Arte y guerra parecen palabras antagónicas, pero aquí aparecen juntas en este interesante conjunto de 37 alfombras afganas, de la colección personal del curador Victor Nosek.

La exposición "Afganistán: alfombras de paz y de guerra", organizada por el Museo Oscar Niemeyer (MON), se basa en la colección permanente de obras del MON. A diferencia de otras instituciones culturales, la función de un museo, además de cuidar y ampliar su colección, es crear diálogos entre sus obras y las exposiciones que realiza. Esta es una de las propuestas del Museo.

Vale recordar que el MON cuenta con la colección de arte asiático más grande de América Latina, luego de la donación de miles de obras, años atrás, del diplomático y profesor Fausto Godoy, que marcó una nueva vocación curatorial.

Luego se abrió espacio en la colección, con énfasis también en las artes asiáticas, africanas y latinoamericanas, en línea con los grandes museos del mundo, diferenciándola de la tendencia eurocéntrica que domina la cultura occidental. Esta iniciativa posicionó al MON al nivel de los principales museos internacionales.

En este aspecto, acercamos ahora a nuestro público la antigua tradición del tapiz afgano que, en las últimas décadas, ha incorporado temas bélicos a sus diseños tradicionales. Ambos temas se presentan en esta exposición inédita, dividida en dos ejes: la paz y la guerra.

Más que apreciar la estética, la exposición nos sensibiliza ante la propuesta y nos lleva a percibir el mundo a través de la mirada provocadora de la denuncia. Ofrece a los visitantes esta experiencia única de buscar significado y reflexionar sobre un tema tan complejo a través de la belleza del arte.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer 

Afganistán es una de las regiones políticamente más sensibles del planeta. Enclavada entre gigantes tan diversos como Rusia, India, Pakistán, Irán y China, su situación geográfica no sólo la sitúa en el cruce de grandes civilizaciones sino también de algunas de las religiones más importantes del planeta: el islam, el hinduismo y el budismo, principalmente.

Afganistán es el hogar de una civilización muy antigua, que ya existía como dominio persa cuando Alejandro III de Macedonia, el Grande, viajó por la región y fundó, en 334 a. C., Balhk, uno de sus puestos de avanzada más avanzados en Asia. Parte de la población aún conserva huellas físicas de los antiguos griegos. Esta misma población, de hábitos igualmente ancestrales, está formada por un gran elenco de etnias y tribus resultantes de la ocupación por invasores de diversos orígenes: persas, griegos, mongoles, etc. – a lo largo de su historia, que han inseminado, tanto en la genética como en las arraigadas tradiciones, valores y conceptos que cada uno de ellos defiende con feroz celo.

 Orgullosas de sus raíces, estas etnias y tribus, que se dividen entre las corrientes suníes y chiítas del Islam –en torno al 90% son suníes y el 10% chiíes, a grandes rasgos–, no aceptan la preponderancia de ninguna otra sobre ellas, por grande que sea. puede serlo numéricamente, aunque actualmente los talibanes suníes, de etnia pastún, dominan el gobierno y la vida pública y oprimen otros aspectos étnicos y religiosos. Los afganos aceptan aún menos la interferencia de otras culturas y recuerdan el período en el que dos de los imperios más grandes del siglo XIX, el ruso y el británico, compitieron en la región por la hegemonía sobre Asia Central, que la historia registró como la “Grande”. Jogo” (el “Gran Juego”).

 Fue este mismo espíritu de resistencia el que se encendió en diciembre de 1979 cuando la Unión Soviética, respondiendo al llamamiento del gobierno comunista entonces en el poder en Afganistán, invadió el país para apoyarlo en la lucha contra los insurgentes muyahidines, formados por grupos que se rebelaron contra la opresión del credo marxista, que entendían como una degradación de los valores del Islam.Esto se debe a que los soviéticos intentaron imponer sus conceptos seculares, cerraron las mezquitas e impidieron el culto público.

 La resistencia dio un giro dramático cuando los soviéticos abandonaron Afganistán en 1991, durante la disolución de la Unión Soviética, dejando espacio para la intensificación de los enfrentamientos entre los feroces grupos militantes que se habían refugiado en las montañas que conforman la accidentada geografía del país. Al mismo tiempo, las tropas occidentales de la Organización del Tratado del Atlántico Norte (OTAN), encabezadas por Estados Unidos, ocuparon el país tras los ataques a las Torres Gemelas de Nueva York el 11 de septiembre de 2001, que, bajo el liderazgo de Osama bin Laden, fueron perpetrados por Al Qaeda, una de las corrientes más feroces de los muyahidines.

 Después de varios episodios políticos que se sucedieron desde entonces, con la salida de las tropas occidentales en agosto de 2021, los talibanes llegaron al poder en Kabul. Parte de la población que se resiste a sus designios ha estado buscando refugio en otras partes del planeta, incluido Brasil, que ya cuenta con alrededor de cinco mil refugiados.

“Afganistán: alfombras de paz y de guerra” es la nueva creación del Museo Oscar Niemeyer (MON). La exposición podrá verse a partir del 24/10, en la Torre do Olho (planta baja y primera). La curaduría es del coleccionista Victor Nosek, con la colaboración del profesor y diplomático Fausto Godoy.

 La exposición reúne 37 alfombras procedentes de Afganistán que representan escenas de paz y guerra y reflejan diferentes momentos del panorama sociopolítico y cultural de ese país. La exposición también contará con 19 joyas afganas que forman parte de la vida cotidiana de las personas en las regiones donde se fabricaron las alfombras.

Donde las estrellas se encuentran con las flores

Las alfombras de guerra tribales afganas son parte de la tradición del “arte como retrato de la guerra”.

Son una actualización dramática de esta tradición. Representaban la guerra ruso-afgana y fueron producidos por distintas tribus pastoriles seminómadas, cuyo modo de vida se mantuvo sin cambios durante siglos.

Construidos en las tierras altas cuando la nieve se derritió, donde los afganos habían ido en busca de pastos para sus rebaños, y en sus hogares fijos durante el invierno.

Las alfombras “vivas” son el resultado de esta forma de vida.

La lana de alta calidad se teñía con tintes naturales recogidos durante la migración anual. Los tejedores, en el silencio de las tiendas, libres de interferencias, utilizaban simples telares horizontales fijados al suelo. Los temas tradicionales, desarrollados de memoria, sin dibujo previo, son característicos de cada artista. Creado preferentemente para uso personal, el excedente se vende y las ganancias se destinan a la compra de joyas de cornalina, piedras utilizadas contra el mal de ojo.

Al principio, en tímidas apariciones dentro de los temas tradicionales, tanques, helicópteros, aviones y granadas pronto ocuparon toda la composición. Tribales y contemporáneas, las alfombras de guerra de esta exposición pertenecen a los primeros diez años de esa guerra, entre 1970 y 1980, cuando el nomadismo pastoril todavía era posible. ¡La llegada del hambre endémica y la aniquilación de los rebaños hicieron inviable el nomadismo y la consiguiente producción de alfombras “vivas” de calidad!

¡Que esta exposición contribuya a la reflexión y la humanidad alcance finalmente la paz y el progreso al que está destinada!

Afganistán - alfombras de paz y de guerra

déc. 1980
Alfombra tejida manualmente en telares horizontales, utilizando lana de oveja y camello teñida de forma natural. En los cordones laterales se utiliza crin y cola de caballo.
129 x 92 cm

déc. 1960/70
Alfombra tejida manualmente en telares horizontales, utilizando lana de oveja y camello teñida de forma natural. En los cordones laterales se utiliza crin y cola de caballo.
210 x 109 cm

déc. 1960/70
Alfombra tejida manualmente en telares horizontales, utilizando lana de oveja y camello teñida de forma natural. En los cordones laterales se utiliza crin y cola de caballo.
194 x 102 cm

déc. 1980
Alfombra tejida manualmente en telares horizontales, utilizando lana de oveja y camello teñida de forma natural. En los cordones laterales se utiliza crin y cola de caballo.
152 x 92 cm

déc. 1980
Alfombra tejida manualmente en telares horizontales, utilizando lana de oveja y camello teñida de forma natural. En los cordones laterales se utiliza crin y cola de caballo.
143 x 98 cm

El MON organiza exposición de alfombras afganas

 “Afganistán: alfombras de paz y de guerra” es la nueva creación del Museo Oscar Niemeyer (MON). La exposición podrá verse a partir del 24/10, en la Torre do Olho (planta baja y primera). La curaduría es del coleccionista Victor Nosek, con la colaboración del profesor y diplomático Fausto Godoy.

“Hoy, un museo no es sólo un lugar de preservación, sino un espacio de diálogo y reflexión. El Museo Oscar Niemeyer ejemplifica este papel con una colección que abarca desde arte hasta piezas históricas y antropológicas, ampliando las barreras físicas de lo que constituye un espacio museístico”, afirma Luciana Casagrande Pereira, secretaria de Estado de Cultura de Paraná.

“Nuestro objetivo también es ampliar las referencias culturales. Así, el MON resalta la riqueza de las culturas asiáticas y africanas, que conforman una de las mayores colecciones especializadas de América, presentada tanto en exposiciones de larga duración como en giras por Paraná”, dice la secretaria.

La directora presidente de MON, Juliana Vosnika, comenta que la exposición es una oportunidad para que los visitantes vean de cerca la antigua tradición del tapiz afgano. “Cabe recordar que el MON cuenta con la colección de arte asiático más grande de América Latina, luego de la donación de miles de obras, hace años, por parte del diplomático y profesor Fausto Godoy, que marcó una nueva vocación curatorial”, comenta.

Luego se abrió espacio en la colección, con énfasis también en las artes asiáticas, africanas y latinoamericanas, en línea con los grandes museos del mundo, diferenciándolo de la tendencia eurocéntrica que domina la cultura occidental. Esta iniciativa posicionó al Museo Oscar Niemeyer al nivel de los principales museos internacionales.

“En este aspecto, acercamos ahora a nuestro público la antigua tradición del tapiz afgano que, en las últimas décadas, ha incorporado temas bélicos a sus diseños tradicionales”, dice Juliana. Ambos temas se presentan en esta exposición inédita, dividida en dos ejes: la paz y la guerra.

Fausto Godoy, quien durante aproximadamente dos años se desempeñó como embajador de Brasil en Afganistán, habla de la importancia política de la exposición, y el curador Victor Nosek explica que las alfombras que reflejan el tema de la paz son las más antiguas y representan escenas pastorales de naturaleza en general o formas geométricas.

Tribales y contemporáneas, las alfombras de guerra reflejan el período comprendido entre 1970 y 1980 y se exhibirán por separado en la primera planta de la Torre. “Necesitamos mirarlos, entender esa estética y reflexionar sobre cómo es posible crear belleza en la guerra”, provoca Godoy.

Recuerda que Afganistán es una de las regiones políticamente más sensibles del planeta. “Atrapada entre gigantes tan diversos como Rusia, India, Pakistán, Irán y China, su ubicación geográfica no sólo la sitúa en el cruce de grandes civilizaciones, sino también de algunas de las religiones más importantes del planeta: el islam, el hinduismo y el budismo, principalmente”, afirma.

El coleccionista y curador de la exposición explica que las alfombras tribales de guerra afganas forman parte de la tradición: el arte como retrato de la guerra. "Son una actualización dramática de esta tradición", informa Nosek.

Según él, estas piezas representan los primeros años de la guerra ruso-afgana y fueron producidas por diferentes tribus pastoriles seminómadas, cuyo modo de vida se mantuvo inalterado durante siglos. “Que esta exposición contribuya a la reflexión y la humanidad alcance finalmente la paz y el progreso al que está destinada”, afirma el curador.

MON está junto a los principales museos de Brasil y del mundo en la plataforma Google Arts & Culture. Visita nuestras exposiciones en formato virtual. Descubre más sobre esta exposición en la plataforma Google Arts & Culture.

El MON realiza exposición del mexicano Gabriel de la Mora

La exposición “Veemente”, del artista mexicano Gabriel de la Mora, es el logro más reciente del Museo Oscar Niemeyer (MON). La exposición, que podrá visitarse en la Sala 1 a partir del 8 de mayo, tendrá curadoría de Marcello Dantas. Hay 70 obras, entre instalaciones, lienzos con técnica mixta y esculturas, la mayoría de las cuales fueron producidas entre 2000 y 2025.

El conjunto presenta no sólo la estética del artista y su evolución, sino también la diversidad y peculiaridad de los materiales utilizados, que van más allá de los soportes y pigmentos tradicionales. En el proceso creativo, transforma objetos encontrados en materias primas para obras de arte únicas, evocando el concepto ready-made.

820 Fragmentos de alas de mariposa Hypolimnas pandarus sobre cartón de museo
30 x 30 x 2 cm
Galería Simões de Assis

Palos de madera
28,6 x 22,3 x 15 centímetros
Colección privada

Paneles electrónicos sobre papel de museo
41 x 35 x 4 centímetros
Colección privada

Polvo acumulado en el estudio del artista.
10 x 10 x 10 centímetros
Colección privada

Acrílico sobre plumas de pavo real sobre cartón de museo.
30 x 30 x 4 centímetros
Colección privada

El MON celebra una nueva exposición internacional

 La exposición “Veemente”, del artista mexicano Gabriel de la Mora, es la realización más reciente del Museo Oscar Niemeyer (MON). La exposición se inaugurará el 8 de mayo, en la Sala 1, con curadoría de Marcello Dantas.

 Son 70 obras, entre instalaciones, lienzos con técnicas mixtas y esculturas, la mayoría realizadas entre 2000 y 2025. El conjunto presenta no sólo la estética del artista y su evolución, sino también la diversidad y peculiaridad de los materiales utilizados, que van más allá de los soportes y pigmentos tradicionales.

 “El arte de Gabriel de la Mora provoca una reflexión fundamental sobre nuestro tiempo y nos invita a dar un nuevo sentido a lo cotidiano, a mirar más de cerca aquello que descartamos u olvidamos”, afirma la secretaria de Estado de Cultura, Luciana Casagrande Pereira. “Es una exposición que aborda temas contemporáneos y refuerza el compromiso del MON de brindar al público experiencias impactantes vinculadas a los debates sobre el arte global”.

 La directora ejecutiva del MON, Juliana Vosnika, comenta que el artista desafía nuestra mirada y percepción con sus pinturas, instalaciones y esculturas realizadas a partir de elementos inusuales y descartados. “Nada en su intensa y extensa obra es obvio. Todo es resultado de una mirada perspicaz a la naturaleza humana, sus sentimientos y sensaciones”, afirma.

 En el proceso creativo, el artista transforma objetos encontrados en materia prima para obras de arte únicas, evocando el concepto ready-made. “Siempre hay un mensaje, que aborda la sostenibilidad, el paso del tiempo y el ciclo de la vida, traducido en obras llenas de belleza y movimiento”, afirma Juliana.

 El curador Marcello Dantas explica que la práctica de Gabriel de la Mora implica una investigación de los materiales, explorando los límites físicos y conceptuales de un proceso de recolección y reconstrucción. “A primera vista, sus obras pueden parecer abstractas, escultóricas o incluso minimalistas. Sin embargo, una mirada más atenta revela que nada es lo que parece”, afirma Dantas.

 “Sus obras están compuestas de elementos inesperados: mechones de cabello, fragmentos de espejos, cáscaras de huevo, suelas de zapatos, alas de mariposa y otros rastros de la vida cotidiana”, dice el curador. “Su técnica denota un proceso casi obsesivo que transforma la materia prima en nuevas formas, patrones y texturas. La repetición continua del gesto artesanal —a veces restaurador, a veces destructivo— revela un método que desafía la experiencia visual y sensorial del espectador”, añade.

Marcello Dantas es un curador premiado con amplia actividad en Brasil y en el exterior. Trabaja en la frontera entre el arte y la tecnología, produciendo exposiciones y múltiples proyectos que brindan experiencias inmersivas a través de los sentidos y la percepción. En los últimos años, ha trabajado en el diseño de varios museos, como el Museo de la Lengua Portuguesa, Japan House (SP), Museo de la Naturaleza (PI), Museo de la Ciudad de Manaus, Museu da Gente Sergipana (Aracaju, SE), Museo del Caribe y el Museo del Carnaval (Barranquilla, Colombia). Ha realizado exposiciones individuales de algunos de los nombres más importantes del arte contemporáneo a nivel mundial, como Ai Weiwei, Anish Kapoor, Laurie Anderson, Michelangelo Pistoletto, Rebecca Horn y Tunga. También fue director artístico del Pabellón de Brasil en la Expo Shanghai 2010, del Pabellón de Brasil en Río+20 y de la Estación Pelé en Berlín durante el Mundial de 2006.

Nació en 1968, en la Ciudad de México, donde vive y trabaja. Gabriel de La Mora se graduó de Arquitectura en la Universidad Anáhuac del Norte y tiene una maestría en Pintura por el Pratt Institute de Nueva York. Centra su práctica artística en el uso y reutilización de objetos desechados u obsoletos, que parecen haber cumplido su vida útil. Muy interesado en la deconstrucción y fragmentación de un objeto o material a lo largo del tiempo, apuesta por la reconstrucción a partir de prácticas basadas en el paso del tiempo y los procesos, haciendo eco del concepto ready-made.

Veemente - Gabriel de la Mora

MON realiza exposición de arte africana con piezas recién incorporadas a su colección

La exposición “África, Expresiones Artísticas de un Continente”, realizada por el Museo Oscar Niemeyer, presentada por la Copel y posibilitada por el gobierno del Estado de Paraná, podrá ser vista por el público a partir de 31 de agosto, en la Sala 4. Es una gran donación realizada por la Colección Ivani y Jorge Yunes (CIJY) al MON. 

En total, son aproximadamente 1.700 obras de una de las más importantes y significativas colecciones de objetos de arte africana del siglo 20, que pasan a pertenecer a la colección del Museo Oscar Niemeyer y, consecuentemente, al Estado de Paraná.

África, Expressões Artísticas de um Continente

Transforme uma árvore em lenha que ela arderá; mas nunca mais lhe dará flores e frutos.

Rabindranath Tagore (1861-1941), poeta bengali

A antiga metáfora da fertilidade relacionada à força vital e à potência das árvores, com as suas raízes profundas, o seu caule como alicerce, as suas ramificações como desdobramentos de si, seu legado como flores e frutos simbólicos, nunca foi tão adequada quanto ao ser aplicada às permanentes ligações com a nossa Mãe África. Se pensarmos então nas metáforas da gigantesca árvore baobá, desde as referências históricas mais severas associadas à escravidão pela chamada “árvore do esquecimento” até as mais suaves, como a da famosa árvore do livro O Pequeno Príncipe, os aprendizados daí decorrentes seriam análogos: “Tu te tornas eternamente responsável por aquilo que cativas”, como disse Saint-Exupéry.

Se as expressões artísticas surgem dos sentidos, o legado das civilizações surge das mãos. E como são belas as manifestações dos povos; como são belas as artes da África! O amor e a ânsia pelo belo, o amor e o temor à natureza e aos deuses e o destemido apreço à civilização foram tão caros às nações africanas que indistintamente distribuíram e reputaram a todos os aspectos da existência, contraditórios ou não, alguma forma de manifestação artística.

As artes demarcam as formas de um tempo. A exposição de longa duração “África, Expressões Artísticas de um Continente” apresenta, assim, um dos pontos essenciais da transição do desenvolvimento das artes africanas mais antigas, desde a sua retirada do continente e a posterior descontextualização de seus significados intrínsecos, vistos no mundo moderno e contemporâneo a partir de uma ênfase em suas formas artísticas. Antes restrita aos museus europeus enquanto objetos de culturas milenares ditas tradicionais, hoje as obras legadas da África puderam se conformar ao fazer artístico da atualidade, oferecendo ao mundo todo a chamada “arte tradicional africana contemporânea”, como é conhecida pelos especialistas. Essas obras são instrumentos de modernização recentes e autênticos das artes populares africanas ou ainda reproduções modernas das antigas peças destinadas sobretudo aos mercados emergentes nos trópicos.

Estreitando os laços institucionais, o Museu Oscar Niemeyer (MON) recebeu esta importante doação de obras africanas da Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY). Ao longo de mais de cinquenta anos, o casal adquiriu obras que abrangem cinco continentes. Essa doação engloba cerca de 1700 objetos advindos da África: são máscaras, estatuetas, bustos, miniaturas, objetos do cotidiano, instrumentos musicais e um grande número de outras peças. De maneira positiva, eles integram hoje o acervo do Museu Oscar Niemeyer, o qual parabenizamos por ter dado esse passo oportuno, enriquecendo a sua coleção e ao mesmo tempo todo o legado africano no Paraná e no Brasil. Convidamos a todos, então, a fazerem parte ativa nessa imersão pela arte da África, observando as suas formas naquilo que elas mesmas possam surpreender e permitir uma fruição equivalente a outras no universo artístico, sem determinações estanques, dando um passo a mais nesse diálogo. 

Da grande árvore da África geraram-se múltiplos frutos e novos legados. Não foi por acaso que, assim como a maioria dos povos subsaarianos, os assírios, os egípcios, gregos e romanos, os maias, os incas, os astecas e basicamente todas as grandes civilizações desenvolveram uma cultura do uso de máscaras e fizeram representações em esculturas. Com a exposição de objetos de heranças culturais tão distintas, encontramos aqui um importante ponto em comum: dentro do museu, essas artes são elevadas a uma mesma plataforma artística, igualando a arte africana ao patamar da arte mundial. Eis uma maneira de honrar a ancestralidade visual do passado e de abrir os novos plantios, rotas e perspectivas dessa arte no futuro.

A exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer, apresentada pela Copel, poderá ser vista pelo público a partir de 26 de agosto, na Sala 4. É um recorte da grandiosa doação feita pela Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY) ao MON. 

“La llegada de la colección de arte africana es parte de un proceso de consolidación del marco referencial del MON, que establece como diferencial de la institución prioritariamente coleccionar arte paranaense y brasileña y expandir su mirada no eurocéntrica para el arte latinoamericano, asiático y africano”, explica la directora-presidente del MON, Juliana Vosnika. “Buscamos constantemente aumentar la colección, porque ese es el alma de un museo, su esencia”, comenta.

Juliana recuerda que, en 2018, el MON fue el museo escogido por sus condiciones técnicas, capacidad de gestión y credibilidad de la institución para recibir una donación de casi 3 mil obras de arte asiática. Donadas por el diplomático y profesor Fausto Godoy y provenientes de varios países de ese continente, parte de las obras puede ser vista por el visitante del MON en la exposición “Asia: la Tierra, los Hombres, los Dioses”, en la Sala 5.

El museo más grande de arte de América Latina en área construida, con 35 mil metros cuadrados, el MON triplicó su colección en los últimos años. Desde que fue inaugurado, en 2002, y hasta 2015, el MON contaba con cerca de 3 mil obras. Actualmente, posee más de 9.300 obras en su colección. 

Según el curador de la exposición “África, Expresiones Artísticas de un Continente”, Renato Araújo da Silva, las obras donadas al MON fueron adquiridas durante más de 50 años por el matrimonio Ivani y Jorge Yunes, dueños de una de las mayores colecciones de arte de Brasil. 

“Con la exhibición de objetos de patrimonios culturales tan diferentes, encontramos aquí un importante punto en común: dentro del Museo, esas artes se elevan a una misma plataforma artística, equiparando el arte africano al nivel del arte mundial”, dice. “Aquí hay una forma de honrar la ancestralidad visual del pasado y de abrir los nuevos plantíos, rutas y perspectivas de este arte en el futuro”, comenta Renato.

Parte de la exposición son: máscaras, esculturas, bustos y cabezas de bronce, miniaturas metálicas, objetos cotidianos e instrumentos musicales. 

Las obras tienen su origen en países como Costa de Marfil, Mali, Nigeria, Camerún, Gabón, Angola, República Democrática del Congo y Mozambique, entre otros. 

Renato Araújo da Silva es historiador en Filosofía por la Universidad de São Paulo y coautor, entre otros trabajos publicados, del libro “África en Artes”. Curador e investigador, actuó em el Museo Afro y realizó oras exposiciones en museos, como el de Arte Sacra de São Paulo.

“África, Expresiones Artísticas de un Continente”
Sala 4

africa-pt-br.pdf

A exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer, apresentada pela Copel, poderá ser vista pelo público a partir de 26 de agosto, na Sala 4. É um recorte da grandiosa doação feita pela Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY) ao MON.

ÁFRICA - EXPRESSÕES ARTÍSTICAS DE UM CONTINENTE

A mostra “África, Expressões Artísticas de um Continente” é um recorte da doação de aproximadamente 1.700 peças de arte africana contemporânea, a partir da parceria do MON e da Coleção Ivani e Jorge Yunes. Assista ao recado do curador da exposição, Renato Araújo, e visite a Sala 4 do MON.  ⠀⠀⠀⠀⠀ Exposição apresentada pela COPEL @copel_energia. #ArteAfricana#MuseuOscarNiemeyer

África, Expressões Artísticas de um Continente no MON!

África, Expressões Artísticas de Um Continente. O nascer de um novo legado para a arte, para você.  ⠀⠀⠀⠀⠀  Em cartaz na Sala 4 do Museu Oscar Niemeyer.  ⠀⠀⠀⠀⠀  Exposição apresentada pela COPEL @copel_energia. #MuseuOscarNiemeyer#ÁfricaNoMON

#emcartaz | África, Expressões Artísticas de Um Continente

#emcartaz | África, Expressões Artísticas de Um Continente

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Para el Museo Oscar Niemeyer, el arte y los artistas paranaenses juegan un papel importante y están siempre presentes en las exposiciones y en la colección permanente de la institución.

Aquí los visitantes podrán disfrutar de una selección del trabajo del artista curitibense Teca Sandrini, desde la década de 1960 hasta la actualidad. Su exposición “Eternal Feminine”, presentada por MON, reúne más de 100 pinturas, dibujos, grabados y esculturas.

Con gran sensibilidad, las mujeres son retratadas por ella de diferentes maneras, en diferentes contextos y épocas, así como sus sentimientos, sensaciones y emociones.

Los artistas a menudo dan pistas, a través de sus obras, sobre su manera de ver la vida. Teca siempre ha sido una aguda observadora del mundo que la rodea, lo que queda claro, implícita y explícitamente, en su obra.

El resultado es una vasta producción, ya presentada en ciudades de Brasil y del mundo, que integra varias colecciones.

Los museos son espacios vivos y de conocimiento cuya misión es promover el diálogo constante entre los artistas y el público. Al acercar la exposición de este artista a sus compatriotas y a todos los visitantes, MON transmite un sentido de pertenencia y de aprecio por la cultura local.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

“Eterno Feminino” es una selección de la obra de la artista curitibana Teca Sandrini, desde la década de 1960 hasta la actualidad, con curaduría de Maria José Justino, y se exhibe en la Sala 7. Las pinturas, dibujos, grabados y esculturas presentan tres etapas de su carrera: “Polacas”, “Fragmentos” y “Manchas”.

 La primera aborda signos de la vida doméstica mostrando a mujeres realizando sus tareas cotidianas. En “Fragmentos”, que roza el surrealismo y la abstracción, la atención se centra en cajones y sillas. En “Manchas”, la artista juega con las formas.

Esta exposición consolida la preferencia de Teca Sandrini por la pintura como un lenguaje oblicuo sobre la realidad, un conocimiento que habla a través del silencio de las mujeres, sus deseos y ensoñaciones. En las diversas técnicas y lenguajes que experimentó, siempre estuvo presente la estructura diagonal, que el Barroco veía como la mejor manera de expresar el movimiento y la vida.

Además de las zonas de transición, Sandrini tiene al menos tres fases principales. En LAS POLACAS, la joven gorda, recluida en una plaza y rodeada por todos lados de trastos, signos de la vida doméstica cotidiana, oscila entre lo ingenuo y lo mordaz. Son mujeres inmersas en las tareas, en los trastos –ollas, sartenes, cajones–, en una locura organizada. Ni heroínas ni víctimas, sólo amas de casa atrapadas en sus tareas rutinarias.

Más tarde, en un flirteo con el surrealismo, los animales se entrelazan con los seres humanos, quienes poco a poco se desvanecen y dan paso al objeto hasta que, finalmente, se rinden. En la saturación de objetos, Teca siente la necesidad de vaciarse... Esta es la fase de FRAGMENTOS. La mujer se esconde y da paso a cajones y sillas: un lugar de secretos, de lo guardado y de la espera.

Surge un coqueteo con la abstracción. Pero no se trata de una abstracción pura: el lado emocional del expresionista no desaparece. Cambia la forma femenina y los animales por la violencia de los colores y la concentración en el fragmento.

La dificultad galopante de la visión inaugura la fase STAINS, en la que el artista permite jugar con las formas. La materia concreta y la geometría se funden con las emociones de la vida, disfrazadas de manchas, espontaneidad y expresividad, acercándose al all-over. Los colores fuertes dan paso a grandes manchas y, en las luces que se desvanecen, el blanco emerge como luz. Surge una nueva pintura no narrativa.

La teca de hoy se perfila en manchas. A excepción del recorrido por las Marías, que parece un concierto con todas las mujeres del pasado, sus cuadros son reminiscencias de vida. Hay que perder el paraíso terrenal para vivirlo verdaderamente, decía Bachelard. La pérdida de parte de la visión agudiza la mirada e intensifica el deseo de ver el mundo. Su pintura sigue siendo el ejercicio de una religión profana, porque está inmersa en el mundo;ontológico, porque está inmerso en la inmensidad del lenguaje del arte; íntimo y, por lo tanto, verdadero. Metáfora de la resistencia, poética de la mirada, elogio de la mano.

Óleo sobre tela
300 x 300 cm (cada 150 x  150) quadríptico
Acervo Teca Sandrini

Giz de cera, nanquim e tinta a óleo sobre papel
Dimensões variáveis
Acervo Teca Sandrini

Óleo sobre tela
130 x 160 cm
Acervo Teca Sandrini

Nanquim e pastel oleoso sobre papel
73 x 105 cm
Acervo Teca Sandrini

El Museo Oscar Niemeyer inaugura exposición de la artista Teca Sandrini

Una selección de la obra de la artista curitibana Teca Sandrini, desde la década de 1960 hasta la actualidad, se reúne en la exposición “Eterno Feminino” (Eterno Femenino), inaugurada por el Museo Oscar Niemeyer (MON). 126 pinturas, dibujos, grabados y esculturas, con curaduría de Maria José Justino, se exhibirán en la Sala 7 a partir del 3 de julio a las 19:00 h.

“Valorar la producción de artistas paranaenses, especialmente de mujeres con trayectorias tan potentes como Teca Sandrini, es reafirmar nuestro compromiso con la memoria, la diversidad y la fuerza del arte hecho en Paraná”, afirma la secretaria estatal de Cultura, Luciana Casagrande Pereira.

“El arte y los artistas paranaenses desempeñan un papel fundamental y están siempre presentes en las exposiciones y en la colección permanente del MON”, afirma la directora ejecutiva de la institución, Juliana Vosnika. “Con la exposición de este artista, el Museo Oscar Niemeyer fomenta un sentido de pertenencia y aprecio por la cultura local”, añade Juliana.

La curadora explica que la exposición consolida la preferencia de Teca Sandrini por la pintura “como un lenguaje oblicuo sobre la realidad, un conocimiento que habla a través del silencio de las mujeres, sus deseos y ensoñaciones”. Según Maria José Justino, “en las diversas técnicas y lenguajes que experimentó, la estructura diagonal estuvo siempre presente, la cual los barrocos veían como la mejor manera de expresar el movimiento, la vida”.

La exposición reúne obras de tres grandes etapas diferenciadas de la trayectoria del artista: “Polacas”, “Fragmentos” y “Manchas”. La primera aborda indicios de la vida doméstica al presentar amas de casa realizando tareas rutinarias. “Más tarde, en un coqueteo con el surrealismo y la abstracción, la mujer se esconde y cede el paso a cajones y sillas: un lugar de secretos, de lo guardado y de la espera; esta es la fase “Fragmentos”, explica la curadora.

Las limitaciones y dificultades visuales de la artista inauguran la fase más reciente de su obra, “Manchas”, en la que juega con las formas. “La materia concreta y la geometría se mezclan con las emociones de la vida, disfrazadas de manchas, espontaneidad y expresividad”, afirma María José Justino. “Los colores intensos dan paso a grandes manchas y, en las luces que se apagan, el blanco emerge como luz. Surge una nueva pintura, no narrativa”, informa.

Con una trayectoria artística de más de seis décadas, Teca Sandrini afirma que el arte la ha convertido en ciudadana del mundo. “De la vida y del arte extraigo amor, colores y perfumes”, afirma. “Siento el arte como naturaleza, donde lo visible y lo invisible se funden y narran la realidad y la memoria”, añade.

Maria José Justino es profesora, ensayista, curadora y crítica de arte. Tiene una maestría en Filosofía de la PUC-SP; un posdoctorado de la École des Hautes Études en Sciences Sociales (2008) y un doctorado en Estética y Ciencias del Arte de la Universidad París VIII (1991). Es miembro del Consejo de Cultura del Estado de Paraná, del Museo Oscar Niemeyer (MON) y del Museo de Arte Contemporáneo (MAC). Profesora jubilada de la UFPR y Embap, es autora de más de 70 artículos y libros, entre ellos: “Mujeres en el Arte: ¿Qué Diferencia Hace?”, “Frans Krajcberg: La Tragedia de la Naturaleza a través de los Ojos del Arte” y “Modernidad y Posmodernidad en Hélio Oiticica”.

Teca Sandrini es una artista brasileña galardonada, con obras en diversas colecciones nacionales e internacionales. Es licenciada en Pintura por la Escuela de Música y Bellas Artes de Paraná, licenciada en Dibujo por la Facultad de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica de Paraná (PUCPR) y tiene una especialización en Antropología Filosófica por la Universidad Federal de Paraná (UFPR). Ha realizado exposiciones individuales en varias ciudades brasileñas y en otros países, como Estados Unidos y Alemania. Fue profesora en la Escuela de Música y Bellas Artes de Paraná y en la PUCPR.

Sus obras pertenecen a importantes colecciones, tales como: Museo Oscar Niemeyer, Colección Brasileña Americana, Instituto Cultural, Washington DC, (EE. UU.); Museo de Arte Brasileño - Fundación Armando Alvares Penteado, São Paulo; Museo de Arte Contemporáneo de Pernambuco, Olinda (PE); Museo de Arte Contemporáneo de Paraná, Curitiba; Museo de Arte Moderno de Santa Catarina, Florianópolis; Museo de Arte de Goiânia; Museo Nacional de Bellas Artes, Río de Janeiro; y varios otros.

El Museo Oscar Niemeyer (MON) es un sitio patrimonial estatal, vinculado a la Secretaría de Estado de Cultura. La institución alberga importantes referentes de la producción artística nacional e internacional en las áreas de artes visuales, arquitectura y diseño, así como importantes colecciones asiáticas y africanas. En total, la colección incluye aproximadamente 14.000 obras de arte, albergadas en un espacio de más de 35.000 metros cuadrados construidos, lo que convierte al MON en el museo de arte más grande de Latinoamérica.

Exposición “Eterna Feminidad”– Teca Sandrini
Inauguración: 3 de julio, 19 h.
Espacios: Sala 7
www.museuoscarniemeyer.org.br

Eterno Feminino - Teca Sandrini

Mais do que comemorar o centenário deste artista curitibano, que é um dos principais nomes das artes do Estado e do País, a mostra “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), passa a ser um local de referência a Poty Lazzarotto.

A partir de agora, certamente, os visitantes do MON, em especial as centenas de estudantes das redes pública e particular que diariamente frequentam o Museu, poderão saber mais e conhecer melhor esse gênio das artes.

Também é uma oportunidade para o espectador se aprofundar na vida e obra de Poty. Ao proporcionar uma imersão em tão vasto conteúdo, reunido aqui, o MON instiga o público a aumentar repertório ao lançar um novo olhar sobre este artista ímpar. 

Recentemente, o Museu incorporou ao seu acervo a maior coleção já doada à instituição: aproximadamente 4 mil obras de arte assinadas por ele. Um recorte disso pode agora ser visto nesta exposição. Assim, o eixo central deste prédio se transforma em palco para as maiores coleções recebidas pelo MON, ao lado das mostras de arte asiática e africana.

A doação da obra de Poty, generosamente feita pela família do artista, trouxe ao Museu, em 2022, mais de 3 mil desenhos e 366 gravuras, além de tapeçarias, entalhes, serigrafias e esculturas. São obras que enriquecem ainda mais o acervo do MON, que nos últimos anos quintuplicou de tamanho, consolidando o Museu como um dos mais importantes da América Latina. 

Ser a instituição que guarda o legado de Poty é motivo de orgulho, alegria e responsabilidade. Nesta mostra, compartilhamos com o visitante um pouco desses sentimentos, traduzidos pelos traços inconfundíveis do artista. Pertencimento aqui tem nome e sobrenome: Poty Lazzarotto.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika 
Diretora-presidente
Museu Oscar Niemeyer

“A alma se expressa com mais claridade através do rosto (Simmel).” Essa profundidade encontramos nos retratos de Poty. São imagens expressivas e agitadas: têm existência real, não há espaço para impessoalidade. Ícones que surpreendem a realidade natural e social, vão do realismo à caricatura. São traços certeiros, linhas econômicas que sintetizam em pequenos detalhes a personalidade do retratado. O macambúzio Bakun contrasta com os enérgicos autorretratos do artista. Poty, ao olhar para si mesmo, revela a individualidade de um homem firme, direto, dado a poucos devaneios – e humano, demasiadamente humano.

Nascido em modesta casa de madeira no Capanema, criado nos trilhos da ferrovia que passava em frente à sua casa, com um pai ferroviário, mãe cozinheira e avô marceneiro, Poty desenvolveu uma paixão pelos trabalhadores humildes acalentada em toda a sua vida, mesmo depois de viver em metrópoles como o Rio de Janeiro e Paris. Seus desenhos e gravuras traduzem a paixão pelo trabalhador, tanto pelo operário no dia a dia do trabalho árduo, em especial o ferroviário, pelas carrocinhas de polaca, pelas vendedoras ambulantes, pelos motoristas dos bondes abertos e pelos donos de botecos, como pelo homem simples no cotidiano: nas festas de igreja, nas sociedades operárias, no Cine Morgenau, no jogo de truco, todos celebrando a vida. O trabalho é visto por Poty muito mais como realização do que penúria e alienação. Encontramos nessa poética do trabalho a energia de São Francisco, os traços corajosos de Goya e a ternura de Käthe Kollwitz. Delicadeza e cunho social, dignidade e humanidade.

Poty celebra a sabedoria indígena que cultua a natureza e os mitos. Colhe, no meio das inúmeras línguas e dos ricos rituais, o artista nato, seja nas cestarias, nos bancos, nos arcos e nas flechas, na pintura corporal, nas máscaras e até nos simples nós e na arquitetura das ocas. Os desenhos de Poty realizados no Alto Xingu, na ainda extensa Floresta Amazônica dos anos 1960 (1967/68), são um elogio à natureza, ao bom selvagem de Rousseau. Fazem jus a essa imaginação intelectual e instintiva transbordante dos nativos.

“O mundo profano é o universo das interdições, enquanto o mundo sagrado corresponde ao das transgressões (Bataille).” Os santos de Poty são muito conhecidos, em especial São Francisco, por ele desenhado, talhado e gravado inúmeras vezes. Os vestígios do sagrado, a comunicação com o transcendental presente na alma de Poty, o conduzem a uma religião no sentido de religar, do latim religare, que celebra o entendimento humano. Desse modo, não precisa necessariamente estar vinculado a uma religião louvando aos deuses para ser religioso. A aura, se existe, é aquela que envolve a ligação ao outro, a prática do humanismo. Inspirado em São Francisco, Poty celebra a natureza e a pessoa humana.

Mergulhar nos desenhos e gravuras de Poty é viajar no cotidiano da provinciana Curitiba. Desde as cenas das carrocinhas das polacas, trabalhadores indo ao ofício de bicicleta, desastres na ferrovia, brigas nos botecos, as enchentes no centro da cidade, os meninos soltando pipas, o Circo dos Irmãos Queirolo e o glorioso regresso de Didi Caillet até a procissão dos meninos correndo atrás do trolley do padre Maurício, que distribuía balas para atrair os pequenos para o Santo Ofício. Também estendeu seu olhar a outras paragens: seus traços escorregam por cenas marítimas da Bahia, pelas igrejas e santos de Ouro Preto, pelas esculturas das catedrais de Chartres e de Paris. Eterno viajante, Poty une a Curitiba nostálgica à descoberta do mundo.

Desde o início da sua atividade artística, Poty sempre foi um narrador, criando imagens para contar histórias. Ainda criança, fez histórias em quadrinhos inspiradas nos modelos norte-americanos; já adolescente, criou imagens de violência e fantasia, inspiradas em autores como Edgar Allan Poe e William Shakespeare. O cinema, também uma forma de narração através de imagens, foi outra influência decisiva na sua obra: ainda criança, frequentava o antigo cinema do Clube Morgenau e depois desenhava as cenas que ficavam marcadas na sua memória. Poty tornou-se ilustrador de livros ainda jovem: desde 1943 e até o fim da vida, ilustrou mais de 170 títulos de autores brasileiros e estrangeiros. Com seu amor pelo cinema, também realizou uma magistral série de desenhos à maneira de cartazes de clássicos do cinema – o desenho como extensão da sétima arte.

“Na galeria dos nossos grandes (mas muito poucos) ilustradores de nossos livros (numerosos, mas ainda muito poucos), nunca a fusão verbo-ícone atinge tão intrínseca adequação: nunca um ilustrador, entre nós, foi tão ilustrador, tão capaz de dizer o que as palavras não sabiam ou não podiam.” (Antônio Houaiss)

O primeiro mural público de Poty foi o da Praça 19 de Dezembro, por ocasião do Centenário da Emancipação do Paraná, em 1953, em estilo mais realista. Desde então, realizou um grande número de obras públicas, que estão presentes em várias cidades brasileiras, tendo chegado também à Europa, com trabalhos no Algarve, em Portugal, e em Paris. Para o artista, os murais públicos eram uma extensão da gravura, pela sua capacidade de levar a sua arte a um público mais amplo. Na sua obra pública, Poty emprega sofisticadas técnicas de montagem e articulação dos elementos figurativos para representar a história humana, o desenvolvimento das cidades, das artes, dos saberes e das tecnologias. Para quem passeia por Curitiba, fica o convite para encontrar, na cidade, os murais de Poty: como a chuva e os pinheiros, eles são parte da paisagem curitibana.

“Cabe a cada menino guardar, para todo o sempre, um instante daquele voo de silêncio e fúria, de ruído e paz...” (Valêncio Xavier)

La exposición “Vías y Trazos – Poty 100 años”, realizada por el Museo Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, una muestra de la donación de 4 mil piezas realizada por la familia del artista al Museo, en 2022. Con curaduría de Maria José Justino y Fabricio Vaz Nunes, celebra el centenario de Poty Lazzarotto (1924-1998).

En la exposición, las obras se organizaron en torno a nueve núcleos temáticos presentes en la trayectoria artística de Poty, representando sus diferentes facetas: el Narrador, el Trabajo, el Xingu, lo Sagrado, la Guerra, la Vida Cotidiana, el Viajero, el Muralista y el Retratista.

Poty, artista curitibano? Não: Poty, artista do mundo. Esta é a premissa desta exposição: mostrar um dos mais importantes artistas de Curitiba em sua dimensão universal. Comemoramos o centenário de nascimento de Poty Lazzarotto trazendo ao público uma ampla seleção das suas obras recentemente doadas ao MON pelo Sr. João Geraldo Lazzarotto, irmão do artista. Nesta mostra, as peças foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na sua obra, representativos das diferentes facetas do artista: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista. Mas Poty, o piá do Capanema que amava o cinema e as histórias em quadrinhos, é ainda mais que tudo isso. Através do desenho, seu principal meio de expressão, abordou os mais variados temas, passou por diferentes estilos, sempre buscando levar a arte ao seu mais importante destino: o povo. Na sua atividade artística incessante e obstinada, deu a ver o mundo real do trabalho e a realidade social; recriou, em imagens, o universo criativo da literatura; em seus murais, plasmou a grande aventura da história universal. Sempre buscando a divulgação popular da arte, foi da gravura à ilustração, do desenho minúsculo ao mural monumental. Na simplicidade do desenho, com a sua visão humana e pungente da experiência humana em todas as suas dimensões, Poty criou um vasto imaginário coletivo: em seus trilhos e traços, viajamos ao mundo.

A exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

MON realiza gran exposición celebrando los cien años de Poty Lazzarotto

El Museo Oscar Niemeyer (MON) presenta la gran exposición “Vías y Trazos – Poty 100 años”, para celebrar el centenario de Poty Lazzarotto (1924-1998). Con curaduría de Maria José Justino y Fabricio Vaz Nunes, la exposición reúne aproximadamente 500 obras, una muestra de la donación de 4 mil piezas que hizo la familia del artista al Museo, en 2022. La inauguración será el día 11/4, a las 19h, en la Sala 6.

"Poty, en su centenario, sigue siendo actual e incomparable, y esta nueva exposición refuerza la importancia del artista para la identidad cultural de Paraná. Estoy segura de que la exposición en el Museo Oscar Niemeyer presentará su obra única a miles de personas y también a las nuevas generaciones", afirma Luciana Casagrande Pereira, Secretaria de Estado de Cultura de Paraná.

“Más que celebrar el centenario de este artista curitibano, que es uno de los principales nombres de las artes en el Estado y el País, la exposición se convierte en un lugar de referencia para Poty Lazzarotto”, afirma la directora-presidente del MON, Juliana Vosnika.

“A partir de ahora, los visitantes del MON, especialmente los cientos de estudiantes de escuelas públicas y privadas que visitan diariamente el Museo, seguramente podrán saber más y conocer mejor a este genio de las artes”, comenta.

La exposición es también una oportunidad para que el espectador profundice en la vida y obra de Poty. “Al proporcionar una inmersión en un vasto contenido, reunido aquí, el MON anima al público a aumentar su repertorio echando una nueva mirada a este artista único”, dice Juliana.

La premisa de la exposición, según los curadores, es ir más allá de las fronteras regionales y presentar a Poty en su dimensión universal. “En su incesante y obstinada actividad artística recreó, en imágenes, el universo creativo de la literatura; en sus murales creó la gran aventura de la historia universal”, informan. “Buscando siempre la difusión popular del arte, pasó del grabado a la ilustración, del diminuto dibujo a los murales monumentales”.

En la exposición, las obras se organizaron en torno a nueve núcleos temáticos presentes en la trayectoria artística de Poty, representando sus diferentes facetas: el Narrador, el Trabajo, el Xingu, lo Sagrado, la Guerra, la Vida Cotidiana, el Viajero, el Muralista y el Retratista. “Pero Poty, el muchacho de Capanema que amaba el cine y los cómics, es aún más que todo eso”, dicen los curadores.

El 29 de marzo, día del aniversario de Curitiba y, casualmente, fecha de nacimiento del artista Poty Lazzarotto – el MON recibió la mayor colección jamás donada a la institución: aproximadamente 4.500 piezas. En el año 2022.

Esta colección cuenta con más de 3 mil dibujos y 366 grabados, además de tapices, tallado, serigrafías y esculturas, entre otros. La donación fue realizada directamente por el hermano del artista, João Lazzarotto.

Son obras que enriquecen aún más la colección del MON, que en los últimos años ha quintuplicado su tamaño, consolidando al Museo como uno de los más importantes de América Latina.

En esta exposición se puede ver una muestra de la amplia colección de Poty.

Así, el eje central del edificio del Museo se convierte en el escenario de las mayores colecciones recibidas por el MON, junto con exposiciones de arte asiático y africano.

Poty Lazzarotto (Curitiba, 1924-1998) siguió su camino a partir el dibujo, para luego profundizar en el grabado, del que se convirtió en maestro, siendo creador del primer curso de grabado en el Museo de Arte de São Paulo (Masp). Gran parte de su producción es biográfica y abarca desde recuerdos infantiles alrededor de vías y vagones de tren hasta registros de tipos de curitibanos y los entornos que ellos habitan.

Poty es directo y contundente en sus dibujos y grabados. Fue con esta característica espontánea que ilustró varias obras de la literatura brasileña, como Os sertões, de Euclides da Cunha, y Grande Sertão: Veredas, de Guimarães Rosa. Tampoco podía dejar de dar vida a los controversiales curitibanos retratados en las historias de otro ícono paranaense, Dalton Trevisan.

Como si su presencia en la literatura no fuera suficiente, Poty dejó su huella en toda Curitiba a través de sus monumentos o paneles de azulejos y concreto visto, práctica que comenzó con el panel “Desarrollo Histórico de Paraná”, de 1953, en la Plaza 19 de Dezembro. Otros ejemplos de esta producción son los paneles de la calle Nestor de Castro, en los que muestra, por un lado, el escenario de una Curitiba que ya no existe, y, por el otro, la evolución de la ciudad, surgida en medio del pinar, habitada por inmigrantes, y que se destaca en el ámbito del urbanismo.

La colección donada al Museo Oscar Niemeyer abarca toda esta producción. En ella podemos encontrar originales tantas veces reproducidos en libros y otras publicaciones sobre el artista, entramos en contacto con los dibujos realizados por él en su expedición al Xingu, en 1967, y nos adentramos en la intimidad de un Poty casi desconocido. Además, todavía encontramos bocetos, proyectos y estudios, y podemos ver la evolución del trazo, desde su juventud hasta su madurez. De este modo, la colección constituye un verdadero material etnográfico sobre el artista.

Donada al MON por la familia de Poty Lazzarotto, la colección se compone también, por supuesto, de obras consumadas, dibujos, xilografías, litografías, grabados en metal, tallado en madera y bloques de concreto: miles de piezas que dan claro testimonio de la versatilidad del artista. 
A través de Poty, tomamos conciencia del arte que se hacía y se hace en Paraná.

Preservar no sólo el legado de este artista, sino su memoria, es ante todo un deber, una tarea asumida y realizada adecuadamente, ahora, por el Museo Oscar Niemeyer.

A exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

Na mostra, as obras foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na trajetória artística de Poty, representativos das suas diferentes facetas: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista.  

Trilhos e Traços – Poty 100 anos

El Museo Oscar Niemeyer (MON) le acerca, como visitante, la obra de uno de los grandes nombres del arte contemporáneo brasileño. La exposición inédita "Teia à toa", organizada por el MON, reúne 70 esculturas y pinturas realizadas en las últimas décadas por el artista carioca Barrão.

Diseñador, pintor, escultor y artista multimedia, reutiliza objetos cotidianos y retales, dándoles nuevos significados. Intuitivo, reconfigura objetos utilitarios rotos o dañados, transformándolos en obras sorprendentes y creativas.

El resultado es casi una alusión a la vida, a lo imponderable que a menudo destruye las predicciones y nos deja solo con la posibilidad de adaptación. Barrão incita al invertir el significado original de los objetos con humor, ironía y poesía.

Los museos son espacios de encuentro e intercambio, para experiencias personales y presenciales significativas, cada vez más necesarias en un mundo instantáneo y efímero. En el caso de la obra de Barrão, es la oportunidad de confundir la lógica y buscar nuevos puntos de vista.

Su obra nos invita a cuestionar lo obvio y a observar con más detenimiento. Surge entonces la pregunta: ¿qué pasaría si el bricolaje trascendiera los límites del arte y se aplicara a situaciones cotidianas? Con "Teia à toa", el espectador quedará sorprendido y, probablemente, de alguna manera, transformado.

Organizada por MON, la exposición "Teia à Toa" presenta un recorrido transversal por la producción del artista carioca Barrão de los últimos 20 años en la Sala 3. Curada por Luiza Mello, reúne alrededor de 70 obras en cerámica multicolor, esculturas monocromáticas en resina y bronce, acuarelas e instalaciones.

Diseñador, pintor, escultor y artista multimedia, Barrão reutiliza objetos cotidianos y chatarra, dándoles nuevos significados. Intuitivo, reconfigura objetos utilitarios rotos o dañados, transformándolos en obras sorprendentes y creativas.

Teia à toa presenta una muestra representativa de la producción de Barrão de los últimos 20 años, reuniendo obras en cerámica multicolor, esculturas monocromas en resina, yeso y bronce, acuarelas e instalaciones. Esta es la primera vez que esta obra se exhibe en Curitiba, revelando la complejidad y las sutilezas de su práctica artística.

A lo largo de más de cuatro décadas, Barrão ha desarrollado un lenguaje marcado por la intuición y la transformación en la combinación de elementos cotidianos: objetos reconocibles extraídos de nuestro universo doméstico y urbano. En su estudio, las estanterías albergan piezas de diferentes orígenes, acumuladas y organizadas con criterios tan intuitivos como enigmáticos. De estos fragmentos surgen esculturas híbridas que desafían funciones y estilos, siempre impregnadas de humor e ironía.

El título de la exposición es también una invitación: un paseo por un bosque de formas y colores donde todo está conectado por hilos invisibles. Como arañas tejiendo sus redes en el aire, Barrão trabaja combinando objetos preexistentes y trozos de objetos: cerámicas rotas y pegadas, objetos moldeados y fusionados con otros materiales, trozos de objetos organizados en composiciones improbables. Resina, bronce, porcelana, yeso: cada elemento lleva la memoria de lo que fue y ahora se presenta como parte de algo más grande.

Estas conexiones no siguen una lógica utilitaria ni racional. Como redes que varían según la especie y el entorno —circulares, irregulares, densas o dispersas—, las obras se organizan según su propio sistema. Las esculturas, instalaciones y acuarelas no se presentan como piezas aisladas, sino que se articulan en el espacio en una red de relaciones formales, cromáticas y simbólicas, activando el recorrido del visitante como una deriva sensorial.

También hay una dimensión lúdica e impredecible que recorre toda la exposición. "À toa (for nothing)" no implica aquí falta de dirección, sino libertad creativa. Cada obra parece surgir de un juego entre materiales, significados, títulos y formas. Los nombres de las obras, siempre precisos e irónicos, funcionan como poemas: a veces revelan, a veces barajan las posibles interpretaciones.

En Teia à toa, Barrão propone una experiencia de encanto y extrañeza, en la que el significado se construye a través del azar, la sorpresa y la mirada del espectador.

Eduardo Ortega
Cortesia do artista e Fortes D'Aloia & Gabriel, São Paulo/Rio de Janeiro

Porcelana y resina epoxi
159 x 37,5 x 35 cm
Colección del artista

Bronce
254 x 80 x 85 cm
Colección del artista

Porcelana y resina epoxi
37 x 31 x 35 cm
Colección del artista

Resina epoxi y pintura automotriz
86,5 x 44 x 29 cm
Colección del artista

Resina epoxi y pintura automotriz
Dimensiones variables
Colección del artista

Resina epoxi y pintura automotriz
17 x 15,5 x 8 cm
Colección del artista

El MON presenta una exposición del artista contemporáneo Barrão

La exposición “Teia à Toa” (Telaraña sin uso) presenta una selección de la obra del artista carioca Barrão de los últimos 20 años. Organizada por el Museo Oscar Niemeyer (MON), la exposición se inaugurará el 10 de julio a las 19:00 h en la Sala 3.

Con curaduría de Luiza Mello, reúne aproximadamente 70 obras en cerámica multicolor, esculturas monocromáticas en resina y bronce, acuarelas e instalaciones. Es la primera exposición individual del artista en Curitiba.

“Al acercar al público exposiciones como la de Barrão, el MON se consolida como uno de los espacios más relevantes para el arte contemporáneo en Brasil”, afirma Luciana Casagrande Pereira, Secretaria de Estado de Cultura. Para ella, la exposición de Barrão invita a la gente a ver belleza, significado y poesía donde antes solo había desperdicios. “Es este poder transformador del arte lo que queremos estimular cada vez más, acercando al público a experiencias fascinantes y significativas”, señala.

Diseñador, pintor, escultor y artista multimedia, Barrão reutiliza objetos cotidianos y chatarra, dándoles nuevos significados. Con una gran intuición, reconfigura objetos utilitarios rotos o dañados, convirtiéndolos en obras sorprendentes y creativas, explica la directora ejecutiva del MON, Juliana Vosnika.

“El resultado es casi una alusión a la vida, a lo imponderable que a menudo destruye las predicciones y nos deja solo con la posibilidad de adaptación”, dice. “Barrão instiga al invertir el significado original de los objetos con humor, ironía y poesía”, comenta Juliana.

La curadora relata que, a lo largo de más de cuatro décadas, Barrão ha desarrollado un lenguaje marcado por la intuición y la transformación en la combinación de elementos cotidianos: objetos reconocibles, extraídos de nuestro universo doméstico y urbano. “En su taller, las estanterías albergan piezas de diversos orígenes, acumuladas y organizadas según criterios tan intuitivos como enigmáticos. De estos fragmentos surgen esculturas híbridas que desafían funciones y estilos, siempre impregnadas de humor e ironía”, afirma.

Explica que el título de la exposición invita a recorrer un bosque de formas y colores donde todo está conectado por hilos invisibles. “Como arañas que tejen sus telas en el aire, Barrão trabaja combinando objetos y piezas de objetos preexistentes: cerámica rota y pegada, objetos moldeados y vaciados en otros materiales, piezas de objetos organizados en composiciones improbables”, dice Luiza. “Resina, bronce, porcelana: cada elemento lleva la memoria de lo que fue y ahora se presenta como parte de algo más grande”.

Barrão destaca las acuarelas presentes en la exposición, que, a pesar de ser bidimensionales, sugieren una escultura. “Tienen mucho que ver con el trabajo que desarrollo, con la búsqueda de relaciones entre los objetos”, afirma.

Según el artista, toda su obra se construye a partir de un mundo ya existente. “Son objetos que tenían otras funciones y ya estaban aquí cuando llegué, pero ahora se asocian con otros y adquieren un nuevo significado”, resume. “Se transforman”.

El artista
Barrão (Río de Janeiro, 1959). Vive y trabaja en Río de Janeiro.
Artista, pintor, escultor y artista multimedia. Autodidacta, inició su carrera artística en el Grupo Seis Mãos, 1983-1991, formado con Ricardo Basbaum y Alexandre Dacosta. El grupo desarrolló actividades con video, pintura en vivo, espectáculos musicales y performances, y promovió el proyecto de Improvisación de Pintura y Música en calles, plazas públicas, colegios, etc. La primera exposición de los tres artistas tuvo lugar en 1983, en el Circo Voador, en Río de Janeiro. Ese año, Barrão participó de las exposiciones Arte na Rua I y Pintura! Pintura!, ambos en la misma ciudad. En 1984, realizó su primera exposición individual, Televisões, en la Galeria Contemporânea, y participó de la muestra colectiva Como Vai Você, Geração 80?, realizada en la Escola de Artes Visuais do Parque Lage – EAV/Parque Lage, en el Jardim Botânico, Río de Janeiro. Recibió el Premio Brasilia de Artes Visuales en el Museo de Arte de Brasilia en 1990. Realizó los videos 7 Horas de Sono y A Geladeira con Sandra Kogut. También crea viñetas electrónicas para televisión, escenografía y portadas de discos. En colaboración con el artista Luiz Zerbini, el editor de video y cine Sérgio Mekler y el productor musical Chico Neves, creó el grupo Chelpa Ferro en 1995, que trabaja con esculturas, instalaciones tecnológicas y música electrónica.

Organizada por MON, la exposición "Teia à Toa" presenta un recorrido transversal por la producción del artista carioca Barrão de los últimos 20 años en la Sala 3. Curada por Luiza Mello, reúne alrededor de 70 obras en cerámica multicolor, esculturas monocromáticas en resina y bronce, acuarelas e instalaciones.
Diseñador, pintor, escultor y artista multimedia, Barrão reutiliza objetos cotidianos y chatarra, dándoles nuevos significados. Intuitivo, reconfigura objetos utilitarios rotos o dañados, transformándolos en obras sorprendentes y creativas.

Teia à Toa - Barrão

Mais do que nunca, a arte no espaço público se destaca como uma das melhores maneiras de levar arte ao público. Convidar artistas para criar obras, instalações e esculturas utilizando os espaços dos jardins, parques e praças também permite uma variedade de atividades interativas que nem sempre uma exposição museológica possibilita. O MON sempre quis trabalhar para ampliar seu público e oferecer muitas propostas que possam fazer com que os curitibanos e paranaenses se apropriem do “seu” Museu. Por isso, foi criado o importante projeto MON sem Paredes. 

Em 2022, na primeira versão do projeto, o MON apresentou, nos jardins do Museu, obras dos artistas Gustavo Utrabo (a obra fica no sítio até hoje) e Mariana Palma. 

Projeto inédito criado pelo MON para romper o limite físico de suas paredes e abraçar o público, chegando ao espaço externo do Museu e tornando-se acessível a todos. Esta é a primeira edição do projeto e apresenta obras dos artistas Gustavo Utrabo e Mariana Palma, que ocupam o icônico espaço de área verde ao lado do MON, chamado de Parcão.

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