Não é exagero chamá-lo de mestre. Com esta mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer, German Lorca, Mestre da Fotografia, o MON confirma sua vocação de, entre outras vertentes artísticas, colecionar e expor fotos, levando-as até o nosso imenso e interessado público espectador.

O premiado fotógrafo brasileiro German Lorca dedicou a maior parte dos seus quase 100 anos de vida (1922-2021) a registrar com suas câmeras cenas, flagrantes e personagens que só poderiam ter sido descobertos por ele. 

Imprimiu marca própria em tudo que fez, revelando imagens inovadoras, o que tornou sua obra inconfundível. Rompeu os limites da fotografia utilizando com maestria técnicas de sombra e luz, buscando sempre novos e diferentes enquadramentos. 

Esta exposição é um testemunho de décadas eternizadas graças ao seu olhar sensível. Sua singular percepção para revelar cenas do cotidiano, de maneira incomum, o alçou à categoria de fotógrafo-artista. 

Sua obra foi incluída nos mais importantes acervos do mundo, como o do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA), entre muitos outros. Aqui no MON, sete fotografias suas fazem parte da coleção permanente do Museu, enriquecendo o nosso acervo.

A mostra “German Lorca, Mestre da Fotografia” nos faz viajar no tempo e no espaço. São imagens geniais que têm poesia, que tocam e inspiram, que permitem um diálogo silencioso com cada visitante. Refletir e admirar é a proposta.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer 

O Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA) é considerado um dos museus mais importantes do mundo. Possui obras da década de 1940 e 1950 de German Lorca e duas da icônica série Aeroporto, da década de 1960. Participar da coleção de fotógrafos notáveis do MoMA marca o reconhecimento de German Lorca no contexto da arte mundial. 

Em março de 2021, o museu fez uma grande exposição com foco no Foto Cine Clube Bandeirante, importante formador de fotógrafos brasileiros, frequentado por German Lorca no final dos anos 1940 e início dos anos 1950. As obras de Lorca foram um grande destaque na exposição. 

O Foto Cine Clube Bandeirante, criado em São Paulo no ano de 1939, foi de extrema importância para a disseminação da informação sobre a técnica e a formação de fotógrafos amadores e profissionais. Entre 1949 e 1952, German Lorca participou do Clube. Lá, quebrou as normas da fotografia tradicional, ganhando destaque entre os participantes. Tanto nas excursões fotográficas promovidas pelo grupo, quanto nos salões que participava, as imagens irreverentes e inovadoras de Lorca se destacavam. Eram um contraponto à construção pictórica vigente.

PRIMEIROS TEMPOS: FOTO CINE CLUBE BANDEIRANTE 

German Lorca foi pioneiro em instaurar uma nova visualidade à fotografia brasileira. Explorava planos inusitados e ângulos diferenciados. Experimentava.

Além das imagens figurativas, que buscavam a personalidade do retratado – ou as criava – muitas vezes dava um caráter Expressionista à fotografia. Outras vezes, procurava o Abstracionismo em suas imagens. Flertou com o Concretismo informal, em voga na década de 1950 e 1960. Cortes e enquadramentos, tanto na captura da foto quanto no ato da revelação, mostravam que, em seu laboratório próprio, utilizava técnicas artesanais inovadoras e de difícil manejo.

Lorca encanta-se com o computador e, junto a um assistente, testava as infinitas possibilidades de recriar as imagens, alterando corte, textura e destacando principalmente as cores. Houve uma imagem em especial que o impressionou. Em uma piscina, deparou-se com um colchão inflável em uma manhã de sol. Seus olhos atentos perceberam que a falta total de vento e movimento criou um instante perfeito: parecia que o colchão flutuava no ar e a água não existia. Fez a imagem, mas achou que as cores não correspondiam à magia do momento. Posteriormente, com o assistente do estúdio, foi alterando a imagem até chegar à famosa versão final: “Levitação na Piscina”. Foi assim que resolveu resgatar suas antigas imagens coloridas e produzir novas. 

German Lorca amava Nova Iorque. Esteve lá várias vezes, e em três delas (1967, 1978 e 1984), retratou em preto e branco, de forma fiel, com seu olhar arguto, as figuras que representavam a cidade, algumas vezes tendo como pano de fundo seus principais símbolos. Conseguiu criar um painel muito significativo dos diversos tipos de nova-iorquinos: crianças, jovens, muitos idosos e até turistas. Um grande mosaico social de personagens de uma das principais cidades dos Estados Unidos.

Era o ano de 2014. German Lorca, aos 92 anos, precisou ficar recluso em sua casa devido a uma pequena questão de saúde. Criativo e irrequieto como sempre foi, achou um modo de, sentado próximo à janela da sala, registrar a luz do sol e as formas e sombras que ela causava ao entrar pelas frestas e pelas cortinas. O resultado é um ensaio belíssimo, feito com sua Leica Digital. Um verdadeiro estudo sobre luz e ambiente que ele mesmo denominou, poeticamente, de A Geometria das Sombras.

German Lorca nos impressiona e sobrepõe passado e presente. Convidado em 2018, após completar 70 anos de carreira, a documentar novamente alguns locais de suas fotos icônicas da cidade de São Paulo, surpreende-nos  com a mesma maestria. Aos 96 anos, encara o desafio, sobe a ladeira, procura os mesmos ângulos. Na imagem que fez no Quarto Centenário do aniversário de São Paulo, na inauguração do Parque Ibirapuera, com sua avó e seu filho andando em direção ao prédio da OCA como abduzidos por uma nave espacial, ele reencontra a mesma magia. Fotografa, mais de 60 anos depois, sua sobrinha e o filho pequeno, resgatando a mesma emoção.

Nos anos 1950, com a chegada das montadoras automobilísticas ao Brasil, um grande mercado de publicidade começou a surgir. Os grandes magazines de bens de consumo também estavam investindo. Lorca aliou sua liberdade experimental à curiosidade sobre as técnicas para pesquisar novidades e gerar imagens de impacto para os anúncios. Ao congelar cenas em movimento através dos novos flashes eletrônicos, Lorca gerou imagens publicitárias inovadoras e diferenciadas. Assim como nas imagens autorais, na fotografia comercial o artista sempre fazia a percepção da magia estar presente. Por isso era tão procurado pelas agências, também novas no Brasil, e cresceu com elas. 

La exposición "Germán Lorca, maestro de la fotografía" recorre la trayectoria artística del fotógrafo, reconocida nacional e internacionalmente. Remontándose a sus primeros trabajos como fotógrafo aficionado en 1947, la exposición presenta alrededor de 160 fotografías, así como cámaras y otros objetos personales.

Comisariada por Adriana Rede y José Henrique Lorca, hijo del fotógrafo, la exposición está organizada en ocho secciones que ponen de relieve la mirada afectuosa del fotógrafo sobre el mundo. A lo largo de su carrera, Lorca experimentó con diferentes tipos de fotografía, desde la analógica a la digital, manteniendo siempre su lenguaje único en las escenas que registraba.

GERMAN LORCA, MESTRE DA FOTOGRAFIA
German Lorca foi um dos poucos fotógrafos a vivenciar a fotografia de modo pleno em suas mais diversas modalidades: de amador a profissional, do analógico ao digital, das câmeras aos smartphones. Com uma visão peculiar sobre os mais diversos temas, estabeleceu de maneira única sua linguagem.

No final dos anos 1940, Lorca acompanhou um novo movimento, o alvorecer de uma estética moderna na fotografia brasileira. Afiliou-se ao Foto Cine Clube Bandeirante, na capital de São Paulo, hoje objeto de estudo internacional por seu vanguardismo. Com um olhar único, capaz de conjugar fotografia e arte – diferentemente da fotografia convencional pictórica – em sua longa trajetória artística, por mais de 70 anos, German Lorca sempre foi livre ao fotografar. Sem receio das críticas, manteve-se fiel a si próprio. 

Quando a fotografia moderna tomou impulso e veio revolucionar a cena brasileira, Lorca se destacou com seus cortes e enquadramentos, tanto na captura da foto quanto no processo de revelação. Passou por uma fase chamada "concreta", quando do movimento concretista nos anos 1950. Explorou planos inusitados, ângulos diferenciados, mas o “concretismo" de Lorca não foi exatamente intencional, foi livre e gerou obras belíssimas. 

Na fotografia publicitária, foi pioneiro. Incessantemente atrás de novidades, com audácia nas buscas cromáticas, nos ângulos ousados e temas irreverentes e provocativos, conquistou o mercado publicitário, que iniciava no Brasil. 

Com o olhar inquieto, aproveitou seus raros momentos de intervalo para realizar registros autorais, sempre conseguindo o melhor ângulo da cena que seu olhar escolhia. Com trajetória reconhecida, nacional e internacionalmente, nunca parou; seguiu com seu olhar atento, formando gerações de fotógrafos que se inspiraram, não só em sua técnica, mas em seu jeito afetivo de olhar o mundo. Chamavam-no de mestre. Sempre atemporal, seguiu fotografando até os últimos dias de sua vida extraordinária. Vemos, ao observar o seu trabalho, nosso olhar pousar entre o real e o imaginário. Cada instante como um momento cúmplice. 

Adriana Rede e José Henrique F. Lorca
Curadoria

German Lorca, Mestre da Fotografia é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer (MON), em cartaz na Sala 1. A exposição tem curadoria de Adriana Rede e José Henrique Lorca, filho do fotógrafo.

Pigmento mineral sobre base de celulose
61 x 46,5 cm

Pigmento mineral sobre base de celulose
50 x 41,6 cm

Pigmento mineral sobre base de celulose
36 x 34,7 cm

Crianças com travesseiro - Anúncio Extra 1972

Pigmento mineral sobre base de celulose
35 x 31,6 cm

Pigmento mineral sobre base de celulose
34,4 x 35 cm

Pigmento mineral sobre base de celulose
43,9 x 61 cm

El MON acoge una nueva exposición inedita de Germán Lorca

La exposición "Germán Lorca, maestro de la fotografía" es la última novedad del Museo Oscar Niemeyer (MON). Curada por Adriana Rede y José Henrique Lorca, hijo del fotógrafo, la muestra estará abierta al público a partir del 5 de julio en la Sala 1.

"Germán Lorca es simplemente uno de los grandes nombres de la fotografía brasileña", afirma la Secretaria de Estado de Cultura de Paraná, Luciana Casagrande Pereira. "Nuestra expectativa para esta exposición de Lorca en el MON es que sea un hito para el Museo debido a la grandeza de su carrera, que merece ser vista, revista y conocida por el público en general aquí en Paraná".

Según la directora-presidenta del Museo Oscar Niemeyer, Juliana Vosnika, la exposición nos hace viajar en el tiempo y en el espacio. "Son imágenes brillantes que tienen poesía, que conmueven e inspiran, que permiten un diálogo silencioso con cada visitante".

Comenta que, "con esta exposición, MON confirma su vocación, entre otras labores artísticas, de coleccionar y exponer fotografías, acercándolas al inmenso e interesado público espectador".

El brasileño Germán Lorca (1922-2021) fue uno de los pocos que experimentó plenamente la fotografía en sus más diversas formas: del aficionado al profesional, de la analógica a la digital, de las cámaras a los smartphones. Con una visión peculiar de los temas más variados, estableció su lenguaje de forma única.

Su obra forma parte de las colecciones más importantes del mundo, como la del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), entre muchas otras. Siete de sus fotografías forman parte de la colección permanente del Museo Oscar Niemeyer.

Dividida en secciones, la exposición incluye una retrospectiva de su obra, que se remonta a sus primeros trabajos como fotógrafo aficionado en 1947. Hay unas 160 fotografías, además de cámaras y otros objetos personales. La exposición recorre la trayectoria de Lorca como artista y profesional de la fotografía, a lo largo de más de 70 años, con una dedicación excepcional, obteniendo varios premios y reconocimientos en Brasil y en el extranjero. 

"Su obra constituye una parte importante de la historia de la fotografía brasileña, acompañando un nuevo movimiento, una nueva forma de expresión fotográfica y los albores de una estética moderna en nuestra fotografía brasileña", afirman los curadore.

A finales de los años 40, Lorca se unió al Foto Cine Clube Bandeirante de São Paulo, hoy objeto de estudio internacional por su vanguardismo. "Cuando la fotografía moderna despegó y revolucionó el panorama brasileño, él destacó por sus cortes y encuadres, tanto al captar la foto como al revelarla", explican Adriana y José Henrique. 

Lorca pasó por una fase llamada "concreta", en la que exploró planos inusuales y ángulos diferentes. En la fotografía publicitaria fue un pionero. Incesantemente en busca de novedades, con audaces búsquedas de color, ángulos atrevidos y temas irreverentes y provocadores, conquistó el mercado publicitario, que apenas comenzaba en Brasil. 

Su carrera ha sido reconocida tanto a nivel nacional como mundial y nunca se ha detenido. Continuó con su atenta mirada, formando a generaciones de fotógrafos que se inspiraron no sólo en su técnica, sino en su afectiva manera de mirar el mundo. "Siempre intemporal, siguió fotografiando hasta los últimos días de su extraordinaria vida", explican los curadores.  

Las ocho nucleos que componen la exposición son: "Lorca en la colección del MoMA", "Primeros tiempos: Foto Cine Clube Bandeirante", "Una mirada libre", "Y se hizo el color", "Nueva York y sus personajes", "La geometría de las sombras", "El tiempo superpuesto" y "El mago de los anuncios".

German Lorca, Mestre da Fotografia é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer (MON), em cartaz na Sala 1. A exposição tem curadoria de Adriana Rede e José Henrique Lorca, filho do fotógrafo.
Dividida em núcleos, apresenta uma retrospectiva de sua obra, incluindo desde seus primeiros trabalhos como fotógrafo amador, em 1947. São cerca de 160 fotografias, além de câmeras e outros itens pessoais. 
A mostra percorre a trajetória de Lorca como artista e profissional na fotografia, por mais de 70 anos, com excepcional dedicação, conquistando diversas premiações e reconhecimento, no Brasil e no exterior. 

Germán Lorca, maestro de la fotografía

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Mais do que comemorar o centenário deste artista curitibano, que é um dos principais nomes das artes do Estado e do País, a mostra “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), passa a ser um local de referência a Poty Lazzarotto.

A partir de agora, certamente, os visitantes do MON, em especial as centenas de estudantes das redes pública e particular que diariamente frequentam o Museu, poderão saber mais e conhecer melhor esse gênio das artes.

Também é uma oportunidade para o espectador se aprofundar na vida e obra de Poty. Ao proporcionar uma imersão em tão vasto conteúdo, reunido aqui, o MON instiga o público a aumentar repertório ao lançar um novo olhar sobre este artista ímpar. 

Recentemente, o Museu incorporou ao seu acervo a maior coleção já doada à instituição: aproximadamente 4 mil obras de arte assinadas por ele. Um recorte disso pode agora ser visto nesta exposição. Assim, o eixo central deste prédio se transforma em palco para as maiores coleções recebidas pelo MON, ao lado das mostras de arte asiática e africana.

A doação da obra de Poty, generosamente feita pela família do artista, trouxe ao Museu, em 2022, mais de 3 mil desenhos e 366 gravuras, além de tapeçarias, entalhes, serigrafias e esculturas. São obras que enriquecem ainda mais o acervo do MON, que nos últimos anos quintuplicou de tamanho, consolidando o Museu como um dos mais importantes da América Latina. 

Ser a instituição que guarda o legado de Poty é motivo de orgulho, alegria e responsabilidade. Nesta mostra, compartilhamos com o visitante um pouco desses sentimentos, traduzidos pelos traços inconfundíveis do artista. Pertencimento aqui tem nome e sobrenome: Poty Lazzarotto.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika 
Diretora-presidente
Museu Oscar Niemeyer

“A alma se expressa com mais claridade através do rosto (Simmel).” Essa profundidade encontramos nos retratos de Poty. São imagens expressivas e agitadas: têm existência real, não há espaço para impessoalidade. Ícones que surpreendem a realidade natural e social, vão do realismo à caricatura. São traços certeiros, linhas econômicas que sintetizam em pequenos detalhes a personalidade do retratado. O macambúzio Bakun contrasta com os enérgicos autorretratos do artista. Poty, ao olhar para si mesmo, revela a individualidade de um homem firme, direto, dado a poucos devaneios – e humano, demasiadamente humano.

Nascido em modesta casa de madeira no Capanema, criado nos trilhos da ferrovia que passava em frente à sua casa, com um pai ferroviário, mãe cozinheira e avô marceneiro, Poty desenvolveu uma paixão pelos trabalhadores humildes acalentada em toda a sua vida, mesmo depois de viver em metrópoles como o Rio de Janeiro e Paris. Seus desenhos e gravuras traduzem a paixão pelo trabalhador, tanto pelo operário no dia a dia do trabalho árduo, em especial o ferroviário, pelas carrocinhas de polaca, pelas vendedoras ambulantes, pelos motoristas dos bondes abertos e pelos donos de botecos, como pelo homem simples no cotidiano: nas festas de igreja, nas sociedades operárias, no Cine Morgenau, no jogo de truco, todos celebrando a vida. O trabalho é visto por Poty muito mais como realização do que penúria e alienação. Encontramos nessa poética do trabalho a energia de São Francisco, os traços corajosos de Goya e a ternura de Käthe Kollwitz. Delicadeza e cunho social, dignidade e humanidade.

Poty celebra a sabedoria indígena que cultua a natureza e os mitos. Colhe, no meio das inúmeras línguas e dos ricos rituais, o artista nato, seja nas cestarias, nos bancos, nos arcos e nas flechas, na pintura corporal, nas máscaras e até nos simples nós e na arquitetura das ocas. Os desenhos de Poty realizados no Alto Xingu, na ainda extensa Floresta Amazônica dos anos 1960 (1967/68), são um elogio à natureza, ao bom selvagem de Rousseau. Fazem jus a essa imaginação intelectual e instintiva transbordante dos nativos.

“O mundo profano é o universo das interdições, enquanto o mundo sagrado corresponde ao das transgressões (Bataille).” Os santos de Poty são muito conhecidos, em especial São Francisco, por ele desenhado, talhado e gravado inúmeras vezes. Os vestígios do sagrado, a comunicação com o transcendental presente na alma de Poty, o conduzem a uma religião no sentido de religar, do latim religare, que celebra o entendimento humano. Desse modo, não precisa necessariamente estar vinculado a uma religião louvando aos deuses para ser religioso. A aura, se existe, é aquela que envolve a ligação ao outro, a prática do humanismo. Inspirado em São Francisco, Poty celebra a natureza e a pessoa humana.

Mergulhar nos desenhos e gravuras de Poty é viajar no cotidiano da provinciana Curitiba. Desde as cenas das carrocinhas das polacas, trabalhadores indo ao ofício de bicicleta, desastres na ferrovia, brigas nos botecos, as enchentes no centro da cidade, os meninos soltando pipas, o Circo dos Irmãos Queirolo e o glorioso regresso de Didi Caillet até a procissão dos meninos correndo atrás do trolley do padre Maurício, que distribuía balas para atrair os pequenos para o Santo Ofício. Também estendeu seu olhar a outras paragens: seus traços escorregam por cenas marítimas da Bahia, pelas igrejas e santos de Ouro Preto, pelas esculturas das catedrais de Chartres e de Paris. Eterno viajante, Poty une a Curitiba nostálgica à descoberta do mundo.

Desde o início da sua atividade artística, Poty sempre foi um narrador, criando imagens para contar histórias. Ainda criança, fez histórias em quadrinhos inspiradas nos modelos norte-americanos; já adolescente, criou imagens de violência e fantasia, inspiradas em autores como Edgar Allan Poe e William Shakespeare. O cinema, também uma forma de narração através de imagens, foi outra influência decisiva na sua obra: ainda criança, frequentava o antigo cinema do Clube Morgenau e depois desenhava as cenas que ficavam marcadas na sua memória. Poty tornou-se ilustrador de livros ainda jovem: desde 1943 e até o fim da vida, ilustrou mais de 170 títulos de autores brasileiros e estrangeiros. Com seu amor pelo cinema, também realizou uma magistral série de desenhos à maneira de cartazes de clássicos do cinema – o desenho como extensão da sétima arte.

“Na galeria dos nossos grandes (mas muito poucos) ilustradores de nossos livros (numerosos, mas ainda muito poucos), nunca a fusão verbo-ícone atinge tão intrínseca adequação: nunca um ilustrador, entre nós, foi tão ilustrador, tão capaz de dizer o que as palavras não sabiam ou não podiam.” (Antônio Houaiss)

O primeiro mural público de Poty foi o da Praça 19 de Dezembro, por ocasião do Centenário da Emancipação do Paraná, em 1953, em estilo mais realista. Desde então, realizou um grande número de obras públicas, que estão presentes em várias cidades brasileiras, tendo chegado também à Europa, com trabalhos no Algarve, em Portugal, e em Paris. Para o artista, os murais públicos eram uma extensão da gravura, pela sua capacidade de levar a sua arte a um público mais amplo. Na sua obra pública, Poty emprega sofisticadas técnicas de montagem e articulação dos elementos figurativos para representar a história humana, o desenvolvimento das cidades, das artes, dos saberes e das tecnologias. Para quem passeia por Curitiba, fica o convite para encontrar, na cidade, os murais de Poty: como a chuva e os pinheiros, eles são parte da paisagem curitibana.

“Cabe a cada menino guardar, para todo o sempre, um instante daquele voo de silêncio e fúria, de ruído e paz...” (Valêncio Xavier)

La exposición “Vías y Trazos – Poty 100 años”, realizada por el Museo Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, una muestra de la donación de 4 mil piezas realizada por la familia del artista al Museo, en 2022. Con curaduría de Maria José Justino y Fabricio Vaz Nunes, celebra el centenario de Poty Lazzarotto (1924-1998).

En la exposición, las obras se organizaron en torno a nueve núcleos temáticos presentes en la trayectoria artística de Poty, representando sus diferentes facetas: el Narrador, el Trabajo, el Xingu, lo Sagrado, la Guerra, la Vida Cotidiana, el Viajero, el Muralista y el Retratista.

Poty, artista curitibano? Não: Poty, artista do mundo. Esta é a premissa desta exposição: mostrar um dos mais importantes artistas de Curitiba em sua dimensão universal. Comemoramos o centenário de nascimento de Poty Lazzarotto trazendo ao público uma ampla seleção das suas obras recentemente doadas ao MON pelo Sr. João Geraldo Lazzarotto, irmão do artista. Nesta mostra, as peças foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na sua obra, representativos das diferentes facetas do artista: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista. Mas Poty, o piá do Capanema que amava o cinema e as histórias em quadrinhos, é ainda mais que tudo isso. Através do desenho, seu principal meio de expressão, abordou os mais variados temas, passou por diferentes estilos, sempre buscando levar a arte ao seu mais importante destino: o povo. Na sua atividade artística incessante e obstinada, deu a ver o mundo real do trabalho e a realidade social; recriou, em imagens, o universo criativo da literatura; em seus murais, plasmou a grande aventura da história universal. Sempre buscando a divulgação popular da arte, foi da gravura à ilustração, do desenho minúsculo ao mural monumental. Na simplicidade do desenho, com a sua visão humana e pungente da experiência humana em todas as suas dimensões, Poty criou um vasto imaginário coletivo: em seus trilhos e traços, viajamos ao mundo.

A exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

MON realiza gran exposición celebrando los cien años de Poty Lazzarotto

El Museo Oscar Niemeyer (MON) presenta la gran exposición “Vías y Trazos – Poty 100 años”, para celebrar el centenario de Poty Lazzarotto (1924-1998). Con curaduría de Maria José Justino y Fabricio Vaz Nunes, la exposición reúne aproximadamente 500 obras, una muestra de la donación de 4 mil piezas que hizo la familia del artista al Museo, en 2022. La inauguración será el día 11/4, a las 19h, en la Sala 6.

"Poty, en su centenario, sigue siendo actual e incomparable, y esta nueva exposición refuerza la importancia del artista para la identidad cultural de Paraná. Estoy segura de que la exposición en el Museo Oscar Niemeyer presentará su obra única a miles de personas y también a las nuevas generaciones", afirma Luciana Casagrande Pereira, Secretaria de Estado de Cultura de Paraná.

“Más que celebrar el centenario de este artista curitibano, que es uno de los principales nombres de las artes en el Estado y el País, la exposición se convierte en un lugar de referencia para Poty Lazzarotto”, afirma la directora-presidente del MON, Juliana Vosnika.

“A partir de ahora, los visitantes del MON, especialmente los cientos de estudiantes de escuelas públicas y privadas que visitan diariamente el Museo, seguramente podrán saber más y conocer mejor a este genio de las artes”, comenta.

La exposición es también una oportunidad para que el espectador profundice en la vida y obra de Poty. “Al proporcionar una inmersión en un vasto contenido, reunido aquí, el MON anima al público a aumentar su repertorio echando una nueva mirada a este artista único”, dice Juliana.

La premisa de la exposición, según los curadores, es ir más allá de las fronteras regionales y presentar a Poty en su dimensión universal. “En su incesante y obstinada actividad artística recreó, en imágenes, el universo creativo de la literatura; en sus murales creó la gran aventura de la historia universal”, informan. “Buscando siempre la difusión popular del arte, pasó del grabado a la ilustración, del diminuto dibujo a los murales monumentales”.

En la exposición, las obras se organizaron en torno a nueve núcleos temáticos presentes en la trayectoria artística de Poty, representando sus diferentes facetas: el Narrador, el Trabajo, el Xingu, lo Sagrado, la Guerra, la Vida Cotidiana, el Viajero, el Muralista y el Retratista. “Pero Poty, el muchacho de Capanema que amaba el cine y los cómics, es aún más que todo eso”, dicen los curadores.

El 29 de marzo, día del aniversario de Curitiba y, casualmente, fecha de nacimiento del artista Poty Lazzarotto – el MON recibió la mayor colección jamás donada a la institución: aproximadamente 4.500 piezas. En el año 2022.

Esta colección cuenta con más de 3 mil dibujos y 366 grabados, además de tapices, tallado, serigrafías y esculturas, entre otros. La donación fue realizada directamente por el hermano del artista, João Lazzarotto.

Son obras que enriquecen aún más la colección del MON, que en los últimos años ha quintuplicado su tamaño, consolidando al Museo como uno de los más importantes de América Latina.

En esta exposición se puede ver una muestra de la amplia colección de Poty.

Así, el eje central del edificio del Museo se convierte en el escenario de las mayores colecciones recibidas por el MON, junto con exposiciones de arte asiático y africano.

Poty Lazzarotto (Curitiba, 1924-1998) siguió su camino a partir el dibujo, para luego profundizar en el grabado, del que se convirtió en maestro, siendo creador del primer curso de grabado en el Museo de Arte de São Paulo (Masp). Gran parte de su producción es biográfica y abarca desde recuerdos infantiles alrededor de vías y vagones de tren hasta registros de tipos de curitibanos y los entornos que ellos habitan.

Poty es directo y contundente en sus dibujos y grabados. Fue con esta característica espontánea que ilustró varias obras de la literatura brasileña, como Os sertões, de Euclides da Cunha, y Grande Sertão: Veredas, de Guimarães Rosa. Tampoco podía dejar de dar vida a los controversiales curitibanos retratados en las historias de otro ícono paranaense, Dalton Trevisan.

Como si su presencia en la literatura no fuera suficiente, Poty dejó su huella en toda Curitiba a través de sus monumentos o paneles de azulejos y concreto visto, práctica que comenzó con el panel “Desarrollo Histórico de Paraná”, de 1953, en la Plaza 19 de Dezembro. Otros ejemplos de esta producción son los paneles de la calle Nestor de Castro, en los que muestra, por un lado, el escenario de una Curitiba que ya no existe, y, por el otro, la evolución de la ciudad, surgida en medio del pinar, habitada por inmigrantes, y que se destaca en el ámbito del urbanismo.

La colección donada al Museo Oscar Niemeyer abarca toda esta producción. En ella podemos encontrar originales tantas veces reproducidos en libros y otras publicaciones sobre el artista, entramos en contacto con los dibujos realizados por él en su expedición al Xingu, en 1967, y nos adentramos en la intimidad de un Poty casi desconocido. Además, todavía encontramos bocetos, proyectos y estudios, y podemos ver la evolución del trazo, desde su juventud hasta su madurez. De este modo, la colección constituye un verdadero material etnográfico sobre el artista.

Donada al MON por la familia de Poty Lazzarotto, la colección se compone también, por supuesto, de obras consumadas, dibujos, xilografías, litografías, grabados en metal, tallado en madera y bloques de concreto: miles de piezas que dan claro testimonio de la versatilidad del artista. 
A través de Poty, tomamos conciencia del arte que se hacía y se hace en Paraná.

Preservar no sólo el legado de este artista, sino su memoria, es ante todo un deber, una tarea asumida y realizada adecuadamente, ahora, por el Museo Oscar Niemeyer.

A exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

Na mostra, as obras foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na trajetória artística de Poty, representativos das suas diferentes facetas: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista.  

Trilhos e Traços – Poty 100 anos

A mostra “Alex Flemming 70 Anos”, concebida para o Museu Oscar Niemeyer (MON) em Curitiba, reúne a recorrência do retrato em sua vasta produção, nesta exposição comemorativa dos 70 anos do artista. Historicamente, ao longo dos séculos, o gênero do retrato evoluiu de uma representação fiel da aparência física para uma exploração profunda da identidade e da subjetividade do retratado. O retrato contemporâneo, como pode ser visto nesta mostra, explora frequentemente a identidade de maneiras complexas, abordando questões de gênero, raça, sexualidade, classe social e cultura. Deixou de ser uma simples representação da aparência externa para se tornar uma investigação profunda das complexidades da identidade humana – um espelho da sociedade –, refletindo suas tensões, transformações e diversidades. Por meio de técnicas inovadoras e abordagens conceituais, como as presentes no universo de Alex Flemming, tem-se a expansão dos limites do retrato e do retratado, desafiando o espectador a reconsiderar suas percepções sobre o artista, sobre si mesmo e sobre os outros. 

Atento ao seu entorno e munido de sua câmera fotográfica, Alex Flemming fez de seu cotidiano sua obra final e nos premia com contextos introspectivos. Apresentamos nesta exposição trabalhos realizados de 1982 a 2023, que enfatizam quão consequente o artista é em sua concepção, criação e propagação de seu legado cultural. Os retratos em si, com técnicas e suportes distintos, revelam não somente a representação formal, mas principalmente a criação de uma obra diversificada e experimental, a qual abrange pintura, instalação, fotografia e gravura. 

O tema “Retrato” foi intencionalmente selecionado para esta mostra comemorativa porque a representação humana é o eixo fundamental e seminal da pesquisa plástica de Alex Flemming. Para ele, a existência humana está intrínseca e lapidarmente conectada aos conceitos de Eros e Tânatos, originários da psicanálise freudiana, que representam, respectivamente, as forças da vida e da morte. Essas forças, quando aplicadas à interpretação de retratos na arte contemporânea, podem fornecer um compêndio para a representação das tensões entre destruição e criação, morte e vida, dor e prazer. O retrato, nesse contexto, torna-se um meio para investigar essas dualidades fundamentais de nossa condição humana. Eis o ciclo de vida que Alex Flemming compartilha conosco por ocasião de seus 70 anos: arte e fascinação!

La exposición «Alex Flemming 70 años», del Museo Oscar Niemeyer, reúne más de 80 obras de este artista brasileño reconocido internacionalmente y que ha vivido entre Alemania y Brasil durante décadas. 

Organizada por Tereza de Arruda, se exhibe en la Sala 3 y reúne obras realizadas entre 1982 y 2023. Las obras, impregnadas de símbolos y mensajes, invitan al espectador a ir más allá del sentido común. 

A través de técicas innovadoras y enfoques conceptuales, como los presentes en el universo de Alex Flemming, se amplían los límites del retrato y del retratado, desafiando al espectador a reconsiderar sus percepciones del artista, de sí mismo y de los demás. 

A mostra comemorativa de 70 anos de Alex Flemming, vários deles dedicados às artes, leva o nosso público a entrar em contato direto com o melhor da produção contemporânea. O MON é uma instituição referência em artes visuais no Brasil e no mundo. Nos últimos anos, realizou muitas exposições importantes no cenário local e internacional.

Irreverente e observador, este artista brasileiro, que vive há anos entre Alemanha e Brasil, traz em suas obras um retrato contemporâneo que vai muito além da simples representação do que vê. Ele traduz sua visão aguçada e atenta ao falar sobre um mundo caótico e cheio de vertentes. Aborda diversas questões sociais com a sutileza que só a arte permite.

As obras são impregnadas de símbolos e mensagens que, despretensiosamente, convidam a extrapolar o senso comum. São camadas que conduzem à nossa essência. Cada uma delas ganha significado próprio a partir do olhar singular do espectador.

Entendemos que o fazer artístico deve sempre provocar e instigar o espectador. Ao realizar a mostra “Alex Flemming 70 Anos”, o Museu Oscar Niemeyer propõe uma reflexão sobre o ser humano e a sociedade. Sua arte subjetiva certamente levará cada um a suas próprias interpretações.

Com a premissa de ser reconhecido sempre como museu vivo e atuante, nacional e internacionalmente, o MON entrega mais esta exposição. Uma oportunidade de diálogo e experiência transformadora ao visitante.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

Idade Plástica Identidade Plástica, 2004

Acrílica sobre tecido | Dimensões variáveis

Foto e acrílica sobre PVC | 203 x 153 cm

El MON organiza una exposición inédita de Alex Flemming 

 La inédita exposición “Alex Flemming 70 Años”, la más nueva del Museo Oscar Niemeyer (MON), se inaugurará el 29/8, en la Sala 3. Con curadoría de Tereza de Arruda, la exposición reúne más de 80 obras, algunas de gran tamaño, de este artista brasileño reconocido internacionalmente que vive desde hace décadas entre Alemania y Brasil. 

"Alex Flemming es, sin duda, uno de los más grandes artistas brasileños de su generación y a lo largo de su carrera tuvo importantes conexiones y presencias en Paraná. Para nosotros es un honor presentar una exposición que celebra sus 70 años aquí en el Museo Oscar Niemeyer", dice Luciana Casagrande Pereira, Secretaria de Estado de Cultura de Paraná. 

La directora general del MON, Juliana Vosnika, informa que “la exposición conmemorativa de Alex Flemming pone a nuestro público en contacto directo con lo mejor de la producción contemporánea”. 

Comenta que Alex Flemming, artista siempre irreverente y observador, aporta en sus obras un retrato contemporáneo que va más allá de la simple representación de lo que ve. ''Traduce su visión aguda y atenta al hablar de un mundo caótico y lleno de aspectos. Aborda diversos temas sociales con la sutileza que sólo el arte permite”, afirma Juliana. 

La exposición presenta obras creadas entre 1982 y 2023. Las obras, llenas de símbolos y mensajes, invitan al espectador a ir más allá del sentido común. Son niveles que adquieren su propio significado desde la perspectiva única de cada visitante. 

A través de técnicas innovadoras y enfoques conceptuales, como las presentes en el universo de Alex Flemming, los límites del retrato y de lo retratado se expanden, desafiando al espectador a reconsiderar sus percepciones sobre el artista, sobre sí mismo y sobre los demás. 

La exposición reúne diversas obras técnicas, como fotografía sobre vidrio, óleo sobre lienzo, esmalte sobre madera, acrílico sobre tela y pintura sobre porcelana, etc. 

El tema “Retrato” fue seleccionado intencionalmente para esta exposición conmemorativa porque la representación humana es el eje fundamental y seminal de la investigación plástica de Alex Flemming. Según la curadoría, la exposición presenta la recurrencia del retrato en su vasta producción. 

“Históricamente, a lo largo de los siglos, el género del retrato ha evolucionado desde una representación fiel de la apariencia física hasta una exploración profunda de la identidad y la subjetividad del retratado”, explica Tereza de Arruda. "El retrato contemporáneo, como se ve en esta exposición, a menudo explora la identidad de maneras complejas, abordando cuestiones de género, raza, sexualidad, clase social y cultura". 

Según la curadora, “dejó de ser una simple representación de la apariencia externa para convertirse en una investigación profunda sobre las complejidades de la identidad humana –un espejo de la sociedad–, reflejando sus tensiones, transformaciones y diversidades”. 

Alex Flemming nació en 1954 en São Paulo. Vive y trabaja en São Paulo y Berlín. Estudió Cine en la FAAP y Arquitectura en la USP, y es autodidacta en artes visuales. Realizó varios cortometrajes en Super-8, participando en festivales. Desde finales de los 70 se dedica exclusivamente a las bellas artes. Realiza siempre su obra en series, y la primera de ellas denuncia la violencia de la tortura en los sótanos de la dictadura militar brasileña (serie ''Natureza Morta”, 1978). Su arte es básicamente político y, a lo largo de los años, ha abordado temas como la guerra (serie “Body Builders”, 2000), el 11 de septiembre (serie ''Flying Carpets'', 2003) o el terrorismo (serie “Apocalipse”, 2015). Otro tema siempre presente es el cuerpo humano, “el ser humano como centro del universo”, como dice el propio artista, tema central de la exposición “Alex Flemming 70 Años”. 

Tereza de Arruda tiene una maestría en Historia del Arte por la Universidad Libre de Berlín y sigue la producción de Alex Flemming desde 1991, exhibiendo sus obras en numerosas exposiciones en Brasil y en el extranjero. Entre ellas, la exposición individual “Flying Carpets”, realizada en 2005, en el Centro Cultural de Chicago; “Alex Flemming: Sistema Uniplanetário”, en 2008, en la St. Johannes Kirche, de Berlín y en el MAM – Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro; “Alex Flemming: Galileo Galilei”, en 2011, en el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago, Chile, además de la exposición colectiva “Brasilidad Post-Modernismo”, realizada entre 2021 y 2022, en el circuito CCBB de Río de Janeiro. , São Paulo, Brasilia y Belo Horizonte. 

La exposición «Alex Flemming 70 años», del Museo Oscar Niemeyer, reúne más de 80 obras de este artista brasileño reconocido internacionalmente y que ha vivido entre Alemania y Brasil durante décadas. 
Organizada por Tereza de Arruda, se exhibe en la Sala 3 y reúne obras realizadas entre 1982 y 2023. Las obras,
A través de técnicas innovadoras y enfoques conceptuales, como los presentes en el universo de lx Flemming, se amplían los límites del retrato y del retratado, desafiando al espectador a reconsiderar sus percepciones del artista, de sí mismo y de los demás.

Alex Flemming 70 anõs

Ao realizar esta inédita exposição do brasileiro Efrain Almeida, o Museu Oscar Niemeyer traz um jardim para o interior da sala expositiva. Aqui certamente haverá uma troca silenciosa entre artista e visitante.

Com seus pássaros, casas, ninhos, árvores e diversos outros animais, Efrain nos conecta a uma natureza íntima, o que pode ser um antídoto ao esquecimento e às efemeridades contemporâneas. Esculturas, instalações, pinturas e bordados evocam cenas simples que nos fazem entrar em contato com a nossa essência.

Cada obra ganha significado próprio a partir do olhar singular do espectador, confirmando a vocação mais genuína do fazer artístico: a de provocar reflexão.

 Seu trabalho intimista e simbólico é sempre sensível. Atento, transforma imagens banais em inquietante arte. De maneira inusitada, demonstra nas obras o que muitas vezes escapa aos nossos apressados olhares. 

O MON tem o propósito de sensibilizar as pessoas pela arte. Ao oferecer experiências múltiplas, como a apresentação do interessante trabalho desse artista, propicia ao espectador uma leitura mais plural sobre si mesmo e sobre o mundo. 

Numa feliz coincidência, a exposição “O Jardim” acontece simultaneamente à instalação do projeto “MON sem Paredes”, em que o Museu rompe o seu limite físico. Com um parque de esculturas interativas na área externa, o MON abraça o público e o convida a entrar.

Maior museu de arte da América Latina, com 35 mil metros quadrados de área construída, o prédio do MON é resultado de uma ousada proposta desenhada pelo mestre Niemeyer. 

Transformado em museu, o que seria apenas um edifício, é um espaço vivo, habitado pela arte. E, para que seu conteúdo jamais esteja aquém da beleza do prédio, que é imensa, é preciso sempre encantar o público. Esse é o papel de exposições como esta. 

Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

MON realiza exposición inédita del artista Efrain Almeida

La exposición “El Jardín – Efrain Almeida”, realizada por el Museo Oscar Niemeyer (MON), se inaugurará el día 20/06, en la Sala 2. Son alrededor de 40 obras que incluyen esculturas, instalaciones, pinturas y bordados, en una muestra de diferentes periodos de la producción del artista. La curaduría es de Bitu Cassundé.

Desarrollada especialmente para el MON, la exposición sitúa la naturaleza como centro y destaca núcleos que activan las dimensiones de lo sagrado, lo cotidiano y la vida, utilizando la metáfora del jardín, un territorio de recuerdos y afectos originados en la casa de los padres del artista, en el interior de Ceará.

A exposição monográfica O Jardim apresenta um recorte de diferentes períodos da produção do artista cearense Efrain Almeida. Desenvolvida especialmente para o Museu Oscar Niemeyer (MON), a exposição traz a natureza como centro e evidencia núcleos que acionam as dimensões do sagrado, do cotidiano e da vida, recorrendo à metáfora do jardim — um território de memórias e afetividades oriundas da casa dos pais do artista, no Sítio Olho d'Água dos Facundos, na cidade de Boa Viagem, no sertão do Ceará. O conjunto apresentado compreende também a transição que se estabelece nos projetos escultóricos do artista, da produção em madeira ao bronze, além de contemplar outras técnicas trabalhadas por ele, como pintura, bordado e desenho.

A exposição dá prosseguimento à pesquisa que se inicia em 2020 e se desdobra no documentário “Ensaio para outros Instantes” (2021) e na exposição Encarnado (2023), apresentada no Centro Cultural do Cariri, no Crato (CE). Ambos os trabalhos discutem o corpo, o sagrado e o território a partir de Canindé e Juazeiro do Norte, importantes centros religiosos daquele estado.

Nesse novo momento, O Jardim se debruça sobre o gesto biográfico que se anuncia por meio de uma fauna e de uma flora íntimas de um corpo-natureza — em que diferentes ciclos compõem as relações que se estabelecem entre a sobrevivência e a existência, entre a vida e a morte, entre a camuflagem e o mimetismo. Cardeais, beija-flores, mariposas e corrupiões materializam deslocamentos, trânsitos, fluxos e o desejo de sobrevivência em outras paisagens, processos de um corpo-pássaro que se relacionam à vida de tantos corpos migratórios Brasil adentro. São ações e processos naturais que se organizam com o objetivo único de estabelecer um modo de existir e de coexistir.

Lugar de articulação de uma intrincada trama biológica — onde o sistema de hábitos e repetições coexistem num jogo de trocas, acordos e diálogos —, o jardim de Efrain Almeida alia a dimensão biográfica às relações entre vida e arte tão fecundas no território poético do artista. Aqui os lugares mais simples são potenciais espaços para as grandes transformações que o tempo inteiro vemos presentes na natureza, onde tudo se renova, reinventa, reproduz e regenera.

Bronze e óleo
8 x 11 x 9 cm
Edição de 3 + 2 AP, 3/3
Coleção do artista

"Pensar en la naturaleza a través del arte es una magnífica manera de concientizar a las personas sobre su importancia, y Efrain Almeida desarrolla una obra poética en torno a este tema como pocos", afirma la Secretaria de Estado de Cultura, Luciana Casagrande Pereira. “Es un honor para Paraná recibir, en el MON, esta exposición individual que seguramente nos conmoverá y nos conectará no sólo con la naturaleza, sino también con la cultura popular del interior de Brasil", comenta.

La directora presidente del MON, Juliana Vosnika, explica que con esta exposición sin precedentes, el Museo Oscar Niemeyer incorpora un jardín a la sala de exposiciones. “Aquí seguramente habrá un intercambio silencioso entre artista y visitante”, afirma.

Ella destaca que, “en una feliz coincidencia”, la exposición “El Jardín” se realiza simultáneamente con la instalación del proyecto “MON sin Paredes”, en el que el Museo rompe su límite físico. Con un parque de esculturas interactivas en el área exterior, MON abraza al público y lo invita a entrar.

“Con sus pájaros, casas, nidos, árboles y diversos animales más, Efrain nos conecta con una naturaleza íntima, que puede servir como antídoto al olvido y lo efímero contemporáneo. Esculturas, instalaciones, pinturas y bordados evocan escenas sencillas que nos hacen entrar en contacto con nuestra esencia”, afirma Juliana.

El curador Bitu Cassundé explica que la exposición, además de presentar diferentes períodos de la producción de Efrain, también abarca la transición que se establece en los proyectos escultóricos del artista. “Abarca desde la producción de madera hasta el bronce, además de abarcar otras técnicas que trabajó, como la pintura, el bordado y el dibujo”, comenta.

La exposición continúa la investigación iniciada en 2020 y se desarrolla en el documental “Ensayo para otros instantes” (2021) y la exposición Encarnado (2023), presentada en el Centro Cultural do Cariri, en Crato (CE). “Ambas obras abordan el cuerpo, lo sagrado y el territorio de Canindé y Juazeiro do Norte, importantes centros religiosos de ese estado”, informa Cassundé.

Las exposiciones individuales recientes de Efrain Almeida incluyen “Encarnado”, Centro Cultural do Cariri Sérvulo Esmeraldo – Crato (2023); “El Sexto Día”, Museo de Arte Sacro de São Paulo – São Paulo (2022); “La Memoria de la Mano”, MCO Arte Contemporânea – Porto, Portugal (2018) y “Trance”, James Harris Gallery – Seattle, Estados Unidos (2017). También participó de exposiciones colectivas: “Nunca solo esta mente, nunca solo este mundo”, Carpintaria – Río de Janeiro (2023); “I Could Eat You”, Fortes d’Aloia & Gabriel + Madragoa + CLEARING, Casa da Cultura da Comporta – Comporta, Portugal (2022); “Crónicas cariocas”, Museo de Arte do Rio (MAR) – Río de Janeiro (2022) y “Engraved Into the Body”, Tanya Bonakdar Gallery – Nueva York, Estados Unidos (2021).

Efrain Almeida tiene obras en importantes colecciones públicas, entre ellas Caixa Geral de Depósitos (Culturgest) – Lisboa, Portugal; Centro Gallego de Arte Contemporáneo (CGAC) – Santiago de Compostela, España; Fundación ARCO – Madrid, España; Instituto Inhotim – Brumadinho; Museo de Arte Contemporáneo de Niterói (MAC) – Niterói; Museo de Arte Moderno Aloísio Magalhães (MAMAM) – Recife; Museo de Arte Moderno de São Paulo (MAM) – São Paulo; Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro (MAM Rio) – Río de Janeiro; Museum of Modern Art (MoMA) – Nueva York; Pinacoteca del Estado de São Paulo – São Paulo; Toyota Municipal Museum of Art – Toyota Aichi, Japón; y The Polyclinic – Seattle.

El Museo Oscar Niemeyer (MON) es un patrimonio estatal vinculado a la Secretaría de Estado de Cultura. La institución alberga importantes referentes de la producción artística nacional e internacional en las áreas de artes visuales, arquitectura y diseño, además de grandes colecciones asiáticas y africanas. En total, la colección cuenta con aproximadamente 14 mil obras de arte, alojadas en un espacio de más de 35 mil metros cuadrados de área construida, lo que convierte al MON en el museo de arte más grande de América Latina.

Exposición “El Jardín – Efrain Almeida”
A partir del 20/06
Sala 2
www.museuoscarniemeyer.org.br

La exposición “El Jardín – Efrain Almeida”, realizada por el Museo Oscar Niemeyer (MON), se inaugurará el día 20/06, en la Sala 2. Son alrededor de 40 obras que incluyen esculturas, instalaciones, pinturas y bordados, en una muestra de diferentes periodos de la producción del artista. La curaduría es de Bitu Cassundé.

Desarrollada especialmente para el MON, la exposición sitúa la naturaleza como centro y destaca núcleos que activan las dimensiones de lo sagrado, lo cotidiano y la vida, utilizando la metáfora del jardín, un territorio de recuerdos y afectos originados en la casa de los padres del artista, en el interior de Ceará.

El Jardín – Efrain Almeida

Domício Pedroso's artistic career is marked by erudition and diversity: cultural animator, regional director of Funarte, exhibition photographer, curator, and, fundamentally, painter and engraver. Deep in the language of painting, a specialist in engraving, and a pioneer in artistic and commercial screen printing, he taught different techniques and worked on planning and assembling exhibitions (expography), in addition to carrying out brilliant curations.

This exhibition aims to provide a retrospective of his artistic production and his role in Brazilian cultural life. The exhibition highlights the artistic energy of paintings, drawings, and prints on themes from Seas to Favelas and Urban Agglomerates (in which the artist achieves a certain degree of abstraction). It covers his vast artistic production, from the 1950s to recent times, revealing the singularity of Domício's poetics, originally constructed in the gap between realism, cubism, and abstraction.

When he reached abstraction, he revealed himself to be a strongly intuitive artist. Intuition is not a mystical force but a work that does not dispense with reason; it is a constructive work. It is a deep way of seeing and perceiving, in which the eye is already spirited. Boats, houses, townhouses, overlapping houses, tangled surfaces of the roofs of shacks and slums, urban agglomerations... Forms that attracted the painter so much and that equally fascinate us.

His painting emerges from the great debate between figuration and abstraction in the 1960s and 1970s. He believed that all experiences and visions were reminiscent of reality. Starting from the most conventional, objective, realistic landscape, the artist simplifies and geometrizes until he creates images—or suggestions of images—that call for the observer's interpretation. Eliminating the lines of flight from a central perspective, he seeks the spatial structuring of the fabric of cities, giving rise to all of his poetics. From this personal look, the artist extends his vision to universal beauty.

Like every imaginative artist, Domício is a great traveler, both in the real and in the imaginary dimension. From the boats and sloops of Bahia to the gondolas of Venice and the old fishing boats of Volendam, the artist travels through Brazilian landscapes—the favelas of Rio de Janeiro, the shacks and settlements of Curitiba, the festival of colors in the stained glass windows of Chartres and Paris—through so many streets in so many places, giving rise to various imaginations. The artist invites us on deep journeys in the joy of discovering new worlds through the charm of ar

Self-portraits are always a conversation with intimacy. We find in Domício's self-portraits a certain detachment, someone who does not expose himself, a certain proximity to Cézanne's impersonality. But we also find, in portraits of him painted by other artists, different ways of trying to understand him: absorbed in De Bona, lyrical in Massuda, reserved in Wollerman, Cézannian in Wong. A difficult soul to reach. A deeply enigmatic man.

In Morro do Cabrito (RJ), Domício “felt the pictorial side of favelas, which, alongside their social problems, also offers an example of community integration” (Aramis Millarch). This first contact had a profound impact on his work, revealing a great empathy for the organic architecture of the favelas, which would occupy his palette and his imagination.

From New Figuration to Abstraction, Domício balances between cubism and abstraction and expands the constructive sense without reaching a stricto sensu abstraction, always trusting in intuition. Intuition demands a return to the phenomena (favelas), in which the forms fade away, and the allusive figuration is attenuated, denying all perspective and affirming the frontality of the pictorial surface. His painting asserts a new meaning in the use of horizontals, verticals and aplats, which gain sensual contours with the use of color. In abstract art, he appropriates transcendence.  Inverno em Paris (Winter in Paris, 1961) and Comspiração Branco e Preto (Black and White Conspiracy, 2007) are perhaps the works closest to abstraction, ascending to a true game between verticals and horizontals, a procedure adopted in his last works. But it's the rudeness of the city that captivates him. It's a long road until the moment in which its favelas say goodbye to mere figuration and achieve refinement. He does not slip into geometric asepsis, being safe from it through the seduction of color. The path of purification and simplification takes place gradually, and it is this exercise that allows him an increasingly greater purification that leads him to flow into lyrical abstraction—an occasion in which geometric rigor definitively gives way to the order of the sensible and the rudeness of the city. Succumbs to lyricism, in which colors and lights create the party.

"Domicio Pedroso, a Tessitura Urbana como Poesía" presenta una retrospectiva de la vasta producción del artista de Curitiba diez años después de su muerte. Comisariada por Fernando Bini y Maria José Justino, la exposición reúne alrededor de 85 obras que exploran diversas técnicas, como óleo sobre lienzo, plancha y papel; serigrafía; tinta china sobre papel y acrílico sobre lienzo.

Profundizar en la trayectoria artística de Domicio Pedroso pone de relieve su papel como animador cultural, expositor, comisario, pintor y grabador. Como uno de los pioneros de la serigrafía artística y comercial, sus obras se mueven entre el realismo, el cubismo y la abstracción.

Museums are living spaces of knowledge that increase their repertoire and provide unique experiences to their audiences. By presenting the exhibition by this important artist from Curitiba, Domício Pedroso, who left us exactly ten years ago, the Oscar Niemeyer Museum does more than that. We find here belonging and appreciation for local culture.

As the largest art museum in Latin America, with a collection of 14 thousand works, MON has a vocation for visual arts, architecture, and design, with an emphasis on Brazilian art, especially art from Paraná. Artists from our state are always present in exhibitions and the institution's permanent collection. Establishing constant dialogues between them and their works with our visitors is one of MON's main objectives. 

In the exhibition “Domício Pedroso: a Tessitura Urbana como Poesia” (“Domício Pedroso: Urban Texture as Poetry”), the public will find around 85 works, colored or monochromatic, which reveal a cross-section of the artist’s vast production. Widely recognized for his ability to combine artistic techniques and styles, Domício has always created a unique, intuitive, and innovative style.

Divided into four sections, the exhibition takes the public to “Paris e Viagens, as Marinhas” (“Paris and Travel, the Seas”, “Autorretratos e Retratos” (“Self-Portraits and Portraits”), “Casarios e Favelas” (“Townhouses and Favelas”) and “Nova Figuração: Caminhos para a Abstração” (“New Figuration: Paths to Abstraction”). These are the artist’s themes, as diverse as they are interesting.

We realize, when admiring such works, how art can communicate without words, allowing a link between people, worlds, and experiences. Enjoy it!

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Director-president of the Oscar Niemeyer Museum

Domicio Pedroso, a tessitura urbana como poesia

1995 | Acrílica sobre tela  | 100x100 | Coleção Ana Teresa e Luiz Carlos Zanoni

1961 |  Óleo sobre chapa | 75x55 cm | Coleção Família Pedroso

1986 | Óleo sobre tela | 73x100 cm | Coleção Família Pedroso

1968 | Óleo sobre tela | 90x130 | Coleção Artesti Galeria de Arte

2005 | Acrílica sobre tela | 100x200 cm | Acervo Museu Oscar Niemeyer - MON

MON inaugura exposición del artista Domício Pedroso

“Domício Pedroso, la Tesitura Urbana como Poesía” es la nueva exposición del Museo Oscar Niemeyer, que se inaugurará el 11 de julio, a las 19h, en la Sala 7. Con curaduría de Fernando Bini y Maria José Justino, la exposición reúne alrededor de 85 obras, que presentan una muestra de la vasta producción del artista curitibano.

“Los museos son espacios vivos y de conocimiento, que amplían su repertorio y brindan experiencias únicas a sus públicos”, comenta la directora presidente del Museo Oscar Niemeyer, Juliana Vosnika. “Al presentar la exposición de Domício Pedroso, que nos dejó hace exactamente diez años, el MON hace más que eso: encontramos aquí pertenencia y valoración de la cultura local”, afirma.

La exposición se divide en cuatro secciones: “París y Viajes, la Marina”, “Autorretratos y Retratos”, “Casas y Favelas” y “Nueva Figuración: Caminos hacia la Abstracción”.

Las obras presentan una gran diversidad de técnicas, como óleo sobre lienzo, sobre placa y sobre papel; serigrafía, tinta sobre papel y acrílico sobre lienzo.

“Esta exposición se centra en una retrospectiva de su producción artística y su papel en la vida cultural brasileña”, explican los curadores. “La exposición resalta la energía artística de pinturas, dibujos y grabados, sobre temas que van desde la Marina hasta las Favelas y los Aglomerados Urbanos”.

Según la curaduría, la exposición abarca su vasta producción artística, desde la década de 1950 hasta tiempos recientes, revelando la singularidad de la poética de Domício, construida originalmente en el intervalo entre realismo, cubismo y abstracción.

Domício Pedroso (1930-2014) fue pintor y grabador. Inició sus estudios en el taller del artista Guido Viaro, en Curitiba, a finales de la década de 1940. Se graduó en la Escuela de Bellas Artes de Paraná en 1952. Realizó su primera exposición individual en 1958, en la Biblioteca Pública de Paraná. En París, entre 1959 y 1962, realizó estudios en el campo de la comunicación visual y realizó prácticas en Radiodifusion Television Française y en el Centro de Información de la Unesco, obteniendo el diploma de la École Normale Supérieure, de Saint Cloud, como especialista en Técnicas Audiovisuales. Regresó a Brasil en 1962 y organizó el Centro Audiovisual de la Secretaría de Educación y Cultura para el gobierno del Estado de Paraná. En la década de 1980 coordinó la Fundación Nacional de Arte (Funarte), para la región Sur del país.

"Domício Pedroso, a Tessitura Urbana como Poesia" es la nueva exposición del Museo Oscar Niemeyer. Curada por Fernando Bini y Maria José Justino, la exposición reúne alrededor de 85 obras que presentan una muestra representativa de la vasta producción del artista. Expuesta en la Sala 7.
La exposición se divide en cuatro áreas: "París y los viajes, las marinas", "Autorretratos y retratos", "Caserones y villas" y "Nueva figuración: caminos hacia la abstracción". Las obras presentan una gran variedad de técnicas, como óleo sobre lienzo, sobre plancha y sobre papel; serigrafía, tinta sobre papel y acrílico sobre lienzo.

Domicio Pedroso
a Tessitura Urbana como Poesia

MON está junto a los principales museos de Brasil y del mundo en la plataforma Google Arts & Culture. Visita nuestras exposiciones en formato virtual. Descubre más sobre esta exposición en la plataforma Google Arts & Culture.

Mais do que nunca, a arte no espaço público se destaca como uma das melhores maneiras de levar arte ao público. Convidar artistas para criar obras, instalações e esculturas utilizando os espaços dos jardins, parques e praças também permite uma variedade de atividades interativas que nem sempre uma exposição museológica possibilita. O MON sempre quis trabalhar para ampliar seu público e oferecer muitas propostas que possam fazer com que os curitibanos e paranaenses se apropriem do “seu” Museu. Por isso, foi criado o importante projeto MON sem Paredes. 

Em 2022, na primeira versão do projeto, o MON apresentou, nos jardins do Museu, obras dos artistas Gustavo Utrabo (a obra fica no sítio até hoje) e Mariana Palma. 

Para esta segunda versão do MON sem Paredes, o Museu convidou “O Pequeno Colecionador”, um grupo formado por Artur Lescher, Mariane Klettenhofer e Paula Azevedo que se propõe a pensar sobre a arte e a experiência do brincar em suas diversas formas, histórias e culturas.  

Também foram convidados os artistas Alexandre Vogler (nasceu, vive e trabalha no Rio de Janeiro) e Narcélio Grud (nasceu em Teresina e vive e trabalha em Fortaleza).  

Alexandre Vogler apresenta um conjunto de quatro esculturas-mobiliário interativas: “Maca de Força I”, “Maca Cidreira”, “Maca Alecrim” e “Maca de Guarda”, instaladas no espaço público e ativadas por elementos de seu entorno. 

O artista e designer Narcelio Grud transita entre distintos caminhos em sua pesquisa, onde objetos ganham movimento e formas de existir, seja pela interação direta do público ou mesmo por forças motrizes naturais. Para o MON sem Paredes, Narcelio trouxe as esculturas da série “Sempre em Pé” e “Trepa-Trepa”.

Ao criar ligações entre os espaços exteriores e as salas expositivas do Museu, este novo projeto permite mostrar muitas outras formas de expressão da criatividade artística, bem como apresentar projetos para todos os públicos, incluindo todas as gerações de famílias. Trabalhar ao ar livre também permite dimensões “ilimitadas de obras”, percursos, jogos onde todos serão bem-vindos sem restrições de tempo. 

Alexandre Vogler                                                                                                                                                                                                              Maca Alecrim, 2019                                                                                                                                                                                    Cedro-rosa e alecrim                                                                                                                                                                                     Coleção do artista

Tal como as macas de massagem, esta é planejada para que a pessoa se deite de bruços, com os braços pendendo e o rosto acomodado pela cavidade da prancha integrado a um arbusto de alecrim. Essa erva é reconhecida como uma das mais poderosas acionadoras de estados de relaxamento entre os inúmeros benefícios confiados a ela.

- Acesso livre.                                                                                                                                                                                                         - Número máximo de pessoas: 1 pessoa por vez.                                                                                                                                               - Não sentar na extremidade da peça.

Alexandre Vogler
Maca Cidreira, 2019-2021
Angelim e cidreira-de-arbusto
Coleção do artista

Composta por quatro tábuas reunidas sob a angulação de 30° no comprimento e na largura, está situada embaixo de uma grande moita de cidreira-de-arbusto, erva medicinal de cheiro bastante agradável. Foi projetada para que a pessoa se deite, sendo “abraçada” pela estrutura angulada e coberta (como uma onda) pelo arbusto.

- Acesso livre.
- Número máximo de pessoas: 1 pessoa por vez.

Alexandre Vogler
Maca de Força (para Iara), 2021
Angelim e ervas de força
Coleção do artista

Esta Maca, desenhada com o formato de uma joaninha (inseto associado à sorte e à bem-aventurança), traz ao seu redor um conjunto de sete espécies de força comumente utilizadas em práticas ecumênicas de religiões afro-brasileiras-colônia, arruda, comigo-ninguém-pode, espada-de-são-jorge, mirra, guiné e pitanga. Nesse contexto, o “paciente” se deita e relaxa sobre sua forma côncava.

- Acesso livre.        
- Número máximo de pessoas: 2 pessoas por vez.

Alexandre Vogler
Maca de Guarda/Maleme, 2023
Maçaranduba
Acervo Museu Oscar Niemeyer

Projeto inédito criado pelo MON para romper o limite físico de suas paredes e abraçar o público, chegando ao espaço externo do Museu e tornando-se acessível a todos. Esta é a primeira edição do projeto e apresenta obras dos artistas Gustavo Utrabo e Mariana Palma, que ocupam o icônico espaço de área verde ao lado do MON, chamado de Parcão.

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