de Fausto Godoy, la exposición exhibe obras inéditas en la Sala 5. Entre ellas se encuentran piezas donadas recientemente al MON por la embajadora Maria Ligaya Fujita, viuda del fallecido embajador Edmundo Fujita, el primer diplomático nipo-brasileño en Itamaraty. La colección incluye esculturas, porcelanas, pinturas, lacas, muebles, ropa y otros objetos.

Todo comenzó en una fría mañana de enero de 1984, cuando llegué a Nueva Delhi para asumir un puesto en nuestra Embajada. Fue el tercero en mi carrera, después de Bruselas y Buenos Aires. El impacto fue muy grande, en realidad tan grande que, confrontado, decidí "lanzarme" al país en vez de refugiarme en la facilidad de la crítica a una realidad que me escapaba. La India me "desconstruyó" y me reconstruyó, a punto de que decidí que mi carrera y vida pasarían a partir de entonces por el Oriente. Pero no el Oriente sobre el que el Occidente crea estereotipos preconcebidos y prejuiciosos.

Misión casi imposible, dada la densidad de esas civilizaciones y mi falta de preparación para convivir en la más absoluta relatividad, y sin juicios, con una alteridad "exótica". Pero fue un desafío irrecusable para una aventura que resultó muy profunda.

Tuve suerte, y tuve un maestro, el profesor José Leal Ferreira, diplomático brasileño jubilado compulsivamente en los tiempos del AI-5, que era entonces profesor de Lengua Portuguesa y Civilización Brasileña en la prestigiosa Universidad Jawaharlal Nehru, de Nueva Delhi, hombre de profundo saber y enorme generosidad, a quien rendo homenaje aquí.

De la India seguí mi ruta por Asia y acabé por servir durante casi 16 años en once puestos en el continente: seguí por China, Japón, Pakistán, Afganistán, Vietnam, Taiwán (que no es país para el gobierno brasileño), Mumbai (India, nuevamente), Jordania/Iraq, Kazajistán y Myanmar. Fuera de eso, serví solo, a invitación, en nuestra Embajada en Washington: fue un "hiato", irrecusable en la carrera.

Esa elección pareció ciertamente inusual para la mayoría de mis colegas. Pero la tomé como "misión". ¿Cuál? La de traer Asia a Brasil. Proyecto extremadamente ambicioso, y ciertamente superior a mis fuerzas y habilidades, pero fundamental, a mi ver, en la medida en que el continente se afirma como el principal motor de la geoeconomía y, casi por consecuencia, de la geopolítica de este siglo.

Sheherazade casi "esfíngica", Asia tiene capas de civilizaciones y de culturas milenarias que la hacen casi indecifrable. El agujero es siempre más profundo: un tema lleva a otro, que se abre para otros tantos, y así por delante. Pero fascina, sobre todo en la contemporaneidad, donde ella reina globalizada y globalizante...

La "contaminación" de las culturas, o mejor, la inseminación de referenciales culturales "extranjeros" en el cotidiano del individuo urbano de hoy, sea en Occidente, sea en Oriente, obliga a que revisemos valores y percepciones, si no asimilándolos — el sushi en las churrascarias, el yoga en las academias, en este lado, o la bolsa Louis Vuitton en Japón, o en China, y el McDonald's en toda Asia, por ejemplo —, por lo menos buscando conocerlos y, para los más generosos e intelectualmente motivados, comprenderlos.

Y las migraciones en masa reescriben la cartografía humana en escala planetaria. No somos más islas, o mejor, las islas están ahora integradas en el continente global. ¡Bienvenidos todos a la Pangea reconstituida!

Fue esa certeza la que impulsó mi proyecto. Y la colección es esto: la búsqueda de la comprensión de esas civilizaciones que estimule la diseminación del conocimiento por medio de las obras. Fue el único motivo, aseguro. Con ella van más de 2.500 libros, CDs y DVDs sobre Asia. Proyecto necesario, estoy convencido. Es que nosotros, brasileños, estamos muy necesitados de este "baño de universalismo" que amplíe nuestro horizonte para más allá del Occidente reconocido.

Refacemos la ruta de los navegadores! En ese intento, el arte fue el camino que encontré para intentar comprender "multirrealidades" muy complejas. Sin embargo, ARTE, en su sentido holístico, sin distinción entre las llamadas nobles — "fine arts", bellas artes — y las "menores" (las artes aplicadas), ya que en el continente asiático no existe jerarquía entre ellas.

El asiático percibe el mundo y en él se inserta como un todo. Tampoco existen fronteras temporales: el contemporáneo convive con el ancestral, demostrando que las artes no tienen "plazo de validez". No fuera Confucio chino...

Transfiero el esfuerzo de una vida al Museo Oscar Niemeyer y, por medio de él, a todos los que se dispongan a perseguir esta trayectoria. Nosotros, brasileños, tenemos una gran cualidad, a mi ver: nuestro carácter generoso y cordial, que nos permite — por lo menos por ahora, y espero que así continúe — mirar con menor resistencia maniqueísta para el reverso del espejo, el otro lado del mundo.

Fausto Godoy
Curador y donador de la colección

El MON presenta nueva edición de la exposición asiática

La exposición “Asia: La Tierra, la Gente, los Dioses – 130 Años de Relaciones Brasil-Japón”, en la Sala 5, con obras de la colección permanente del Museo Oscar Niemeyer, se renueva una vez más con el objetivo de llegar a un público aún más amplio. Con curaduría de Fausto Godoy, la exposición exhibirá obras inéditas. La inauguración será el 28 de noviembre a las 18:30 h.

Esta nueva edición rinde homenaje a los 130 años de relaciones entre Brasil y Japón y exhibe obras inéditas, donadas recientemente al MON por la embajadora Maria Ligaya Fujita, viuda del fallecido embajador Edmundo Fujita, primer diplomático nipón-brasileño en Itamaraty(Ministerio de Relaciones Exteriores de Brasil).

La colección incluye esculturas, porcelanas, pinturas, lacas, muebles, ropa y otros objetos adquiridos en ferias, mercadillos y anticuarios de Asia, especialmente de Japón, Corea e Indonesia. Cada pieza alberga recuerdos personales y colectivos, traduciendo la diplomacia como una práctica de intercambio cultural.

“Con cada nueva edición, esta exposición amplía la forma en que el público se conecta con Asia y sus múltiples tradiciones. Es una oportunidad única para percibir cómo diferentes culturas se encuentran, se transforman y dialogan a través de esta valiosa selección de la colección del MON”, señala Luciana Casagrande Pereira, Secretaria de Estado de Cultura de Paraná.

“El MON, el museo de arte más grande de Latinoamérica, ha quintuplicado su colección en los últimos años. En esta trayectoria, la colección de arte asiático, donada al MON por el diplomático Fausto Godoy, es de suma importancia”, afirma la directora ejecutiva del MON, Juliana Vosnika.

La llegada de aproximadamente tres mil obras de arte, hace años, coincidió con un momento de redefinición del referente de la colección del MON, que comenzó a enfatizar también el arte asiático, africano y latinoamericano, haciéndolo más plural.

“Disputada por otras instituciones brasileñas y coleccionistas extranjeros, la colección asiática del MON, y del pueblo paranaense, permite innumerables interpretaciones y enfoques, como el que presentamos en esta exposición”, explica Juliana.

Según el curador, “esta exposición es un homenaje a la amistad entre Brasil y Japón”. Informa que las relaciones comerciales entre ambos países son sólidas y están en crecimiento, con un intercambio comercial de 11 000 millones de dólares en 2024. “Pero es en las relaciones interpersonales donde reside el sello distintivo de nuestra amistad: la comunidad nikkei, en nuestro territorio, y la comunidad brasileña residente en Japón aportan el elemento humano, consolidando nuestra alianza”, afirma Fausto Godoy. “En un proceso pendular entre ambos países, estas comunidades enfrentan desafíos y buscan soluciones para universos culturalmente distantes, a pesar de sus historias compartidas”. La donante Maria Ligaya relata que ella y su difunto esposo, el embajador Edmundo Fujita, vivieron durante 25 años en centros geopolíticos como Londres, Tokio, Moscú, Nueva York, Yakarta y Seúl. Sin embargo, Asia siempre ha sido una gran pasión: cuna de civilizaciones antiguas. "A través de estas experiencias, construimos puentes entre culturas y, espontáneamente, nos convertimos en coleccionistas accidentales", afirma.

"Inspirada por el ejemplo del embajador Fausto Godoy, quien donó su valiosa colección al Museo Oscar Niemeyer, ahora comparto esta colección de objetos como instrumentos de aprendizaje, memoria y acercamiento entre Brasil y Asia", afirma Maria Ligaya.

Asia: La Tierra, la Gente, los Dioses - 130 Años de Relaciones Brasil-Japón

Desde que la grandiosa colección asiática, con más de tres mil piezas, fue donada al Museo Oscar Niemeyer, varias exposiciones ya fueron realizadas con tales obras, permitiendo que el público conozca más de ese patrimonio de inmenso valor histórico y artístico que pertenece a Paraná. Al entregar la muestra "El Mundo Lúdico de los Mangas y Animes", el MON confirma que esta es más una de las incontables vertientes de ese acervo sorprendente, que nos revela el continente asiático en su extensión geográfica, pluralidad étnico-religiosa y exuberancia artística a lo largo de miles de años de historia.

En esta exposición, traemos a nuestros visitantes una expresión del arte japonés contemporáneo que alcanzó y conquistó buena parte del mundo: los populares mangas y animes. Aquí, ellos son presentados en más de 100 pinturas, dibujos y esculturas, dividiendo espacio con los tradicionales muñecos Ningyos. Estos, en Japón, son objetos llenos de significados milenarios, presentes que desean longevidad, salud y fertilidad a los niños.

Al realizar esta exposición que presenta tan importante dimensión simbólica y estética de la cultura japonesa, el MON invita a una reflexión sobre las manifestaciones culturales de diferentes regiones y países y lo que nos aproxima como individuos y como sociedad.

Las animaciones japonesas tienen origen en el cine, pero ganaron espacio propio y definitivo en la televisión mundial a partir de la década de 1960. Desde entonces, continúan encantando generaciones. El anime se refiere a una animación que puede ser dibujada tanto a mano como por computadora. Las primeras animaciones comerciales japonesas datan de 1917, influenciadas por las técnicas occidentales. Sin embargo, fue solamente en la década de 1960, con el trabajo del célebre artista de manga (mangaká) Osamu Tezuka, frecuentemente llamado "Dios del Manga", que el anime comenzó a tomar forma como un fenómeno cultural distinto. En ese momento, eran dibujados sobre una hoja de acetato. El artista hacía el esbozo sobre una hoja de papel, con las indicaciones pertinentes, y el asistente lo transfería al celuloide.

Este estilo de arte actual surgió en la década de 1960 y se popularizó en las décadas siguientes, atrayendo a un gran público doméstico. Los animes pasaron a partir de entonces a ser vistos en las salas de cine. Fueron posteriormente presentados en transmisiones de televisión; después directamente en aparatos domésticos y por internet. Además de las obras originales, ellos son muchas veces adaptaciones de mangas e incluso de videojuegos. Clasificados en varios géneros – comedia, terror, drama, ciencia ficción, etc. – ellos apuntan a públicos amplios y diversos.

En la década de 1980, el anime se convirtió en un gran éxito popular en Japón, con el lanzamiento de producciones como "Gundam", "Macross", "Dragon Ball", y de géneros como robot real, ópera espacial y cyberpunk. La película "Akira", de 1988, se convirtió en un éxito internacional, y "El Viaje de Chihiro" dividió el primer premio en el Festival de Cine de Berlín de 2002, ganando el Oscar de Mejor Película de Animación en 2003.

Al igual que los mangas, los animes son una forma de arte y expresión de la creatividad de sus autores, tanto en lo que respecta a la forma como al fondo, pues en la mayoría de las veces el mismo creador responde por la trama y por el dibujo. Entre ellos, títulos como "Attack on Titan", "One Piece", "Fullmetal Alchemist: Brotherhood", "Death Note", "Dragon Ball" y "Akira" son constantemente citados como los mejores y más populares, tanto por los fans como por la crítica.

La industria de animes se reparte actualmente en más de 430 estudios de producción, incluyendo grandes nombres como el Studio Ghibli, Gainax y Toei Animation. Los animes han sido un éxito internacional aún mayor después de la introducción de las doblajes en exhibiciones televisadas. Este aumento de popularidad dio origen a producciones no japonesas que emplean el mismo estilo de arte del anime.

Los mangas (漫画) son historias en cuadrinhos o novelas gráficas, similares a nuestros antiguos tebeos, mientras que los animes tenían originalmente el formato de celuloide. La mayoría de los mangas siguen los estilos desarrollados por los artistas japoneses que crearon los ukyio-es (浮世絵), término que significa "imagen del mundo flotante", un género de arte que se convirtió en muy popular entre la clase mercantil de Tokio en el período Edo (siglos XVII-XIX). Eran xilografías que retrataban temas del cotidiano urbano, tales como actores del teatro kabuki, cortesanas, luchadores de sumo, paisajes, cuentos folclóricos, etc.

El término "manga" se utiliza para referirse a las historias en cuadrinhos japonesas. Varios de ellos dieron origen a los animes (アニメ), creados por cartunistas y dibujados anteriormente sobre un soporte de acetato, como en esta muestra, y ahora creados por computadoras, en el formato de películas y videos.

Las raíces de los mangas son más antiguas. Tienen origen en el período Nara (séc. VIII EC), cuando surgieron los primeros rollos de pintura en Japón, llamados emakimono (絵巻物). Estos rollos contenían pinturas acompañadas de textos que narraban una historia a medida que eran desenrollados sobre una superficie. Al principio, este estilo seguía los patrones chinos que inspiraron el arte producido en Japón en aquella época. Fue a partir de la mitad del siglo XII que aparecieron los primeros emakimono típicamente japoneses.

En el período Edo (1603–1868) estos rollos fueron sustituidos por libros. Inicialmente, las estampas estaban destinadas a ilustrar los textos, pero rápidamente surgieron los "libros para ver" en oposición a los "libros para leer". A partir de mediados del siglo XIX, llegó a Japón el humor gráfico de los ilustradores europeos. En 1861, el cartunista británico Charles Wirgman se instaló en Yokohama, en las cercanías de Tokio. Él va a ejercer gran influencia sobre los artistas locales. Wirgman creó un periódico satírico, el The Japan Punch, y pasó a enseñar técnicas occidentales de dibujo y pintura a un gran número de artistas japoneses.

Influenciados por el The Japan Punch, Kanagaki Robun y Kawanabe Kyosai crearon la primera revista de manga en 1874, la Eshinbun Nipponchi, que no alcanzó éxito popular y fue cerrada después de tres ediciones. Sin embargo, las técnicas traídas por los europeos impulsaron una lenta, pero segura, producción de los artistas nativos, especialmente Rakuten Kitazawa, cuyo manga "Tagosaku to Mokube no Tokyo Kenbutsu" (田吾作と杢兵衛の東京見物) (1902), es considerado el primer manga en el sentido moderno.

Diversas series comparables a las de ultramar surgen en la década de 1930 hasta la mitad de los años cuarenta, cuando la prensa fue sometida a la censura del gobierno durante la Segunda Guerra Mundial, así como todas las actividades culturales y artísticas. Finalizado este período conturbado, bajo la ocupación americana, los mangakás (autores de mangas) pasaron a sufrir la influencia de las historias en cuadrinhos occidentales, sobre todo las americanas, que eran traducidas y difundidas en gran cantidad en la prensa cotidiana.

En 1946, surge el primer manga de autoría de una mujer, la tira "Sazae-san" de Machiko Hasegawa. Es también cuando Osamu Tezuka, un artista influenciado por Walt Disney, da vida al manga moderno. Las características faciales que él desarrolló, semejantes a las de los dibujos de Disney, con ojos, boca, cejas y nariz dibujados de manera bastante exagerada para aumentar la expresividad de los personajes, hicieron que el manga se popularizara.

Fue Tezuka también quien introdujo los efectos gráficos en las historias en cuadrinhos, como las líneas que dan la impresión de velocidad y las onomatopeyas que se integran al arte.

En la actualidad, el mangaká trabaja normalmente con algunos asistentes en un pequeño estudio y está asociado a una editorial. En Japón, los mangas son generalmente publicados en grandes revistas específicas, muchas veces conteniendo varias historias, cada una presentada en un único capítulo a ser continuado en una próxima edición. Si una serie de manga publicada es suficientemente popular, puede llegar a ganar una versión animada: un anime.

La exposición sin precedentes "El Mundo Lúdico del Manga y el Anime", con curaduría de Fausto Godoy, es la última incorporación del Museo Oscar Niemeyer, en la Sala 10. La muestra reúne más de 100 pinturas, dibujos y esculturas, con obras pertenecientes a la colección MON. Es una inmersión en el universo de esta expresión del arte japonés contemporáneo que ha llegado y conquistado gran parte del mundo. La exposición también propone un diálogo con tradiciones ancestrales, como las muñecas Ningyo, que ya se exhibieron en el recinto.

La tradición japonesa de enfocarse en el universo infantil es ancestral. Las celebraciones anuales del Día de las Niñas – 03/03 – y del Día de los Niños – 05/05 – se remontan a milenios. Los artefactos más antiguos conocidos datan del período Jomon (10.000/300 AEC). Los muñecos rituales – Ningyo – que corporifican los valores y las aspiraciones que los padres tienen con relación a sus hijos siguen la tradición.

La evolución del concepto más moderno de Ningyo tuvo inicio durante el período Edo (1603–1868), cuando hubo un énfasis creciente en el artesanato y en la expresión artística, que estimuló el rescate y desarrollo de varias formas de arte tradicionales, inclusive la fabricación de muñecos. Algunos de esos Ningyos fueron objeto de la exposición que precede a esta aquí en el Museo Oscar Niemeyer.

La muestra actual, intitulada "El Mundo Lúdico de los Mangas y Animes", retoma de cierta forma el tema del universo infantil, y lo proyecta hacia el juvenil, y más allá.

Son los mangas (漫画), historias en cuadrinhos o novelas gráficas que retratan en la mayoría de las veces el cotidiano urbano. En Japón, personas de todas las edades leen mangas, en una amplia gama de géneros: acción, aventura, horror, comercio, historias de detectives, la historia del país, ciencia ficción, fantasías sexuales, deportes, etc. Varios de esos mangas dieron origen a los animes (アニメ), una forma de arte característica que surgió en la década de 1960 con las obras del mangaká (creador de mangas) Osamu Tezuka, y se popularizó en las décadas siguientes. Ellos son en muchos casos la versión en celuloide, y actualmente en vídeo, de los mangas, una vez que una buena parte de los animes tiene origen en ellos.

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