Com uma trajetória artística de mais de 40 anos, o artista catalão Jaume Plensa é reconhecido mundialmente por suas obras de grande escala e instalações no espaço público. “Invisível e Indizível” apresenta 17 obras que gritam, mesmo sem falar, e extrapolam a função de objeto, desenvolvendo sensações e relações com o público.

A exposição reúne, pela primeira vez, dois trabalhos de grande volumetria e construções distintas: “Silent Hortense” (com mais de sete metros de altura) e “Invisible Rui Rui”. 

Jaume Plensa é um artista cujas obras permanecem em nossa memória por anos a fio. Sua trajetória artística de mais de 40 anos dedicados à criação de arte pública, esculturas e instalações apresentadas ao redor do mundo o consolidou como o mais importante artista catalão de sua geração. Sua busca pela sutileza da forma o destaca entre os grandes escultores do nosso tempo. 

Como um escultor de sonhos, Plensa incorpora imagens silenciosas de rostos, mãos e palavras disseminadas na memória, em trabalhos que produzem uma experiência onírica em certos contextos. Sua produção resulta da equação escultura-contexto, gerando um impacto reflexivo no espectador.

Esta exposição reúne pela primeira vez duas obras de grande escala e construções distintas: “Silent Hortense” e “Invisible Rui Rui”. A primeira dá corpo à impossibilidade de expressar o que não há como ser dito, enquanto a segunda retira o corpo de uma expressão sublime que pede silêncio. Esse confronto simétrico entre as duas esculturas no espaço é uma composição inédita em sua obra. 

Jaume Plensa busca em suas obras – às vezes, sutis; outras, monumentais – expressar aquilo que não se consegue ser dito, o indizível. Ele dá corpo a uma manifestação da alma, torna permanente um gesto efêmero e sinaliza caminhos que revelam uma condição da nossa impossibilidade de tornar verbo aquilo que é sonho.

Esta exposição aborda o limite da incomunicabilidade associada à ideia da nossa incapacidade de ouvir, de escutar o silêncio, de permanecer permeável e de expressar o que se manifesta em nosso inconsciente. De forma silenciosa e contundente, as obras perguntam: pode me ouvir?

“Invisível e Indizível”, do artista espanhol Jaume Plensa, um dos principais nomes de sua geração. A inauguração da mostra, com curadoria de Marcello Dantas, será no dia 7 de dezembro.

O Museu Oscar Niemeyer (MON) realiza, no espaço do Olho, a exposição “Invisível e Indizível”, do artista espanhol Jaume Plensa, um dos principais nomes de sua geração. A inauguração da mostra, com curadoria de Marcello Dantas, será no dia 7 de dezembro.

A exposição provoca com imagens uma profunda reflexão ao visitante. “São 17 obras que gritam, mesmo sem falar; que extrapolam a função de objeto e desenvolvem sensações e relações entre espectadores e obras”, afirma a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika.

Na comemoração de 20 anos, o Museu Oscar Niemeyer realiza esta que talvez seja uma das mais surpreendentes mostras feitas pelo MON naquele espaço. “Projetado pelo mestre Oscar Niemeyer, o Olho é uma sala expositiva única e deslumbrante, que ajudou a tornar o MON conhecido nacional e internacionalmente”, diz.

A superintendente-geral da Cultura, Luciana Casagrande Pereira, comenta que o MON tem sido, ao longo dos seus 20 anos, um museu de superlativos. “A exposição do espanhol Jaume Plensa coroa as comemorações de aniversário deste museu que tanto orgulha os paranaenses. São obras de grande impacto, que vão surpreender e encantar os espectadores”, afirma.

Com uma trajetória artística de mais de 40 anos, Plensa é um artista reconhecido mundialmente por suas obras de grande escala e instalações no espaço público que o consolidaram como o mais importante artista catalão de sua geração. “Sua busca pela sutileza da forma o destaca entre os grandes escultores do nosso tempo”, comenta o curador Marcello Dantas.

Em suas criações, Plensa faz o uso de diferentes materiais, do vidro ao aço e ao bronze, até elementos menos tangíveis, como água, luz e som. Essa contraposição entre a materialidade e imaterialidade é uma característica marcante em sua obra. 

A exposição reúne, pela primeira vez, dois trabalhos de grande volumetria e construções distintas: “Silent Hortense” (com mais de sete metros de altura) e “Invisible Rui Rui”. A primeira dá corpo à impossibilidade de expressar o que não há como ser dito, enquanto a segunda retira o corpo de uma expressão sublime que pede silêncio. “O confronto simétrico entre as duas esculturas no espaço é uma composição inédita em suas exposições”, comenta Dantas. 

Essas expressões e gestos sutis representadas em suas obras provocam uma compreensão ampla sobre a consciência e existência humana. Segundo a curadoria, “as pequenas distorções e imperfeições presentes em suas esculturas instigam no espectador uma conexão mais intuitiva, em que as semelhanças se sobrepõem às divergências.” 

Jaume Plensa nasceu em 1955, em Barcelona, na Espanha, e reside e trabalha em Barcelona. Com uma trajetória artística de mais de 40 anos, sua prática é marcada por obras de grande escala em espaços públicos e por esculturas e instalações que exploram diferentes materiais, como resina, poliéster, aço, ferro, água, vidro e náilon. Seus trabalhos já foram expostos na Espanha, França, Japão, Inglaterra, Coreia, Alemanha, Canadá, Estados Unidos, Brasil, entre outros.

A busca pela sutileza da forma o destaca entre os grandes escultores do nosso tempo, que abordam a dimensão humana e sua relação com o meio ambiente. Plensa incorpora imagens silenciosas de rostos, mãos e palavras disseminadas na memória. Sua vasta produção é resultado da equação escultura-contexto, de forma a gerar um impacto reflexivo no público.

O artista recebeu diversos prêmios nacionais e internacionais: Medaille des Chevaliers des Arts et Lettres, Ministério da Cultura da França, em Paris (1993); prêmio da Fundação Atelier Calder, Saché, na França (1996); prêmio Nacional de Belas Artes do Governo da Catalunha (1997); Doutor Honoris Causa pelo Art Institute of Chicago, EUA (2005). Na Espanha foi agraciado com o Prêmio Nacional de Belas Artes (2012), o prestigioso Prêmio Velázquez de Artes (2013) e o Doutorado Honorário da Universitat Autònoma de Barcelona (2018). 

Marcello Dantas é um premiado curador interdisciplinar com ampla atividade no Brasil e no exterior. Trabalha na fronteira entre a arte e a tecnologia, produzindo exposições, museus e múltiplos projetos que buscam proporcionar experiências de imersão por meio dos sentidos e da percepção. Nos últimos anos esteve por trás da concepção de diversos museus, como o Museu da Língua Portuguesa e a Japan House, em São Paulo; Museu da Natureza, na Serra da Capivara, Piauí; Museu da Cidade de Manaus; Museu da Gente Sergipana, em Aracaju; Museu do Caribe e Museu do Carnaval, em Barranquilla, na Colômbia. Realizou exposições individuais de alguns dos mais importantes e influentes nomes da arte contemporânea como Ai Weiwei, Anish Kapoor, Bill Viola, Christian Boltanski, Jenny Holzer, Laurie Anderson, Michelangelo Pistoletto, Rebecca Horn e Tunga. Foi também diretor artístico do Pavilhão do Brasil na Expo Shanghai 2010, do Pavilhão do Brasil na Rio+20, da Estação Pelé, em Berlim, na Copa do Mundo de 2006. Atualmente, é responsável pela curadoria da Bienal do Mercosul, inaugurada em setembro, em Porto Alegre, e é curador do SFER IK Museo em Tulum, no México. Formado pela New York University, Marcello Dantas é membro do conselho de várias instituições internacionais e mentor de artes visuais do Art Institute of Chicago.

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Jaume Plensa - Invisível e Indizível

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Carina Weidle, Debora Santiago, Juliana Notari, Juliana Stein, Laura Vinci, Leila Pugnaloni, Maria Macêdo, Mariana Palma, Regina Silveira e Vilma Slomp

MON realiza exposição “Afinidades II – Elas!”

O Museu Oscar Niemeyer (MON) inaugura no dia 27 de outubro a exposição “Afinidades II – Elas!”, na Sala 3. A mostra faz parte do projeto “Afinidades”, que teve início em 2021. 

Nesta segunda edição, um grupo de artistas mulheres, de diversas regiões do Brasil, foi convidado a participar, a partir de uma imersão na coleção permanente de obras do Museu Oscar Niemeyer. Com curadoria de Marc Pottier, a mostra reúne dez artistas brasileiras, com a intenção de ser uma celebração da arte feita por mulheres.

“O olhar feminino das artistas convidadas conferiu à exposição uma grande diversidade de obras, passando por épocas e temáticas distintas, que certamente irá instigar e sensibilizar o espectador”, comenta a diretora-presidente do MON e idealizadora do projeto, Juliana Vosnika.

By showcasing its collections, MON innovates and also offers entertainment, inviting artists and the public to take ownership of “their” Museum and its collections. “Afinidades” (Affinities) was part of this desire in 2021, when around 20 artists from Paraná were invited to select some works from the Museum’s collection and try to share with the public the reasons for their choices. Each of the compositions of the selected artists allowed us to revisit the MON collections with a wide variety of periods and mediums, thus making it possible to go through the history of art from the 19th century to the present day, passing through objects from the Asian and African collections – all this through the “messages” they elaborated and the stories that the artists participating in the project recounted.

This second version of the “Afinidades” project wants to be a celebration of art made by women. This exhibition wants to “dis-align gender”, dismantle the prejudice against “female art” and show, through the multiplication of points of view and techniques, that women artists made the history of 20th century art as much as men did. Abstract, functional, objective, realistic, conceptual, minimalist, informal, political... Brazilian artists were pioneers and have been active since the beginning. Always contemporary, no revolution in the arts was beyond to them.

We want to give the floor to some of the talents of Brazilian art in this second edition of “Afinidades” (Affinities), inviting Brazilian artists from different generations, from Paraná and other states, to tell us about their affinities.

“Afinidades” (Affinities) has become an annual project for MON which, through the eyes of the artists, gives life to the variety of its collections. Better than anyone, they know how to connect the public and the works through a nourishing narrative that also allows them to better understand what artistic creativity is.

The exhibition is part of the “Afinidades” project, which began in 2021. In this second edition, a group of female artists from different regions of Brazil were invited to participate, based on an immersion in the permanent collection at the Oscar Museum Niemeyer. Curated by Marc Pottier, the show brings together ten Brazilian artists, with the intention of being a celebration of art made by women.

“As artistas participantes selecionaram obras no acervo do MON com as quais têm maior afinidade e que mais as inspiram e, a partir delas, construíram uma nova narrativa. A intenção com isso é promover a coleção a partir de diferentes abordagens”, explica Juliana.

Como resultado, artes asiática e africana estão representadas nesta exposição, assim como o trabalho do artista curitibano Poty Lazzarotto, trazendo ao público um pouco das três grandiosas doações recebidas pelo MON, além de várias outras obras de renomados artistas contemporâneos, sob o olhar das artistas. 

“É fundamental que o Museu abra espaço para a representatividade feminina nas artes. E fazer isso por meio de ações curatoriais é formidável. O olhar sensível dessas artistas convidadas leva o expectador a uma diferente leitura do acervo do MON”, afirma Luciana Casagrande Pereira, superintendente-geral da Cultura.

Olhar feminino 
A exposição “Afinidades II – Elas!”, com cerca de 130 obras, conta com a participação das artistas convidadas: Carina Weidle, Debora Santiago, Juliana Notari, Juliana Stein, Laura Vinci, Leila Pugnaloni, Maria Macêdo, Mariana Palma, Regina Silveira e Vilma Slomp. 

Após uma imersão no acervo do MON, elas escolheram obras dos artistas: Alfredo Volpi, Antanas Sutkus, Arcangelo Ianelli, Carlos Fajardo, Daniel Senise, Didonet Thomaz, Dulce Osinski, Eduardo Berliner, Eliane Prolik, Emerson Persona, Flavio Cerqueira, Francisco Faria, Francisco Stockinger, Geraldo Leão, Heliana Grudzien, Hugo Mendes,  Ida Hannemann de Campos, Jefferson Cesar, João Turin, Leonardo Régnier, Leonor Botteri, Leopoldo Plentz, Maria Bonomi, Martín Chambi, Masao Yamamoto, Miguel Bakun, Poty Lazzarotto, Rodrigo Andrade, Tomie Ohtake, Valdir Cruz, Violeta Franco, Washington Silvera e Wayna Picchu.

Segundo a curadoria, a partir dessas obras foram criadas novas composições, que permitem revisitar as coleções do MON com uma grande variedade de épocas e suportes, permitindo assim percorrer a história da arte desde o século XIX até os dias de hoje.

“Na exposição, tratou-se de celebrar relações com uma surrealidade entre obras de arte escolhidas propositadamente. Esse jogo leva a sensações oferecidas pelos artistas aos visitantes”, comenta Marc Pottier. “Nesse exercício, as artistas assumem o lugar do curador, que passa a atuar apenas como conselheiro, para dialogar sobre as possibilidades e a forma de apresentar os casamentos entre as obras”, diz o curador.

Ele explica que “Afinidades” tornou-se um projeto anual do MON que dá vida, pelo olhar de artistas, à variedade das coleções do Museu. “Melhor do que ninguém, artistas sabem fazer a ligação entre o público e as obras através de uma narrativa nutritiva que também lhes permite compreender melhor o que é a criatividade artística.” 

Nos últimos anos, o acervo do Museu Oscar Niemeyer teve seu tamanho quintuplicado, passando de 3 mil para 14 mil obras. Mais do que um simples aumento quantitativo, nesse período o Museu alterou e expandiu o marco referencial, demonstrando amadurecimento como instituição museológica. Além das áreas de artes visuais, arquitetura e design, com ênfase em arte paranaense e brasileira, o MON ampliou sua vocação e hoje também se dedica à formação de acervo de arte africana contemporânea, latino-americana e asiática. 

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Afinidades II - Elas!

Afinidades II - Elas! Vilma Slomp

Afinidades II - Elas! Regina Silveira

Afinidades II - Elas! Mariana Palma

Afinidades II - Elas! Maria Macedo

Afinidades II - Elas! Leila Pugnaloni

Afinidades II - Elas! Laura Vinci

Afinidades II - Elas! Juliana Stein

Afinidades II - Elas! Carina Weidle

Afinidades II - Elas! Debora Santiago

Art and design are present in the “Light and Space” exhibition, which will be open to the public at the Oscar Niemeyer Museum, in two rooms located on the 3rd floor of Torre do Olho.

MON realiza exposição de arte africana com peças recém-incorporadas ao seu acervo

A exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer, apresentada pela Copel, poderá ser vista pelo público a partir de 26 de agosto, na Sala 4. É um recorte da grandiosa doação feita pela Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY) ao MON. 

No total, são aproximadamente 1.700 obras de uma das mais importantes e significativas coleções de objetos de arte africana do século XX, que passam a pertencer ao acervo do Museu Oscar Niemeyer e, consequentemente, ao Estado do Paraná. 

Africa, Artistic Expressions of a Continent

“Turn a tree into firewood and it will burn; but it will never give you flowers and fruit again.”

Rabindranath Tagore (1861-1941), Bengali poet

The ancient metaphor of fertility related to the vital force and potency of trees, with their deep roots, their stem as a foundation, their ramifications as unfoldings of themselves, their legacy as symbolic flowers and fruits, was never more adequate as to be applied to the permanent links with our Mother Africa. If we then think of the metaphors of the gigantic baobab tree, from the more severe historical references associated with slavery by the so-called “tree of oblivion” to the milder ones, such as the famous tree in the book The Little Prince, the lessons arising therefrom would be analogous: “You become eternally responsible for what you captivate”, as Saint-Exupéry said.

If artistic expressions arise from the senses, the legacy of civilizations arises from the hands; and how beautiful are the manifestations of peoples, how beautiful are the arts of Africa! The love and yearning for the beautiful, the love and fear of nature and the gods and the fearless appreciation of civilization were so dear to African nations that they indistinctly distributed and reputed all aspects of existence, contradictory or not, some form of artistic expression.

The arts demarcate the forms of a time. The long-term exhibition “Africa, Artistic Expressions of a Continent” thus presents one of the essential points of the transition in the development of older African arts, since their withdrawal from the continent and the subsequent decontextualization of their intrinsic meanings, seen in the modern and contemporary world from an emphasis on their artistic forms. Previously restricted to European museums as objects of so-called traditional millenary cultures, today the works bequeathed from Africa have been able to conform to today's artistic work, offering the so-called “traditional contemporary African art” to the whole world, as it is known by specialists. These works are instruments of recent and authentic modernization of African popular arts or even modern reproductions of ancient pieces destined mainly for emerging markets in the tropics.

Strengthening institutional ties, the Oscar Niemeyer Museum (MON) received this important donation of African works from the Ivani and Jorge Yunes Collection (CIJY). Over more than fifty years, the couple has acquired works that span five continents. This donation includes around 1700 objects from Africa: masks, statuettes, busts, miniatures, everyday objects, musical instruments and a large number of other pieces. In a positive way, they are now part of the Oscar Niemeyer Museum collection, which we congratulate for having taken this opportune step, enriching its collection and, at the same time, the entire African legacy in Paraná and Brazil. We invite everyone to take an active part in this immersion in African art, observing its forms in what they themselves may surprise and allow an equivalent enjoyment to others in the artistic universe, without watertight determinations, taking this dialogue a step further. 

From the great tree of Africa, multiple fruits and new legacies were generated. It was no coincidence that, like most sub-Saharan peoples, the Assyrians, the Egyptians, Greeks and Romans, the Mayans, the Incas, the Aztecs and basically all the great civilizations developed a culture of wearing masks and made representations in sculpture . With the exhibition of objects from such different cultural heritages, we find here an important point in common: within the museum, these arts are elevated to the same artistic platform, equaling African art to the level of world art. Here is a way to honor the visual ancestry of the past and to open up the new plantings, routes and perspectives of this art in the future.

Renato Araújo da Silva
Curator and Specialist in African Art

The exhibition “Africa, Artistic Expressions of a Continent”, held by the Oscar Niemeyer Museum, presented by Copel, can be seen by the public from August 26th, in Room 4. It is an excerpt from the great donation made by the Ivani and Jorge Collection Yunes (CIJY) to MON.

“A vinda da coleção de arte africana é parte de um processo de consolidação do marco referencial do MON, que estabelece como diferencial da instituição prioritariamente colecionar arte paranaense e brasileira e expandir seu olhar não eurocêntrico para a arte latino-americana, asiática e africana”, explica a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika. “Buscamos incessantemente incrementar o acervo, pois aí está a alma de um museu, a sua essência”, comenta.

Juliana lembra que, em 2018, o MON foi o museu escolhido por suas condições técnicas, capacidade de gestão e credibilidade da instituição a receber uma doação de quase 3 mil obras de arte asiática. Doadas pelo diplomata e professor Fausto Godoy e oriundas de vários países daquele continente, parte das obras pode ser vista pelo visitante do MON na mostra “Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses”, na Sala 5.

Maior museu de arte da América Latina em área construída, com 35 mil metros quadrados, o MON triplicou o seu acervo nos últimos anos. Desde que foi inaugurado, em 2002, e até 2015, o MON contava com cerca de 3 mil obras. Atualmente, possui mais de 9.300 obras em seu acervo. 

Segundo o curador da exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente”, Renato Araújo da Silva, as obras doadas ao MON foram adquiridas ao longo de mais de 50 anos pelo casal Ivani e Jorge Yunes, detentores de uma das maiores coleções de arte do Brasil. 

“Com a exposição de objetos de heranças culturais tão distintas, encontramos aqui um importante ponto em comum: dentro do Museu, essas artes são elevadas a uma mesma plataforma artística, igualando a arte africana ao patamar da arte mundial”, diz. “Eis uma maneira de honrar a ancestralidade visual do passado e de abrir os novos plantios, rotas e perspectivas dessa arte no futuro”, comenta Renato.

Fazem parte da exposição: máscaras, esculturas, bustos e cabeças de bronze, miniaturas metálicas, objetos do cotidiano e instrumentos musicais. 

As obras têm origem em países como Costa do Marfim, Mali, Nigéria, Camarões, Gabão, Angola, República Democrática do Congo e Moçambique, entre outros. 

Renato Araújo da Silva é historiador em Filosofia pela Universidade de São Paulo e coautor, entre outros trabalhos publicados, do livro “África em Artes”. Curador e pesquisador, atuou no Museu Afro e realizou outras exposições em museus, como o de Arte Sacra de São Paulo.

“África, Expressões Artísticas de um Continente”

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ÁFRICA - EXPRESSÕES ARTÍSTICAS DE UM CONTINENTE

The exhibition “Africa, Artistic Expressions of a Continent” is a part of the donation of approximately 1,700 pieces of contemporary African art, from the partnership between MON and the Ivani and Jorge Yunes Collection. Watch a message from the exhibition's curator, Renato Araújo, and visit Room 4 at MON. Exhibition presented by COPEL@copel_energia. #ArteAfricana#MuseuOscarNiemeyer

África, Artistic Expressions of a Continent at MON!

África, Expressões Artísticas de um Continente no MON!

África, Expressões Artísticas de Um Continente. O nascer de um novo legado para a arte, para você.  ⠀⠀⠀⠀⠀  Em cartaz na Sala 4 do Museu Oscar Niemeyer.  ⠀⠀⠀⠀⠀  Exposição apresentada pela COPEL @copel_energia. #MuseuOscarNiemeyer#ÁfricaNoMON

#emcartaz | África, Expressões Artísticas de Um Continente

#emcartaz | África, Expressões Artísticas de Um Continente

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This new project was created by MON to break the physical barrier of its walls and embrace the audience, reaching the museum’s external space and becoming accessible to everyone. The first edition of the project presents works by artists Gustavo Utrabo and Mariana Palma, who occupy the iconic garden space next to MON, called Parcão. In the museum’s internal area, in the hall of the Sculpture Patio, it is also possible to see the scale models and drawings create by Gustavo Utrabo, during the conception process of his works, which are displayed outside. 

Unprecedented project created by MON to break the physical limits of its walls and embrace the public, reaching the external space of the Museum and making it accessible to all. This is the first edition of the project and features works by artists Gustavo Utrabo and Mariana Palma, who occupy the iconic green space next to MON, called Parcão.

Museu Oscar Niemeyer leva arte para a área externa, num projeto inédito

O inédito projeto “MON sem Paredes – Artistas Conquistam os Jardins do MON” é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer e faz parte das comemorações de 20 anos da instituição. A abertura será no dia 8 de fevereiro.

Obras dos artistas Gustavo Utrabo e Mariana Palma ocupam pela primeira vez o icônico espaço de área verde ao lado do MON, chamado de Parcão. A proposta e a curadoria do projeto são de Marc Pottier. 

Na área interna do Museu, no hall do Pátio das Esculturas, o público pode conferir, simultaneamente, maquetes e desenhos feitos pelo paranaense Gustavo Utrabo durante o processo de concepção de suas obras que estão do lado de fora.

“Cada vez mais democrático e inclusivo, com esta iniciativa, o Museu Oscar Niemeyer rompe definitivamente o limite físico de suas paredes e abraça a população, chegando ao espaço externo da instituição e tornando-se acessível a todos”, explica a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika.

“MON sem Paredes” também é um convite para que o público externo e que, eventualmente, não tenha o hábito de frequentar o Museu perceba e se inspire com a arte e sinta-se instigado a visitar as outras exposições. Segundo Juliana, o projeto deverá ser de longa duração, com novas versões previstas.

O curador Marc Pottier explica que esta é a primeira versão de um projeto em que o MON passará a, regularmente, convidar artistas para ocuparem os espaços públicos do Museu. 

Ele comenta ainda que “a arte no espaço público também permite uma variedade de atividades interativas que nem sempre uma exposição museológica permite”. Segundo o curador, ao criar ligações entre os exteriores e as salas expositivas do Museu, este novo projeto permite mostrar muitas outras formas de expressão da criatividade artística.

“Semeador” e “Ao Redor de uma Árvore”, do artista-arquiteto paranaense Gustavo Utrabo

Com este trabalho, o artista cria paredes virtuais para este novo projeto do MON, uma nova sala sem paredes onde muitos outros artistas serão convidados no futuro.

O “Semeador” passa por uma declaração sobre a vida a partir da passagem do tempo e surge de um percurso elevado do solo que conecta o Museu ao jardim adjacente a ele. Esse trajeto é construído pela repetição de uma modulação de piso projetada por Niemeyer para o MON. Porém, em vez de uma simples repetição do existente, a proposta se põe a borrar os limites entre o construído e o natural, produzindo o piso a partir de uma mistura de sementes típicas da flora paranaense ao convencional cimento, areia, brita e água. Partindo-se do entendimento de que nascemos por onde caminhamos, é olhando para o chão que aprendemos a caminhar.

O caminho leva o visitante à obra “Ao Redor de uma Árvore”, uma criação de tamanho excepcional e que poderia ser considerada uma nova sala – sem paredes – do MON. É a partir de uma árvore que cresce levemente inclinada, buscando a luz do sol, que a instalação se encontra. Materializa-se como um gesto de cuidado, no qual uma amarração de peças metálicas, que sustentam a obra, envolve o caule e nos aproxima da copa. Buscam, em uma relação intrinsecamente ambígua, cuidar e ser protegido. A intervenção quer ser leve como a copa das árvores e, em um aceno de respeito, olha para cima e a circunda – um movimento que balança entre o zelo e a reverência. Um percurso ascendente em espiral materializa a proposta, estruturando-se num fino jogo de forças entre balanço e contrapeso. O toque no chão é feito por meio de quatro finos pilares e, assim como proferido por Ailton Krenak, pisar suavemente sobre a terra é o que se busca.

“Transparências”, da artista Mariana Palma

Com forte referência a Vanitas, um estilo de pintura produzido entre os séculos XVI e XVII no qual as composições procuravam provar a transitoriedade da vida, misturando símbolos de efemeridade e morte, as fotografias de Mariana Palma exploram esse espaço de memória presente e póstuma. Ao imprimir fotos em voil, a série “Transparências”, de Mariana Palma, comunica a sensação que a artista cria em suas telas. Nesta instalação apresentada num grupo de árvores em frente à entrada do MON, o espectador é convidado a participar e se ver em meio às cenas produzidas. Para além das justaposições conseguidas através da composição e da distância entre os tecidos, o público torna-se mais um elemento da obra. O caminho criado por e entre os tecidos abre caminhos e convites para acessar novas percepções e visões de uma mesma obra que se mistura com quem a observa e com o espaço.

Mariana Palma cria espaços pictóricos únicos, construídos pela justaposição de elementos de famílias distantes. Nas grandes telas de cores saturadas, azulejos convivem com folhagens, ralos com anêmonas, cortinas de teatro com flores, tecidos estampados, drapeados e desfiados. Nas aquarelas e fotografias, elementos naturais e artificiais geram híbridos improváveis.

O resultado são composições inesperadamente harmônicas e enigmáticas que, ao causar certo estranhamento, convidam o espectador a tomar tempo para observação. A contemplação revela indícios genéticos. O “grandeur”, a dramaticidade, a exuberância emocional, a vitalidade, a construção do movimento e o uso de texturas contrastantes e materiais luxuosos revelam o diálogo com a pintura barroca dos séculos XVI e XVII, evocando reflexões sobre a sensualidade, a efemeridade da beleza, o bombardeio de imagens da atualidade. O uso de cores puras remete aos pintores flamengos, enquanto os sutis efeitos perspectivos sugerem o domínio da lição renascentista (e sua subversão).

A artista parte dos pressupostos da tradição pictórica para abordar suas inquietações. As referências filtram o repertório emocional e geram um trabalho em que o aparente transbordamento de elementos segue, no fundo, uma organização precisa.

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MON Sem Paredes

“Sou Patrono” is a movement for the appreciation of art embraced by people engaged and committed to culture and who contribute annually with the sole objective of expanding the Museum's collection by purchasing new works.

More than financial support, patrons pay tribute to art and participate in various activities that value belonging to the cultural equipment.

Washington Silvera, Hugo Mendes, Eliane Prolik, C. L. Salvaro, Cleverson Oliveira, Cíntia Ribas and Carina Weidle

A exposição reúne o trabalho de quatro gerações de artistas: Washington Silvera, Hugo Mendes, Eliane Prolik, Cleverson Salvaro, Cleverson Oliveira, Cíntia Ribas e Carina Weidle. Em vez de classificar as obras mediante suas propriedades formais, a mostra descreve sensibilizações e reflexões possíveis, mas que escapam às determinações corriqueiras. A proposta é aproximar o público e demonstrar na prática a potência estética e política de cada discurso, que pode ser sutil ou mais explícita, mas está presente em cada uma das 55 obras e nos textos poéticos de Arthur do Carmo.

Nowadays, the expression “nature of art” is mistrusted. Perhaps the word “nature” is its most problematic component, as it can mean a set of specific and necessary formal properties, defining works of art, listed from a place outside of history.

However, the exhibition “Living Flesh – Ambiguity of Form” offers us the opportunity to revisit this expression and resume its pertinence. Based on the poetics of Washington Silvera, Hugo Mendes, Eliane Prolik, Cleverson Salvadoro, Cleverson Oliveira, Cíntia Ribas, and Carina Weidle, the aforementioned expression can only function to mark the escape of univocal and perverse definitions of art and life. Instead of classifying the works according to their formal properties, it describes possible sensitivities and reflections, but which escape everyday determinations. Perhaps that is the effect of the ambiguous form, whose spirit also runs through Arthur do Carmo's words.

In addition, the works and texts gathered here share a deeper ambivalence that resonates with the exhibition's title. Because if the allusion to life evokes the soul – that which animates, the term “flesh” indicates the end and even refers to the bond between death and culture. Meat can describe the fate of prey as a meal within a sustainable cycle, but the culture can also be overly predatory concerning life in the broadest sense. For this reason, in the field of this exhibition, the works are objects to look at, but which reveal themselves as traps: they capture us in the intricate web of a greater dilemma.

The exhibition brings together the work of four generations of artists: Washington Silvera, Hugo Mendes, Eliane Prolik, Cleverson Salvaro, Cleverson Oliveira, Cíntia Ribas and Carina Weidle.

Remo Infinito, 1997 | Sculpture (copper, perforated screen), 0,25 x 4,20 x 0,13 m 

Untitled, 2020 | Wood (imbuia), moss, resin, oil and wax paint on sticks, 70 x 23 x 16 cm

Colônia #01, 2017 | Print on paper Hahnemuhle - Photo Rag 308g, 25 x 25 cm

Untitled, 2020 | Wood (angico), resin, nitrocellulose lacquer and polyurethane varnish, 65 x 15 x 11 cm

Untitled (Boia de Sobrevivência), 1996 | Sculpture (copper), 1,30 x 0,40 x 0,22 m

A exposição “Carne Viva – Ambiguidade da Forma”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reunirá o trabalho de sete artistas: Washington Silvera, Hugo Mendes, Eliane Prolik, Cleverson Salvaro, Cleverson Oliveira, Cíntia Ribas e Carina Weidle. 

Com curadoria de Bruno Marcelino e Jhon Voese, a mostra conta com 55 obras, além de textos poéticos de Arthur do Carmo, e poderá ser vista a partir do dia 16 de dezembro, na Sala 7 do MON. 

“Temos aqui um feliz encontro de gerações de artistas paranaenses que têm forte ligação com o MON”, diz a diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer, Juliana Vosnika. “Cada um a seu modo, estes artistas transformam a matéria e produzem uma realidade diferente do que vemos no cotidiano. Usando os mais diversos materiais – desde os mais brutos como o concreto até os mais refinados como a laca polida, ou da cerâmica vitrificada até a imbuia esculpida –, fazem com que a forma, em seu sentido mais amplo, seja seu discurso”, comenta. 

Segundo os curadores, a exposição oferece a oportunidade de revisitar a expressão “natureza da arte” e retomar sua pertinência. “Em vez de classificar os trabalhos mediante suas propriedades formais, ela descreve sensibilizações e reflexões possíveis, mas que escapam às determinações corriqueiras”, dizem. “Talvez seja esse o efeito da forma ambígua, cujo ânimo também percorre as palavras de Arthur do Carmo.”

Quatro gerações de artistas estão reunidas na mostra. A proposta é aproximar o público e demonstrar na prática a potência estética e política de cada discurso, que pode ser sutil ou mais explícita, mas está presente em cada obra.

O visitante irá perceber que a maioria dos trabalhos é tridimensional, o que evidencia a intenção de permitir um diálogo da exposição com o espaço físico do Museu. A mostra ocupa quatro ambientes, além da “antessala”, onde é apresentada uma instalação sonora assinada pelos artistas Eliane Prolik e Cleverson Salvaro.

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CARNE VIVA | AMBIGUIDADE DA FORMA

Será inaugurada no dia 26 de outubro, na Torre do Olho do Museu Oscar Niemeyer (MON), a exposição do artista Poty Lazzarotto (1924 – 1998): “Poty, Entre Dois Mundos”, com obras inéditas. A curadoria é de Maria José Justino e a assistência de curadoria é de Juliane Fuganti.

A mostra é um recorte da maior coleção já doada à instituição, com aproximadamente 4,5 mil obras, e inicia no MON um espaço contínuo de exposições deste importante artista.

A doação, generosamente feita pelo irmão de Poty, João Lazzarotto, trouxe ao Museu mais de 3 mil desenhos e 366 gravuras, além de tapeçarias, entalhes, serigrafias e esculturas. 

Na ocasião da doação, o irmão comentou que o gesto atendia ao desejo do artista. “Poty dizia que obra de arte é para o público olhar e queria que as suas ficassem aqui. Ele recusou pedidos de levar para Paris e para outros lugares. Curitiba era tudo para ele.” O irmão explicou que a família escolheu fazer a doação ao MON por ser um museu com as condições necessárias para abrigar, preservar e expor as obras.

This is an extraordinary donation that the family of Poty Lazzarotto generously offers the public, hosted by MON. There are more than 4,500 works in different languages: drawing, metal engraving – etching, aquatint, dry point –, woodcut, lithograph, screen print, carving and sculpture, in addition to engraving matrices. Owner of an exquisite drawing skill and an exceptional engraver, Poty was great in many subjects: the worker (in particular, the railroad workers), the war, the city, the history (narrated, above all, in the immense murals in open air), the indigenous (in 1967, Poty lived in the Xingu Indigenous Park), the saints (especially Saint Francis), the women of the family, the prostitutes and everyday scenes. In all, he is unique. MON becomes a kind of guardian of the collection, committed to preserving and disseminating it.

In this first moment of revealing this collection to the public, we chose to offer a small window into the collection as a whole (out of the 4,500, only 129 pieces were selected), giving a general idea of this treasure – both in terms of techniques and themes. In the room on the 1st floor, we present a small introduction that seeks to account for this vast legacy, with a sample of techniques and themes. Then, in another room (ground floor), we made two selections that wander between the sacred and the profane, instances that often intersect. In this room, as far as the profane is concerned, the public will have the chance to see, mainly through drawings, most of the still unpublished works. It is a fruitful production of Poty in the 1960s, but which also appears, in smaller scale, at other times and in other techniques.

In this exhibition, the public has the opportunity to peer into an ambivalent Poty: the mystical and the transgressive experience, contemplation and the senses, the divine and the carnal love narrated by beautiful images.

The exhibition brings together approximately 130 works. According to the curatorship, the public has in this exhibition the opportunity to scrutinize an ambivalent Poty: the mystical and the transgressive experience, the contemplation and the senses, the divine and the carnal love narrated by beautiful images.

1960's | India ink on paper | 21,9 x 27,9 cm

1997 | Serigrafia sobre papel, P.A 10/20 | 35 x 50,4 cm

1974 | India ink on paper | 31,8 x 19,8 cm

1944 | India ink and watercolor on paper | 22,9 x 30,9 cm

1997 | Screen printing on paper, P.A XIX/ XX | 51,2 x 36,5 cm

1970's | India ink on paper | 32,3 x 44,4 cm

1943 | India ink and watercolor | 22 x 31,4 cm

1996 | India ink and watercolor on paper | 21,5 x 31,4 cm

Undated | India ink and watercolor on paper | 22 x 30,5 cm

1944 | India ink and watercolor on paper | 21,4 x 29,7 cm

“A partir de agora, um significativo recorte da Coleção Poty pode ser vista pelo público nesta mostra, que inicia no MON um espaço contínuo de exposições deste importante artista”, afirma a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika. Parte de suas obras também deverá ser levada ao interior do Estado, em mostras itinerantes, permitindo assim à instituição exercer sua importante função de democratizar a arte.

Para Luciana Casagrande Pereira, superintendente-geral da Cultura, “a incorporação da coleção de Poty ao acervo do MON é um marco porque é a garantia de que a grande e expressiva obra do artista torna-se definitivamente patrimônio dos paranaenses”.

A mostra reúne aproximadamente 130 obras. Segundo a curadoria, o público tem nesta exposição a oportunidade de perscrutar um Poty ambivalente: a experiência mística e a transgressiva, a contemplação e os sentidos, o amor divino e o carnal narrados por belas imagens.

A temática do sagrado é apresentada com uma diversidade de técnicas: desenho, gravura ponta-seca, água-forte, água-tinta, litografia, xilogravura, escultura e mural. A exposição também traz ao público muitos desenhos, em boa parte inéditos, feitos pelo artista. 

“Dono de um desenho primoroso e um gravador excepcional, Poty foi grande em muitos temas: o trabalhador (em especial, os ferroviários), a guerra, a cidade, a história (narrada, sobretudo, nos imensos murais a céu aberto), os indígenas (em 1967, Poty albergou-se no Parque Indígena do Xingu), os santos (em especial, São Francisco), as mulheres da família, as prostitutas e as cenas do cotidiano”, comenta Maria José. “Em todos, ele é ímpar”, diz a curadora.

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POTY, ENTRE DOIS MUNDOS

MON realiza nova edição da exposição asiática, com tema “Colonialismo”

Uma nova edição da exposição “Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), será inaugurada na terça-feira, dia 11/10. Com curadoria do professor e diplomata Fausto Godoy, doador da coleção asiática ao Museu, a mostra traz obras nunca antes expostas, com o objetivo de alcançar públicos ainda maiores e democratizar cada vez mais o acesso ao acervo.

“Ao completar 20 anos, o Museu Oscar Niemeyer integra o rol dos grandes museus internacionais. O tamanho e a relevância do seu acervo, que quintuplicou e se tornou mais abrangente, foram fundamentais nesta trajetória, na qual é imensa a importância da coleção de arte asiática”, afirma a diretora-presidente da instituição, Juliana Vosnika.

A aventura humana e a convivência com o estrangeiro, o diferente, assume formas diversas, seja um acercamento generoso e solidário, seja o afastamento xenófobo e preconceituoso. O tal equilíbrio do “caminho do meio”, que o Budismo prega, requer grande capacidade de compreensão com relação aos que não compartilham as nossas raízes, os nossos valores e a nossa história. 

O impulso hegemônico de um grupo sobre outro tem sido a tônica da curva das civilizações. Porém, essa curva é mutante. Só no século passado o planeta assistiu ao fim melancólico do império britânico, que reinara soberano sobre grande parte do mundo no século XIX; à divisão do planeta entre as duas superpotências nucleares – Estados Unidos e União Soviética; à dissolução desta última, em 1991, e à cristalização do poder dos Estados Unidos e dos valores do Ocidente planeta afora. Agora, a China emerge e disputa a liderança da geoeconomia. Quem será o próximo?

A luta pela descolonização ganhou força em escala mundial a partir da segunda metade do século passado. Se olharmos para o mapa-múndi ao final da Primeira Guerra Mundial, vamos verificar que os únicos países asiáticos que mantinham total independência eram o Império do Japão e o Reino do Sião, hoje Tailândia; os demais eram colônias ou vassalos das potências europeias e, no caso das Filipinas, dos Estados Unidos. Porém, antes de emergirem como elemento maior nas relações internacionais, essas ex-colônias tiveram que absorver o impacto e administrar o desafio da liberdade que tão traumaticamente alcançaram, sobretudo no que toca às fronteiras forjadas de forma artificial e arbitrária pelos colonizadores.

Já neste início de século, a emergência da Ásia nos obriga a conhecer as suas civilizações, a sua história e os seus valores, a fim de melhor convivermos com o planeta indissoluvelmente interconectado. Fica a pergunta: será, em última instância, que os valores ancestrais perdurarão numa Ásia cada vez mais imbricada com o Ocidente... e vice-versa? Quão “inegociáveis” são esses valores? A resposta é certamente difícil e nunca deixará de ser incompleta. Não obstante, essa equação precisa ser resolvida se quisermos encontrar um padrão razoável de convivência entre os indivíduos e os povos. 

Neste processo, talvez a melhor solução seja buscar entender o fenômeno sem parti pris, sem verdades absolutas, hierarquia de conceitos civilizatórios ou imposição de valores, abrindo-se espaço para o diálogo construtivo. Não é um projeto fácil, contaminado que está pela intransigência e pelo fanatismo dogmático. Daí a necessidade cada vez maior de buscarmos encontrar as raízes do problema, que, para mim, estão na impermeabilidade dos espíritos à convivência com a alteridade. É este, em suma, o objetivo da ala asiática do MON, renovada e voltada para as diversas interpretações do colonialismo no continente. 

FAUSTO GODOY // Curador da exposição e doador da coleção

Com o tema “Colonialismo”, a terceira edição da exposição “Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses” aborda o impulso hegemônico e mutante de um grupo sobre outro, que tem sido a tônica da curva das civilizações. A mostra traz ao público um recorte das cerca de 3 mil obras de arte asiáticas pertencentes ao acervo do MON e promove a reflexão sobre as diversas interpretações do colonialismo na Ásia.

Guerra Sino Japonesa: Capitão Asakawa Migita Toshihide (1862 – 1925)

Recipiente com inscrições do Alcorão 

Disputada por outras instituições do Brasil e por colecionadores do exterior, a coleção asiática, com aproximadamente 3 mil obras de arte, pertence ao MON – e aos paranaenses. Nesta nova edição, a proposta é abordar o “Colonialismo” naquele continente.

“A coleção asiática representa um marco para o acervo MON e também para o Paraná enquanto depositário dessa coleção tão importante. Tenho certeza que essa nova edição das obras irá mais uma vez tocar sobremaneira o público”, comenta a superintendente-geral da Cultura, Luciana Casagrande Pereira. 

Para o secretário da Comunicação Social e da Cultura, João Debiasi, as comemorações dos 20 anos do MON estão ganhando eventos à altura. “A coleção da Ásia é um tesouro que o Estado do Paraná guarda com muito orgulho. Essa mostra é uma forma do MON continuar surpreendendo os paranaenses e os turistas”, complementa.

O principal objetivo do MON, com a releitura, é facilitar os diálogos entre culturas e territórios, por meio da arte, segundo comenta Juliana. “O tema Colonialismo é atual, de extrema relevância, e nos permite, ao analisar a história, fazer uma reflexão sobre o processo de descolonização, que cada vez mais surge com nova compreensão social e política”, diz. 

Não por acaso, o Museu apresenta, lado a lado, culturas diversas que, ao mesmo tempo em que conversam, demonstram sua singularidade e nos permitem uma interessante visão de mundo. “O mundo mudou e os museus, como instrumentos de leitura e interpretação, também mudaram. Se já prevaleceu a cultura eurocêntrica, se colonizados já foram tratados como povos sem história e sem passado, o movimento atual é oposto.” 

Juliana lembra ainda que a coleção asiática dialoga com a arte contemporânea, já inspirou artistas e esteve presente em outras exposições recentes do MON, como “Travessia do Desastre”, do artista francês François Andes, e “Afinidades”.

Esta é a terceira edição da exposição “Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses”, que foi inicialmente inaugurada em março de 2018 e renovada em fevereiro de 2020. 

Com o tema “Colonialismo”, o curador Fausto Godoy aborda “o impulso hegemônico – e mutante – de um grupo sobre outro, que tem sido a tônica da curva das civilizações”. Esta nova edição da exposição traz ao público a reflexão sobre as diversas interpretações do colonialismo naquele continente. 

“A aventura humana e a convivência com o estrangeiro, o diferente, assume formas diversas, seja um acercamento generoso e solidário, seja o afastamento xenófobo e preconceituoso. O tal equilíbrio do ‘caminho do meio’, que o Budismo prega, requer grande capacidade de compreensão com relação aos que não compartilham as nossas raízes, os nossos valores e a nossa história”, comenta o curador.

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IMPERIAL JAPAN AND SHINTOISM/THE CULTURAL REVOLUTION/AFGHANISTAN WAR/THE VIETNAM WAR

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ÁSIA: 3ª EDIÇÃO

Obras adquiridas pelo programa “Sou Patrono” são apresentadas em exposição no MON

Obras de arte que fazem parte do acervo do Museu Oscar Niemeyer (MON) podem ser vistas pelo público na exposição “Sou Patrono”. A mostra, em cartaz na Sala 2 a partir do dia 6 de setembro, apresenta um recorte das 78 obras de arte adquiridas nos últimos anos com recursos do patronato.

The exhibition “Sou Patrono” (“I am Patron”) brings to the public at the Oscar Niemeyer Museum a selection of works acquired thanks to the homonymous program created by MON.

It is a movement for the appreciation of art made by unique people who understand its importance and support its development. They are engaged and committed to culture, contributing annually with the exclusive objective of expanding the Museum's collection through the purchase of new works.

With funds made possible by the Sou Patrono Program, in recent years 78 important works of art were acquired, which became part of the MON collection and, consequently, of Paraná.

More than just financial support, the patrons pay tribute to art and are an active part of the Museum's day-to-day activities. They participate in several exclusive activities that value and make the sense of belonging to this cultural facility of paramount importance for the country's art and culture to grow even more.

With this initiative, MON expands its collection – which currently has 14 thousand of works of art – and continues to qualify itself as one of the best museums in Brazil and Latin America.

Director-president of the Oscar Niemeyer Museum

Livia Fontana | Undated | Color printing on paper

Edu Simões | 2011 | Photography - Mineral pigment on cotton paper
Hahnemühle Museum Etching 350g

Fernando Velloso | 1963 | Mixed media on canvas

Edu Simões | 2011 | Photography - Mineral pigment on cotton paper Hahnemühle Museum Etching 350g

Apuí, Paranã do São Raimundo, Rio Juruá, AM

Lilian Gassern | Undated | Oil paint on canvas

Mauro Restiffe | 2012 | Photograph in silver emulsion, assembled on aluminum Dibond ED of 5 AP 2/2

“Sou Patrono” é um movimento pela valorização da arte abraçado por pessoas engajadas e comprometidas com a cultura e que contribuem anualmente com o objetivo exclusivo de ampliar o acervo do Museu pela compra de novas obras.

Mais do que o apoio financeiro, os patronos prestam um tributo à arte e participam de diversas atividades que valorizam o pertencimento ao equipamento cultural.

Fazem parte da exposição obras de artistas como: Regina Silveira, Fernando Velloso, Eduardo Berliner e Geraldo Leão, entre outros.

sou_patrono_en.pdf

“Sou Patrono” is a movement for the appreciation of art embraced by people engaged and committed to culture and who contribute annually with the sole objective of expanding the Museum's collection by purchasing new works.

More than financial support, patrons pay tribute to art and participate in various activities that value belonging to the cultural equipment.

On view exhibition

Jaume Plensa

Afinidades II - Elas!

África

MON with no Walls

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