Próximas Exposiciones

Para el Museo Oscar Niemeyer, el arte y los artistas paranaenses juegan un papel importante y están siempre presentes en las exposiciones y en la colección permanente de la institución.

Aquí los visitantes podrán disfrutar de una selección del trabajo del artista curitibense Teca Sandrini, desde la década de 1960 hasta la actualidad. Su exposición “Eternal Feminine”, presentada por MON, reúne más de 100 pinturas, dibujos, grabados y esculturas.

Con gran sensibilidad, las mujeres son retratadas por ella de diferentes maneras, en diferentes contextos y épocas, así como sus sentimientos, sensaciones y emociones.

Los artistas a menudo dan pistas, a través de sus obras, sobre su manera de ver la vida. Teca siempre ha sido una aguda observadora del mundo que la rodea, lo que queda claro, implícita y explícitamente, en su obra.

El resultado es una vasta producción, ya presentada en ciudades de Brasil y del mundo, que integra varias colecciones.

Los museos son espacios vivos y de conocimiento cuya misión es promover el diálogo constante entre los artistas y el público. Al acercar la exposición de este artista a sus compatriotas y a todos los visitantes, MON transmite un sentido de pertenencia y de aprecio por la cultura local.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

“Eterno Feminino” es una selección de la obra de la artista curitibana Teca Sandrini, desde la década de 1960 hasta la actualidad, con curaduría de Maria José Justino, y se exhibe en la Sala 7. Las pinturas, dibujos, grabados y esculturas presentan tres etapas de su carrera: “Polacas”, “Fragmentos” y “Manchas”.

 La primera aborda signos de la vida doméstica mostrando a mujeres realizando sus tareas cotidianas. En “Fragmentos”, que roza el surrealismo y la abstracción, la atención se centra en cajones y sillas. En “Manchas”, la artista juega con las formas.

Esta exposición consolida la preferencia de Teca Sandrini por la pintura como un lenguaje oblicuo sobre la realidad, un conocimiento que habla a través del silencio de las mujeres, sus deseos y ensoñaciones. En las diversas técnicas y lenguajes que experimentó, siempre estuvo presente la estructura diagonal, que el Barroco veía como la mejor manera de expresar el movimiento y la vida.

Además de las zonas de transición, Sandrini tiene al menos tres fases principales. En LAS POLACAS, la joven gorda, recluida en una plaza y rodeada por todos lados de trastos, signos de la vida doméstica cotidiana, oscila entre lo ingenuo y lo mordaz. Son mujeres inmersas en las tareas, en los trastos –ollas, sartenes, cajones–, en una locura organizada. Ni heroínas ni víctimas, sólo amas de casa atrapadas en sus tareas rutinarias.

Más tarde, en un flirteo con el surrealismo, los animales se entrelazan con los seres humanos, quienes poco a poco se desvanecen y dan paso al objeto hasta que, finalmente, se rinden. En la saturación de objetos, Teca siente la necesidad de vaciarse... Esta es la fase de FRAGMENTOS. La mujer se esconde y da paso a cajones y sillas: un lugar de secretos, de lo guardado y de la espera.

Surge un coqueteo con la abstracción. Pero no se trata de una abstracción pura: el lado emocional del expresionista no desaparece. Cambia la forma femenina y los animales por la violencia de los colores y la concentración en el fragmento.

La dificultad galopante de la visión inaugura la fase STAINS, en la que el artista permite jugar con las formas. La materia concreta y la geometría se funden con las emociones de la vida, disfrazadas de manchas, espontaneidad y expresividad, acercándose al all-over. Los colores fuertes dan paso a grandes manchas y, en las luces que se desvanecen, el blanco emerge como luz. Surge una nueva pintura no narrativa.

La teca de hoy se perfila en manchas. A excepción del recorrido por las Marías, que parece un concierto con todas las mujeres del pasado, sus cuadros son reminiscencias de vida. Hay que perder el paraíso terrenal para vivirlo verdaderamente, decía Bachelard. La pérdida de parte de la visión agudiza la mirada e intensifica el deseo de ver el mundo. Su pintura sigue siendo el ejercicio de una religión profana, porque está inmersa en el mundo;ontológico, porque está inmerso en la inmensidad del lenguaje del arte; íntimo y, por lo tanto, verdadero. Metáfora de la resistencia, poética de la mirada, elogio de la mano.

Óleo sobre tela
300 x 300 cm (cada 150 x  150) quadríptico
Acervo Teca Sandrini

Giz de cera, nanquim e tinta a óleo sobre papel
Dimensões variáveis
Acervo Teca Sandrini

Óleo sobre tela
130 x 160 cm
Acervo Teca Sandrini

Nanquim e pastel oleoso sobre papel
73 x 105 cm
Acervo Teca Sandrini

El Museo Oscar Niemeyer inaugura exposición de la artista Teca Sandrini

Una selección de la obra de la artista curitibana Teca Sandrini, desde la década de 1960 hasta la actualidad, se reúne en la exposición “Eterno Feminino” (Eterno Femenino), inaugurada por el Museo Oscar Niemeyer (MON). 126 pinturas, dibujos, grabados y esculturas, con curaduría de Maria José Justino, se exhibirán en la Sala 7 a partir del 3 de julio a las 19:00 h.

“Valorar la producción de artistas paranaenses, especialmente de mujeres con trayectorias tan potentes como Teca Sandrini, es reafirmar nuestro compromiso con la memoria, la diversidad y la fuerza del arte hecho en Paraná”, afirma la secretaria estatal de Cultura, Luciana Casagrande Pereira.

“El arte y los artistas paranaenses desempeñan un papel fundamental y están siempre presentes en las exposiciones y en la colección permanente del MON”, afirma la directora ejecutiva de la institución, Juliana Vosnika. “Con la exposición de este artista, el Museo Oscar Niemeyer fomenta un sentido de pertenencia y aprecio por la cultura local”, añade Juliana.

La curadora explica que la exposición consolida la preferencia de Teca Sandrini por la pintura “como un lenguaje oblicuo sobre la realidad, un conocimiento que habla a través del silencio de las mujeres, sus deseos y ensoñaciones”. Según Maria José Justino, “en las diversas técnicas y lenguajes que experimentó, la estructura diagonal estuvo siempre presente, la cual los barrocos veían como la mejor manera de expresar el movimiento, la vida”.

La exposición reúne obras de tres grandes etapas diferenciadas de la trayectoria del artista: “Polacas”, “Fragmentos” y “Manchas”. La primera aborda indicios de la vida doméstica al presentar amas de casa realizando tareas rutinarias. “Más tarde, en un coqueteo con el surrealismo y la abstracción, la mujer se esconde y cede el paso a cajones y sillas: un lugar de secretos, de lo guardado y de la espera; esta es la fase “Fragmentos”, explica la curadora.

Las limitaciones y dificultades visuales de la artista inauguran la fase más reciente de su obra, “Manchas”, en la que juega con las formas. “La materia concreta y la geometría se mezclan con las emociones de la vida, disfrazadas de manchas, espontaneidad y expresividad”, afirma María José Justino. “Los colores intensos dan paso a grandes manchas y, en las luces que se apagan, el blanco emerge como luz. Surge una nueva pintura, no narrativa”, informa.

Con una trayectoria artística de más de seis décadas, Teca Sandrini afirma que el arte la ha convertido en ciudadana del mundo. “De la vida y del arte extraigo amor, colores y perfumes”, afirma. “Siento el arte como naturaleza, donde lo visible y lo invisible se funden y narran la realidad y la memoria”, añade.

Maria José Justino es profesora, ensayista, curadora y crítica de arte. Tiene una maestría en Filosofía de la PUC-SP; un posdoctorado de la École des Hautes Études en Sciences Sociales (2008) y un doctorado en Estética y Ciencias del Arte de la Universidad París VIII (1991). Es miembro del Consejo de Cultura del Estado de Paraná, del Museo Oscar Niemeyer (MON) y del Museo de Arte Contemporáneo (MAC). Profesora jubilada de la UFPR y Embap, es autora de más de 70 artículos y libros, entre ellos: “Mujeres en el Arte: ¿Qué Diferencia Hace?”, “Frans Krajcberg: La Tragedia de la Naturaleza a través de los Ojos del Arte” y “Modernidad y Posmodernidad en Hélio Oiticica”.

Teca Sandrini es una artista brasileña galardonada, con obras en diversas colecciones nacionales e internacionales. Es licenciada en Pintura por la Escuela de Música y Bellas Artes de Paraná, licenciada en Dibujo por la Facultad de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica de Paraná (PUCPR) y tiene una especialización en Antropología Filosófica por la Universidad Federal de Paraná (UFPR). Ha realizado exposiciones individuales en varias ciudades brasileñas y en otros países, como Estados Unidos y Alemania. Fue profesora en la Escuela de Música y Bellas Artes de Paraná y en la PUCPR.

Sus obras pertenecen a importantes colecciones, tales como: Museo Oscar Niemeyer, Colección Brasileña Americana, Instituto Cultural, Washington DC, (EE. UU.); Museo de Arte Brasileño - Fundación Armando Alvares Penteado, São Paulo; Museo de Arte Contemporáneo de Pernambuco, Olinda (PE); Museo de Arte Contemporáneo de Paraná, Curitiba; Museo de Arte Moderno de Santa Catarina, Florianópolis; Museo de Arte de Goiânia; Museo Nacional de Bellas Artes, Río de Janeiro; y varios otros.

El Museo Oscar Niemeyer (MON) es un sitio patrimonial estatal, vinculado a la Secretaría de Estado de Cultura. La institución alberga importantes referentes de la producción artística nacional e internacional en las áreas de artes visuales, arquitectura y diseño, así como importantes colecciones asiáticas y africanas. En total, la colección incluye aproximadamente 14.000 obras de arte, albergadas en un espacio de más de 35.000 metros cuadrados construidos, lo que convierte al MON en el museo de arte más grande de Latinoamérica.

Exposición “Eterna Feminidad”– Teca Sandrini
Inauguración: 3 de julio, 19 h.
Espacios: Sala 7
www.museuoscarniemeyer.org.br

Eterno Feminino - Teca Sandrini

O MON está ao lado de grandes museus do Brasil e do mundo na plataforma Google Arts & Culture. Visite nossas exposições em formato virtual.

Conheça mais sobre esta exposição na plataforma Google Arts & Culture.

El Museo Oscar Niemeyer (MON) le acerca, como visitante, la obra de uno de los grandes nombres del arte contemporáneo brasileño. La exposición inédita "Teia à toa", organizada por el MON, reúne 70 esculturas y pinturas realizadas en las últimas décadas por el artista carioca Barrão.

Diseñador, pintor, escultor y artista multimedia, reutiliza objetos cotidianos y retales, dándoles nuevos significados. Intuitivo, reconfigura objetos utilitarios rotos o dañados, transformándolos en obras sorprendentes y creativas.

El resultado es casi una alusión a la vida, a lo imponderable que a menudo destruye las predicciones y nos deja solo con la posibilidad de adaptación. Barrão incita al invertir el significado original de los objetos con humor, ironía y poesía.

Los museos son espacios de encuentro e intercambio, para experiencias personales y presenciales significativas, cada vez más necesarias en un mundo instantáneo y efímero. En el caso de la obra de Barrão, es la oportunidad de confundir la lógica y buscar nuevos puntos de vista.

Su obra nos invita a cuestionar lo obvio y a observar con más detenimiento. Surge entonces la pregunta: ¿qué pasaría si el bricolaje trascendiera los límites del arte y se aplicara a situaciones cotidianas? Con "Teia à toa", el espectador quedará sorprendido y, probablemente, de alguna manera, transformado.

Organizada por MON, la exposición "Teia à Toa" presenta un recorrido transversal por la producción del artista carioca Barrão de los últimos 20 años en la Sala 3. Curada por Luiza Mello, reúne alrededor de 70 obras en cerámica multicolor, esculturas monocromáticas en resina y bronce, acuarelas e instalaciones.

Diseñador, pintor, escultor y artista multimedia, Barrão reutiliza objetos cotidianos y chatarra, dándoles nuevos significados. Intuitivo, reconfigura objetos utilitarios rotos o dañados, transformándolos en obras sorprendentes y creativas.

Teia à toa presenta una muestra representativa de la producción de Barrão de los últimos 20 años, reuniendo obras en cerámica multicolor, esculturas monocromas en resina, yeso y bronce, acuarelas e instalaciones. Esta es la primera vez que esta obra se exhibe en Curitiba, revelando la complejidad y las sutilezas de su práctica artística.

A lo largo de más de cuatro décadas, Barrão ha desarrollado un lenguaje marcado por la intuición y la transformación en la combinación de elementos cotidianos: objetos reconocibles extraídos de nuestro universo doméstico y urbano. En su estudio, las estanterías albergan piezas de diferentes orígenes, acumuladas y organizadas con criterios tan intuitivos como enigmáticos. De estos fragmentos surgen esculturas híbridas que desafían funciones y estilos, siempre impregnadas de humor e ironía.

El título de la exposición es también una invitación: un paseo por un bosque de formas y colores donde todo está conectado por hilos invisibles. Como arañas tejiendo sus redes en el aire, Barrão trabaja combinando objetos preexistentes y trozos de objetos: cerámicas rotas y pegadas, objetos moldeados y fusionados con otros materiales, trozos de objetos organizados en composiciones improbables. Resina, bronce, porcelana, yeso: cada elemento lleva la memoria de lo que fue y ahora se presenta como parte de algo más grande.

Estas conexiones no siguen una lógica utilitaria ni racional. Como redes que varían según la especie y el entorno —circulares, irregulares, densas o dispersas—, las obras se organizan según su propio sistema. Las esculturas, instalaciones y acuarelas no se presentan como piezas aisladas, sino que se articulan en el espacio en una red de relaciones formales, cromáticas y simbólicas, activando el recorrido del visitante como una deriva sensorial.

También hay una dimensión lúdica e impredecible que recorre toda la exposición. "À toa (for nothing)" no implica aquí falta de dirección, sino libertad creativa. Cada obra parece surgir de un juego entre materiales, significados, títulos y formas. Los nombres de las obras, siempre precisos e irónicos, funcionan como poemas: a veces revelan, a veces barajan las posibles interpretaciones.

En Teia à toa, Barrão propone una experiencia de encanto y extrañeza, en la que el significado se construye a través del azar, la sorpresa y la mirada del espectador.

Eduardo Ortega
Cortesia do artista e Fortes D'Aloia & Gabriel, São Paulo/Rio de Janeiro

Porcelana y resina epoxi
159 x 37,5 x 35 cm
Colección del artista

Bronce
254 x 80 x 85 cm
Colección del artista

Porcelana y resina epoxi
37 x 31 x 35 cm
Colección del artista

Resina epoxi y pintura automotriz
86,5 x 44 x 29 cm
Colección del artista

Resina epoxi y pintura automotriz
Dimensiones variables
Colección del artista

Resina epoxi y pintura automotriz
17 x 15,5 x 8 cm
Colección del artista

El MON presenta una exposición del artista contemporáneo Barrão

La exposición “Teia à Toa” (Telaraña sin uso) presenta una selección de la obra del artista carioca Barrão de los últimos 20 años. Organizada por el Museo Oscar Niemeyer (MON), la exposición se inaugurará el 10 de julio a las 19:00 h en la Sala 3.

Con curaduría de Luiza Mello, reúne aproximadamente 70 obras en cerámica multicolor, esculturas monocromáticas en resina y bronce, acuarelas e instalaciones. Es la primera exposición individual del artista en Curitiba.

“Al acercar al público exposiciones como la de Barrão, el MON se consolida como uno de los espacios más relevantes para el arte contemporáneo en Brasil”, afirma Luciana Casagrande Pereira, Secretaria de Estado de Cultura. Para ella, la exposición de Barrão invita a la gente a ver belleza, significado y poesía donde antes solo había desperdicios. “Es este poder transformador del arte lo que queremos estimular cada vez más, acercando al público a experiencias fascinantes y significativas”, señala.

Diseñador, pintor, escultor y artista multimedia, Barrão reutiliza objetos cotidianos y chatarra, dándoles nuevos significados. Con una gran intuición, reconfigura objetos utilitarios rotos o dañados, convirtiéndolos en obras sorprendentes y creativas, explica la directora ejecutiva del MON, Juliana Vosnika.

“El resultado es casi una alusión a la vida, a lo imponderable que a menudo destruye las predicciones y nos deja solo con la posibilidad de adaptación”, dice. “Barrão instiga al invertir el significado original de los objetos con humor, ironía y poesía”, comenta Juliana.

La curadora relata que, a lo largo de más de cuatro décadas, Barrão ha desarrollado un lenguaje marcado por la intuición y la transformación en la combinación de elementos cotidianos: objetos reconocibles, extraídos de nuestro universo doméstico y urbano. “En su taller, las estanterías albergan piezas de diversos orígenes, acumuladas y organizadas según criterios tan intuitivos como enigmáticos. De estos fragmentos surgen esculturas híbridas que desafían funciones y estilos, siempre impregnadas de humor e ironía”, afirma.

Explica que el título de la exposición invita a recorrer un bosque de formas y colores donde todo está conectado por hilos invisibles. “Como arañas que tejen sus telas en el aire, Barrão trabaja combinando objetos y piezas de objetos preexistentes: cerámica rota y pegada, objetos moldeados y vaciados en otros materiales, piezas de objetos organizados en composiciones improbables”, dice Luiza. “Resina, bronce, porcelana: cada elemento lleva la memoria de lo que fue y ahora se presenta como parte de algo más grande”.

Barrão destaca las acuarelas presentes en la exposición, que, a pesar de ser bidimensionales, sugieren una escultura. “Tienen mucho que ver con el trabajo que desarrollo, con la búsqueda de relaciones entre los objetos”, afirma.

Según el artista, toda su obra se construye a partir de un mundo ya existente. “Son objetos que tenían otras funciones y ya estaban aquí cuando llegué, pero ahora se asocian con otros y adquieren un nuevo significado”, resume. “Se transforman”.

El artista
Barrão (Río de Janeiro, 1959). Vive y trabaja en Río de Janeiro.
Artista, pintor, escultor y artista multimedia. Autodidacta, inició su carrera artística en el Grupo Seis Mãos, 1983-1991, formado con Ricardo Basbaum y Alexandre Dacosta. El grupo desarrolló actividades con video, pintura en vivo, espectáculos musicales y performances, y promovió el proyecto de Improvisación de Pintura y Música en calles, plazas públicas, colegios, etc. La primera exposición de los tres artistas tuvo lugar en 1983, en el Circo Voador, en Río de Janeiro. Ese año, Barrão participó de las exposiciones Arte na Rua I y Pintura! Pintura!, ambos en la misma ciudad. En 1984, realizó su primera exposición individual, Televisões, en la Galeria Contemporânea, y participó de la muestra colectiva Como Vai Você, Geração 80?, realizada en la Escola de Artes Visuais do Parque Lage – EAV/Parque Lage, en el Jardim Botânico, Río de Janeiro. Recibió el Premio Brasilia de Artes Visuales en el Museo de Arte de Brasilia en 1990. Realizó los videos 7 Horas de Sono y A Geladeira con Sandra Kogut. También crea viñetas electrónicas para televisión, escenografía y portadas de discos. En colaboración con el artista Luiz Zerbini, el editor de video y cine Sérgio Mekler y el productor musical Chico Neves, creó el grupo Chelpa Ferro en 1995, que trabaja con esculturas, instalaciones tecnológicas y música electrónica.

Organizada por MON, la exposición "Teia à Toa" presenta un recorrido transversal por la producción del artista carioca Barrão de los últimos 20 años en la Sala 3. Curada por Luiza Mello, reúne alrededor de 70 obras en cerámica multicolor, esculturas monocromáticas en resina y bronce, acuarelas e instalaciones.
Diseñador, pintor, escultor y artista multimedia, Barrão reutiliza objetos cotidianos y chatarra, dándoles nuevos significados. Intuitivo, reconfigura objetos utilitarios rotos o dañados, transformándolos en obras sorprendentes y creativas.

Teia à Toa - Barrão

MON está junto a los principales museos de Brasil y del mundo en la plataforma Google Arts & Culture. Visita nuestras exposiciones en formato virtual. Descubre más sobre esta exposición en la plataforma Google Arts & Culture.

Próximas Exposiciones

Eterno Feminino

Teia à Toa

CONHEÇA NOSSA PROGRAMAÇÃO

Recibir noticias

Museo Oscar Niemeyer

Entradas