Especialmente produzida para o Museu Oscar Niemeyer, a exposição exibe as obras gráficas de Francis Bacon (1909-1992), Lucian Freud (1922) e Henry Moore (1898-1986), três artistas de fundamental importância no cenário artístico mundial do século 20. A mostra reúne 47 trabalhos, criados entre 1970 e 1990, que integram a coleção de gravuras do Museu de Arte Contemporânea de Caracas.

A apresentação de parte desse acervo de gravuras, composto por mais de mil obras, reforça o empenho deste Museu de ampliar suas parcerias com outras instituições sul-americanas, na produção de mostras exclusivas.  A exposição tem o patrocínio da Sanepar, com o apoio do Ministério da Cultura, Governo do Paraná, Secretaria de Estado da Cultura, Caixa, Governo e Ministério da Cultura da Venezuela e, ainda, da Fundacion Museos Nacionales.

As obras selecionadas pelo curador venezuelano, Félix Suazo, registram os “paralelos e as convergências características” –técnicas e plásticas – existentes nas gravuras de Bacon, Freud e Moore. O curador diz que estes artistas “se identificam ao abordar a idéia do corpo e sua representação, abrangendo desde a mais estrita meticulosidade anatômica (Freud), até a simplificação estrutural (Moore), passando pela distorção expressiva (Bacon)”. Nos três casos, as técnicas gráficas – água-forte, ponta seca e litografia – atuam como veículos de estudo e exploração da figura. Suazo analisa que o “discurso figurativo alimenta-se de temas cotidianos ou íntimos (retratos, nus, estudos, etc), nos quais a imagem corporal manifesta diversos estados da condição humana, debatendo-se entre o dilaceramento, a inapetência e a plenitude carnal”.  “O corpo transfigurado em Bacon, a relação entre psique e gênero em Freud e o vínculo expressivo que se estabelece entre estrutura e sensualidade em Moore (...).”

Embora assumam a especificidade técnica dos meios de reprodução gráfica, não “menosprezam suas principais inquietudes plásticas: a cor em Bacon, o traço em Freud, o volume em Moore”. Para o curador, é interessante ressaltar a maneira como estes artistas manipulam as técnicas gráficas: “por um lado, Bacon e Moore, utilizam a litografia de forma específica a cada um, inclinando-se respectivamente ao momento da cor ou linha; por outro lado, Freud desempenha-se de maneira muito versátil com a água forte e a ponte seca, os quais em determinados momentos tem agregados ocasionalmente técnicas do pastel e da aquarela”.

As particularidade de Bacon, Freud e Moore
por Félix Suazo

Bacon, Freud e Moore situam-se em um ponto intermediário entre as correntes realistas e as expressionistas, com algumas alusões ao surrealismo. Compartilham com estas correntes o aspecto figurativo, mas se diferem de suas posturas críticas e de seu impulso socializante. Suas obras não militam em uma tendência específica e se referem a nada além do que são ou do que estes três artistas percebem em seu círculo familiar, profissional e afetivo. Estas características outorgam uma força singular às obras destes três criadores ingleses, cujos trabalhos gráficos mantêm um diálogo coerente com o corpo central de suas respectivas propostas. Em tal sentido, esta mostra procura registrar os paralelismos e as convergências características destes autores, tanto na técnica como na dimensão plástica, sempre enquadrados em dois eixos matriciais: a figura e a gravura.   

Francis Bacon: corpo transfigurado

As gravuras de Bacon – assim como suas pinturas – se dedicam mais às imagens corporais do que à aparência. Segundo o artista, "o homem moderno busca sensações que não estejam submetidas ao tédio da representação fiel". Esta presunção esclarece alguns aspectos característicos de seu trabalho. As perspectivas se deslocam, os rostos se torcem, os quartos se convertem em celas ou cubículos. Neste mundo vazio e claustrofóbico, o real se torna inalcançável; há apenas uma janela cega, uma cadeira imóvel, um espelho sem reflexo ou uma porta que conduz a lugar nenhum.

Os personagens de Bacon parecem estar sempre em trânsito de um estado a outro, como que encerrados no redemoinho insondável da existência. Por isso ele afirma: "Trabalho melhor no caos. O caos me sugere imagens... Você cria uma imagem que muda continuamente, esse momento depende de seu instinto e de sua sensibilidade".

São corpos deformados que se contorcem no espaço como marionetes monstruosas e sem arbítrio. As gravuras de Bacon combinam o caos anatômico das fivigilante e obsessivo revela a existência de mecanismos de controle invisíveis que restringem e disciplinam o comportamento humano. Definitivamente o corpo é um dispositivo político que rejeita a lógica das funções e as imposições normativas para se confrontar freneticamente com umguras e a rigorosa disciplina do encerramento, inclusive quando suas peças sugerem ou têm como palco espaços abertos (a rua ou a praia). Seus retratos e nus parecem se referir ao confinamento simbólico do indivíduo, toda vez que descrevem e circunscrevem a própria órbita. Mas essa visão mostra planos e arestas que se multiplicam como em uma galeria de espelhos. Este cerco destino que não conhece, tal como Édipo – herói tácito dessas disputas – busca livrar-se dos desígnios do oráculo.

Segundo John Berger, a obra de Bacon está orientada "ao sistema nervoso" e não ao "cérebro". Neste sentido, o artista não procura ilustrar ou descrever o real, e sim comunicar as coisas de formar mais direta e crua, aproveitando a deformidade corporal e incorporando as marcas acidentais que vão aparecendo no processo da obra. Contudo, essa apelação ao instintivo está infestada de matizes e referências à história da arte (Ingres), à dramaturgia antiga (Édipo Rei de Sófocles, Oresteia de Ésquilo), aos sujeitos de seu círculo íntimo (John Edward), a personalidades da literatura (Michel Leiris), da filosofia (Gilles Deleuze) e da política (Leon Trotsky, Harold Wilson).

Neto do célebre psicanalista Sigmund Freud, o início da carreira deste artista está associado ao surrealismo, evoluindo mais tarde para uma figuração crua, de rigorosa resolução técnica, que deliberadamente separa a emoção da representação. Vem daí a dureza e aparente inexpressividade de seus personagens. Esta vacuidade psíquica que se aloja no corpo para dominar o desejo se contrasta com a precisão quase cirúrgica dos traços anatômicos.

Freud fez suas primeiras gravuras em 1946 e, após uma longa pausa, retomou a técnica em 1982. Desde 1988 trabalhou com o impressor de origem libanesa Mark Balakjian, da Studio Prints em Londres. "As gravuras de Freud – escreve Deborah Wye – se distinguem por sua penetrante tensão psicológica e suas radicais soluções compositivas". Por sua parte, Starr Figura, curadora da mostra Lucian Freud: The Painter´s Etchings (MoMA, 16-12-2007/10-03-2007), reconhece que Freud não é um gravurista tradicional, pois trata a superfície gráfica como uma tela.

Freud sempre trabalha com modelos, geralmente pessoas vinculadas a seu círculo íntimo, como sua filha Bella e sua mãe, além de amizades, colegas e amantes, os quais apresenta detalhada e metodicamente. Os personagens retratados – juntos ou em separado – permanecem indiferentes e ilhados, como se nada ao redor os afetasse ou motivasse. Quando estão nus, parecem livres do desejo e da vergonha. Se estão vestidos (com uma camisola, um calção ou uma camiseta), não é por vaidade ou porque tentam seduzir.  Eles não expressam desdém nem amabilidade, nem alguma outra emoção reconhecível, apenas uma profunda abstenção psíquica, como se estivessem ausentes. Aqui as noções de sexo e erotismo sucumbem perante a densidade mental dessas criaturas sem horizonte. Algo sórdido e também sublime, carnal e patológico envolve essas figuras, elaboradas com traço diáfano e meticuloso.  

Henry Moore: estrutura e sensualidade