The Oscar Niemeyer Museum is a vibrant and dynamic institution, housed in one of the most beautiful projects designed by the architect of the same name. Each of the exhibitions held here takes on a unique character due to the ingenuity of the building's curves and lines. Upon entering the MON, visitors always have an immersive experience, as the building itself is a great work of art.

Similarly, in the exhibition “Moiré Bereguedê”, Mano Penalva's work merges and blends with the space. An installation can be a screen and a drawing functions as a wall. The art hangs from the ceiling and floods the exhibition room, mingling with the people. 

His work starts from the displacement of everyday objects. Through different media, such as sculpture, installation, painting, photography, and video, the artist invites the public to not only appreciate but also feel his art.

The Museum, in turn, presents itself as a space for pause, comfort, and well-being. The exhibitions it holds, like this one, as well as the actions and activities it offers, all share the common goal of providing a break from the hurried digital world. They are opportunities for reflection andreconnection with ourselves and with others who, by observing the same work, create a sense of identity and belonging. 

With its focus on visual arts, architecture, and design, the Oscar Niemeyer Museum, being a unique space, offers perfect harmony to this exhibition. 

The MON, the largest art museum in Latin America by area, stands out as an icon of Brazilian architecture. It houses important references of national and international artistic production. By presenting the exhibition "Moiré Bereguedê," it fulfills its purpose of sensitizing people. Part of the Museum's mission, in addition to collecting and exhibiting, is to provide transformative experiences and dialogues between the public and art.

The exhibition “Moiré Bereguedê – Mano Penalva”, held by the Oscar Niemeyer Museum, brings together sculptures, paintings, collages and videos from the artist's recent work. The curator is Felipe Scovino.

Mano Penalva's work stems from the displacement of objects from their everyday context. Through his art, the artist highlights the idea that the exponential proliferation of objects and images is not intended to train perception or consciousness, but rather insists on merging us with them.

The exhibition title synthesizes the conciliatory relationship between the vernacular and the industrial that characterizes Mano Penalva's work. Moiré is not only an optical effect generated from the overlapping of lines demarcating a grid, but a phenomenon very present in constructivist art in Brazil, particularly from the 1950s onwards. Artists such as Hélio Oiticicaand Lygia Pape pointed out its orthogonal structure while simultaneously deconstructing it, respectively, in series of works such as "Metaesquemas" (c. 1958) and "Ttéia" (1977–2002).  Drawing a parallel with the present, Penalva also performs a similar operation, for example, with the "Clouds," where the grid becomes an expansive and malleable three-dimensional plane. Meanwhile, bereguedê signals the place of improvisation, spontaneity, and, significantly, collectivity and celebration.

The exhibition is based on the confluence of these two spaces that condense, on the one hand, the geometric investigations of avant-garde art and its relationship with transparency and chromatic vibration, and, on the other hand, the experience of the street, not only using everyday materials such as slats, tarpaulins, straw, the nylon of beach chairs or bags, but also the intensity and noise of the city, local cultures, affective memory and, especially, the "gambiarra" (Jerry-rigged) or the approximation between the use value and the aesthetic value of an ordinary object through improvisation. The artist is interested in the mixing of cultures, such as the proximity between the muxarabi (mashrabiya) and its architecture, which does not impede an eye that pierces the material, and the magical and accidental language of the streets.

Still within the architectural context, Penalva develops both the archetype of a square and that of a house. The arrangement of the works throughout the space, creating translucent corridors or rooms with the "Alpendres”(Porches) and "Cortinas” (Curtains), as well as intervals for leisure through the "Camas de Gato” (Cat's Cradles), allows the public to move through the exhibition as if experiencing a continuous act of slowing down time and the subjective modes of constituting affection.

The exhibition “Moiré Bereguedê – Mano Penalva”, held by the Oscar Niemeyer Museum, brings together sculptures, paintings, collages and videos from the artist's recent work. The curator is Felipe Scovino.
Mano Penalva's work stems from the displacement of objects from their everyday context. Through his art, the artist highlights the idea that the exponential proliferation of objects and images is not intended to train perception or consciousness, but rather insists on merging us with them.

Wooden beads, ribbon and wooden strip
280×150cm
Collection of the artist

Wooden bead, ribbon, frame, steel cable, led pellet and nail
220×100×10cm
Collection of the artist and Simões de Assis

Fabric, acrylic blanket, wooden beads, eyelets, bitumen paint, hooks and steel wire
200×290×5cm
Collection of the artist

Nylon strap, wooden slats, enamel paint, and beads
200×480×5cm
Collection of the artist

Wooden beads, ribbon, wooden strip and iron supports
300×300x30cm
Collection of the artist and Simões de Assis

Wooden slats, nylon strap, enamel paint, magnetized sphere and frame
80x90cm
Collection of the artist and Simões de Assis

Nylon strap, wooden slats and enamel paint
160×160 cm
Collection of the artist and Portas Vilaseca

Nylon strap, wooden slats, enamel paint and frame
140×240×5cm

Nylon strap, enamel paint, frame and wooden slats
225×225×6cm
Collection of the artist and Simões de Assis

MON presents an exhibition of the artist Mano Penalva

The exhibition “Moiré Bereguedê – Mano Penalva”, a new project of the Oscar Niemeyer Museum, will open on June 25th at 7 pm in Room 2. It features 71 works, including sculptures, paintings, collages, and videos, from his recent production. The curator is Felipe Scovino.

The Oscar Niemeyer Museum is a living and dynamic institution, housed in one of the most beautiful projects designed by the architect of the same name. Upon entering the Museum, visitors always have an immersive experience, since the building itself is a great work of art. 

Similarly, in the exhibition ‘Moiré Bereguedê’, Mano Penalva’s work merges and blends in with the space,” Juliana compares. “An installation can be a screen and a drawing functions as a wall. The art hangs from the ceiling and floods the exhibition room, mingling with the people. 

Mano Penalva's work stems from the displacement of objects from their everyday context. Through different media such as sculpture, lodgement, painting, photography, and video, the artist invites the public to not only appreciate but also feel his art.

The curator explains that the exhibition's title synthesizes the conciliatory relationship between the vernacular and the industrial, which characterizes Mano Penalva's work. "Moiré is not just an optical effect generated from the overlapping of lines demarcating a grid, but a phenomenon very present in constructivist art in Brazil, particularly from the 1950s onwards," he informs. 

Artists such as Hélio Oiticica and Lygia Pape pointed out his orthogonal structure while simultaneously deconstructing it, respectively, in series of works such as “Metaesquemas” (c. 1958) and “Ttéia” (1977–2002). Drawing a parallel with the present, Penalva also performs a similar operation, for example, with the “Nuvens” (Clouds), where the gridbecomes an expansive and malleable three-dimensional plane. 

“The word ‘beregedê’ already indicates a place of improvisation, spontaneity, and, significantly, of collectivity and celebration,” says Scovino.

Mano Penalva was born in Salvador in 1987 and lives and works in São Paulo. His work stems from the displacement of objects from their everyday context and reflects the artist's interest in Anthropology and Material Culture. Through different media, such as sculpture, installation, painting, photography, and video, Penalva proposes new aesthetic groupings based on retail sales strategies, his experiences collecting stories, and observation of the field that moves between the home and the street. 

Penalva highlights with his works the idea that the exponential proliferation of objects and images is not intended to train perception or consciousness, but rather insists on merging us with them. 

He holds a bachelor's degree in Social Communication from the Pontifical Catholic University of Rio de Janeiro (2008). He attended free art courses at Parque Lage for seven years (2005–2011). Currently, he is part of Massapê Projetos, a platform managed by artists that enables artistic thought and production, based in São Paulo, and of which he is the creator.

In recent years, she has participated in several artistic residencies: Casa Wabi – Puerto Escondido (Mexico), 2021; Fountainhead Residency – Miami (USA), 2020; LE26by / Felix Frachon Gallery – Brussels (Belgium), 2019; AnnexB – New York (USA), 2018; Penthouse Art Residence – Brussels (Belgium), 2018; R.A.T. – Artistic Exchange Residency – Mexico City (Mexico), 2017; Pop Center – CamelódromoPorto Alegre (Brazil), 2017.

Moiré Bereguedê - Mano Penalva

MON is alongside major museums in Brazil and around the world on the Google Arts & Culture platform. Visit our exhibitions in virtual format. 

Find out more about this exhibition on the Google Arts & Culture platform.

Adriana Almada, Tereza de Arruda, Ferran Barenblit, Margarida Saraiva, Windy Lv, Xiao Ge, Massimo Scaringella, Antonella Pisislli, Royce W. Smith

Once again, the largest art museum in Latin America opens its doors to host the Curitiba International Biennial, now in its 16th edition, with the Oscar Niemeyer Museum as its main venue. This edition of the event aims to discuss relevant current themes, such as the limits of technology in our lives and the boundaries between the physical and the digital, presenting art as a space for pause and reflection.

Important artists from various countries and continents share their perspectives on the contemporary world in thought-provoking exhibitions taking place simultaneously in several spaces at the MON.

Important artists from various countries and continents share their perspectives on the contemporary world in thought-provoking exhibitions taking place simultaneously. One of the highlights is the Japanese artist Chiharu Shiota, who so skillfully explores the spaces between presence and absence, memory and imagination, body and architecture.

For the iconic Eye of the MON (Oscar Niemeyer Museum), she proposes a set of original installations conceived specifically for the location, transforming it into an immersive experience. Thousands of self-portraits sent by the public via letters, when hung up, form a physical network in which visitors encounter this paradox.

Her powerful work, as well as that of other Asian artists participating in the Biennial, also engages in a dialogue with the MON's collection from that continent. If the collection is the soul of the museum, the greatest challenge for an institution is to keep it alive, active, and in constant exchange with the public. We understand that some of the works presented by the Biennial, which portray diverse cultures of the Asian continent, find an echo in our immense and significant collection of Asian art.

Visitors will realize that there is a common goal between MON and the Biennial: to transcend walls and boundaries, whether of space, time, or materiality. In this way, we have a unique opportunity here. 

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
CEO of the Oscar Niemeyer Museum

Once again, the largest art museum in Latin America opens its doors to host the Curitiba International Biennial, now in its 16th edition, with the Oscar Niemeyer Museum as its main venue. This edition of the event aims to discuss relevant current themes, such as the limits of technology in our lives and the boundaries between the physical and the digital, presenting art as a space for pause and reflection.
Once again, the largest art museum in Latin America opens its doors to host the Curitiba International Biennial, now in its 16th edition, with the Oscar Niemeyer Museum as its main venue. This edition of the event aims to discuss relevant current themes, such as the limits of technology in our lives and the boundaries between the physical and the digital, presenting art as a space for pause and reflection.

Once again, the MON becomes the main venue for the Curitiba Biennial

With three decades of history, the Curitiba International Biennial opens its 16th edition to the public on June 14th at the Oscar Niemeyer Museum and various cultural spaces in the city, bringing together more than 300 artists from 38 countries across five continents in a broad program of exhibitions, installations, performances, and urban actions. With the theme "LIMIARES” (THRESHOLDS), curated by Adriana Almada and Tereza de Arruda, the Biennial proposes reflections on the transformations of the contemporary world and the increasingly fluid boundaries between the human and the technological, the natural and the artificial, the physical and the digital.

“More than a concept, LIMIARES is a curatorial attitude: inhabiting the border, remaining in between, creating from uncertainty, generating new paths,” say curators Adriana Almada and Tereza de Arruda.

Recognized as one of the main platforms for contemporary art in Latin America, the Biennial reaffirms in this edition its role as a space for international exchange, aesthetic experimentation and critical reflection on the present. The program runs until November 15, 2026 and brings together artists, researchers, scientists and students in projects that articulate painting, installation, performance, artificial intelligence, video art, photography, sound art and experiences in augmented reality.

The main exhibition hub of the Biennial takes place at the Oscar Niemeyer Museum (MON), a historical partner of the show and an inseparable part of its trajectory. The Biennial will occupy the Eye, the Tower, the Ramp, five exhibition rooms and inter-rooms, deepening a relationship built over more than two decades and marked by emblematic exhibitions of international contemporary art.

Throughout its history, the MON has hosted significant moments of the Biennale, such as Marina Abramović's performance in 2009; Julio Le Parc's major kinetic art exhibition at the Eye in 2015; the group exhibition of Chinese artists in 2017; and the presentation of the iconic sculpture "Spider" by Franco-American artist Louise Bourgeois in 2019.

Once again, the largest art museum in Latin America opens its doors to host the Curitiba International Biennial, which is in its 16th edition and has the Oscar Niemeyer Museum as its main venue.

The highlight of this edition will be the exhibition “Poéticas da Memória e da Matéria” (Poetics of Memory and Matter), curated by Tereza de Arruda and featuring Chiharu Shiota, one of the most important names in contemporary art worldwide. Known for its immersive installations constructed from threads, everyday objects, and emotional architecture, the artist will occupy the Olho and the Araucária 1 and Araucária 2 spaces of the MON with four new, site-specific works conceived especially for Curitiba. The main installation will utilize approximately 300 kilometers of wire – a distance equivalent to the route between Curitiba and Florianópolis– making it the artist's largest site-specific installation ever created in South America.

Her powerful work, as well as that of other Asian artists participating in the Biennial, also engages in a dialogue with the collection from that continent that belongs to the MON.

The Biennial held an international public call to integrate letters, drawings, and personal accounts submitted by the public into Shiota's work, an action that has already mobilized hundreds of participants. In dialogue with the poetics of the Japanese artist based in Berlin, the MON Tower will bring together works by Brazilian artists such as Iêda Jardim, André Azevedo, Evandro Soares, James Kudo, Luiz Mauro, and Marina Camargo.

Also featured in LIMIARES is the renowned Spanish artist Max Esteban, whose artistic production focuses on critiquing the human condition in the face of technology through photography and video art. Another contemporary artist who will be presented to the public at MON is the Chinese artist Xia Hang, recognized for his interactive mechanical sculptures made of polished stainless steel, which blend cyberpunk aesthetics with the playful concept of "toys for adults". 

The curatorial text for the 16th Biennial is signed by Adriana Almada and Tereza de Arruda. The edition is structured around different curatorial axes, developed by an international team of invited curators who articulate their own exhibition nuclei, often connected to each other by conceptual, territorial, and technological similarities.

An Argentinian art critic, writer, and editor based in Paraguay, Adriana Almada is recognized for her strong work in the investigation of contemporary Latin American art. The former vice-president of the International Association of Art Critics (AICA) in Paris was decorated by the French government with the Order of Arts and Letters. Sharing the curatorial direction of the Biennial, the Brazilian art historian Tereza de Arruda brings the experience of someone who has moved between São Paulo and Berlin since 1989, with consolidated projects in Europe, Asia and the Americas, and involvement with the Havana Biennial.

Among the guest curators is the Spanish-Argentine Ferran Barenblit, known internationally for discussing the political and social role of cultural institutions. Former director of MACBA in Barcelona, ​​Barenblit shares with Adriana Almada, the curatorship of the exhibition “CartografiaProvisória” (Provisional Cartography) by the Spanish artist Max Esteban at MON. 

The connection with contemporary Asian production is established through the Chinese curators Xiao Ge and Windy Lv, who bring to the Biennial a perspective marked by historical and conceptual rigor. At MON, they propose reflections on the environment, temporality, and the transformations of contemporary experience through a dialogue between art, technology, and the visual culture of East Asia.

Having participated in the Bienal del Fin del Mundo (Argentina) and recognized for discovering and promoting new talents from emerging generations, the Italian Massimo Scaringella co-curates the "Rifrações" section alongside Antonella Pisislli. The video art exhibition brings together female artists from French Guiana, Africa, and Albania.

American Royce W. Smith, current dean of the College of the Arts at California State University, Long Beach, is responsible for the "Camuflagens" (Camouflages) section, a collective investigation into perception, technology, concealment, and the construction of contemporary reality.

In addition to the MON, the program occupies more than ten cultural institutions in Curitiba. Among them are the Paranaense Museum (MUPA), the Museum of Image and Sound of Paraná (MIS-PR), the Alfredo Andersen Museum, the Museum of Photography, the Museum of Engraving – Memorial of Curitiba, the Museum of Indigenous Art and the Municipal Museum of Art (MuMA).

This urban presence, anticipated by Curitiba Art Week and the Curitiba Biennial University Circuit (CUBIC5), is also manifested in Curitiba's public transportation system, an international benchmark in urban mobility. The Biennial will promote activations in 22 bus terminals, 300 urban bus stops, and over 1,000 city buses. Throughout the program, until November 15th, video art works curated by Flavio de Carvalho will be displayed on the integrated system's TVs, while augmented reality actions will occupy terminals and bus rapid transit stations. This program begins on July 16th. The 16th Curitiba International Biennial is organized by the Ministry of Culture, Federal Government - On the side of the Brazilian people, MON, MAC Paraná and Paraná Festival - State Secretariat of Culture (SEEC) - Government of Paraná. Support: Curitiba Cultural Foundation (FCC) - Curitiba City Hall.

Follow along on the websites www.16bienaldecuritiba.org, www.curitibaartweek.com and on social media on Instagram. @bienaldecuritiba @cubic.bienal and @curitibaartweek, on Facebook @bienaldecuritiba, on Linkedin @bienaldecuritiba and on TikTok @bienaldecuritiba

Once again, the largest art museum in Latin America opens its doors to host the Curitiba International Biennial, now in its 16th edition, with the Oscar Niemeyer Museum as its main venue. This edition of the event aims to discuss relevant current themes, such as the limits of technology in our lives and the boundaries between the physical and the digital, presenting art as a space for pause and reflection.
Important artists from various countries and continents share their perspectives on the contemporary world in thought-provoking exhibitions taking place simultaneously in several spaces at the MON.

16ª Curitiba International Biennial

Transforme uma árvore em lenha que ela arderá; mas nunca mais lhe dará flores e frutos.
Rabindranath Tagore (1861–1941)

Estreitando laços institucionais, o Museu Oscar Niemeyer recebeu uma importante doação de obras africanas da Coleção Ivani e Jorge Yunes com cerca de 2.000 objetos – são máscaras, estatuetas, instrumentos musicais e uma grande variedade de outras obras das quais essas são apenas uma seleção. 

Como parte das comemorações da temporada cultural França-Brasil, o Museu apresenta, neste momento, intervenções ligadas à França e à sua região ultramarina, a Martinica. Em diálogo com o acervo, cada intervenção possui formas, gestos e narrativas próprias. 

De um lado, a instalação de vídeo-arte “Presenças: Corpos, Objetos e Memórias”, com curadoria da especialista franco-beninense Nadine Hounkpatin, reúne vídeos das artistas Tuli Mekondjo da Namíbia e da franco-camaronesa Josèfa Ntjam. As obras fundem filosofia, tecnologia e espiritualidade africanas, reimaginando a herança negra como um agente vivo de memória e resistência. 

Com apoio da Coleção Ivani e Jorge Yunes, a artista Rayana Rayo e o curador José Eduardo, do Acervo da Laje (Bahia) realizaram uma residência artística na Martinica, também em parceria com o Instituto Tomie Ohtake (SP) e o Glissant Art Fund. A experiência partiu dos conceitos de errância, crioulização e relação, formulados pelo filósofo Édouard Glissant. As obras afro-brasileiras de César Bahia (Salvador), que reverberam a herança formal e simbólica das culturas africanas, e as pinturas de Rayana Rayo (Recife), que investigam recipientes como metáforas do corpo e do abrigo, criam zonas de intersecção entre territorialidades e temporalidades. Essas “Errâncias entre Brasil, França, África e Caribe” articulam memória, origem e deslocamento, propondo uma escuta ampliada do legado africano e de seus desdobramentos no contexto brasileiro.

África, Expressões Artísticas de um Continente

A intervenção “Presenças: Corpos, Objetos e Memórias”, com curadoria de Nadine Hounkpatin e Renato Araújo, coloca em diálogo artefatos africanos ancestrais doados pela Coleção Ivani e Jorge Yunes ao Museu Oscar Niemeyer com obras em vídeo de Josèfa Ntjam e Tuli Mekondjo. O projeto explora as relações entre metamorfose, memória e identidade, reativando vestígios visíveis e invisíveis da herança africana. As obras contemporâneas insuflam nova vitalidade nos objetos antigos, que passam a atuar como mediadores de narrativas e futuros possíveis.

Mais do que um encontro estético, Hounkpatin reflete sobre o status da arte africana nos museus, questionando propriedade, transmissão e a noção de patrimônio compartilhado. Ao dar voz a artistas contemporâneos, constrói-se uma ponte entre passado e presente, memória coletiva e criação viva.

“Mélas de Saturne”, de Josèfa Ntjam (França/Camarões), é um vídeo especulativo que explora as histórias da diáspora negra sob uma lente pós-humana. Um avatar digital funde-se a um algoritmo que antecipa a integração entre vida orgânica e tecnológica, sugerindo novas formas de memória e identidade. Inspirando-se na iconografia espiritual da África Ocidental, especialmente em Mami Wata, Ntjam combina imagens mitológicas, arqueológicas e biológicas – máscaras, corais, formas marinhas híbridas e serpenteantes – criando uma cosmologia fluida. “Mélas”, do grego “melas” (“negro” ou “escuro”), evoca uma energia transformadora que desafia o tempo linear e as identidades fixas. A fragmentação torna-se força de resistência e renovação, reimaginando a herança africana não como relíquia, mas como agente vivo.

“Afrotekismo: o Museu Vivo do Afrotekismo”, de Tuli Mekondjo(Namíbia), é uma performance que conecta herança africana, memória corporal e futuros especulativos. Em ressonância com os artefatos ancestrais da Coleção Yunes, Mekondjo posiciona o corpo como um museu vivo, onde memória, ritual e tecnologia se entrelaçam. Ao mover-se pelo espaço público, ela ativa objetos e gestos como portadores de história e imaginação, desafiando os modelos museológicos ocidentais que desvinculam os artefatos da vida cultural. A obra imagina um futuro em que os sistemas de conhecimento africanos permanecem dinâmicos, móveis e autodefinidos – um arquivo vivo de resistência e renovação.

Errância, no pensamento do filósofo e poeta martinicano ÉdouardGlissant, é um modo de estar no mundo. Mais do que deslocamento, trata-se de um exercício de atenção à diferença e à opacidade, que transforma a experiência do exílio em consciência compartilhada: cada um carrega consigo fragmentos de outros lugares e saberes, e é nesse trânsito que se formam novas linguagens e pertencimentos. Ao questionar as raízes fixas, Glissant propõe uma visão dinâmica de memória, origem e ancestralidade. 

A partir do conceito de errância, organizou-se a mostra “A Terra, o Fogo, a Água e os Ventos – Por um Museu da Errância com ÉdouardGlissant”, em cartaz no Instituto Tomie Ohtake, que apresenta a coleção particular de arte de Glissant em diálogo com artistas contemporâneos. No contexto da mostra, Rayana Rayo e Zé di Cabeça realizaram uma residência artística na Maison du Diamant, na Martinica – casa onde Édouard Glissant viveu e escreveu parte de sua obra – em colaboração com o Édouard Glissant Art Fund e com o Institut du Tout-Monde. A partir dessa experiência, os artistas propuseram intervenções na Coleção de Arte Africana.

Os trabalhos apresentados nascem do trânsito entre objetos e paisagens. Em Rayana, a investigação sobre recipientes se desdobra: o vaso aparece como corpo-abrigo e como dispositivo de linguagem. Em Zé diCabeça, procedimentos de observação e escrita conectam território, canto e lembrança partilhada; diante de peças sem autoria individual definida, o artista propõe o diálogo da coleção com as esculturas de César Bahia. Suas máscaras e figuras de orixás reativam vínculos entre ancestralidade, ofício e a presença viva das divindades afro-brasileiras.

Em conjunto, as intervenções propõem um campo de passagens entre Brasil, África e Caribe, no qual o acervo é interlocutor e matéria de escuta. As obras fazem da errância uma forma de correspondência entre tempos, vozes e gestos, expandindo o território da coleção em direção a uma geografia viva de relações.

Errâncias: Entre Brasil, França, África e Caribe

José Eduardo Ferreira Santos 
Salvador, Brasil, 1974 – vive e trabalha em Salvador, Brasil.

José Eduardo Ferreira Santos é pedagogo, mestre em Psicologia, doutor em Saúde Pública e pós-doutor em Cultura Contemporânea. Nascido e criado no Subúrbio Ferroviário de Salvador, fundou, ao lado de sua esposa Vilma Santos, o Acervo da Laje: espaço cultural independente que funciona como casa, museu e escola, dedicado à preservação e valorização das expressões artísticas e culturais das periferias soteropolitanas. Durante a residência artística na Martinica, José Eduardo escreveu 27 cartas a Édouard Glissant, endereçadas à Maison du Diamant, casa onde o filósofo viveu e trabalhou. Nelas, traça paralelos entre Salvador e o Caribe, entre o Subúrbio Ferroviário e o arquipélago, entre os rios da Baía de Todos-os-Santos e as águas da ilha, tecendo fabulações sobre território, errância e pertencimento. Como intervenção na coleção, José Eduardo estabelece uma correspondência com César Bahia, escultor do Acervo da Laje e herdeiro de Otávio Bahia, artista que produzia divindades africanas em madeira no Subúrbio Ferroviário. César segue a tradição familiar, talhando troncos de jaqueira e pintando-os à mão em cores intensas, preservando a memória do ofício e a força ancestral de suas figuras. No encontro entre as cartas e as esculturas, entre Salvador e a Martinica, a intervenção faz do acervo um interlocutor ativo. As obras escutam, respondem e inventam continuidades entre África, Caribe e Brasil.

Rayana Rayo 
Pernambuco, Brasil, 1989, vive em Pernambuco, Brasil

A produção de Rayana Rayo é permeada pela vivência do clima e da maré, de mangues, restingas e ilhas da paisagem do Recife, sua cidade natal. Suas pinturas, de pinceladas espessas e cores afinadas em suas relações tonais, evocam atmosferas úmidas e topografias arredondadas, as quais são habitadas por elementos híbridos – entre ser vegetal, animal e onírico. São cenas que não comunicam narrativas lineares, preferindo fabular relações entre corpos, fragmentos e ambiências afetivas. Da mesma forma, ela não lida com a paisagem por meio da perspectiva ou da descrição, mas, sim, fazendo todos os elementos da composição emergirem da mesma matéria da pintura, tomando partido de suas propriedades sinestésicas (sua capacidade de evocar calor e odor, silêncio e desejo, vento e solidão). Para esta exposição, Rayo apresenta uma série de pinturas comissionadas que se articulam com uma seleção de recipientes – objetos usados para conter, guardar e reter água presentes na Coleção África. Essa justaposição propõe um diálogo entre as superfícies líquidas e os volumes contidos, entre o gesto pictórico e a materialidade das formas que, assim como suas pinturas, lidam com fluxos, retenções e permeabilidades.

No meio da viagem encontrei alguns flamboyants amarelos.

O flamboyant amarelo foi o meu primeiro espanto com a beleza na infância, no ir e vir da escola primária, na década de 1980.

O caminho da rua Nova Esperança até a Escola Machado de Assis, na Rua dos Ferroviários, final de linha do São João do Cabrito, era um espetáculo para os olhos por conta dos jardins e das belas árvores que enfeitavam o caminho.

Flamboyants e outras árvores floresciam de forma abundante, fazendo todo lugar parecer um jardim, e aquilo me encantava muito, mas ninguém sabe nos explicar o encantamento: ele simplesmente acontece. Até contar é difícil, porque está na esfera da magia pessoal, da delicadeza daquilo que a nossa alma guarda como tesouro.

E mais ainda por saber que aquelas árvores, plantas e jardins foram cultivados por mãos e corações que amavam árvores, plantas e jardins, das mulheres de todo o bairro.

A gente não se dá conta da importância da paisagem, das árvores, das plantas e dos jardins na imaginação e no imaginário de uma criança: é o início de tudo, onde perguntas são feitas, felicidades são vividas, inteligências e sensibilidades são aguçadas, enfim. A vida nasce de novo no encontro com o mundo exterior, externo a nós.

A paisagem educa. A árvore, com sua imponência e beleza, educa e encanta.

As plantas, nem se fala, elas carregam o mistério de dialogar o tempo todo com a vida e também de nos educar para o cuidado e o afeto.

Árvores, plantas e jardins educam para a sociabilidade. Para viver em sociedade, é preciso cultivar e cuidar das plantas, das árvores e dos jardins.

Cultura, curadoria, cuidado, elaboração, civilização, tudo isso e mais um infinito cabe dentro de um jardim.

Além da presença notável dos flamboyants amarelos e vermelhos, não posso deixar de registrar, Glissant, a plenitude dos crótons, que de tão antigos começam a perder a cor.

O encontro com essa diversidade botânica nos ensina que a natureza é brutalmente relacional. Sutilmente relacional. Entre as frestas, ela é relacional. A natureza dança nos vãos de luz e os ocupa com vida para o alto.

A natureza ocupa os vãos do esquecimento com vida.

A natureza é plena porque bebe das fontes que nossos olhos não enxergam.

E nós, para viver, bebemos de qual fonte?

A natureza é silentemente, silenciosamente relacional.

Escandalosamente relacional, mas sempre silenciosa e precisa; dinâmica e rizomática; sabedora dos caminhos que a raiz tem que fincar para ter saúde e vida plena.

“Ancestralidade” não é uma palavra vazia

Despedindo-me por aqui e agradecendo a Sylvie e a você por tudo, veio em mim a percepção de que precisamos cuidar mais da palavra “ancestralidade”, porque ela está se tornando uma palavra vazia, um adjetivo, usada como um gerundismo – um vício de linguagem, uma expressão esvaziada. 

Sei que todos querem ter ancestralidade, mas é preciso cuidado: nem tudo o que se tem se diz. 

Parcimônia, por favor. O mistério tem seus interditos, suas nuances e não pede espalhafatos. 

Nem sempre a última apresentação é a síntese da vida. É preciso se guardar. A lógica do vazio supõe falas e definições garbosas de si.

Vó sabia disso e me ensinava tudo em silêncio, segredo e afeto.

Evocar a ancestralidade a esmo, banalmente, é um perigo, pois é lançar esse conceito, essa presença em um vazio de sentido que nem permite que ela, a ancestralidade, se manifeste.

Eu não sei se você não sabe, mas ancestralidade não é vazio, eco, imaginação: ancestralidade é presença. E forte. E companheira. E amiga. E cuidadora dos nossos passos aqui, na Martinica. 

Quem tanto evoca ancestralidade se esquece de evocar presença. E ancestralidade é presença, e presença cuida.

Vamos repensar o jeito de nos apresentarmos ao mundo.

Eu chamo de ancestralidade as ancestralidades que têm nome e me deram colo, carinho, afeto, comida e amor… 

Ancestralidade genérica é alma penada… 

Ancestralidade é presença e não é um modismo vernacular transitório.

Ancestralidade é presença, de modo que, se você não entender, respeite.

Aqui, na residência Glissant, ela foi presença o tempo inteiro, sem precisar dizer essa palavra.

Tanto a presença quanto a ancestralidade devem educar pelo que são e por como se manifestam. Se isso se perde pelo uso vazio, é um sintoma desta geração que tenta apreender tudo em um conceito e não consegue. Quando não for possível, o silêncio também grita e evoca. É preciso reensinar a liturgia da evocação do sagrado, para que não se torne banal.

Renato Araújo, Nadine Hounkpatin, Ana Roman e Paulo Miyada

Uma nova ativação da exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente”, com obras do acervo do Museu Oscar Niemeyer (MON), é entregue ao público. “Intersecções contemporâneas - Ano da França no Brasil”, com curadoria de Renato Araújo, em cartaz na Sala 4, é um importante diálogo entre a arte africana tradicional e a sua transversalidade, que ganha cada vez mais espaço no contemporâneo.

A exposição se renova no ano Brasil-França, que celebra dois séculos de relações diplomáticas entre os dois países. Esta nova edição é uma parceria do MON com a Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY) e o Instituto Tomie Ohtake, ambos de São Paulo, e propõe um intercâmbio cultural e artístico.

A exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente” se renova no ano Brasil-França, que celebra dois séculos de relações diplomáticas entre os dois países. Numa parceria do Museu Oscar Niemeyer (MON) com a Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY) e o Instituto Tomie Ohtake, ambos de São Paulo, a nova edição dessa mostra propõe um intercâmbio cultural e artístico.

Apresentamos ao público, simultaneamente, dois projetos distintos, com curadoria geral de Renato Araújo. O primeiro consiste na instalação de dois vídeos das artistas Josèfa Ntjam e Tuli Mekondjo. A curadoria é Nadine Hounkpatin, nascida no Benin e radicada na França há muitos anos.

O segundo projeto, com curadoria de Paulo Miyada e Ana Roman, aborda o tema “Errâncias: Entre Brasil, França, África e Caribe”, a partir de residências oferecidas pelo Instituto Édouard Glissant, na Martinica, a artistas do mundo todo. A participação dos artistas brasileiros, RayanaRayo e José Eduardo Ferreira Santos resultou na criação de obras exibidas aqui.

Com esta ativação, o MON, como instrumento vivo de valorização e democratização da cultura, traz até o seu visitante um importante diálogo entre a arte africana tradicional e a sua transversalidade, que ganha cada vez mais espaço no contemporâneo.

Em sua terceira edição, a exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente” consolida um longo e criterioso processo que culminou na chegada de uma das mais importantes e significativas coleções de arte africana ao Museu Oscar Niemeyer.  

Entendemos que um museu existe a partir do seu acervo, mas é da interação entre o público e suas obras que são disseminados cultura e conhecimento.

Uma nova ativação da exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente”, com obras do acervo do Museu Oscar Niemeyer (MON), é entregue ao público. “Intersecções contemporâneas - Ano da França no Brasil”, com curadoria de Renato Araújo, em cartaz na Sala 4, é um importante diálogo entre a arte africana tradicional e a sua transversalidade, que ganha cada vez mais espaço no contemporâneo.
A exposição se renova no ano Brasil-França, que celebra dois séculos de relações diplomáticas entre os dois países. Esta nova edição é uma parceria do MON com a Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY) e o Instituto Tomie Ohtake, ambos de São Paulo, e propõe um intercâmbio cultural e artístico.

Exposição africana do MON ganha novo diálogo com o contemporâneo

A exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), com obras de seu acervo, ganha uma nova ativação: “Intersecções contemporâneas – Ano da França no Brasil”, que será inaugurada em 4 de dezembro, na Sala 4. A curadoria é de Renato Araújo.

Para Luciana Casagrande Pereira, secretária de Estado da Cultura, essa exposição é um exemplo de como a cooperação cultural pode gerar novas formas de diálogo e criação. “Quando obras, narrativas e sensibilidades circulam entre continentes, ampliamos nossa capacidade de reconhecer a diversidade como valor compartilhado”, diz. 

“Com esta ativação, o MON, como instrumento vivo de valorização e democratização da cultura, traz até o seu visitante um importante diálogo entre a arte africana tradicional e a sua transversalidade, que ganha cada vez mais espaço no contemporâneo”, afirma a diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika.

A exposição se renova no ano Brasil-França, que celebra dois séculos de relações diplomáticas entre os dois países. Essa nova edição é uma parceria do Museu Oscar Niemeyer com a Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY) e o Instituto Tomie Ohtake, ambos de São Paulo, e propõe um intercâmbio cultural e artístico.

“Apresentamos ao público dois projetos distintos simultaneamente”, informa Juliana. O primeiro consiste na instalação de dois vídeos das artistas Josèfa Ntjam e Tuli Mekondjo. A curadoria é Nadine Hounkpatin, nascida no Benin e radicada na França há muitos anos.

O segundo projeto, com curadoria de Paulo Miyada e Ana Roman, aborda o tema “Errâncias: Entre Brasil, França, África e Caribe”, a partir de residências oferecidas pelo Instituto Édouard Glissant, na Martinica, a artistas do mundo todo. “A participação dos artistas brasileiros Rayana Rayo e José Eduardo Ferreira Santos resultou na criação de obras exibidas nesta exposição”, explica.

Em sua terceira edição, a exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente” consolida um longo e criterioso processo que culminou na chegada de uma das mais importantes e significativas coleções de arte africana ao Museu Oscar Niemeyer.  

“Como parte das comemorações da temporada cultural França-Brasil, o Museu apresenta, neste momento, intervenções ligadas à França e à sua região ultramarina, a Martinica”, informa o curador. “Em diálogo com o acervo, cada intervenção possui formas, gestos e narrativas próprias”, diz Araújo. 

Ele explica que uma das propostas apresenta a instalação de vídeo-arte “Presenças: Corpos, Objetos e Memórias”, com curadoria da especialista franco-beninense Nadine Hounkpatin e que reúne vídeos das artistas Tuli Mekondjo, da Namíbia, e Josèfa Ntjam, franco-camaronesa. “As obras fundem filosofia, tecnologia e espiritualidade africanas, reimaginando a herança negra como um agente vivo de memória e resistência”, diz.

Outra proposta entrega ao visitante o trabalho da artista Rayana Rayo e do curador José Eduardo, do Acervo da Laje (Bahia), que realizaram uma residência artística na Martinica, em parceria com o Instituto Tomie Ohtake (SP) e o Glissant Art Fund. 

“A experiência partiu dos conceitos de errância, crioulização e relação, formulados pelo filósofo Édouard Glissant”, diz o curador. As obras afro-brasileiras de César Bahia (Salvador), que reverberam a herança formal e simbólica das culturas africanas, e as pinturas de Rayana Rayo (Recife), que investigam recipientes como metáforas do corpo e do abrigo, criam zonas de intersecção entre territorialidades e temporalidades. 

“Essas ‘Errâncias entre Brasil, França, África e Caribe’ articulam memória, origem e deslocamento, propondo uma escuta ampliada do legado africano e de seus desdobramentos no contexto brasileiro”, conclui.

Áudio 1_Texto Institucional_Exposição Intersecções Contemporâneas_narração Rogele Caldeira_RC Audiovisual.mp3

Versão em áudio - África, Expressões Artísticas de um Continente

Áudio 2_Texto Curatorial_Exposição Intersecções Contemporâneas_narração Rogele Caldeira_RC Audiovisual.mp3

Versão em áudio - Presenças: Corpos, Objetos e Memórias

Áudio 3_Texto Curatorial_Exposição Intersecções Contemporâneas_narração Rogele Caldeira_RC Audiovisual.mp3

Versão em áudio - Errâncias: Entre Brasil, França, África e Caribe

Áudio 4_Texto Curatorial_Exposição Intersecções Contemporâneas_narração Rogele Caldeira_RC Audiovisual.mp3

Versão em áudio - Bio José Eduardo Ferreira Santos 

Áudio 8_Biografia José Eduardo Santos_Exposição Intersecções Contemporâneas_narração Rogele Caldeira_RC Audiovisual.mp3

Áudio 7_Biografia Rayana Rayo_Exposição Intersecções Contemporâneas_narração Rogele Caldeira_RC Audiovisual.mp3

Áudio 5_Carta a Glissant_Exposição Intersecções Contemporâneas_narração Rogele Caldeira_RC Audiovisual.mp3

Áudio 6_Carta a Glissant_Exposição Intersecções Contemporâneas_narração Rogele Caldeira_RC Audiovisual.mp3

África, Expressões Artísticas de um Continente
Intersecções contemporâneas - Ano da França no Brasil

Intersecções contemporâneas - Ano da França no Brasil

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Ao realizar uma nova edição do “MON sem Paredes – Arte ao Ar Livre” o Museu Oscar Niemeyer cada vez mais utiliza a sua área externa como uma grande área de convivência voltada à arte – um presente à população.

Em consonância com o movimento da cidade de oferecer mais atrativos na região central, transformamos o entorno do Museu num amplo espaço cultural. Dessa forma, alcançamos cada vez mais pessoas, sejam moradores ou visitantes, fazendo com que a região respire arte.

Democrático e inclusivo, o projeto – inaugurado em 2024 – rompeu o limite físico das paredes do Museu e abraçou a população. A iniciativa se transformou num convite permanente para que o público externo se inspire e sinta-se instigado a entrar no MON.

Na mais recente edição, quatro grandiosas obras foram entregues à população. São elas: a escultura "Aurum", da artista Rizza Bomfim; as "Bancas Galerias", das artistas Mavi Morais, Maria Lynch, Atransälien e Yohana Oizumi; a escultura de Avaf (Assume Vivid Astro Focus), e o "Robô Interativo" dos arquitetos Dilva e Orlando Busarello, que resgata a memória afetiva de uma Curitiba de décadas atrás, quando a obra teve longa permanência no Centro da cidade, na Praça Osório.

Elas se juntam ao conjunto de obras anteriores, que ocupa a área externa do MON e que conta com trabalhos de artistas como Gustavo Utrabo, Artur Lescher, Rômmulo Conceição, Alexandre Vogler, Narcélio Grud e Joana Vasconcelos.

Entendemos que a arte no espaço público proporciona uma variedade de atividades interativas que nem sempre uma exposição museológica possibilita. Ao criar uma área urbana voltada à cultura, o “MON sem Paredes – Arte ao Ar Livre” permite muitas outras formas de expressão da criatividade artística.

O “Semeador” propõe uma reflexão sobre a vida e a passagem do tempo, através de um percurso elevado no solo que conecta o MON ao jardim. Construído a partir da repetição modular do piso projetado por Oscar Niemeyer, o trabalho busca borrar os limites entre o construído e o natural, ao misturar sementes típicas do Paraná com o cimento.

O caminho leva o visitante à obra “Ao Redor de uma Árvore”, criação que se materializa como um gesto de cuidado. Com uma estrutura metálica envolve o caule e aproxima o visitante  da copa em um aceno de respeito. A sustentação no chão é feita por quatro pilares finos, em referência a uma fala do filósofo Ailton Krenak, que diz: pisar suavemente sobre a terra é o que se busca.

ALEXANDRE VOGLER 
Maçaranduba | Coleção do artista.

A “Maca de Guarda” convida o visitante a se deitar sobre a superfície inclinada a 40°, com o corpo voltado para o céu. A proposta dialoga com a prática lúdica de criar imagens de anjo na neve, ao abrir braços e pernas, referência que complementa o título da obra.

O termo Maleme, do vocabulário afro-brasileiro, significa súplica, misericórdia ou ajuda, dirigida aos orixás, especialmente ao orixá Xangô. A posição do corpo, com o plexo e as pernas abertos e voltados ao alto, sugere uma orientação ecumênica e divina.

- Número máximo de pessoas: 1 pessoa por vez.

NARCÉLIO GRUD
Escultura em fibra de vidro com pintura em PU e arcos em aço inox

A obra propõe ser uma escultura e mobiliário de escalada, similar aos equipamentos de lazer encontrados em áreas de recreação infantil e parques públicos. Com uma composição circular em que o raio, o diâmetro e o centro se expandem de um globo para aros entrelaçados, formando uma espécie de cosmos das rotas órbitas planetárias, convida o visitante a perceber a arte por meio de novas aproximações do público com a escultura.

- Crianças abaixo de 8 anos devem ser supervisionadas por um adulto.

- Não é permitida a utilização por pessoas com mais de 14 anos.

- Em dias quentes, a estrutura absorve o calor. Use com cautela.

JOANA VASCONCELOS 
Ferro forjado, plantas de jasmim

A escultura “Té Danzante (PA)” produzida em ferro forjado, no formato de um bule de chá, cria conexões entre o natural e o industrial. Nas grades de ferro que dão forma ao bule apresenta padrões característicos das cercas e balaustradas que podem ser observadas em diferentes paisagens urbanas e rurais. A obra assume a forma de uma escultura-árvore que dialoga com o princípio de complementaridade e simbiose entre o natural e o industrial. 

Metal, vidro, concreto e pintura automotiva policromada

3° trabalho da série ‘’Estruturas Dissipativas” Acervo Museu Oscar Niemeyer

Obra desenvolvida pelo projeto “O Pequeno Colecionador”

A obra “Estruturas Dissipativas” é composta por duas estruturas metálicas a partir de um eixo perpendicular em uma plataforma central, uma chapa de vidro com altura de 3,5 metros atravessa a plataforma e estabelece um plano falso de simetria. Produzida em ferro e concreto montada de forma a dar acesso ao público, que poderá utilizá-lo a partir de suas próprias referências e experimentações.

- Crianças abaixo de 8 anos devem estar acompanhadas de um adulto.

- Número máximo de pessoas: 2 adultos ou 3 crianças na parte aérea.

O “Giroscópico” convida o visitante a girar sobre o próprio eixo, movimentando o entorno em uma experiência ao mesmo tempo lúdica e meditativa. A obra pode ser compreendida como um recipiente para o corpo, uma espécie de “metacasa” a partir da qual se observa o mundo. O movimento circular evoca a dança e rituais espirituais associados a outros estados mentais, além de remeter às memórias da infância.

- Número máximo de pessoas: 2 adultos ou 3 crianças por vez.

Esculturas sonoras em fibra de vidro com pintura PU 

As obras da série “Sempre em Pé” combinam diferentes conceitos, a partir do brinquedo João Teimoso/Sempre em Pé. Com interações que criam movimento e experiências sonoras, ressignifica o objeto e amplia suas possibilidades de uso, criando um ambiente onde a descoberta e o brincar andam juntos.

- Cuidado ao manusear as obras, evitando atingir pessoas ao redor.

Aço carbono, aço inox, concreto e pintura policromada – esmalte sintético sobre epóxi

O “Robô Interativo” foi idealizado pelos arquitetos Dilva e Orlando Busarello. O escorregador/robô resgata o imaginário e memória afetiva do público, em uma releitura do icônico brinquedo que esteve por décadas na Praça Osório, no centro de Curitiba. Originalmente concebido em 1971, a pedido do então prefeito Jaime Lerner, o projeto tinha como objetivo oferecer uma área de lazer e convivência para crianças e famílias na região central da cidade.

- Número máximo de pessoas: 1 criança por vez na escada, 5 crianças na parte alta e 1 criança por vez em cada ‘’braço’’ do escorregador.

- Em dias quentes a estrutura absorve calor. Use com cautela.

- Não é permitido escalar na estrutura.

Robô Interativo – Memória e Resgate Afetivo – 1971 – 2025, 2025

A escultura “Aurum”, da artista mineira Rizza Bomfim, apresenta curvas reflexivas que convidam o público a circular, atravessar e interagir. A artista trabalha com interferências no ambiente, pensando suas obras como joias urbanas, que não adornam somente o corpo, mas também o espaço.


- Em dias quentes a estrutura absorve calor - Não toque.

Madeira, aço, EPS, fibra de vidro, pintura automotiva e cordas

Próximo ao Giroscópico, a obra “Afenufu vivalulu amulufu fufulufu” é uma escultura autoportante com escorregador, balanço e outros elementos para interação das crianças.

- Número máximo de pessoas: 6 crianças por vez.

- Uso destinado a crianças de 3 a 12 anos acompanhadas de um adulto.

- Não é autorizado pular, correr ou saltar da escultura.

Uma nova edição do “MON sem Paredes – Arte ao Ar Livre” acaba de ser entregue ao público. Desta vez, a área externa do Museu Oscar Niemeyer passa a abrigar mais quatro grandiosas obras: a escultura Aurum, da artista Rizza Bomfim; as Bancas Galerias, das artistas Mavi Morais, Maria Lynch, Atransälien e Yohana Oizumi; a escultura de Avaf (Assume Vivid Astro Focus), e o Robô Interativo dos arquitetos Dilva e Orlando Busarello. A curadoria é de Marc Pottier.

On view exhibition

Moiré Bereguedê

Curitiba International Biennial

África, Expressões Artísticas de um Continente

MON sem Paredes – Arte ao Ar Livre

O mundo lúdico dos Mangás e Animes

Ásia: a terra, os homens, os deuses

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