Quando a Bienal de São Paulo, uma das mais importantes exposições de arte do mundo, sai de sua sede e rompe limites geográficos, obviamente amplifica a sua voz. Ao fazer uma parceria com o MON, maior museu de arte da América Latina, faz muito mais do que isso.

Além de alcançar novos públicos e levar os debates propostos a um outro território, realiza também uma espécie de caminho inverso. Encontra aqui, como palco, um dos mais significativos prédios projetados por aquele que foi o maior arquiteto brasileiro.

Assim como o edifício sede da Bienal, o Pavilhão Ciccillo Matarazzo, localizado no Parque do Ibirapuera, em São Paulo, os prédios onde estão o MON têm a pesada assinatura de Oscar Niemeyer. Assim, as obras encontram, mais uma vez, suas singulares curvas e rampas, que conferem um caráter único às mostras abrigadas em projetos de Niemeyer.

Entendemos que a arte tem a capacidade de comunicar sem palavras. Por isso, ela proporciona uma conexão profunda e presente, que muitas vezes não seria possível de nenhuma outra maneira. Ao participar da itinerância desse tão importante evento, o MON ajuda a transpor barreiras por meio da arte e, desta forma, permite um elo entre pessoas, mundos e vivências.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika 
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

No ano seguinte a cada Bienal de São Paulo, o programa de mostras itinerantes leva recortes da exposição que parte da capital paulista para diferentes cidades dentro e fora do Brasil. Desenvolvido por meio de parcerias estabelecidas com museus, instituições culturais e órgãos públicos e privados, o programa contribui para a nacionalização e internacionalização do evento, permitindo novos encontros entre as obras expostas no Pavilhão da Bienal e seus públicos cada vez mais amplos.
Esta é a segunda vez que o programa é acolhido pelo Museu Oscar Niemeyer em Curitiba. A primeira ocorreu em 2011, ano da estreia do programa, momento em que a Fundação Bienal consolidou a iniciativa institucional que antes ocorria de forma esporádica desde 1952, o ano subsequente à primeira Bienal de São Paulo. Nesta renovada parceria, mais de uma década depois, a Fundação reafirma seu propósito cultural e educacional, consolidado ao longo de mais de setenta anos de história e agora potencializado pelo amplo alcance da atuação do MON.

A itinerância da 35a Bienal de São Paulo – coreografias do impossível conta com trabalhos oriundos de contextos de lutas e resistências, de imaginação de possibilidades dentro das impossibilidades. Essas obras, que aqui encontram novos olhares, oferecem a oportunidade para despertar sensibilidades e remodelar perspectivas. Por meio delas, a Fundação Bienal de São Paulo almeja contribuir para a construção de uma sociedade mais diversa e plural, estimulando e democratizando o acesso à arte contemporânea e aos debates que sempre a acompanham.
Andrea Pinheiro
Presidente – Fundação Bienal de São Paulo

Anna Boghiguian, Katherine Dunham, Luana Vitra, Maya Deren, Min Tanaka, François Pain, Sonia gomes, Tadáskía, Aida Harika Yanomami, Edmar Tokorino Yanomami, Roseane Yariana Yanomami, Amos Gitaï, Dayanita Singh, Gabriel Gentil Tukano, Geraldine Javier, Morzaniel ɨramari, Rosana Paulino, Sammy Baloji e Zumví Arquivo Afro fotográfico.

Diane Lima, Grada Kilomba, Hélio Menezes e Manuel Borja‑Villel

Curitiba es escenario de una de las exposiciones itinerantes de la 35ª Bienal de São Paulo “coreografías de lo imposible”, en alianza con el Museo Oscar Niemeyer. Con curaduría de Diane Lima, Grada Kilomba, Hélio Menezes y Manuel Borja-Villel, la exposición, que fue un éxito de público y crítica en 2023, llega a la ciudad, donde permanecerá abierta al público desde el 12 de marzo al 26 de mayo, en las salas 1 y 2 del MON. Este año, la exposición se expande a quince ciudades, y Curitiba recibirá una sección especial, siendo una de las más grandes fuera de São Paulo, con dieciséis participantes. 

coreografias do impossível reúne um conjunto de práticas artísticas, movimentos culturais e sociais que desafiam o impossível em variadas e incalculáveis formas. Referem-se a modos de expressão que lidam com a violência total, a impossibilidade da vida em liberdade plena e os limites da ideia de justiça. Assim como as suas linguagens, impactadas pelos desafios cotidianos dos tempos e contextos em que vivem, coreografam possibilidades estéticas e políticas nas quais se manifestam saberes e conhecimentos que se constroem, sobretudo, a partir da memória do corpo.

Elas são um convite a nos movermos por entre experiências que subvertem o conceito de uma história progressiva, linear e ocidental. Fundamentada em cosmologias e modelos de governança onde o tempo é concebido como uma espiral, sem a rigidez de estruturas e cronologias estabelecidas, esta Bienal se organiza sem categorias ou temas. 

Aqui, encontramos uma coreografia de percursos e narrativas que privilegia o diálogo entre expressões artísticas a partir de uma teia de relações que se constrói, reflete e encontra ressonância em diferentes territórios impossíveis do globo. Elas contrariam a história, desenvolvem ferramentas, tecnologias e dispositivos, questionam sistemas de representação, especulam sobre o fim deste mundo e promovem exercícios de imaginação radical e de saberes insubmissos. 

As coreografias do impossível também ganham forma a partir de um exercício conceitual que se reflete em nossa própria formação e prática curatoriais, um grupo horizontal, sem a hierarquia de um curador-chefe ou a homogeneidade de um coletivo. Que rupturas, consensos e dissensos esses encontros podem criar? Para nós, essa pergunta tem um papel central: eles possibilitam a manifestação de coreografias inimagináveis frente a tempos impossíveis.

Diane Lima, Grada Kilomba, Hélio Menezes, Manuel Borja-Villel

O Museu Oscar Niemeyer (MON) traz à Curitiba a itinerância da “Bienal de São Paulo - Coreografias do Impossível”. A mostra, com 16 artistas nas Salas 1 e 2 do Museu, explora as complexidades e urgências do mundo contemporâneo, abordando transformações sociais, políticas e culturais. Com a curadoria de Diane Lima, Grada Kilomba, Hélio Menezes e Manuel Borja-Villel, a exposição busca tensionar os espaços entre o possível e o impossível, o visível e o invisível, o real e o imaginário, dando voz a diversas questões e perspectivas de maneira poética.

Peixes, da série Mangue, 2023
Grafite, acrílica e pigmento natural sobre tela
267,5 x 566 x 5 cm

Hobé’s Art Nouveau Forest and Its Lines of Color, 2021
Instalação composta por quatro painéis de madeira e acrílica sobre tela
210 x 300 x 1 cm

arranjo, 2019-2023
taboa, bambu, frutas, pó colorido, arame, pratos, cascas de ovo costuradas, spray e miçangas sobre madeira

Alianza entre el MON y la Fundación Bienal de São Paulo trae a Curitiba las “coreografías de lo imposible”

Con una sección especialmente diseñada para la ciudad, la exposición ocupará el principal museo de la capital paranaense

Curitiba será escenario de una de las exposiciones itinerantes de la 35ª Bienal de São Paulo “coreografías de lo imposible”, en alianza con el Museo Oscar Niemeyer. Con curaduría de Diane Lima, Grada Kilomba, Hélio Menezes y Manuel Borja-Villel, la exposición, que fue un éxito de público y crítica en 2023, llega a la ciudad, donde permanecerá abierta al público desde el 12 de marzo al 26 de mayo. Este año, la exposición se expande a quince ciudades, y Curitiba recibirá una sección especial, siendo una de las más grandes fuera de São Paulo, con dieciséis participantes:

Aida Harika Yanomami, Edmar Tokorino Yanomami, Roseane Yariana Yanomami, Amos Gitaï, Anna Boghiguian, Dayanita Singh, Geraldine Javier, Gabriel Gentil Tukano, Katherine Dunham, Luana Vitra, Maya Deren, Min Tanaka e François Pain, Morzaniel Ɨramari, Rosana Paulino, Sammy Baloji, Sonia Gomes, Tadáskía, Zumví Arquivo Afro Fotográfico

La 35ª Bienal de São Paulo – coreografías de lo imposible explora las complejidades y urgencias del mundo contemporáneo, abordando las transformaciones sociales, políticas y culturales. La curaduría busca tensar los espacios entre lo posible y lo imposible, lo visible y lo invisible, lo real y lo imaginario, dando voz a diferentes cuestiones y perspectivas de manera poética. La coreografía, entendida como un conjunto de movimientos centrados en el cuerpo que desafía límites, considera diversas trayectorias y áreas de actuación, creando estrategias para enfrentar desafíos institucionales y curatoriales. Las coreografías de lo imposible generan sus propias relaciones, tiempos y espacios, ofreciendo al visitante una experiencia notable.

Para los curadores, es crucial que la exposición llegue a más ciudades, trascendiendo los límites del Pabellón de la Bienal. Según ellos, "los debates propuestos por la 35ª Bienal atraviesan innumerables territorios alrededor del mundo; por tanto, no restringir las coreografías de lo imposible al Pabellón de la Bienal es sumamente importante para el trabajo realizado".

Andrea Pinheiro, presidente de la Fundación Bienal de São Paulo, destaca la relevancia de no sólo llevar coreografías de lo imposible a un público más amplio, sino también de fortalecer los vínculos entre instituciones culturales. "Llevar la exposición a más ciudades y con un socio tan importante como el Museo Oscar Niemeyer es de suma importancia para el fortalecimiento de las instituciones culturales de Brasil. El intercambio de experiencias entre públicos e instituciones es una de las grandes riquezas de las itinerancias de la Bienal de São Paulo ", afirma.

La directora-presidente del Museo Oscar Niemeyer, Juliana Vosnika, comenta que el arte tiene la capacidad de comunicar sin palabras y, por eso, proporciona una conexión profunda y presente, que muchas veces no sería posible de otra manera. “Al participar de la itinerancia de este importante evento, el MON ayuda a superar barreras a través del arte y, de esta manera, permite un vínculo entre personas, mundos y experiencias”, afirma.

Fundada en 1962, la Fundação Bienal de São Paulo es una institución privada, sin fines de lucro, con vínculos político-partidarios o religiosos, cuyas acciones apuntan a democratizar el acceso a la cultura y estimular el interés por la creación artística. Cada dos años, la Fundación realiza la Bienal de São Paulo, la mayor exposición del hemisferio sur, y sus exposiciones itinerantes en varias ciudades de Brasil y del exterior. La institución también es guardiana de dos patrimonios artísticos y culturales de América Latina: un archivo histórico de arte moderno y contemporáneo, referencia en América Latina (Archivo Histórico Wanda Svevo), y el Pabellón Ciccillo Matarazzo, sede de la Fundación, diseñado por Oscar Niemeyer y catalogado como Patrimonio Histórico. La Fundación Bienal de São Paulo también es responsable de idear y producir las representaciones brasileñas en las Bienales de arte y arquitectura de Venecia, prerrogativa que le concedió hace décadas el Gobierno Federal en reconocimiento a la excelencia de sus contribuciones a la cultura brasileña.

El Museo Oscar Niemeyer (MON) es un patrimonio estatal vinculado a la Secretaría de Estado de la Cultura de Paraná. La institución alberga importantes referentes de la producción artística nacional e internacional en las áreas de artes visuales, arquitectura y diseño, además de grandes colecciones asiáticas y africanas. En total, la colección cuenta con aproximadamente 14 mil obras de arte, alojadas en un espacio de más de 35 mil metros cuadrados de área construida, lo que convierte al MON en el museo de arte más grande de América Latina.

Servicio:
35ª Bienal de São Paulo – coreografías de lo imposible
Itinerancia
Museo Oscar Niemeyer (MON)
Salas 1 y 2
Del 12 de marzo al 26 de mayo de 2024

Coreografias do impossível | 35ª Bienal de São Paulo - mostra itinerante — Curitiba

35ª Bienal de São Paulo - Itinerancia — Curitiba

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O Museu Oscar Niemeyer é um espaço vivo de diálogo, pesquisa e constante troca entre profissionais dos setores artístico e educacional com o público. 

Nossa proposta com o projeto “Antes e Agora, Longe e Aqui Dentro”, que culminou nesta inédita exposição, é gerar conteúdo educativo para o MON, a partir de um mergulho em seu rico e diversificado acervo, visando estabelecer diálogos entre o Museu e a arte contemporânea brasileira.

Entendemos que a coleção permanente de um museu é o seu coração. É importante destacar que o acervo do MON conta atualmente com 14 mil obras de arte, tendo quintuplicado de tamanho nos últimos anos e sendo cada vez mais valorizado. Prova disso é que cerca de metade das exposições realizadas pela instituição, como esta, trata de apresentá-lo ao público.

O projeto, mais do que isso, faz parte da ampla proposta educativa do Museu. Partiu de uma pesquisa coordenada pela professora e curadora Galciani Neves, junto com a equipe do MON, que teve início em 2023.

Por meio de estudos e da realização de um seminário, foi escolhida uma centena de obras produzidas por dezenas de artistas que compõem o nosso acervo. São trabalhos considerados relevantes tanto para o contexto de produção artística da cidade de Curitiba quanto para a história da arte do Estado do Paraná e do Brasil e que, assim, celebram a diversidade e a importância encontradas no Museu.

Ao aproximar tais obras – realizadas por artistas, tempos e linguagens tão distintas –, sugerimos uma convivência diversa. É uma maneira instigante de convidar o visitante a uma imersão na coleção permanente da instituição.

Para chegar até aqui você percorreu caminhos – espontâneos, com uma rota predeterminada, com pausas, com surpresas pelo trajeto percorrido... Caminhar pela cidade ou no interior de prédios como este são movimentos que nos modificam ao mesmo tempo em que modificamos cada lugar pelo qual passamos. Essa é a dinâmica das paisagens, os sujeitos as constituem e elas interagem com os sujeitos. A caminhada é uma partilha de tempo com o espaço. Os laços singulares que criamos em deslocamentos de um lugar para outro passam a integrar o que somos e a se localizar como pequenos lampejos de memória nos lugares. Trata-se de um movimento de muitos fluxos: nosso corpo se move ao mesmo tempo em que mobilizamos lugares.

Nesta mostra, propomos que a experiência de estar com os trabalhos inclua também gestos de criar percursos, pois a mostra se espalha por 11 espaços do Museu. Não há uma rota específica. Há pequenas observações por onde ela continua, que você pode seguir quando quiser e se a curiosidade surgir.

Os caminhos que você criar para ver os trabalhos também integram as experiências de visitar a mostra. Esses modos de circular pelo Museu podem entrelaçar os trabalhos e provocar relações não previstas, deixando rastros dessa experiência. Além disso, o próprio Museu, ou seja, seu espaço físico e as obras, assim como pessoas que aqui circulam e você também, fazem parte desses percursos. Percursos que se transmutam em pequenas paisagens temporárias que você vai avistar enquanto deriva por aí.

Os trabalhos que desenvolvo abordam as violências sobre as corpas dissidentes. O projeto “A Natureza da Vida” acontece a partir do ano 2000, com ações e performances realizadas em locais públicos em que poso, quase sempre nua, para fotos e vídeos realizadas por diferentes fotógrafas(os) que participam das ações e seus múltiplos olhares constroem o trabalho. Questões do corpo através de um posicionamento político, discutindo padrões, estética e as diversidades integram o trabalho. 

Foi durante uma viagem que, pelas redes, acompanhei notícias sobre o corte de árvores do Bosque Central de Londrina para passar uma rua. A resistência de jornalistas e artistas da cidade criou o Grupo Ocupa Londrina, que se aliou à ONG MAE para manter os resquícios da mata original que sobrevive no coração da cidade. Somando nesse ativismo coletivo, propus um varal de fotografias para que todos pudessem participar e se posicionar. Assim que retornei, em meio a tantas manifestações, realizei a performance em meio aos troncos caídos e ao solo revolvido pelos grandes equipamentos. Esta ação foi determinante para o trabalho. As imagens, realizadas como protesto, foram expostas junto com poemas, desenhos, charges e outras fotos produzidas por diversas(os) artistas da cidade. A corpa gorda aqui extrapola o próprio discurso para se somar a um corpo social que se expressa publicamente em favor de uma causa coletiva e se coloca a serviço de todes, se posicionando nua perante a violência. 

Depois de longa luta, a obra foi embargada e o lugar, transformado em área de preservação permanente (APA). Infelizmente, dez anos depois, durante a pandemia, o poder público revogou a APA, transformou o bosque em praça e este foi “urbanizado”. Apesar disso, por enquanto, a abertura da rua não foi novamente cogitada.

Trazemos aqui outras fotografias que envolvem essa performance, momentos que resultaram no trabalho e são sua força criadora. O jornalista Guto Rocha enfrenta o trator e convoca artistas para defenderem o bosque. Fotografia por Gina Mardones; Graziela Diez e Luciano Pascoal fotografando a performance; fotografia por Camila Fujita; Varal de Fotografia durante o Ocupa Londrina; fotografias por Graziela Diez e Fernanda Magalhães.

La naturaleza de la vida - Fernanda Magalhães

“Fábrica (Campo de Batalha)” apresenta um atravessamento de histórias, pessoas e paisagens cujas distâncias correspondem a mais de 200 anos: a do extermínio de uma comunidade Kaingáng (1796) e de uma classe operária (a partir dos anos 1940) em um território ocupado e controlado por uma grande fábrica de papel, na cidade de Telêmaco Borba/PR. “Campo de Batalha” é uma expressão militar que designa um território escolhido previamente e preparado como uma armadilha para a qual o inimigo é encaminhado através da persuasão, ou outra forma subliminar.

 A história “oficial” registra a transmissão e manutenção do poder econômico como os nomes dos fazendeiros da região desde antes do extermínio Kaingáng e nos permite considerar os donos da fábrica como sucessores dos donatários do século XVIII. Da outra parte da história, a dos indígenas e dos operários, os relatos e imagens são praticamente inexistentes. Haveria alguma relação entre a população da região, os trabalhadores da fábrica e os Kaingáng? Esses fios soltos algum dia foram parte de uma mesma trama? 

Na margem direita do Rio Tibagi está a sede da Fazenda Monte Alegre, pertencente às famílias proprietárias da fábrica de papel. O local onde construíram a indústria, sua sede administrativa e a vila operária foi denominado Vila Harmonia, apesar de, por mais de 150 anos, ter sido chamado de Mortandade. A alteração do nome foi uma tentativa de apagar a história de extermínio de uma comunidade Kaingáng.

Por volta de 1796, a mando do fazendeiro José Félix, dono do maior latifúndio dos Campos Gerais, um grupo Kaingáng, habitantes originários da região, foi cercado e assassinado. Contavam que o sangue era tanto que correu em filetes até um rio afluente do Tibagi. Os corpos dos homens, mulheres e crianças ficaram amontoados e por muitos dias observaram corvos sobrevoando-os. Como retribuição pelo extermínio praticado, José Felix recebeu uma grande extensão de terras que denominou Fazenda Monte Alegre. O rio e a localidade da chacina ficaram conhecidos como Mortandade, até que, em 1941, por sugestão dos donos da fábrica, passou a chamar-se Harmonia.

“Evitemosacidentes”. O espaçamento entre as letras não deixa claro qual é a mensagem. Que nós, fábrica + trabalhadores, “Evitemos acidentes”; ou que vocês, os trabalhadores, “Evitem os acidentes”. Essa névoa que recobre o texto também se faz presente na relação entre a fábrica e os trabalhadores. Uma névoa de promessas e ameaças. O discurso da fábrica sempre foi o do desenvolvimento, da tecnologia, do progresso e das oportunidades. Sua construção no meio do “nada”, afinal, os que antes ali habitaram foram assassinados, expulsos ou apagados da história pelo latifúndio, projetou também aos trabalhadores uma imagem de transformação. 

Entre os anos 1942-78, mais de 60% dos trabalhadores da fábrica eram da própria região – em sua imensa maioria, trabalhadores rurais, analfabetos ou com ensino primário incompleto, cujas vidas estavam isoladas e abandonadas. O desejo sempre latente de estar em comunidade, partilhar o mundo e melhorar as condições materiais de vida embaralhou-se com o discurso da fábrica. Uma confusão que poucos, pouco a pouco, buscaram desfazer através da criação de um sindicato que representasse os interesses dos trabalhadores frente aos dos donos da fábrica. 

Através da sabotagem e intervenção militar-patronal na organização sindical após 31 de março de 1964, bem como as dificuldades impostas nas negociações coletivas, as promessas se revelaram ameaças. O vapor da caldeira, os gazes tóxicos, o ruído das máquinas e o perigo das mesmas impregnavam-se no corpo dos trabalhadores. Uma experiência que lhes ensinou a ler o texto e a enxergar uma exclamação no final, “Evitem os acidentes!”.

Fábrica (campo de batalla) - Felipe Prando

Ailton Krenak, Alice Yamamura, Aline van Langendonck, Amélia Toledo, Américo Vespúcio, Anita Malfatti, Ayrson Heráclito, Burle Marx, Cícero Dias, Didonet Thomaz, Dorothea Wiedemann, Edu Simões, Efigênia Rolim, Espedito Rocha, Felipe Prando, Fernanda Castro, Fernanda Magalhães, Georgia Kyriakakis, Gustavo Caboco, Gustavo Magalhães, João Groff, João Urban, Julia Kater, Juliana Stein, Juraci Dorea, Kamikia Kisedje, Leonor Botteri, Lia Chaia, Martín Chambi, Maya Weishof, Miguel Bakun, Milla Jung, Oscar Niemeyer, Paulo Bruscky, Raphaela Melsohn, Raquel Garbelotti, Regina Parra, Regina Vater, Rosana Paulino, Tiago Sant’ana, Tomie Ohtake, Tony Camargo, Vera Chaves Barcellos y Willian Santos

Em um diálogo entre seu acervo e a arte contemporânea brasileira, o Museu Oscar Niemeyer (MON) realiza a exposição “Antes e agora, longe e aqui dentro”, na Sala 11 e espalhada em diversos espaços do Museu. São mais de 100 obras de 44 artistas diferentes, dos quais se destacam os artistas nucleares Cícero Dias, Miguel Bakun, Amelia Toledo, Efigênia Rolim, Rosana Paulino e Gustavo Caboco. 

Nesta mostra, com curadoria de Galciani Neves, pinturas, desenhos, fotos, esculturas, vídeos, áudios e instalações, reunindo técnicas variadas, discutem as relações entre corpo e território e os muitos modos de habitar, ser e registrar paisagens.

Esta mostra e três ciclos de seminários integram o projeto “Mvúka” – processo de pesquisa experimental que vem sendo realizado no acervo do MON, em parceria com as equipes do Educativo, Design, Arquitetura, Comunicação, Acervo e Produção do museu. “Mvúka”, no Banto, tronco linguístico que dá origem a mais de 400 línguas africanas, significa aglomeração ruidosa de pessoas em festa. No Brasil, para os povos originários, muvuca é uma técnica de plantio ancestral que consiste na mistura de sementes de diversas espécies. As diferenças entre os ciclos das espécies de sementes restauram as matas, criam um ambiente de cooperação e garantem a biodiversidade do lugar.

Essa proposta artística se vale da mvúka/muvuca como fundamento. Tentamos dialogar com os contextos em que a palavra circula para articular modos de nos aproximar e compartilhar trabalhos de artistas, tempos de produção, linguagens, processos de criação, camadas de leitura provenientes de outros campos de conhecimento, privilegiando uma convivência entre obras de arte e modos de pensar e estar no mundo. Dessa maneira, assim como na mvúka/muvuca, elaboramos uma atmosfera de exposição que celebra o estar junto na diversidade, na polifonia, no encontro das singularidades.

Tendo como título “Antes e agora, Longe e aqui dentro”, a mostra apresenta trabalhos que discutem as relações indissociáveis entre corpo e território e os muitos modos de habitar, ser e registrar paisagens, propondo paisagens: aquilo que avistamos ao longe, que definimos como um recorte de um lugar, o que está perto demais (como a palma da mão) ou a distância entre duas pessoas, uma construção de partilha com o tempo e o lugar.

A mostra se organiza a partir dos trabalhos e contextos de produção de seis artistas, com obras da coleção permanente do MON: Gustavo Caboco, Rosana Paulino, Efigênia Rolim, Miguel Bakun, Cícero Dias e Amélia Toledo. Seus trabalhos geraram constelações conceituais com outros 40 artistas. Assim, como numa mvúka, se aglomeram e nos perguntam: como praticamos nossas ações nas paisagens e nos lugares que vemos? As paisagens estão em fluxo e podem definir nossos modos de existir? Diante dessas indagações, podemos pensar junto com os muitos povos originários que habitam o Brasil: corpo e lugar não conhecem hierarquias, pois confundem-se e, por isso, coexistem, sendo um parte do outro. Ou, como diria o poeta, professor, líder quilombola Nêgo Bispo (1959-2023, Piauí): “O ser humano não pode ser entendido como criador, mas como criatura da natureza, do lugar onde é e habita. Quando somos conscientes de que vivemos graças às “biointerações” entre espécies e a terra, temos condições de nos vincular aos territórios e às paisagens, habitando-os e respeitando-os na mesma intensidade que nos vemos como parte deles”. Assim, as paisagens não são apenas abstrações de lugares, mas instâncias ativas que nos constituem como seres e desenham os nossos modos de existir.

Fotografia | Impressão fotográfica sobre papel, 1/5

Fotografia | Reprodução fotográfica em preto e branco sobre papel fotográfico

Vai o Carrinho com Cavaleiro e Anjinhos, 2017

Escultura | Escultura de madeira com adereços de material reciclado

O Museu Oscar Niemeyer (MON) realiza uma exposição inédita, “Antes e agora, longe e aqui dentro”, que será inaugurada no dia 29 de fevereiro, na Sala 11 e em diversos espaços, como Pátio das Esculturas, hall térreo, rampa e Parcão, entre outros.

A mostra resulta de um projeto que teve início no ano passado, cuja proposta é estabelecer diálogos entre o acervo do MON e a arte contemporânea brasileira, além de gerar conteúdo para o setor Educativo do Museu. Atualmente, a coleção permanente da instituição conta com 14 mil obras de arte.

A exposição tem curadoria da professora e pesquisadora Galciani Neves e apresenta mais de 100 obras realizadas por 44 artistas. Entre elas estão pinturas, desenhos, fotos, esculturas, vídeos, áudios e instalações, reunindo técnicas variadas. 

A diretora-presidente do Museu, Juliana Vosnika, explica que metade das exposições realizadas pelo MON apresenta obras de seu diverso e rico acervo, que quintuplicou de tamanho nos últimos anos e vem sendo cada vez mais valorizado. 

“O MON é um espaço vivo de diálogo, pesquisa e constante troca entre profissionais dos setores artístico e educacional com o público”, comenta Juliana. “Esta nova proposta culmina com essa inédita exposição de obras do acervo, o que torna a coleção permanente do Museu cada vez mais acessível ao visitante”, explica. 

“Antes e agora, longe e aqui dentro” faz parte da ampla proposta educativa do MON. No ano passado, como parte do projeto, foi realizado um seminário no Museu, com a presença da artista e pesquisadora Glicéria (Célia) Tupinambá e do crítico de fotografia e pesquisador do campo da cultura visual Ronaldo Entler.

Seis artistas, com obras presentes na coleção permanente da instituição, foram selecionados para serem eixos do projeto. São eles: Cícero Dias, Miguel Bakun, Amelia Toledo, Efigênia Rolim, Rosana Paulino e Gustavo Caboco.

A partir de uma ampla pesquisa, foram escolhidas mais de uma centena de obras, produzidas por 44 artistas. São trabalhos considerados relevantes tanto para o contexto de produção artística da cidade de Curitiba quanto para a história da arte do Estado do Paraná e do Brasil e que, assim, tentam celebrar a diversidade do acervo do Museu e sua importância.

A proposta principal é gerar conteúdo educativo, a partir de um mergulho no acervo. “Tendo como título ‘Antes e agora, longe e aqui dentro’, a mostra apresenta trabalhos que discutem as relações indissociáveis entre corpo e território e os muitos modos de habitar, ser e registrar paisagens, propondo paisagens: aquilo que avistamos ao longe, que definimos como um recorte de um lugar, o que está perto demais (como a palma da mão) ou a distância entre duas pessoas, uma construção de partilha com o tempo e o lugar”, explica a curadora.

Em um diálogo entre seu acervo e a arte contemporânea brasileira, o Museu Oscar Niemeyer (MON) realiza a exposição “Antes e agora, longe e aqui dentro”, na Sala 11 e espalhada em diversos espaços do Museu. São mais de 100 obras de 44 artistas diferentes, dos quais se destacam os artistas nucleares Cícero Dias, Miguel Bakun, Amelia Toledo, Efigênia Rolim, Rosana Paulino e Gustavo Caboco. 

Nesta mostra, com curadoria de Galciani Neves, pinturas, desenhos, fotos, esculturas, vídeos, áudios e instalações, reunindo técnicas variadas, discutem as relações entre corpo e território e os muitos modos de habitar, ser e registrar paisagens.

antes e agora, longe e aqui dentro

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Mais do que comemorar o centenário deste artista curitibano, que é um dos principais nomes das artes do Estado e do País, a mostra “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), passa a ser um local de referência a Poty Lazzarotto.

A partir de agora, certamente, os visitantes do MON, em especial as centenas de estudantes das redes pública e particular que diariamente frequentam o Museu, poderão saber mais e conhecer melhor esse gênio das artes.

Também é uma oportunidade para o espectador se aprofundar na vida e obra de Poty. Ao proporcionar uma imersão em tão vasto conteúdo, reunido aqui, o MON instiga o público a aumentar repertório ao lançar um novo olhar sobre este artista ímpar. 

Recentemente, o Museu incorporou ao seu acervo a maior coleção já doada à instituição: aproximadamente 4 mil obras de arte assinadas por ele. Um recorte disso pode agora ser visto nesta exposição. Assim, o eixo central deste prédio se transforma em palco para as maiores coleções recebidas pelo MON, ao lado das mostras de arte asiática e africana.

A doação da obra de Poty, generosamente feita pela família do artista, trouxe ao Museu, em 2022, mais de 3 mil desenhos e 366 gravuras, além de tapeçarias, entalhes, serigrafias e esculturas. São obras que enriquecem ainda mais o acervo do MON, que nos últimos anos quintuplicou de tamanho, consolidando o Museu como um dos mais importantes da América Latina. 

Ser a instituição que guarda o legado de Poty é motivo de orgulho, alegria e responsabilidade. Nesta mostra, compartilhamos com o visitante um pouco desses sentimentos, traduzidos pelos traços inconfundíveis do artista. Pertencimento aqui tem nome e sobrenome: Poty Lazzarotto.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika 
Diretora-presidente
Museu Oscar Niemeyer

“A alma se expressa com mais claridade através do rosto (Simmel).” Essa profundidade encontramos nos retratos de Poty. São imagens expressivas e agitadas: têm existência real, não há espaço para impessoalidade. Ícones que surpreendem a realidade natural e social, vão do realismo à caricatura. São traços certeiros, linhas econômicas que sintetizam em pequenos detalhes a personalidade do retratado. O macambúzio Bakun contrasta com os enérgicos autorretratos do artista. Poty, ao olhar para si mesmo, revela a individualidade de um homem firme, direto, dado a poucos devaneios – e humano, demasiadamente humano.

Nascido em modesta casa de madeira no Capanema, criado nos trilhos da ferrovia que passava em frente à sua casa, com um pai ferroviário, mãe cozinheira e avô marceneiro, Poty desenvolveu uma paixão pelos trabalhadores humildes acalentada em toda a sua vida, mesmo depois de viver em metrópoles como o Rio de Janeiro e Paris. Seus desenhos e gravuras traduzem a paixão pelo trabalhador, tanto pelo operário no dia a dia do trabalho árduo, em especial o ferroviário, pelas carrocinhas de polaca, pelas vendedoras ambulantes, pelos motoristas dos bondes abertos e pelos donos de botecos, como pelo homem simples no cotidiano: nas festas de igreja, nas sociedades operárias, no Cine Morgenau, no jogo de truco, todos celebrando a vida. O trabalho é visto por Poty muito mais como realização do que penúria e alienação. Encontramos nessa poética do trabalho a energia de São Francisco, os traços corajosos de Goya e a ternura de Käthe Kollwitz. Delicadeza e cunho social, dignidade e humanidade.

Poty celebra a sabedoria indígena que cultua a natureza e os mitos. Colhe, no meio das inúmeras línguas e dos ricos rituais, o artista nato, seja nas cestarias, nos bancos, nos arcos e nas flechas, na pintura corporal, nas máscaras e até nos simples nós e na arquitetura das ocas. Os desenhos de Poty realizados no Alto Xingu, na ainda extensa Floresta Amazônica dos anos 1960 (1967/68), são um elogio à natureza, ao bom selvagem de Rousseau. Fazem jus a essa imaginação intelectual e instintiva transbordante dos nativos.

“O mundo profano é o universo das interdições, enquanto o mundo sagrado corresponde ao das transgressões (Bataille).” Os santos de Poty são muito conhecidos, em especial São Francisco, por ele desenhado, talhado e gravado inúmeras vezes. Os vestígios do sagrado, a comunicação com o transcendental presente na alma de Poty, o conduzem a uma religião no sentido de religar, do latim religare, que celebra o entendimento humano. Desse modo, não precisa necessariamente estar vinculado a uma religião louvando aos deuses para ser religioso. A aura, se existe, é aquela que envolve a ligação ao outro, a prática do humanismo. Inspirado em São Francisco, Poty celebra a natureza e a pessoa humana.

Mergulhar nos desenhos e gravuras de Poty é viajar no cotidiano da provinciana Curitiba. Desde as cenas das carrocinhas das polacas, trabalhadores indo ao ofício de bicicleta, desastres na ferrovia, brigas nos botecos, as enchentes no centro da cidade, os meninos soltando pipas, o Circo dos Irmãos Queirolo e o glorioso regresso de Didi Caillet até a procissão dos meninos correndo atrás do trolley do padre Maurício, que distribuía balas para atrair os pequenos para o Santo Ofício. Também estendeu seu olhar a outras paragens: seus traços escorregam por cenas marítimas da Bahia, pelas igrejas e santos de Ouro Preto, pelas esculturas das catedrais de Chartres e de Paris. Eterno viajante, Poty une a Curitiba nostálgica à descoberta do mundo.

Desde o início da sua atividade artística, Poty sempre foi um narrador, criando imagens para contar histórias. Ainda criança, fez histórias em quadrinhos inspiradas nos modelos norte-americanos; já adolescente, criou imagens de violência e fantasia, inspiradas em autores como Edgar Allan Poe e William Shakespeare. O cinema, também uma forma de narração através de imagens, foi outra influência decisiva na sua obra: ainda criança, frequentava o antigo cinema do Clube Morgenau e depois desenhava as cenas que ficavam marcadas na sua memória. Poty tornou-se ilustrador de livros ainda jovem: desde 1943 e até o fim da vida, ilustrou mais de 170 títulos de autores brasileiros e estrangeiros. Com seu amor pelo cinema, também realizou uma magistral série de desenhos à maneira de cartazes de clássicos do cinema – o desenho como extensão da sétima arte.

“Na galeria dos nossos grandes (mas muito poucos) ilustradores de nossos livros (numerosos, mas ainda muito poucos), nunca a fusão verbo-ícone atinge tão intrínseca adequação: nunca um ilustrador, entre nós, foi tão ilustrador, tão capaz de dizer o que as palavras não sabiam ou não podiam.” (Antônio Houaiss)

O primeiro mural público de Poty foi o da Praça 19 de Dezembro, por ocasião do Centenário da Emancipação do Paraná, em 1953, em estilo mais realista. Desde então, realizou um grande número de obras públicas, que estão presentes em várias cidades brasileiras, tendo chegado também à Europa, com trabalhos no Algarve, em Portugal, e em Paris. Para o artista, os murais públicos eram uma extensão da gravura, pela sua capacidade de levar a sua arte a um público mais amplo. Na sua obra pública, Poty emprega sofisticadas técnicas de montagem e articulação dos elementos figurativos para representar a história humana, o desenvolvimento das cidades, das artes, dos saberes e das tecnologias. Para quem passeia por Curitiba, fica o convite para encontrar, na cidade, os murais de Poty: como a chuva e os pinheiros, eles são parte da paisagem curitibana.

“Cabe a cada menino guardar, para todo o sempre, um instante daquele voo de silêncio e fúria, de ruído e paz...” (Valêncio Xavier)

La exposición “Vías y Trazos – Poty 100 años”, realizada por el Museo Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, una muestra de la donación de 4 mil piezas realizada por la familia del artista al Museo, en 2022. Con curaduría de Maria José Justino y Fabricio Vaz Nunes, celebra el centenario de Poty Lazzarotto (1924-1998).

En la exposición, las obras se organizaron en torno a nueve núcleos temáticos presentes en la trayectoria artística de Poty, representando sus diferentes facetas: el Narrador, el Trabajo, el Xingu, lo Sagrado, la Guerra, la Vida Cotidiana, el Viajero, el Muralista y el Retratista.

Poty, artista curitibano? Não: Poty, artista do mundo. Esta é a premissa desta exposição: mostrar um dos mais importantes artistas de Curitiba em sua dimensão universal. Comemoramos o centenário de nascimento de Poty Lazzarotto trazendo ao público uma ampla seleção das suas obras recentemente doadas ao MON pelo Sr. João Geraldo Lazzarotto, irmão do artista. Nesta mostra, as peças foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na sua obra, representativos das diferentes facetas do artista: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista. Mas Poty, o piá do Capanema que amava o cinema e as histórias em quadrinhos, é ainda mais que tudo isso. Através do desenho, seu principal meio de expressão, abordou os mais variados temas, passou por diferentes estilos, sempre buscando levar a arte ao seu mais importante destino: o povo. Na sua atividade artística incessante e obstinada, deu a ver o mundo real do trabalho e a realidade social; recriou, em imagens, o universo criativo da literatura; em seus murais, plasmou a grande aventura da história universal. Sempre buscando a divulgação popular da arte, foi da gravura à ilustração, do desenho minúsculo ao mural monumental. Na simplicidade do desenho, com a sua visão humana e pungente da experiência humana em todas as suas dimensões, Poty criou um vasto imaginário coletivo: em seus trilhos e traços, viajamos ao mundo.

A exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

MON realiza gran exposición celebrando los cien años de Poty Lazzarotto

El Museo Oscar Niemeyer (MON) presenta la gran exposición “Vías y Trazos – Poty 100 años”, para celebrar el centenario de Poty Lazzarotto (1924-1998). Con curaduría de Maria José Justino y Fabricio Vaz Nunes, la exposición reúne aproximadamente 500 obras, una muestra de la donación de 4 mil piezas que hizo la familia del artista al Museo, en 2022. La inauguración será el día 11/4, a las 19h, en la Sala 6.

"Poty, en su centenario, sigue siendo actual e incomparable, y esta nueva exposición refuerza la importancia del artista para la identidad cultural de Paraná. Estoy segura de que la exposición en el Museo Oscar Niemeyer presentará su obra única a miles de personas y también a las nuevas generaciones", afirma Luciana Casagrande Pereira, Secretaria de Estado de Cultura de Paraná.

“Más que celebrar el centenario de este artista curitibano, que es uno de los principales nombres de las artes en el Estado y el País, la exposición se convierte en un lugar de referencia para Poty Lazzarotto”, afirma la directora-presidente del MON, Juliana Vosnika.

“A partir de ahora, los visitantes del MON, especialmente los cientos de estudiantes de escuelas públicas y privadas que visitan diariamente el Museo, seguramente podrán saber más y conocer mejor a este genio de las artes”, comenta.

La exposición es también una oportunidad para que el espectador profundice en la vida y obra de Poty. “Al proporcionar una inmersión en un vasto contenido, reunido aquí, el MON anima al público a aumentar su repertorio echando una nueva mirada a este artista único”, dice Juliana.

La premisa de la exposición, según los curadores, es ir más allá de las fronteras regionales y presentar a Poty en su dimensión universal. “En su incesante y obstinada actividad artística recreó, en imágenes, el universo creativo de la literatura; en sus murales creó la gran aventura de la historia universal”, informan. “Buscando siempre la difusión popular del arte, pasó del grabado a la ilustración, del diminuto dibujo a los murales monumentales”.

En la exposición, las obras se organizaron en torno a nueve núcleos temáticos presentes en la trayectoria artística de Poty, representando sus diferentes facetas: el Narrador, el Trabajo, el Xingu, lo Sagrado, la Guerra, la Vida Cotidiana, el Viajero, el Muralista y el Retratista. “Pero Poty, el muchacho de Capanema que amaba el cine y los cómics, es aún más que todo eso”, dicen los curadores.

El 29 de marzo, día del aniversario de Curitiba y, casualmente, fecha de nacimiento del artista Poty Lazzarotto – el MON recibió la mayor colección jamás donada a la institución: aproximadamente 4.500 piezas. En el año 2022.

Esta colección cuenta con más de 3 mil dibujos y 366 grabados, además de tapices, tallado, serigrafías y esculturas, entre otros. La donación fue realizada directamente por el hermano del artista, João Lazzarotto.

Son obras que enriquecen aún más la colección del MON, que en los últimos años ha quintuplicado su tamaño, consolidando al Museo como uno de los más importantes de América Latina.

En esta exposición se puede ver una muestra de la amplia colección de Poty.

Así, el eje central del edificio del Museo se convierte en el escenario de las mayores colecciones recibidas por el MON, junto con exposiciones de arte asiático y africano.

Poty Lazzarotto (Curitiba, 1924-1998) siguió su camino a partir el dibujo, para luego profundizar en el grabado, del que se convirtió en maestro, siendo creador del primer curso de grabado en el Museo de Arte de São Paulo (Masp). Gran parte de su producción es biográfica y abarca desde recuerdos infantiles alrededor de vías y vagones de tren hasta registros de tipos de curitibanos y los entornos que ellos habitan.

Poty es directo y contundente en sus dibujos y grabados. Fue con esta característica espontánea que ilustró varias obras de la literatura brasileña, como Os sertões, de Euclides da Cunha, y Grande Sertão: Veredas, de Guimarães Rosa. Tampoco podía dejar de dar vida a los controversiales curitibanos retratados en las historias de otro ícono paranaense, Dalton Trevisan.

Como si su presencia en la literatura no fuera suficiente, Poty dejó su huella en toda Curitiba a través de sus monumentos o paneles de azulejos y concreto visto, práctica que comenzó con el panel “Desarrollo Histórico de Paraná”, de 1953, en la Plaza 19 de Dezembro. Otros ejemplos de esta producción son los paneles de la calle Nestor de Castro, en los que muestra, por un lado, el escenario de una Curitiba que ya no existe, y, por el otro, la evolución de la ciudad, surgida en medio del pinar, habitada por inmigrantes, y que se destaca en el ámbito del urbanismo.

La colección donada al Museo Oscar Niemeyer abarca toda esta producción. En ella podemos encontrar originales tantas veces reproducidos en libros y otras publicaciones sobre el artista, entramos en contacto con los dibujos realizados por él en su expedición al Xingu, en 1967, y nos adentramos en la intimidad de un Poty casi desconocido. Además, todavía encontramos bocetos, proyectos y estudios, y podemos ver la evolución del trazo, desde su juventud hasta su madurez. De este modo, la colección constituye un verdadero material etnográfico sobre el artista.

Donada al MON por la familia de Poty Lazzarotto, la colección se compone también, por supuesto, de obras consumadas, dibujos, xilografías, litografías, grabados en metal, tallado en madera y bloques de concreto: miles de piezas que dan claro testimonio de la versatilidad del artista. 
A través de Poty, tomamos conciencia del arte que se hacía y se hace en Paraná.

Preservar no sólo el legado de este artista, sino su memoria, es ante todo un deber, una tarea asumida y realizada adecuadamente, ahora, por el Museo Oscar Niemeyer.

El Museo Oscar Niemeyer (MON) es un patrimonio estatal vinculado a la Secretaría de Estado de Cultura. La institución alberga importantes referentes de la producción artística nacional e internacional en las áreas de artes visuales, arquitectura y diseño, además de grandes colecciones asiáticas y africanas. En total, la colección cuenta con aproximadamente 14 mil obras de arte, alojadas en un espacio de más de 35 mil metros cuadrados de área construida, lo que convierte al MON en el museo de arte más grande de América Latina.

Exposición “Vías y Trazos – Poty 100 años”
Inauguración el 11 de abril a las 19h.
Sala 6
www.museuoscarniemeyer.org.br

A exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

Na mostra, as obras foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na trajetória artística de Poty, representativos das suas diferentes facetas: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista.  

rilhos e Traços – Poty 100 anos

A exposição “Extravagâncias” dá o tom “Barroco” de uma obra que desafia todas as tendências artísticas e quebra a monotonia de uma estética muitas vezes também convencional. Uma seleção de modelos dos principais projetos site-specific realizados pela artista Joana Vasconcelos ao redor do mundo permite-nos captar a amplitude de uma personalidade extraordinária que parece ter o céu como limite.

Depois do Guggenheim de Bilbao, do Château de Versailles, do Palazzo Grassi de Veneza, para sua primeira exposição museológica no Brasil, ela apresenta seus trabalhos e, entre eles, “Valquíria Miss Dior”, uma gigantesca instalação imersiva criada este ano para o desfile, em Paris, da coleção Outono/Inverno 2023-2024 da Dior.

Muitos superlativos vêm à mente quando olhamos para a obra de Joana Vasconcelos: inclassificável, “à parte”, exuberância imprevisível, transgressão, excesso… Seu trabalho explode em ideias e energia, numa obra que se desvia de qualquer caminho estabelecido. A tradição popular e a arte contemporânea se casam de modo aventureiro para inventar novas formas. Na verdade, Joana questiona o que pode ser o artesanato no século XXI. Ela subjuga o banal e integra objetos do cotidiano com uma ironia que lhe é única, criando uma ligação entre o ambiente doméstico e o espaço público. Ela questiona incansavelmente o lugar da mulher no mundo, mas também o da identidade coletiva, sem esquecer uma ironia mordaz sobre uma sociedade onde o consumo não conhece limites. As suas deslumbrantes “Valquírias” homenageiam grandes mulheres contemporâneas das diferentes culturas locais dos países onde expõe, ao mesmo tempo em que dão uma ideia da sua paleta extravagante.

Barroco = “A Utilidade da Inutilidade” – Simon Leys (1935-2014)

Vindo da combinação de extra (“fora”) e vagari (“vagar aqui e ali”), o substantivo “extravagância”, escolhido no plural como título desta primeira exposição de Joana Vasconcelos no Brasil, sugere a ideia de múltiplas mudanças de direção ditadas pela fantasia ou capricho, uma errância barroca associada à ultrapassagem de qualquer fronteira ou norma. Com Joana tudo parece ser um caminho possível, já que ela não segue nenhum caminho preciso ou definido. Nem a Pop Art, nem o Novo Realismo serão capazes de trancá-la em suas caixas.

“Extravagâncias”: onde a experimentação é levada ao limite

Um helicóptero feito de penas de avestruz, um desvario arquitetônico em forma de bolo, os gigantescos corações de Viana do Castelo feitos de talheres de plástico colorido, desenhos de azulejos de piscina, um lustre feito de absorventes higiênicos internos, sapatos de salto alto feitos de panelas, Valquírias bordadas cada vez maiores... nenhum limite parece ser capaz de enquadrar ou confinar sua imaginação transbordante. Ela traça o seu caminho e determina-o como lhe agrada, de forma poética e eufórica, sem qualquer obstáculo aparente ou dificuldade logística que possa travar a sua criatividade. A sua “extravagância” leva a experiência ao limite. Com o seu trabalho, ela nos oferece o melhor antídoto para o risco inerente à nossa condição humana, de cair na rotina ou na rotina do hábito, nos levando para uma dinâmica magistral da utilidade da inutilidade.

Uma obra que destaca a diversidade visual

A sua abundância de obras feministas assertivas e excêntricas revisita avidamente o que o “nobre” ou o “menor”, a “tradição” e o “elitismo” querem e podem dizer hoje. O “kitsch” ou mesmo o “hyperkitsch” de Joana favorece múltiplas releituras de “nossa civilização do excesso”, segundo a definição de Gilles Lipovetsky & Jean Serroy, em seu recente ensaio (Gallimard): “Há um kitsch que felizmente poetiza o mundo. O kitsch tem o mérito de ser percebido e amado porque dá leveza, permite uma forma de fuga fácil”.

Sem dúvida, Joana Vasconcelos abala convenções e estereótipos, obrigando o seu público a reconsiderar as ideias convencionais e as fronteiras do gosto. Ao abolir a separação de gêneros, a sua obra (super) vitaminada e otimista traça um caminho que encanta. Aperte o cinto e prepare-se para essa grande decolagem no MON.

Reconhecida pelas esculturas monumentais e instalações imersivas, a portuguesa Joana Vasconcelos convida os visitantes a mergulharem num universo jamais criado no Museu Oscar Niemeyer. “Extravagâncias” reúne obras com dimensões estratosféricas, como a “Valquíria Miss Dior” e a “Valquíria Matarazzo”, além de uma mostra de maquetes que permite explorar a ligação da arte com o espaço e a arquitetura. Essa grandiosa exposição ocupa não só o Olho, os andares da torre e os espaços Araucária, como transformam, pela primeira vez, a rampa do Museu em um extraordinário espaço expositivo. A curadoria de Marc Pottier revela instalações e esculturas que extrapolam e invadem o espaço do Museu, dando um vislumbre da extensa trajetória profissional de Joana Vasconcelos, que, com humor e ironia, questiona o estatuto da mulher, a sociedade de consumo e a identidade coletiva.

Uma inesquecível imersão no mundo mágico da artista Joana Vasconcelos é a proposta do Museu Oscar Niemeyer com esta exposição, uma das mais grandiosas já realizadas pela instituição. 

Instalações e esculturas monumentais extrapolam o espaço e invadem o MON. O visitante é convidado a mergulhar num universo jamais criado no Museu.

Olho e diversos espaços singulares abaixo dele, andares da torre e a principal rampa interna do Museu foram ocupados pelo colorido e pela criatividade dessa artista que vive e trabalha em Lisboa, mas cuja arte transbordou os limites de Portugal e da Europa e fascina o público de vários continentes.

Sua “Valquíria Miss Dior”, obra internacionalmente famosa, é a atração do mais nobre espaço expositivo do Museu. Com estratosféricas dimensões, a incrível obra mistura crochê de lã feito à mão, tecidos e poliéster, suspensa em cabos de aço, numa peça única. 

Utilizando enorme variedade de técnicas, numa linguagem própria e singular, Joana Vasconcelos atualiza o conceito das artes. Com ironia e humor, traz símbolos cotidianos ao espaço público e questiona com irreverência temas como o feminino, o consumismo e a identidade coletiva. 

Suas obras de arte marcam presença em diversos outros museus e instituições pelo mundo. Um exemplo: atualmente ela também expõe nas Galerias Uffizi e no Palácio Pitti, em Florença, Itália. Agraciada com dezenas de prêmios, a artista ainda gerencia o Atelier e a Fundação homônimos, concede bolsas de estudo e apoia causas sociais.

Mais do que nunca, a arte aqui apresenta-se como inspiração. 

Em constante busca para se tornar cada vez mais vivo e atuante, nacional e internacionalmente, o MON oferece uma exposição irretocável, com a assinatura de um dos mais importantes nomes da arte contemporânea mundial.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

Ojo, rampa, torre y espacios Araucária 1 y 2

MON realiza la mayor exposición individual de Joana Vasconcelos en Brasil

A partir del 23 de noviembre, el Museo Oscar Niemeyer llevará a su público a una inmersión en el mundo mágico de la portuguesa Joana Vasconcelos. “Extravagancias” Se trata de la mayor exposición individual de la artista en Brasil y una de las más grandiosas jamás realizada por el MON.

“El Ojo y varios espacios únicos debajo de él, los pisos de la torre y la rampa interna principal del Museo fueron ocupados por el color y la creatividad de esta artista que vive y trabaja en Lisboa, pero cuyo arte va más allá de los límites de Portugal y Europa y fascina al público de varios continentes”, explica la directora-presidente del Museo, Juliana Vosnika.

“Las instalaciones y esculturas monumentales van más allá del espacio e invaden el MON, invitando al visitante a sumergirse en un universo nunca creado en el Museo”, comenta.

Su “Valquíria Miss Dior”, obra de fama internacional, es la atracción del espacio expositivo más noble del Museo. De dimensiones estratosféricas (aproximadamente 7 metros de alto y más de 20 metros de largo), la increíble obra mezcla crochet de lana hecho a mano, tejidos y poliéster, suspendida sobre cables de acero, en una pieza única.

“Otro destaque es la ‘Valquíria Matarazzo’, que recibe al público, instalada en la rampa principal de acceso al Museo, en la entrada de visitantes, un lugar nunca antes utilizado como espacio expositivo”, dice Juliana.

La Secretaria de Estado de Cultura, Luciana Casagrande Pereira, afirma que “una vez más, nuestro Museo Oscar Niemeyer se consolida como uno de los museos más importantes del escenario internacional de arte contemporáneo al recibir la mayor exposición de la artista Joana Vasconcelos en Brasil”. Ella comenta: “Estoy segura que ésta será una experiencia inolvidable para el público visitante”.

La artista visual Joana Vasconcelos declara: “Estoy muy feliz de regresar a Brasil y poder reunir mi última 'Valquíria (Miss Dior)' con la que creé para Matarazzo en 2014, en un diálogo muy interesante no solo entre las dos obras, sino también con la arquitectura del Museo. También diseñé, especialmente para el MON y por primera vez en mi carrera, una exposición de maquetas que nos permitirá explorar la conexión de la obra de arte con el espacio y la arquitectura, una idea que surgió del privilegio de exponer en el 'Ojo' del Niemeyer”.

El curador de la exposición, el francés Marc Pottier, afirma que “Extravagancias”, de Joana Vasconcelos, trasciende lo barroco y lo kitsch. “Después del Guggenheim de Bilbao, del Château de Versailles y el Palazzo Grassi de Venecia, la artista presenta su primera exposición museológica en Brasil”, informa.

Explica que la gigantesca instalación “Valquíria Miss Dior” fue creada este año por la artista para el desfile de Dior en París y actualmente aparece en las vitrinas de la marca en varios lugares del mundo. “Es una obra que desafía todas las tendencias artísticas y rompe la monotonía de una estética”, afirma el curador.

“La selección de modelos de sus principales proyectos site-specific realizados alrededor del mundo nos permite capturar la amplitud de una personalidad extraordinaria que parece tener el cielo como límite”, comenta.

Además del Ojo y la rampa del Museo, la obra del artista ocupa los pisos de la torre y espacios Araucária, donde el público puede ver obras como “Pantelmina”, “Big Booby”, modelos del icónico “Solitário”, “Castiçais”, “Gateway”, “Bolo de Noiva”, “Máscara” y “Sapato”, así como varios paneles.

Joana Vasconcelos tiene una trayectoria profesional de aproximadamente 30 años que abarca una gran variedad de técnicas. Reconocida por sus esculturas monumentales e instalaciones inmersivas, descontextualiza los objetos cotidianos y actualiza el concepto de artes y oficios para el siglo XXI, estableciendo un diálogo entre la esfera privada y el espacio público, el patrimonio popular y la alta cultura. Con humor e ironía, cuestiona el estatuto de la mujer, la sociedad de consumo y la identidad colectiva.

El reconocimiento internacional comenzó en 2005, con “A Noiva”, en la primera Bienal de Venecia curada por mujeres. Fue la artista más joven y la primera mujer en exponer en el Palacio de Versalles. En 2012, su exposición fue la más visitada en Francia en 50 años, con un público récord de 1,6 millones de personas.

En 2018, Joana Vasconcelos se convirtió en la primera artista portuguesa en tener una exposición individual en el Guggenheim de Bilbao, la cuarta mejor de ese año en el ranking de The Art Newspaper y la tercera más visitada en la historia del museo. Actualmente, en 2023, logró el honor de exponer en las Galerías Uffizi y en el Palacio Pitti en Florencia, al lado de maestros clásicos como Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel, Caravaggio y Botticelli.

Con obras de arte y exposiciones en cuatro continentes, la artista ha sido galardonada con más de 30 premios. En 2009, recibió el grado de Comendadora de la Orden del Infante D. Henrique por la Presidencia de la República Portuguesa y, en 2022, pasó a ser Oficial de la Orden de las Artes y Letras por el Ministerio de Cultura Francés. Desde 2006 mantiene el Atelier Joana Vasconcelos, con más de 50 empleados. En 2012 creó la Fundación Joana Vasconcelos para otorgar becas, apoyar causas sociales y promover el arte para todos.

El Museo Oscar Niemeyer (MON) es un patrimonio estatal vinculado a la Secretaría de Estado de Cultura. La institución alberga importantes referentes de la producción artística nacional e internacional en las áreas de artes visuales, arquitectura y diseño, así como grandes colecciones asiáticas y africanas. En total, la colección cuenta con aproximadamente 14.000 obras de arte, alojadas en un espacio de más de 35.000 metros cuadrados de área construida, lo que convierte al MON en el museo de arte más grande de América Latina.

“Extravagancias”, de Joana Vasconcelos
Inauguración: 23 de noviembre de 2023, a las 19h
Hasta 26 de mayo de 2024
Ojo, rampa, torre y espacios Araucária 1 y 2
www.museuoscarniemeyer.org.br

Reconhecida pelas esculturas monumentais e instalações imersivas, a portuguesa Joana Vasconcelos convida os visitantes a mergulharem num universo jamais criado no Museu Oscar Niemeyer. “Extravagâncias” reúne obras com dimensões estratosféricas, como a “Valquíria Miss Dior” e a “Valquíria Matarazzo”, além de uma mostra de maquetes que permite explorar a ligação da arte com o espaço e a arquitetura. Essa grandiosa exposição ocupa não só o Olho, os andares da torre e os espaços Araucária, como transformam, pela primeira vez, a rampa do Museu em um extraordinário espaço expositivo. A curadoria de Marc Pottier revela instalações e esculturas que extrapolam e invadem o espaço do Museu, dando um vislumbre da extensa trajetória profissional de Joana Vasconcelos, que, com humor e ironia, questiona o estatuto

Extravagâncias - Joana Vasconcelos

Extravagâncias | Making of da exposição da artista Joana Vasconcelos

Mais do que nunca, a arte no espaço público se destaca como uma das melhores maneiras de levar arte ao público. Convidar artistas para criar obras, instalações e esculturas utilizando os espaços dos jardins, parques e praças também permite uma variedade de atividades interativas que nem sempre uma exposição museológica possibilita. O MON sempre quis trabalhar para ampliar seu público e oferecer muitas propostas que possam fazer com que os curitibanos e paranaenses se apropriem do “seu” Museu. Por isso, foi criado o importante projeto MON sem Paredes. 

Em 2022, na primeira versão do projeto, o MON apresentou, nos jardins do Museu, obras dos artistas Gustavo Utrabo (a obra fica no sítio até hoje) e Mariana Palma. 

Para esta segunda versão do MON sem Paredes, o Museu convidou “O Pequeno Colecionador”, um grupo formado por Artur Lescher, Mariane Klettenhofer e Paula Azevedo que se propõe a pensar sobre a arte e a experiência do brincar em suas diversas formas, histórias e culturas.  

Também foram convidados os artistas Alexandre Vogler (nasceu, vive e trabalha no Rio de Janeiro) e Narcélio Grud (nasceu em Teresina e vive e trabalha em Fortaleza).  

Alexandre Vogler apresenta um conjunto de quatro esculturas-mobiliário interativas: “Maca de Força I”, “Maca Cidreira”, “Maca Alecrim” e “Maca de Guarda”, instaladas no espaço público e ativadas por elementos de seu entorno. 

O artista e designer Narcelio Grud transita entre distintos caminhos em sua pesquisa, onde objetos ganham movimento e formas de existir, seja pela interação direta do público ou mesmo por forças motrizes naturais. Para o MON sem Paredes, Narcelio trouxe as esculturas da série “Sempre em Pé” e “Trepa-Trepa”.

Ao criar ligações entre os espaços exteriores e as salas expositivas do Museu, este novo projeto permite mostrar muitas outras formas de expressão da criatividade artística, bem como apresentar projetos para todos os públicos, incluindo todas as gerações de famílias. Trabalhar ao ar livre também permite dimensões “ilimitadas de obras”, percursos, jogos onde todos serão bem-vindos sem restrições de tempo. 

Alexandre Vogler                                                                                                                                                                                                              Maca Alecrim, 2019                                                                                                                                                                                    Cedro-rosa e alecrim                                                                                                                                                                                     Coleção do artista

Tal como as macas de massagem, esta é planejada para que a pessoa se deite de bruços, com os braços pendendo e o rosto acomodado pela cavidade da prancha integrado a um arbusto de alecrim. Essa erva é reconhecida como uma das mais poderosas acionadoras de estados de relaxamento entre os inúmeros benefícios confiados a ela.

- Acesso livre.                                                                                                                                                                                                         - Número máximo de pessoas: 1 pessoa por vez.                                                                                                                                               - Não sentar na extremidade da peça.

Alexandre Vogler
Maca Cidreira, 2019-2021
Angelim e cidreira-de-arbusto
Coleção do artista

Composta por quatro tábuas reunidas sob a angulação de 30° no comprimento e na largura, está situada embaixo de uma grande moita de cidreira-de-arbusto, erva medicinal de cheiro bastante agradável. Foi projetada para que a pessoa se deite, sendo “abraçada” pela estrutura angulada e coberta (como uma onda) pelo arbusto.

- Acesso livre.
- Número máximo de pessoas: 1 pessoa por vez.

Alexandre Vogler
Maca de Força (para Iara), 2021
Angelim e ervas de força
Coleção do artista

Esta Maca, desenhada com o formato de uma joaninha (inseto associado à sorte e à bem-aventurança), traz ao seu redor um conjunto de sete espécies de força comumente utilizadas em práticas ecumênicas de religiões afro-brasileiras-colônia, arruda, comigo-ninguém-pode, espada-de-são-jorge, mirra, guiné e pitanga. Nesse contexto, o “paciente” se deita e relaxa sobre sua forma côncava.

- Acesso livre.        
- Número máximo de pessoas: 2 pessoas por vez.

Alexandre Vogler
Maca de Guarda/Maleme, 2023
Maçaranduba
Acervo Museu Oscar Niemeyer

A “Maca de Guarda” prevê que o usuário/paciente se deite sobre sua superfície, a 40°, voltando seu corpo para o céu. Esta Maca reproduz parcialmente a prática lúdica de criação de imagens de anjo. A pessoa deita-se sobre a neve, abrindo braços e pernas – o que justifica o complemento de seu título. Esta escultura traz ainda em sua nomenclatura a expressão Maleme, palavra do vocabulário afro-brasileiro que designa súplica, misericórdia ou ajuda, dirigida aos orixás, especialmente ao orixá Xangô. A posição em que o usuário se encontra, de plexo aberto e pernas abertas, com o corpo voltado aos céus, encaminha a orientação ecumênica e divina desta Maca.

ARTUR LESCHER
Caleidoscópico, 2022
Aço inoxidável e aço-carbono
1 / 5 + 2 PA
Acervo Museu Oscar Niemeyer
Obra desenvolvida pelo projeto “O Pequeno Colecionador”

Um gira-gira “caleidoscópico”, onde o espectador experimenta girar sobre seu próprio eixo, movimentando o entorno em uma experiência meditativa e divertida. Podemos falar da obra como recipiente para o corpo, uma metacasa para observar o mundo. Girar sobre nosso próprio eixo evoca a dança e os rituais espirituais de acesso a outras dimensões e estados mentais. Algo que nos é familiar, algo de nossos tempos de criança.

- Crianças abaixo de 8 anos devem estar acompanhadas de um adulto.
- Número máximo de pessoas: 2 adultos ou 3 crianças por vez.
- Carga máxima: 200 kg.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Em dias quentes, a estrutura absorve o calor. Use com cautela.

ARTUR LESCHER
Giroscópico, 2022
Aço inoxidável e aço-carbono
1 / 5 + 2 PA
Acervo Museu Oscar Niemeyer
Obra desenvolvida pelo projeto “O Pequeno Colecionador”

Um gira-gira onde o espectador experimenta girar sobre seu próprio eixo, movimentando o entorno em uma experiência meditativa e divertida. Podemos falar da obra como recipiente para o corpo, uma metacasa para observar o mundo. Girar sobre nosso próprio eixo evoca a dança e os rituais espirituais de acesso a outras dimensões e estados mentais. Algo que nos é familiar, algo de nossos tempos de criança.

NARCÉLIO GRUD
Sempre em Pé 01 e 02, 2023
Esculturas sonoras em fibra de vidro com pintura PU 
Acervo Museu Oscar Niemeyer

As obras da série “Sempre em Pé” são mixers de diversos conceitos, utilizando como base estética principal o brinquedo João Teimoso/Sempre em Pé. Têm por objetivo promover interações por meio dos movimentos e vivências sonoras, ressignificando o objeto e ampliando sua usabilidade para criar um ambiente onde a descoberta e o brincar andam juntos.

- Crianças abaixo de 8 anos devem estar acompanhadas de um adulto.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Cuidado ao manusear as obras, evitando atingir pessoas ao redor.

NARCÉLIO GRUD
Trepa-Trepa, 2023
Escultura em fibra de vidro com pintura em PU e arcos em aço inox
Acervo Museu Oscar Niemeyer

Esta escultura traz uma composição formal circular onde o raio, o diâmetro e o centro se expandem de um globo para aros entrelaçados, formando uma espécie de cosmos das rotas orbitais planetárias. Em seu conceito de interatividade, propõe ser uma escultura/ mobiliário de escalada, similar aos equipamentos de lazer encontrados em áreas de recreação infantil de praças e parques públicos.

- Crianças abaixo de 8 anos devem ser supervisionadas por um adulto.
- O uso por pessoas maiores de 14 anos não é permitido.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Em dias quentes, a estrutura absorve o calor. Use com cautela.

ROMMULO CONCEIÇÃO                                                                                                                                                                                     Estruturas Dissipativas/Trepa-Trepa, 2023
Metal, vidro, concreto e pintura automotiva policromada
3° trabalho da série ‘’Estruturas Dissipativas”                                                                                                                                           Acervo Museu Oscar Niemeyer
Obra desenvolvida pelo projeto “O Pequeno Colecionador”

Obra composta por dois trepa-trepas simetricamente dispostos a partir de um eixo perpendicular a uma plataforma que os separa e cujo acesso se dá pelos trepa-trepas ou por escadas. Uma chapa de vidro com altura de 3,5 metros corta a plataforma e configura um plano falso de simetria. Compõem também o trabalho 3 bancos giratórios, uma mesa e um muro no qual está acoplada uma grade de 4 metros de altura. Todo o trabalho é feito em ferro e concreto e montado de forma a dar acesso ao seu uso pelo público, que poderá utilizá-lo a partir de suas próprias referências.

- Crianças abaixo de 8 anos devem estar acompanhadas de um adulto.
- Número máximo de pessoas: 2 adultos ou 3 crianças na parte aérea.
- Carga máxima: 200 kg.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Em dias quentes, a estrutura absorve o calor. Use com cautela.

Estruturas Dissipativas/Trepa-Trepa, 2023

GUSTAVO UTRABO
Semeador e Ao Redor de uma Árvore, 2023
Acervo Museu Oscar Niemeyer

As obras “Semeador” e “Ao Redor de uma Árvore” são do arquiteto paranaense Gustavo Utrabo. O “Semeador” é uma declaração sobre a vida a partir da passagem do tempo. Um percurso elevado do solo conecta o Museu ao jardim. Construído pela repetição modular do piso projetado por Niemeyer para o MON, põe-se a borrar os limites entre o construído e o natural, misturando ao piso de cimento uma combinação de sementes típicas do Paraná. O caminho leva o visitante à obra “Ao Redor de uma Árvore”, criação que se materializa como um gesto de cuidado, no qual uma armação metálica envolve o caule e nos aproxima da copa em um aceno de respeito. O toque no chão é feito por meio de quatro finos pilares e, assim como proferido por Ailton Krenak, pisar suavemente sobre a terra é o que se busca.

- Acesso livre.
- Número máximo de pessoas: 20.
- Evite o uso em dias de chuva.
- Não é permitido subir na árvore.

Projeto inédito criado pelo MON para romper o limite físico de suas paredes e abraçar o público, chegando ao espaço externo do Museu e tornando-se acessível a todos. Esta é a primeira edição do projeto e apresenta obras dos artistas Gustavo Utrabo e Mariana Palma, que ocupam o icônico espaço de área verde ao lado do MON, chamado de Parcão.

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